로댕 박물관 1/3
Musée Rodin
위치: 프랑스 파리
가격: 0€ (첫째주 일요일)
방문일자: 2024년 12월 1일
건물의 역사: 비롱 저택(Hôtel Biron)
이 건물은 1732년에 완공된 전형적인 로코코 양식의 저택이다. 원래는 금융업자의 주거 공간이었으나 이후 비롱 공작이 소유하게 되면서 비롱 저택이라는 이름을 얻게 되었다.
시간이 흐르며 이 저택은 여러 용도로 사용되었다.
19세기에는 수녀회가 운영하는 여학교로 쓰였으며, 이 과정에서 내부의 화려한 장식 상당수가 종교적 이유로 제거되었다.
20세기 초에는 국가 소유로 편입되기 전까지 임대료가 낮았기 때문에 여러 예술가들이 머무는 공간이 되었다. 이 시기 화가 앙리 마티스, 무용가 이사도라 던컨, 작가 장 콕토 등이 이곳을 거쳐 갔다.
로댕과 릴케의 만남
로댕이 이 건물에 정착하게 된 결정적 계기는 시인 라이너 마리아 릴케였다.
1908년, 로댕의 비서로 일하던 릴케는 이 저택을 발견하고 로댕에게 이곳에 작업 공간을 마련할 것을 권했다.
로댕은 건물 1층을 작업실 겸 전시장으로 사용했으며, 정원과 건축에 깊이 매료되었다. 그는 자신의 모든 작품과 수집품을 국가에 기증하는 조건으로 이 저택을 박물관으로 전환해 줄 것을 요청했다.
로댕 미술관 외관
미술관 입구
로댕의 비서였던 릴케(!)와 여기 둘 다 살았었다는 명패주요 구성 공간
호텔 비론 (Hôtel Biron): 미술관의 본관으로 사용되는 18세기 대저택이다. 로댕의 주요 걸작들이 시대순과 주제별로 배열된 상설 전시 공간이다.
조각 정원 (Jardin des Sculptures): 약 3헥타르 규모의 넓은 정원이다. <생각하는 사람>, <지옥의 문>, <칼레의 시민> 같은 대형 브론즈 작품들이 자연 경관과 어우러져 있다.
대리석 갤러리 (Galerie des Marbres): 로댕의 대리석 조각들과 석고 원형 등을 보존하고 전시하는 별도의 공간이다.
샤펠 (La Chapelle): 과거 수도원의 예배당이었던 건물이다. 현재는 입구와 매표소, 기념품점 역할을 하며, 내부의 전시실은 주로 현대 미술가들의 작품이나 특정 주제를 다루는 특별 전시를 위해 사용된다.
로댕 미술관 특별전: Corps invisibles (보이지 않는 몸)
이번 전시는 완성된 조각의 이면, 즉 제작 과정과 그 속에 숨겨진 구조에 집중한다. 전시는 크게 세 가지 관점으로 구성된다.
1. 제작 과정의 가시화
완성된 청동상 뒤에 숨겨진 석고 모형, 거푸집, 그리고 조각의 내부 뼈대를 공개한다. 로댕이 인체의 동세를 잡기 위해 반복했던 수정의 흔적을 직접 확인할 수 있다.
2. 신체의 파편화와 재조합
로댕은 손, 발, 몸통 등 신체 일부를 독립된 작품으로 보았다. 부분적인 형태가 어떻게 완결성을 갖는지, 그리고 생략된 부위가 관객의 상상력을 어떻게 자극하는지 보여준다.
3. 현대 작가와의 대화
형태를 비워내거나 본질만 남기는 현대 미술가들의 기법과 로댕의 조각 철학을 비교하여, '존재하지만 보이지 않는' 몸의 무게감을 탐구한다.
발자크 기념비: 보이지 않는 몸을 찾는 과정
로댕은 소설가 발자크의 본질을 담기 위해 수년간 고군분투했다. 이번 전시에서는 그가 발자크라는 인물에 접근하기 위해 수집한 기록과 습작들을 상세히 소개한다.
발자크의 도상학: 외형에서 본질로
로댕은 발자크의 생전 모습이 담긴 유일한 사진(다게레오타이프)과 당대의 캐리커처, 판화들을 샅샅이 연구했다.
기록의 연구: 발자크가 입었던 수도사 복장, 지팡이, 그리고 비대한 체격에 대한 풍자화들은 로댕에게 중요한 단서가 되었다.
모델 에스타제(Estager): 로댕은 발자크와 닮은 마차 운전사 에스타제를 발견하고 그의 얼굴을 본뜬 마스크와 두상을 대량으로 제작하며 형태를 다듬었다.
누드에서 가운으로: 형태의 압축
로댕은 단순히 옷 입은 사람을 조각한 것이 아니라, 누드 상태의 신체 구조를 먼저 완성한 뒤 그 위에 옷을 입히는 방식을 택했다.
누드 습작: 배가 나온 누드 상태의 발자크를 제작하여 인체의 하중과 부피를 계산했다.
드레이퍼리(Drapery)의 활용: 장 앙투안 우동의 '볼테르' 상에서 영감을 얻어, 풍성한 옷 주름으로 신체를 감싸면서도 그 안의 역동성이 느껴지게 했다.
석고를 입힌 천: 실제 천 조각에 젖은 석고를 부어 누드 모델 위에 직접 둘러보는 실험을 통해, 최종적인 '가운 입은 발자크'의 실루엣을 완성했다.
발자크와 관련된 도상학(iconography)에서는 진지한 묘사와 캐리커처가 나란히 발견된다. 발자크가 사용했던 유명한 지팡이와의 연관성, 풍자에 의해 더욱 부풀려진 비대한 체격, 그리고 시선에 담긴 특유의 유쾌함은 일정하게 유지되는 특징이다. 소설가 자신이 직접 초상화를 찍을 때 입었던 수도사 복장은 캐리커처 작가들에게 큰 즐거움을 주었으며, 곧 이 작가를 상징하는 이미지의 필수적인 부분이 되었다.
가바르니(Gavarni) - 오노레 드 발자크(Honoré de Balzac), 1856년, 판화
베르나르 로맹 쥘리앵(Bernard-Romain Julien) - 오노레 드 발자크(Honoré de Balzac), 1839년, 판화
베르나르 로맹 쥘리앵(Bernard-Romain Julien) - 발자크 씨(M. de Balzac), 1836년, 판화
테오필 고티에(Théophile Gautier) - 발자크, 실물 스케치(Balzac, Sketch from Life), 1830년, 판화
미상 - 발자크(De Balzac), 1806-1844년, 판화
F. 로즈(F. Roze) - 문학적 대조: 19세기의 산문과 운문, 1840년, 판화
K. 클로페(K. Clopet) - 오 나의 지팡이여, 고맙구나!(Ô ma canne, que je te remercie!), 1842년, 판화
베르탈(Bertall) - 수도사 복장을 한 발자크의 초상, 1848년, 판화
쥘 플라티에(Jules Platier) - 살롱 산책에서 만난 사람들, 1842년, 판화
찰스 길버트(Charles Gilbert) - 오늘날 사생활의 한 장면을 쓰고 있는 발자크, 1868년, 판화
알시드 조제프 로렌츠(Alcide Joseph Lorentz) - 발자크 씨(Monsieur de Balzac), 1841년, 판화
펠릭스 나다르(Félix Nadar) - 문진(Paperweight) 형태의 발자크, 1850년, 판화
루이 오귀스트 비송(Louis-Auguste Bisson, 추정) - 오노레 드 발자크(Honoré de Balzac), 1842년, 가죽 케이스에 담긴 다게레오타이프 복사본
로벤줄 내각의 유물 중 하나인 이 다게레오타이프(은판 사진)는 셔츠 차림의 발자크를 포착한 것으로, 이례적으로 캐주얼한 모습이며 작가의 사진 중 유일하게 남아 있는 것이다. 로댕은 나다르가 복제한 이 사진을 소장하며 깊이 몰입했다. 그는 "나는 이 문서를 오랫동안 연구했고, 이제는 그를 얻었다. 마치 그와 수년간 함께 보낸 것처럼 발자크를 잘 알고 있다"라고 선언하기도 했다.
아나톨 마르케 드 바슬로(Anatole Marquet de Vasselot) - 오노레 드 발자크의 흉상, 19세기 후반, 석고
피에르 장 다비드 당제(Pierre-Jean David d'Angers) - 오노레 드 발자크의 우측 프로필, 1850년경, 청동
피에르 장 다비드 당제(사후) - 오노레 드 발자크 초상 메달리온, 연도 미상, 석고
피에르 장 다비드 당제 - 오노레 드 발자크의 흉상, 1844년, 청동
미상 - 오노레 드 발자크의 흉상, 연도 미상, 청동
미상 - 오노레 드 발자크의 미니어처 초상화, 1830년경, 자기 위에 채색
알레산드로 푸티나티(Alessandro Puttinati) - 수도사 복장을 한 오노레 드 발자크 소동상, 1837년, 채색 석고
미상 - 오노레 드 발자크 오른손의 데드마스크(Post-Mortem Cast), 1850년경, 석고
장 피에르 당탕(Jean-Pierre Dantan) - 오노레 드 발자크의 캐리커처 조각, 1835년, 채색 석고
발자크의 멜빵(Bretelles de Balzac), 1830-1840년경, 자수 직물
미상(Anonyme) - 투르의 마차 운전사라 불리는 에스타제 씨, 발자크의 모델(M. Estager dit Le Conducteur de Tours, modèle du Balzac), 1891년, 알부민 인화
1891년, 로댕은 자신이 '투르의 마차 운전사'라고 묘사하게 될 남자를 발견했다. 마차 운전사였던 에스타제(Estager)에 대해서는 몇 가지 단편적인 사실 외에 알려진 바가 거의 없다. 단순한 정장(재킷, 조끼, 셔츠, 넥타이) 차림의 그를 영원히 남긴 이 사진들은 조각가 로댕의 주요한 관심사를 드러낸다. 정면과 측면을 바라보는 이 사진들은 로댕이 3차원 조각으로 구현하고자 했던 얼굴의 특징들을 제공한다.
발자크는 당대 화가들에 의해 풍자의 대상이 되었다. 이 작가의 키는 1.68미터였다.
오귀스트 로댕 - 발자크, 미소 짓는 마스크들(Balzac, masques souriant), 1891년, 석고
오노레 드 발자크 - 자필 서명 및 기록 "Balzac par lui-même", 1835-1836년, 종이에 펜과 잉크
오노레 드 발자크 - 우아한 삶에 대한 고찰(Traité de la vie élégante), 1854년(1830년 초판)
오노레 드 발자크 - 걸음걸이의 이론(Théorie de la démarche), 1853년(1833년 초판)
에밀 드 랑포즈 남작(Baron Émile de Lempese, 발자크의 필명) - 넥타이 매는 법(L'art de mettre sa cravate), 1827년
장 테오도르 모리셋(Jean-Théodore Maurisset) - 당탕의 캐리커처를 본뜬 발자크(Balzac d'après la charge de Dantan), 1839년, 책자 삽화
오귀스트 로댕 - 발자크 두상을 위한 거푸집과 시제품(Moule et épreuve pour une tête de Balzac), 1891년경, 석고
로댕은 마차 운전사에게서 발자크의 인상을 발견했다고 믿었다. 그는 모델을 파리로 데려와 얼굴을 본뜬 일련의 마스크와 두상을 제작했다. 대량으로 제작된 이 마스크들은 거푸집의 이음새 흔적을 그대로 담고 있으며, 상당수는 내부가 비어 있어 조각 내부에 존재하는 공허함을 보여준다.
오귀스트 로댕 - 발자크, 배가 나온 누드 연구(Balzac, étude de nu au gros ventre), 1894년, 석고
로댕은 자신이 소장하던 라마르틴의 저서 중 발자크를 묘사한 구절에 밑줄을 그었다: "그는 튼튼하고 두꺼우며 어깨와 목, 가슴, 몸통, 사지가 강력하게 만들어졌다... 그러나 무거움은 없었다. 그의 풍부한 영혼은 이 모든 것을 가볍고 즐겁게, 마치 부드러운 외피처럼 날랐다".
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 발자크, 습작 C, 축소판, 1892-1893년, 채색 석고
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 프록코트를 입은 발자크, 1891-1892년, 석고
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 프록코트를 입고 등 뒤로 손을 잡은 발자크(가바르니의 묘사에 따름), 1891-1895년, 나무 좌대 위 테라코타
장 앙투안 우동(Jean Antoine Houdon) - 프랑수아 마리 아루에, 볼테르라 불림(1694-1778), 작가, 1778년, 채색 석고 및 테라코타
장 앙투안 우동의 유명한 <볼테르> 상은 로댕에게 하나의 본보기가 되었다. 우동은 철학자의 가녀린 몸을 풍성한 옷 주름 아래 잠기게 하여, 신체를 가리는 드레이퍼리(천 장식)의 역할을 부여했다. 문인협회(Gens de Lettres)는 로댕에게 발자크의 비대한 체격을 가리기 위해 그를 "풍성하게" 감쌀 것을 권고했다. 곧이어 로댕은 배가 나온 발자크에게 커다란 코트를 입히는 이 방식을 시도하게 된다.
벤자민 루보(Benjamin Roubaud) - 발자크의 캐리커처 초상(Portrait-charge de Balzac), 1838년, 석판화
에티엔 카르자(Étienne Carjat) - 실내복을 입은 발자크(Balzac en robe de chambre), 1856년, 석판화
미상 - 실내복(Dressing gown), 1830년, 프린트 면직물 및 면 안감
미상 - 실내복(Dressing gown), 1830년, 면 파일(Faille) 및 면 안감
미상 - 실내복(Dressing gown), 1890년, 프린트 및 누빔 벌집 모양 면(Coton nid d'abeilles) 및 코튼 퍼캘 안감
이 세 벌의 실내복은 19세기 내내 남성 복식에 이 의상이 존재했음을 증명한다. 1830년대의 실내복(하나는 흰색, 다른 하나는 로맨틱 시대의 전형적인 프린트 원단)은 발자크가 입었던 것과 유사한 형태를 띠고 있다. 이들의 재단 방식은 당대 프록코트(redingotes)의 패턴과 비슷하다. 로댕 시대에 제작된 세 번째 실내복은 형태가 매우 풍성하며 색이 들어간 캐시미어로 만들어졌다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 뒤에서 본 드레이퍼리를 두른 인물, 발자크를 위한 연구, 1891-1898년, 종이에 흑연 크레용
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 발자크를 위한 연구, 1891-1898년, 종이에 갈색 잉크
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 누드 발자크와 고딕 성당을 위한 연구, 1891-1898년, 종이에 흑연 크레용
모노그램 셔츠 "PH.H.4" (Monogrammed Shirt), 18세기 말 - 19세기 초, 린넨
오귀스트 로댕: 수도사 복장의 발자크 - 오른손이 있는 흉상 파편, 1891-1898년, 석고
오귀스트 로댕: 수도사 복장의 발자크, 1891-1892년, 석고
로댕은 곧 발자크의 도상학에서 따온 길고 유행을 타지 않는 의복인 수도사복(가운) 개념을 선택했다. 이는 고대의 토가와 당시의 실내복을 동시에 떠올리게 한다. 이 종교적 의복은 조각가의 해결책으로, 몸을 가리는 커다란 주름은 발자크의 셔츠 차림 사진이나 우동(Houdon)이 조각한 볼테르 모델에서 영감을 얻은 것으로 보인다.
루이 불랑제(Louis Boulanger) - 오노레 드 발자크의 초상 (Portrait of Honoré de Balzac), 1836년, 캔버스에 유채
이 그림은 1837년 살롱에 전시되었으나 현재는 분실된 발자크 초상의 습작이다. 발자크의 모습은 테오필 고티에의 설명과 유사하다. "그의 겉옷은 뒤로 젖혀져 투우사나 운동선수 같은 몸을 드러냈다. 근육이 보이지 않는 기둥 뭉치처럼 둥글고 하얀 몸은 얼굴의 유색 톤과 대조를 이루었다. 그의 평소 표정은 강력한 즐거움과 환희를 담고 있었으며, 라블레 스타일이면서도 수도사 같았다."
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 배가 나온 발자크의 누드 습작 (Balzac, Study of Nude with a Fat Stomach), 1894년, 석고
1894년, 로댕은 수도사 복장을 한 발자크 연구에 만족하지 못하고 1892년에 작업한 배가 나온 누드 상태의 발자크로 돌아갔다. 그는 이 모델을 크게 수정했다. 석고 모델의 몸통 중간을 자르고 상체를 뒤로 기울였으며 배의 크기를 키웠다. 그리고 이를 넓은 코트 자락으로 감쌌다. 가운이 빈 공간 위로 닫히기 전, 로댕이 발자크에게 뚱뚱한 몸을 부여한 마지막 작업이었다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 발자크의 가운 연구 (Study of Balzac’s Dressing Gown), 1897년, 석고
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 기념비적인 발자크 (Monumental Balzac), 1898년, 석고
오귀스트 로댕 (Auguste Rodin): 옷을 입은 발자크의 두 가지 습작 모델 (Deux esquisses de Balzac vêtu / Two Sketch Models, Balzac Clothed), 1891-1895년, 나무 받침대 위 테라코타
오귀스트 로댕 (Auguste Rodin): 옷을 입은 남자: 발자크 또는 칼레의 시민 (Homme vêtu : Balzac ou Bourgeois de Calais / Clothed Man: Balzac or a Burgher of Calais), 1891-1895년, 테라코타
오귀스트 로댕 (Auguste Rodin): 발자크, 가운 (Balzac, robe de chambre / Balzac, Dressing Gown), 1897년, 테라코타
로댕이 점토 덩어리를 이용해 빠르게 빚어낸 이 테라코타 가운들은 형태에 대한 아이디어를 보여준다. 처음 세 점의 작품에서 알 수 있듯, 이러한 습작들은 작가가 탐구의 방향을 더 명확히 정의하는 데 도움을 주었다. 여기 있는 네 번째 습작 모델은 로댕이 '가운 연구(Study for a Dressing Gown)'를 주조한 후에 제작한 것으로, 모델링과 소형 포맷 모두에서 그가 의도했던 단계적 결론을 다시 이어갈 수 있게 해주었다.
오귀스트 로댕 (Auguste Rodin): 발자크, 두 번째 누드 습작 F 또는 운동선수로서의 누드 (Balzac, deuxième étude de nu F, dite en athlète / Balzac, Second Study of Nude F, or nude as an Athlete), 1896년, 석고
오귀스트 로댕 (Auguste Rodin): 천을 두른 발자크, 누드 습작 F, 운동선수라 불림 (Balzac drapé, étude de nu F, dite en athlète / Balzac Draped, Study of Nude F, known as The Athlete), 1895-1896년, 석고
1897년 봄, 로댕은 발자크를 위한 연구 과정에서 제작한 혼합 누드인 '운동선수로서의 누드 F'(왼쪽)의 복제품 6개를 완성했다. 당시 작업실에 있었던 비평가 마티아스 모르하르트(Mathias Morhardt)는 조각가가 천 한 롤을 6개의 동일한 조각으로 자른 뒤, 이를 6개의 누드 형상 위에 두르고 젖은 석고를 부어 직물을 단단하게 고정했다고 전했다.
오귀스트 로댕 (Auguste Rodin) - 운동선수처럼 천을 두른 발자크 누드 습작 F (Balzac, étude de nu F, dite en athlète, drapée / Balzac, Study of Nude F, known as The Athlete, Draped), 1896-1897년, 석고 및 직물
비평가 모르하르트(Morhardt)는 1897년 로댕의 작업실에서 석고를 입힌 천을 두른 6개의 모델을 보았으며, 이 작품은 그중 유일하게 남아있는 것이다. 희귀하고 부서지기 쉬운 이 작품은 '운동선수로서의 누드 F'와 로댕이 직접 배열을 실험한 드레이퍼리를 결합한 것이다. 갈라진 석고 아래로 직물이 여전히 보이며, 특히 소매 상단의 주름 부분에서 두드러진다. 거의 전시되지 않는 이 작품을 통해 창작 과정에 최대한 가까이 다가갈 수 있다.
오귀스트 로댕 (Auguste Rodin): 후드와 레이스 자보가 있는 발자크 습작 모델 (Balzac, étude drapée avec un capuchon et un jabot de dentelle / Balzac, Sketch Model with Hood and a Lace Jabot), 1897년, 석고
오귀스트 로댕 (Auguste Rodin): 크라바트와 왼쪽 어깨에 후드 윤곽이 있는 최종 습작의 변형 (Balzac, variante de l’étude finale avec cravate et amorce de capuchon sur l’épaule gauche / Balzac, Variation of the Final Study with Cravat and Outline of a Hood on the Left Shoulder), 1897년, 석고
석고를 입힌 직물을 두른 '운동선수로서의 누드' 실험과 병행하여, 로댕은 네 개의 조각 모델과 발자크 의상의 네 가지 변형을 작업했다. 왼쪽 작품은 후드와 뒷면의 넓은 수직 주름이 있어 여전히 종교적 복장과 비슷하며 고딕 예술을 연상시킨다. 오른쪽 작품은 머리를 뒤로 젖히고 단순화된 드레이퍼리를 보여주며 최종 모델과 매우 흡사하다.
토마스 J 프라이스 (Thomas J Price) - 손을 뻗다 (Reaching Out), 2020년, 브론즈
영국 조각가 토마스 J 프라이스는 '측정할 수 없는(Beyond Measure)'이라는 전시에서 브론즈 시리즈를 통해 모범성과 기념비성이라는 개념을 질문한다. 실제보다 크거나 작게 제작된 그의 작품들은 인간의 크기에서 벗어나 신체의 치수에 대해 생각하게 한다. 휴대폰으로 메시지를 보내는 흑인 여성과 같은 익명의 인물들은 사진, 관찰, 3D 신체 스캔을 바탕으로 설계되었지만 특정 개인을 나타내지는 않는다.
미상 (Anonyme) - 뫼동의 석고 작업실에 있는 가운 차림의 로댕 (Rodin dans l’atelier des plâtres à Meudon / Rodin in his Dressing Gown in the Plasters Studio in Meudon), 1900년 이후, 젤라틴 실버 프린트
미상 (Anonyme) - 발자크와 청동 시대 앞에 서 있는 로댕 (Rodin debout devant le Balzac et l’Âge d’Airain / Rodin standing in front of the Balzac and The Age of Bronze), 1899년, 젤라틴 실버 프린트
야외 정원
정원의 중심: 기념비적 걸작들
정원 입구와 본관(비롱 저택) 주변에는 로댕의 가장 유명한 청동상들이 배치되어 있다.
생각하는 사람은 단테의 『신곡』에서 영감을 받은 작품으로, 고뇌하는 인간을 상징한다. 이 조각은 1906년 판테온 앞에 설치되었다가 1922년 로댕 미술관으로 옮겨졌다.
지옥의 문은 로댕이 평생에 걸쳐 다듬은 대작으로, 다수의 독립 작품이 이 문에서 파생되었다.
칼레의 시민은 백년전쟁 당시 도시를 구하기 위해 희생한 여섯 시민을 묘사한다. 개별 인물 연구상들이 정원 곳곳에 배치되어 있어 각자의 표정을 가까이서 관찰할 수 있다.
정원 산책로의 인물상과 신화
정원 깊숙한 곳에는 역사적 인물과 신화를 주제로 한 조각들이 전시되어 있다.
빅토르 위고 기념비는 여러 버전으로 제작되었으며, 명상에 잠긴 모습과 팔을 뻗은 역동적인 자세가 공존한다.
오르페우스와 아프로디테는 고대 신화를 재해석한 작품으로, 특히 아프로디테는 무대 장치를 위해 제작된 형상을 확대해 만든 조각이다.
그림자는 지옥의 문 상단에 있던 형상을 확대한 작품으로, 깊게 숙인 머리와 과장된 자세가 비극적 분위기를 강조한다.
로코코 양식의 흔적
정원에는 로댕의 작품뿐 아니라 저택의 역사와 연결된 유물도 남아 있다.
대리석 화병은 루이 14세 시절 베르사유 마를리 성 정원에 놓여 있던 것으로, 20세기 초 이곳으로 옮겨져 정원의 고전적 분위기를 완성했다.
대리석 회랑 (Galerie des Marbres)
대리석 회랑은 로댕의 대리석 작품들을 보관하던 개방형 공간이다. 유리벽 안쪽에는 약 30여 점의 조각이 밀집해 있으며, 화려하게 꾸민 전시보다는 제작 과정의 흔적이 그대로 드러나 있다.로댕은 자연을 자신의 유일한 모델이라 언급했다. 그는 계절과 날씨에 따라 변화하는 빛 속에서 조각을 감상하는 경험을 중요하게 여겼다. 청동의 어두운 색과 대리석의 밝은 색이 정원의 녹색과 어우러지는 풍경이 이 공간의 핵심적인 매력이다.
야외에서 유리창을 통해 들여다보면, 대리석 흉상과 초상이 가장 먼저 눈에 들어온다. 로댕이 주문을 받아 제작한 당대 유명인이나 지인들의 얼굴을 담은 작품들이 많다. 완전히 매끈하게 다듬어지지 않은 조각들도 있는데, 돌의 질감과 연필 자국, 작은 점들이 그대로 남아 있어 조각가의 제작 과정을 가까이에서 볼 수 있다.
연필 자국과 점 표시, 거친 표면 등은 조각가의 손길을 생생하게 느끼게 한다. 대리석은 외부 환경에 취약하기 때문에, 작품들은 청동상처럼 야외에 두지 않고 유리 벽 안에서 보호되었다.
대리석 회랑
호텔 비론오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 생각하는 사람(LE PENSEUR, MONUMENTAL), 1903, 청동
《생각하는 사람은 1880년 《지옥의 문》(La Porte de l'Enfer)을 위해 처음 제작되었다. 이 형상은 『신곡』(Divina Commedia)의 저자인 단테 알리기에리(Dante Alighieri)를 나타내기도 하지만, 자신의 작품 위로 몸을 굽히고 있는 창조자 혹은 지옥의 신 크로노스(사투르누스)를 의미하기도 한다. 고요함과 힘의 결합을 통해 이 작품은 인간의 희망과 신념의 상징이 되었으며 세계적인 명성을 얻었다. 1906년 판테온 앞에 설치되었던 이 모델은 1922년 박물관으로 옮겨졌다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 키스(LE BAISER), 1888-1898, 청동
단테의 <지옥편>에서 유래한 이 그룹상은 첫 포옹의 유혹에 굴복하여 살해당한 불륜 관계의 연인 프란체스카와 파올로를 묘사한다. 로댕은 이 행복의 정확한 순간에 집중함으로써, 동시대 사람들에게 즉각적으로 보편적인 것으로 인식되는 이미지를 만들어냈고 이는 작품의 제목이 되었다. 인물들의 시간을 초월한 누드와 느껴지는 부드러움은 이 커플을 사랑의 아이콘으로 만들었다. 대리석으로 된 《키스》(Le Baiser)는 박물관 내부에서 볼 수 있다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 아프로디테(APHRODITE), 1914, 청동
1913년, 로댕은 파리 르네상스 극장에서 상연될 연극 '아프로디테'의 무대 장치로 쓰일 그리스 사랑의 여신상을 제작해달라는 의뢰를 받았다. 그는 1889-1900년 사이에 디자인했던 동일한 이름의 조각상을 4배 크기로 확대하여 이 아프로디테 상을 제작했다. 확대 과정에서 볼륨과 윤곽은 단순화되었고, 세부 묘사가 지워지면서 형상의 기념비적 성격이 강조되었다. 결과적으로 거의 춤을 추는 듯한 자세를 지닌 가냘픈 신체의 느낌이 남게 되었다.
미술관 야외의 정원오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 오르페우스(ORPHÉE), 1908, 청동
그리스 신화의 시인이자 영웅인 오르페우스가 사랑하는 에우리디케를 잃고 슬피 울고 있다. 신들은 오르페우스가 지하 세계에서 그녀를 데려가는 것을 허락했으나, 뒤를 돌아보지 않아야 한다는 조건을 걸었다. 이를 참지 못한 오르페우스는 두 번째로 아내를 잃게 된다. 이 조각은 이전에 제작된 형상을 조합하여 만들어졌다. 구부정하고 어색한 자세, 위를 향한 얼굴, 그리고 조각가의 의도적인 해부학적 왜곡은 간절히 애원하는 자세를 강조한다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 그림자(L'OMBRE), 1904, 청동
'그림자'는 미켈란젤로의 예술에서 강한 영향을 받은 로댕의 이전 작품인 '아담'과 관련이 있다. <지옥의 문> 꼭대기에 세 번 반복해서 배치된 독립된 형상을 확대하여 만든 작품이다. 저주의 비극은 억눌린 자세와 목에서 어깨까지 하나의 선을 형성하는 머리의 과장된 기울기를 통해 표현된다. 로댕의 이러한 해부학적 왜곡의 사용은 그의 작품에 당대 타의 추종을 불허하는 표현력을 부여했다.
정원의 반대편. 미술관 건물이 보인다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 명상, 또는 내면의 목소리(MÉDITATION, OU LA VOIX INTÉRIEURE, AVEC BRAS), 1900년 이후, 청동
원래 <지옥의 문>의 티판(tympanum)을 장식하기 위해 제작된 정죄 받은 여인의 작은 형상(1881-1882)은 '명상'이라는 제목 아래 더 당당한 형태로 변모했다. 이 파편화된 형상은 먼저 <빅토르 위고 기념비>에 통합되었다가, 이후 확대되어 독립된 작품이 되었다. 자신의 내면의 생각에 귀를 기울이는 듯한 이 아름답게 휘어진 형상은 부드러움과 우울함, 우아함과 힘을 결합하고 있다. 로댕은 이를 자신의 가장 완성도 높은 작품 중 하나로 여겼다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 클로드 로랭 기념비(CLAUDE GELLÉE DIT LE LORRAIN), 1892, 청동
1877년부터 시작된 공모를 통해 낭시 시는 화가 클로드 로랭(1600-1682)을 기리는 기념비 제작을 추진했다. 로댕이 제출한 기획안은 6대 4의 표차로 선정되었다. 비틀린 움직임과 불균형을 능숙하게 활용한 인물의 구성, 그리고 얼굴의 강렬한 표현력이 다른 후보작들 사이에서 돋보였다. 손에 팔레트를 든 예술가는 이곳에서 자연과 빛의 아름다움을 향해 열정적인 시선을 던지는 선지자로 묘사된다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 영원한 안식의 정령(LE GÉNIE DU REPOS ÉTERNEL), 1899-1902, 청동
1899년, 로댕은 화가 피에르 퓌비스 드 샤반(1824-1898)을 기리는 기념비 제작을 의뢰받았으나 끝내 완성하지 못했다. 그는 후기 고대 예술에서 영감을 받아 이 '영원한 안식의 정령'을 프로젝트의 중심 모티브로 삼았다. 다리를 꼬고 팔을 뻗어 나무에서 열매를 따려는 듯한 이 인물상은 한쪽으로 몸을 기울여 균형이 깨지기 직전의 모습을 보여준다. 로댕은 원래의 테라코타 모델링 과정에서 발생한 균열과 어긋남의 흔적들을 그대로 보존하였다.
작가 미상(Jules Hardouin-Mansart 설계) - 꽃다발로 장식된 한 쌍의 화병(PAIRE DE VASES ORNÉS DE BOUQUETS DE FLEURS), 1697-1698, 대리석
원래 왕립 정원의 장식을 위해 설계된 이 화병들은 얽힌 야자수 잎과 재스민 꽃으로 장식되어 있다. 국왕의 수석 건축가인 쥘 아르두앙 망사르(1646-1708)가 주문한 6쌍의 종 모양 화병 세트 중 일부다. 이 세트는 루이 14세가 휴식을 위해 사용하던 베르사유 인근의 마를리 성 정원 중앙 연못가에 배치되었다. 화병 세트는 프랑스 혁명 중에 흩어졌을 가능성이 높다. 그중 두 개는 튈르리 정원에 설치되었고, 다른 두 개는 20세기 초 로댕 미술관의 소장품이 되었다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 서 있는 빅토르 위고(Victor Hugo Standing, Nude, Large Model), 1891-1895, 청동
빅토르 위고 기념비를 위해 로댕은 여러 가지 구상을 시도했다. 이 '서 있는 버전'은 활동적인 인물로서의 시인을 역동적인 자세로 묘사하며, 원래는 뮤즈들에게 둘러싸인 모습으로 기획되었다. 여기서는 모든 상징적 요소가 제거되었으며, 누드 형태를 선택함으로써 이 초상화를 과도한 신체 미화가 없는 영웅적이고 시대를 초월한 인물상으로 변모시켰다. 최종적으로 채택된 구성(정원에 전시된 버전)에서 위고는 생각에 잠겨 앉아 있으며, 몸의 일부는 천으로 덮여 있다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 칼레의 시민: 자크 드 위상, 기념비적 인물(Monument des Bourgeois de Calais: Jacques de Wissant, Monumental), 1888, 브론즈
이 연구에서 자크 드 위상은 고통스럽게 앞으로 몸을 끌어당기는 듯한 모습을 보인다. 손에서 자유로워진 그의 얼굴은 냉혹한 결의의 표정을 짓고 있다. '칼레의 시민'은 백년전쟁(1337-1453)의 한 일화를 기념하며, 여섯 명의 귀족이 영국 왕에게 항복하여 동료 시민들을 위해 자신을 희생한 내용을 담고 있다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 칼레의 시민: 안드리외 당드르, 기념비적 인물(Monument des Bourgeois de Calais: Andrieu d'Andres, Monumental), 1888, 브론즈
'칼레의 시민'은 백년전쟁(1337-1453) 당시의 일화를 기념한다. 여섯 명의 시민은 동료 시민들을 구하기 위해 영국 왕에게 항복함으로써 자신을 희생했다. 안드리외 당드르에 대한 개별 연구인 이 작품은 두 손에 머리를 파묻은 채 고뇌를 형상화하고 있으며, 가려진 얼굴은 비극의 의미를 더욱 강조한다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 팔레 루아얄의 빅토르 위고 기념비(Monument à Victor Hugo dit du Palais Royal), 1900년 이후, 브론즈
1889년, 로댕은 시인이자 정치인인 빅토르 위고(1802-1885)의 기념비 제작을 의뢰받았다. 여러 번의 시도 끝에, 시인 단독의 대리석 버전이 1909년 팔레 루아얄 정원에 설치되었다. 위고는 그가 망명 생활을 했던 건지 섬의 바위 위에 앉아 깊은 생각에 잠겨 있으며, 마치 파도를 진정시키려는 듯 팔을 뻗고 있는 모습으로 묘사된다. 그는 1922-1923년에 완성된 기념비 버전에 포함된 '비극의 뮤즈'와 함께 있다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 쥘 바스티앵 르파주(Jules Bastien-Lepage), 1889, 브론즈
1889년, 프랑스의 자연주의 화가 쥘 바스티앵 르파주(1848-1884)를 기리기 위해 의뢰된 이 기념비는 화가의 고향인 프랑스 북동부 당빌리에 설치되었다. 생전에 르파주를 여러 번 만났던 로댕은 '외광파' 운동의 지도자를 작업 중인 모습으로 묘사했다. 몸을 약간 앞으로 기울이고 고정된 시선으로 대상을 바라보는 르파주의 모습은 자세와 표정에서 느껴지는 긴장감을 통해 '영감을 받은 관찰자'로서의 예술가 상을 보여준다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 칼레의 시민: 장 드 피엔느, 기념비적 누드(Monument des Bourgeois de Calais: Jean de Fiennes, Nu Monumental), 1887, 브론즈
'칼레의 시민'은 백년전쟁(1337-1453)의 한 일화를 기념하며, 여섯 명의 시민이 영국 왕에게 항복하여 자신들을 희생한 내용을 담고 있다. 최종 버전을 만들기 전, 로댕은 실물 크기의 누드 연구들을 제작했다. 가장 감동적인 버전 중 하나인 장 드 피엔느의 자세와 가슴이 미어지는 듯한 표정은 관람객에게 손을 뻗는 듯하며, 그의 벌린 두 손은 운명에 대한 일종의 수용을 암시한다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 칼레의 시민: 외슈타슈 드 생 피에르, 기념비적 인물(Monument des Bourgeois de Calais: Eustache de Saint-Pierre, Monumental), 1887, 브론즈
'칼레의 시민'은 백년전쟁(1337-1453) 중 한 일화를 기념한다. 동료 시민들을 구하기 위해 영국 왕에게 항복하여 자신을 희생한 여섯 명의 시민들에 관한 이야기다. 동료들을 설득하여 도시를 구한 지혜로운 인물인 외슈타슈 드 생 피에르는 이 연구에서 침착한 결단력의 표정을 보여준다. 그는 일행 중 가장 연장자이자 가장 유명한 인물이며, 이 기념물에 영혼과 의미를 부여하는 존재다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 칼레의 시민: 장 데르, 기념비적 누드(Monument des Bourgeois de Calais: Jean d'Aire, Nu Monumental), 1887, 브론즈
'칼레의 시민'은 백년전쟁(1337-1453)의 한 일화를 기념한다. 여섯 명의 시민이 영국 왕에게 항복함으로써 동료 시민들을 위해 자신을 희생했다. 도시의 열쇠를 건네주는 역할을 맡은 인물인 장 데르의 모습과 표정은 그 강렬함에 있어 거의 도전적이기까지 한 격렬하고 굴하지 않는 결의를 표현한다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 칼레의 시민: 피에르 드 위상, 기념비적 누드(Monument des Bourgeois de Calais: Pierre de Wissant, Nu Monumental), 1886, 브론즈
피에르 드 위상에 대한 이 개별 연구는 상체의 뒤로 젖혀진 비틀림에 의해 걷는 동작이 방해받는 인물을 묘사한다. 이는 옆으로 돌린 머리로 이어지며, 위로 향해 뻗은 손과 깊게 패인 얼굴 표정은 인물의 내면적 고통을 표현한다. '칼레의 시민'은 백년전쟁(1337-1453)의 한 일화를 기념하며, 여섯 명의 시민이 영국 왕에게 항복하여 자신들을 희생한 내용을 담고 있다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 칼레의 시민: 피에르 드 위상, 기념비적 인물(Monument des Bourgeois de Calais: Pierre de Wissant, Monumental), 1886, 브론즈
몸의 강력한 비틀림이 팔의 움직임에 의해 강조된 이 인물은 생존과 의무 사이에서 갈등하는 피에르 드 위상의 내면적 혼란을 표현한다. 의복의 효과는 로댕이 매우 좋아했던 고딕 양식의 장례 조각을 떠올리게 한다. '칼레의 시민'은 백년전쟁(1337-1453)의 한 일화를 기념하며, 여섯 명의 시민이 영국 왕에게 항복하여 동료 시민들을 위해 자신을 희생한 내용을 담고 있다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 발자크(Balzac), 1898, 브론즈
로댕은 작가 오노레 드 발자크가 사망한 지 40년 후에 문인협회(Société des Gens de Lettres)로부터 그의 동상 제작을 의뢰받았다. 오직 살아있는 모델만을 보고 작업했던 조각가에게 이 작업은 10년 동안 그를 몰두하게 만든 큰 도전이었다. 이 기념비적인 작품은 야외를 위해 설계되었다. 의복의 부드러운 굴곡은 주변의 빛 속에서 진동한다. 드러난 이마는 풍성한 머리카락에 둘러싸여 인물을 압도하며, '인간 희극' 작가의 영감 어린 시선을 돋보이게 한다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 지옥의 문(La Porte de l'Enfer), 1880-1890년경, 브론즈
1880년 국가로부터 장식미술박물관(1889년 포기됨)의 입구를 위해 의뢰되었다. 지옥의 문은 이탈리아 시인 단테 알리기에리(1265-1321)의 신곡에서 영감을 받았다. 200명이 넘는 인물들이 절망, 저주, 공포 등 인간의 비극적인 감정을 표현하고 있다. 형태들이 구조를 가득 채워 건축적 요소들조차 모호해질 정도다. 로댕은 빛에 의해 조절되는 비물질적인 공간 안에서 이러한 다양한 조각적 모티프들을 활용하고자 했다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 아담(Adam), 1881, 브론즈
1881년 로댕은 행정부로부터 지옥의 문의 양옆에 세울 아담과 이브라는 두 개의 큰 조각상을 제작하도록 의뢰받았다. 처음에 '인간의 창조'라고 이름 붙여진 아담 형상은 로마 시스티나 성당 천장에 그려진 아담을 특히 참고하여 미켈란젤로(1475-1564)의 영향을 보여준다. 머리의 과장된 기울기, 웅크린 자세, 명상적인 표정은 흙에서 피어오르는 인간의 점진적인 의식 자각을 암시한다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 이브(Eve), 1881, 브론즈
1881년에 의뢰된 이브는 1899년이 되어서야 전시되었다. 자신을 보호하려는 듯한 폐쇄적인 자세와 구부린 팔 사이에 숨겨진 얼굴은 낙원을 잃은 슬픔과 수치심을 불러일으킨다. 조각의 주물 상태는 미완성된 모델링의 생동감을 그대로 간직하고 있다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 그림자들(Les Ombres), 1904, 브론즈
단테의 신곡에서 시인은 지옥의 입구에서 "여기에 들어오는 자여, 모든 희망을 버려라"라는 명확한 문구를 마주한다. 로댕에 의해 지옥의 문 꼭대기에 배치된 그림자들은 이 문구의 화신처럼 보인다. 이 그룹은 세 명의 동일한 남성 인물을 조립하여 구성되었다. 단죄의 비극은 목과 어깨가 하나의 선을 이루며 꺾인 머리와 부자연스러운 자세를 통해 표현되며, 세 인물의 팔은 구도의 중심에서 만난다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 칼레의 시민(Monument des Bourgeois de Calais), 1889, 브론즈
1884년 칼레시는 백년전쟁(1337-1453)의 한 일화를 기념하는 기념물을 의뢰했다. 여섯 명의 시민은 동료 시민들을 구하기 위해 영국 왕에게 항복하여 자신들의 목숨을 바쳤다. 그들은 목에 밧줄을 걸고 죄수의 겉옷을 입은 모습으로 묘사되었으며, 각기 개별적인 자세를 취하고 있다. 기념비적인 성격과 인물들의 표현이 관객들에게 고난과 희생의 양상을 더 잘 전달할 수 있도록 지면에 가깝게 배치되었다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 돌을 진 떨어진 카리아티드, 대형 모델(Cariatide à la pierre, grand modèle), 1911-1918, 브론즈
지옥의 문의 상단 왼쪽 모서리에 배치하기 위해 고안된 카리아티드는 낙담, 슬픔, 절망을 의인화한다. 로댕은 1886년의 작은 모델을 확대하여 1909년 가을 살롱에 '운명(La Destinée)'이라는 제목으로 출품했다. 운명과 처벌의 무게 아래 구부러진 이 형상은 바위 아래 짓눌린 패배한 힘의 이미지이며, 그 저항은 더 이상 의지나 야망에 미치지 못할 만큼 죽어 있다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 키벨레, 대형 모델(Cybèle, grand modèle), 1905, 브론즈
1890년대에 지옥의 문에서 파생된 작은 석고 모델로 제작되었으며, 당시에는 '앉아 있는 여인'이라는 제목이 붙었다. 로댕은 이 형상의 단편적인 상태가 지닌 생명력을 높이 평가하여 크기를 확대했다. 이러한 단편적이고 불완전한 특성, 고대 조각을 연상시키는 차분한 자세, 볼륨의 단순함은 동시대 사람들에게 깊은 인상을 남겼다. 1914년 런던 전시 당시에는 근동의 신들의 어머니를 참고하여 '키벨레'라는 제목으로 출품되었다.
오귀스트 로댕(Auguste Rodin) - 휘슬러의 뮤즈, 팔이 없는 대형 누드 모델(La Muse Whistler, grand modèle nu, bras coupés), 1908, 브론즈
1905년 로댕은 화가 제임스 맥닐 휘슬러(1834-1903)를 기리는 기념물 제작을 의뢰받았다. 화가의 천재성은 공공 기념물에 대한 새로운 개념인 알레고리적 형상을 통해 구체화되었다. 로댕이 사망했을 때 기념물은 준비되지 않았고 런던 위원회는 동상을 거절했다. 오늘날 이 작품은 볼륨의 단순함과 자세의 독창성, 고대 그리스의 풍요로움과 모델링의 현대적 단순함이 조화를 이룬 로댕 말년의 가장 훌륭한 작품 중 하나로 평가받는다.
