17-10. 스페인의 카라바조& 스페인의 라파엘로

프란시스코 데 수르바란 & 바르톨로메 에스테반 무리요



Still life with Citrons, Oranges and a Rose by Francisco de Zurbaran/ Museo del Prado



image.png Madrid in Spain map





프란시스코 데 수르바란의 ( Francisco de Zurbaran, 1598-1664) 작품이 걸려있는 스페인 프라도 미술관(Museo Nacional del Prado)입니다. 유럽 예술의 보고이자 스페인의 자존심으로, 마드리드에 위치한 세계적인 미술관입니다. 파리의 루브르 박물관, 상트페트르부르크의 에르미타주 미술관과 더불어 세계 3대 미술관 중 하나로 손꼽힙니다 .




https://www.youtube.com/watch?v=NrO_dbmrDak





1819년 개관 이후 스페인 왕실의 방대한 소장품을 기반으로 성장했습니다. 중세부터 19세기 초까지의 유럽 작품들을 주로 전시하여 '유럽 미술사의 보고'로 불립니다. 특히 스페인 회화 컬렉션은 세계 최고 수준으로 평가받습니다. 벨라스케스(1599-1660), 고야 (1746-1828), 엘 그레코(1541-1614) 등 스페인 거장들의 작품을 통해 스페인 미술의 역사를 한눈에 조망할 수 있는 기회를 제공하기 때문이지요.




Museo Nacional del Prado(2026)/Tripadvisor





프라도 미술관의 역사는 스페인의 격동적인 근대사와 깊이 연결되어 있습니다. 본래 미술관으로 계획된 것이 아닌, 과학과 지식 발전을 위한 공간으로 구상되었습니다.




image.png Carlos III(1716-1788)/wikipedia





1785년. 계몽주의 군주였던 스페인 국왕 카를로스 3세는 건축가 후안 데 비야누에바( Juan de Villanueva,1739-1811)에게 마드리드 시내에 자연과학 박물관( Natural History Cabinet)을 지을 것을 명령했습니다. 그러나 카를로스 3세는 이 계획을 완수하지 못했고, 이후 나폴레옹의 침략 전쟁으로 공사는 오랫동안 중단되었습니다.





image.png Fernando VII(1784-1833)/wikipedia




미완성 상태로 남아있던 건물은 페르난도 7세 국왕 시기에 극적인 전환점을 맞이합니다. 그의 두 번째 부인인 마리아 이사벨 데 브라간사 왕비의 조언을 받아들여, 이 건물을 왕실 소유의 회화와 조각 작품을 전시하는 '왕립 회화 및 조각 미술관( Real Museo de Pinturas y Esculturas)'으로 활용하기로 결정했습니다. 1819년 11월, 마침내 미술관은 대중에게 문을 열었고, 당시에는 311점의 스페인 회화가 주로 전시되었습니다.



image.png Isabel II,1860/wikipedia



미술관은 1868년 이사벨라 2세(1830-1904) 여왕 통치 시기에 국유화되면서 '프라도 미술관(Museo del Prado)'이라는 현재의 명칭을 얻게 되었습니다. 국유화 이후 다른 미술관의 소장품들을 기증받거나 통합하며 규모를 확장했습니다. 특히 종교 기관 재산법에 따라 환수된 작품들로 인해 스페인 최대 규모의 미술관으로 자리매김했고요. 프라도( Prado)는 스페인어로 '초원'을 의미합니다. 이는 과거 미술관 주변이 초원이었던 지명에서 유래했습니다.




image.png La maja desnuda & La maja vestida/wikipedia





미술관은 스페인 왕실의 지속적인 미술품 수집과 귀족들의 기증을 통해 꾸준히 컬렉션을 늘려왔습니다. 특히 합스부르크 왕가의 전성기인 16세기 카를 5세 시대에 컬렉션이 눈에 띄게 풍부해졌습니다. 19세기말 국가 소유로 이관된 후에는 '삼위일체 미술관'과 '현대 미술관'의 소장품들이 프라도로 이관되어 고야(1746-1828)의 ' La maja vestida 옷을 입은 마하'와 '옷을 벗은 마하 La maja desnuda'같은 걸작들이 추가되기도 했습니다. 스페인 내전(1936-1939) 중에는 작품들이 폭격으로부터 보호하기 위해 지하실로 옮겨지고 모래주머니로 보호되었습니다. 이후 발렌시아와 제네바를 거쳐 전쟁 후 마드리드로 반환되는 과정을 겪었고요.




El Museo del Prado/The New York Times



프라도 미술관의 건물은 고전적인 아름다움과 현대적인 기능성을 겸비한 공간입니다. 후안 데 비야누에바(1739-1811)의 초기 설계와 라파엘 모네오(1937- )의 현대적 증축이 조화를 이루고 있습니다.




미술관의 본관 건물은 1785년 후안 데 비야누에바(1739-1811)가 설계한 신고전주의 양식의 걸작입니다. 건축물은 차분하면서도 기품 있는 그리스 양식과 신고전주의적 요소를 결합하여 고전적인 비례미와 웅장함을 자랑합니다. 미술관 외부에는 고야 (1746-1828) 문, 벨라스케스(1599-1660) 문, 무리요(1617-1682) 문 등 세 개의 입구가 있습니다. 각 문 앞에는 해당 화가들의 동상이 서 있어 건물의 예술적 가치를 더합니다.




Statue of Velazquez at the Prado Museum, Madrid, Spain/wikipeida



Diego Velazquez/ EL PAIS





시간이 흐르며 소장품과 방문객 수가 증가함에 따라 공간 부족 문제가 발생했습니다. 1918년 첫 확장 공사가 이루어졌고요. 이후 2007년에는 스페인 건축가 라파엘 모네오( Rafael Moneo, 1937 -)의 설계로 대규모 증축이 완료되었습니다. 모네오의 증축 건물은 기존의 유서 깊은 건물과 조화를 이루면서도 현대적인 기능을 추가했습니다. 이곳에는 임시 전시 공간, 복원 작업실, 강당. 카페. 레스토랑, 사무실 등이 마련되어 미술관의 기능적 효율성과 방문객 편의를 크게 향상시켰습니다. 미술관은 또한 레티로 공원 옆의 '엘 카손 델 부엔 레티로( El Cason del Buen Retiro)'도 소유하고 있는데, 이곳은 과거 부엔 레티로 궁전의 무도회장이었으며 현재는 도서관과 연구실로 사용됩니다.





Galeria de Ampliacion del Musel del Prado de Madrid, Rafael Moneo/www.archdaily.cl






프라도 미술관은 단순한 그림 전시관을 넘어, 유럽 미술사의 광범위한 흐름을 담아낸 종합적인 예술 컬렉션을 자랑합니다. 회화, 조각, 판화, 드로잉, 주화 및 메달, 장식 미술품 등 총 3만 4천여 점에 달하는 방대한 예술품을 소장하고 있습니다. 이 중 약 5천여 점 이상이 회화 작품이며, 700점 이상의 조각상, 2천여 점의 판화, 1천여 점의 주화와 메달, 2천여 점의 장식미술품 등이 포함됩니다. 상설 전시장에는 약 3천여 점의 예술품이 전시되고 있고요. 이는 전체 소장품의 약 10분의 1에 불과합니다.





프라도 미술관 컬렉션의 가장 큰 특징은 약탈품이 아닌, 스페인 역대 왕과 왕비들이 대를 이어 수집하고 귀족들이 기증한 작품들로 이루어져 있다는 점입니다. 이러한 배경 덕분에 미술관은 자신들의 소장품이 "정당한 대가를 지불하여 모아 온 왕실 소장품"이라는 자부심을 가지고 있습니다. 이는 프랑스 루브르 박물관이나 영국의 대영박물관이 식민지에서 수집한 유물을 다수 보유한 것과 대비되는 점입니다.






프라도 미술관은 중세부터 18세기말까지의 모든 미술 학파 작품을 전시하며, 특히 종교화와 궁정화가 주를 이룹니다.



Goya, Museum El Prado/That Lady from Europe



Goya in Madrid/The New York Times


image.png The Nobleman with his hand on his Chest by El Greco/ wikipedia




스페인 회화 (15-18세기)는 세계에서 가장 방대하고 중요한 스페인 회화 컬렉션을 자랑합니다. 벨라스케스(1599-1660), 고야(1746-1828), 엘 그레코(1541-1614), 무리요(1617-1682) 등 스페인 최고 화가들의 명작 4,800여 점이 포함되어 있습니다. 벨라스케스의 경우 50여 점의 회화 작품이 소장되어 그의 생애 모든 시기의 주요 작품을 감상할 수 있습니다. 고야의 작품은 약 140여 점이 소장되어 있고요. 그의 극적인 생애와 심경 변화가 담긴 작품들을 통해 스페인 역사의 흐름을 엿볼 수 있습니다.




El Descendimiento by Roger van der Weyden/Museo Nacional del Prado


The Three Graces by Peter Paul Rubens,1639/wikipedia






Judith at the Banquet of Holofernes(Previously known as Artemisia), by Rembrandt, Musei del Prado/wikipedia




플랑드르 회화( 15-19세기)는 스페인 왕실 컬렉션에 많은 플랑드르 회화가 포함되어, 1,000점 이상의 작품을 소장하고 있습니다. 히에로니무스 보스(. - 1516), 루벤스( 1577-1640), 피터 브뤼헐(1525or1530-1569), 로지에 반 데르 바이덴 (1399or1400-1464)등의 작품이 대표적입니다.




Death of the Virgin by Andrea Mantegna, 1461, Museo Nacional del Prado/wikimedia commons



Botticelli, The banquet in the forest, Prado, Madrid/wikipedia




이탈리아 회화(15-17세기)는 1,000 점 이상의 회화 작품을 소장하고 있습니다. 티치아노( - 1576), 라파엘로(1483-1520), 프라 안젤리코( 1395-1455), 만테냐(1431-1506), 보티첼리(1445-1510), 틴토레토(1518-1594) 등의 작품이 포함됩니다.





Autorretrato by Albrecht Durer/Mudeo Nacional del Prado



image.png Adam & Eve by Albrecht Durer/wikipeida




네덜란드 회화는 약 200여 점, 프랑스 회화는 약 300여 점이 있으며, 독일 회화로는 알브레히트 뒤러의 '자화상'과 '아담과 이브'같은 주요 작품들이 있습니다.



오늘은 17세기 스페인 바로크 양식을 이끌었던 프란시스코 데 수르바란( Francisco de Zurbaran , 1598-1664)과 바르톨로메 에스테반 무리요( 1617-1682)의 작품을 살펴봅니다.




수르바란(1598-1664)은 세비야에서 미술 교육을 받았으며, 초기 작품에서 벨라스케스(1599-1660)와 유사한 자연주의 양식을 보였습니다. 그러나 그의 화풍은 초상화와 정물화에도 적합했지만, 종교화에서 가장 독특한 표현을 이룩했습니다. 그는 강렬한 종교적 신앙심을 표현하기 위해 사실주의를 설득력 있게 활용했으며, 그가 그린 사도, 성인, 수도사들은 거의 조각적인 형태를 지니며 기적, 환상, 황홀경이 사실처럼 다가오도록 묘사되었습니다. 그의 엄숙하고 절제된 스타일은 '스페인의 카라바조'라는 별명을 얻게 했습니다.




무리요(1617-1682)는 동시대 스페인 바로크 화가인 디에고 벨라스케스( Diego Velazquez, 1599-1660)나 프란시스코 데 수르바란( Francisco de Zurbaran, 1598-1664))과 비교될 때, 그의 화풍의 부드러움과 감성적인 접근 방식이 더욱 두드러집니다. 벨라스케스는 궁정화가로서 엄격한 리얼리즘과 심오한 인물 심리 묘사에 집중했습니다. 수르바란은 종교적 금욕주의와 강렬한 명암 대비를 통해 성스러운 주제를 표현했고요. 반면 무리요는 종교적 주제든 세속적 주제든, 인물들에게 인간적인 따뜻함과 접근성을 부여하며 대중에게 쉽게 다가갈 수 있는 그림을 그렸습니다.








https://www.youtube.com/watch?v=qEigkrjOP2Y


Christ on the Cross,1627/위키백과





프란시스코 데 수르바란(1598-1664)의 <십자가에 못 박힌 그리스도 Christ on the Cross>(1627) 작품입니다. 17세기 스페인 바로크 미술의 걸작으로 평가받습니다. 그의 초기 경력을 확고히 다진 중요한 작품이고요. 이 그림은 스페인 반종교개혁 시대의 엄격한 종교적 열망과 수르바란의 독창적인 예술적 비전이 결합되어 탄생한 결과물입니다. 현재 시카고 미술관에 소장되어 있습니다. 이 유화는 당시 세비야에서 큰 찬사를 받은 작품입니다. 수르바란을 도시의 대표 화가로 만들고 마침내 세비야 시의회로부터 영구 이주 요청을 받게 한 계기가 되었습니다.





1626년 세비야의 산 파블로 엘 레알 도미니코 수도원( Dominican monastery of San Pablo el Real)에서 수르바란에게 의뢰한 대규모 프로젝트의 일부였습니다. 수르바란은 이 계약을 통해 8개월 이내에 21점의 그림을 제작하기로 약속했습니다. 이 중 하나가 바로 이 십자가상이었습니다. 이 작품은 수도원의 어둡게 조명된 제대실에 설치되어 보호용 격자를 통해 방문객에게 공개될 예정이었습니다. 당시 이 그림을 본 사람들은 그 사실적인 묘사 때문에 조각상으로 착각할 정도였다고 전해집니다. 이 의뢰는 수르바란의 화가로서의 입지를 확고히 하는 중요한 전환점이 되었습니다.






수르바란은 17세기 스페인 바로크 시대의 주요 예술가 중 한 명입니다. 그의 작품은 스페인의 깊은 종교적 신앙심과 반종교개혁( Counter-Reformation)의 미학적 요구를 완벽하게 구현했습니다. 그는 이탈리아 바로크의 거장 카라바조( Caravaggio)의 사실주의와 테네브리즘( Tenebrism, 명암 대조 기법)의 영향을 받아 독자적인 양식을 구축했습니다. 이로 인해 '스페인의 카라바조'라는 별명을 얻었고요.





스페인 '황금기( Golden Age)'의 세비야는 경제적, 정치적, 문화적으로 중요한 중심지였습니다. 이곳에서 수르바란(1598-1664), 벨라스케스(1599-1660), 무리요(1617-1682)와 같은 바로크의 거장들이 활동했습니다. 수르바란은 주로 수도승, 수녀, 순교자 등 종교적 인물과 그들의 삶을 엄숙하고 금욕적인 분위기로 묘사한 종교화를 그렸습니다. 그의 정물화 또한 영적인 의미를 담고 있고요.




The Crucifixion by Francisco de Zurbaran,1627/Wikimedia Commons





이 작품은 290.3cm * 165.5cm 크기의 유화로, 극도의 단순함과 강렬한 시각적 효과가 특징입니다. 십자가에 못 박힌 예수 그리스도만을 전면에 내세워 고립된 형상으로 묘사했습니다. 전통적인 십자상상에서 흔히 볼 수 있는 성모 마리아, 막달라 마리아, 성 요한 등의 주변 인물이나 복잡한 배경이 완전히 생략되어 있습니다. 이러한 절제된 구도는 관람자의 시선을 오로지 그리스도의 희생과 고통에 집중하게 합니다. 깊은 명상과 경건함으로 이끌고요. 예수의 몸은 실물 크기 이상으로 그려져 있으며, 금욕적 이면서도 강렬한 리얼리즘으로 표현되어 있습니다.




수르바란은 카라바조의 영향을 받아 빛과 어둠의 극적인 대비를 특징으로 하는 테네브리즘과 키아로스쿠로 기법을 능숙하게 사용했습니다. 그림 속 그리스도의 몸은 심연의 어둠 속에서 밝은 빛을 받아 극적으로 부각되며, 이는 마치 조각상이 튀어나온 듯한 강한 3차원적 환영을 만들어냅니다. 이 빛은 위와 왼쪽에서 비치는 듯하며, 그리스도의 몸과 흰색 허리띠( pano de pureza)를 밝게 비추어 그림에 생동감과 신비로움을 더합니다. 이러한 명암 대비는 종교적 은유로서 영적 존재임을 강조하는 동시에 시각적으로도 강렬한 인상을 남깁니다.





수르바란(1598-1664)은 해부학적 이해를 바탕으로 그리스도의 몸을 놀랍도록 사실적으로 묘사합니다. 굳은살 박힌 발, 차가운 철 못, 매끄러운 피부의 긴장감, 거칠게 깎인 십자가 나무 조각까지 세밀하게 표현되어 관람자가 거의 만질 수 있을 것 같은 생생함을 선사합니다. 특히 그리스도의 두 발이 각각 못 박혀 평행하게 놓여 있는 모습은 당시 미술 이론가 프란시스코 파체코( Francisco Pacheco)의 지시에 따른 것입니다. 이는 종교개혁에 대한 가톨릭 교회의 반동( Counter-Reformation) 흐름 속에서 교리적 정확성과 사실주의를 강조하는 경향을 반영합니다.




파체코는 신약성경에 더 충실한 묘사를 주장하며, 추하게 뒤틀리지 않고 그리스도의 지고한 위엄에 어울리는 똑바른 자세를 강조했습니다. 흰색 허리띠는 조각적인 볼륨감을 가지며 밝은 흰색으로 묘사되어, 수르바란이 조각품 채색 견습생으로 활동했던 초기 경험의 영향을 엿볼 수 있게 합니다. 전반적으로 어두운 배경과 대조되는 밝은 피부색, 흰색 허리띠 등 절제된 색채를 사용하여 시각적 요소를 최소화하고 영적 메시지에 집중하도록 돕습니다.


#피를 최소화하고 그리스도의 표정을 세리니티( serenity) 하게 묘사함으로써, 작품은 잔혹성 대신 고결한 희생과 내면의 평화를 강조합니다. 이는 관람자에게 연민과 존경을 불러일으키며, 인간적인 동시에 이상화된 아름다움을 전달합니다.


#이 작품은 17세기 스페인 종교미술의 중요한 기준점이 되었습니다. 특히 스페인 식민지였던 신대륙에까지 영향을 미쳐 수많은 복제작이 제작되었습니다. 이는 수르바란의 작품이 당대 가톨릭 신앙 공동체에 미친 광범위한 영향력을 증명합니다.


Christ on the Cross,1627/Sotheby's






수르바란은 생애 동안 약 30점의 십자가상을 그렸습니다. 이 작품은 십자가에 못 박힌 그리스도만을 홀로 묘사하여 , 어떠한 서사적 요소나 주변 인물 없이 오직 신자 개인이 그리스도의 희생에 집중하도록 유도합니다. 이는 이후 제작된, 성모 마리아, 막달라 마리아, 성 요한 등이 함께 등장하는 다른 십자가상 작품들 ( 예: < Christ on the Cross with the Virgin, Mary Magdalen and St John the Evangelist>(1655)과 극명한 대비를 이룹니다.





Christ on the Cross with the Virgin, Mary Magdalen and St. John the Evangelist /Wikimedia Commons






프란시스코 파체코의 교리적 지시에 따라 그리스도의 발이 교차되지 않고 각각 못 박혀 평행하게 놓여있는 모습은 당시의 주류와는 다른 독특한 도상학적 특징입니다. (벨라스케스의 1632년작 '십자가에 못 박힌 그리스도 Christ Crucified'작품과 비교해 보세요.)





Christ Crucified by Diego Velazquez,1632/wikipedia







프란시스코 데 수르바란(1598-1664)의 1627년작 <십자가의 못 박힌 그리스도>는 현재 시카고 미술관( Art Institute of Chicago)에 소장되어 있습니다. 이 작품은 1954년 시카고 미술관에 인수되기 전까지 복잡한 이력을 거쳤습니다.



초기 소장처는 세비야의 도미니코 수도원 산 파블로 엘 레알의 제사실을 위해 제작 및 설치되었습니다. 1810년 호세 보나파르트( Joseph Bonaparte) 국왕의 명령으로 세비야 왕궁에 보관되었고요. 이후 장 투생 아리히 드 카사노바 장군( General Jean Toussaint Arrighi de Casanova, Duc de Padoue) 에게 넘어갔습니다. 그의 아들인 에르네스트 루이 이야생트 아리히 드 카사노바 2세 공작 ( Ernest Louis Hyacinthe Arrighi de Casanova, 2nd Duc de Padoue)이 1876년 작품을 아버지 스타니슬라스 뒤 라크 신부( Father Stanislas Du Lac S.J.) 에게 기증했습니다. 작품은 이후 세인트 메리 칼리지, 라발, 저지, 샹티이의 예수회 신학교 등 여러 장소를 거쳤습니다. 1952년 H.F. 판카우저 박사 ( Dr. H.F. Fankhauser)가 소유했고, 1954년에 시카고 미술관이 작품을 인수했습니다.






그의 작품은 트렌트 공의회( Council of Trent) 이후 가톨릭 교회가 요구한 명확하고 감정적으로 고양되며 교리적으로 올바른 예수의 이상을 완벽하게 구현했습니다. 특히 단순화된 구도와 그리스도 단일 형상에 대한 집중은 감성적이고 심리적인 종교화를 추구하는 후대 화가들에게 중요한 모델이 되었습니다.





수르바란의 작업실에서 제작된 수많은 그림들은 스페인 본토를 넘어 남미 식민지로 수출되었습니다. 리마( Lima)에서 이 작품의 복제본이 3점이나 발견될 정도로 광범위한 수요를 보였습니다. 이는 식민지 화가들에게 큰 영향을 미쳐 스페인 아메리카의 종교 회화 발전에 기여했습니다.




회화에서 조각적인 현실감을 구현하는 수르바란의 기법은 후대 스페인 조각가 및 화가들에게 영감을 주었으며 , 십자가에 못 박힌 그리스도라는 주제를 표현하는 데 있어 중요한 시각적 언어로 자리 잡았습니다.





Immaculate Conception of Los Venerables, 1678/Museo del Prado





바르톨로 에스테반 무리요(1617-1682)의 < Immaculate Conception of Los Venerables> (1678) 작품입니다. 가톨릭 교회의 핵심 교리 중 하나인 무염시태(원죄 없는 잉태)를 시각적으로 구현한 작품입니다. 이 작품은 무리요가 생애 동안 20여 점 이상 그린 무염 시태 연작 중에서도 가장 유명하고 뛰어난 완성도를 자랑합니다. 그의 예술적 성취와 당시 스페인 사회의 깊은 신앙심을 동시에 보여주는 작품이고요. 세비야를 기반으로 활동했던 무리요는 종교화뿐만 아니라 거리의 아이들이나 서민의 일상을 그린 장르화에서도 뛰어난 재능을 발휘했습니다. 그의 작품은 따뜻한 감성과 인간미로 당대 유럽 전역에서 큰 인기를 얻었습니다.





이 작품은 캔버스에 유화 작품입니다. 현재 스페인 마드리드의 프라도 미술관( Museo del Prado)에 소장되어 있습니다. 작품의 크기는 높이 274cm, 폭 190cm로, 당시로서는 상당히 큰 규모의 그림입니다. 이 그림은 세비야 대성당의 사제이자 무리요의 절친한 후원자였던 후스티노 데 네베(Justino de Neve)의 의뢰로 그려졌습니다. 데 네베는 이 작품을 자신의 개인 소장품으로 의뢰했습니다. 이후 1686년 세비야에 위치한 병자 성직자 양로원( Hospital de los Venerables Sacerdotes)의 예배당에 기증했습니다. 이 때문에 작품은 'Los Venerables>라는 이름이 붙었으며, 스페인의 깊은 무염시태 신앙을 상징하는 중요한 작품이 되었습니다.




Immaculate conception of Los Venerables/Alamy




무리요(1617-1682)는 이 작품에서 부드럽고 감성적인 화풍과 탁월한 기술을 결합하여 성모 마리아의 순수하고 신성한 이미지를 창조했습니다. 작품의 구도는 성모 마리아가 화면 중앙에 수직으로 배치되어 하늘로 솟아오르는 듯한 역동적인 움직임을 보여줍니다. 마리아는 구름과 수많은 아기 천사들( Cherubs)에 둘러싸여 있습니다. 이들은 성모를 아래에서 받치거나 주변을 날아다니며 전체적인 상승감을 강조합니다. 특히 무리요는 아래쪽에서 위쪽으로 대각선 방향으로 향하는 빛의 흐름을 통해 성모의 승천을 시사하는 분위기를 조성했습니다. 이러한 배치는 보는 이로 하여금 경건함과 동시에 따뜻한 정서적 울림을 느끼게 합니다.





무리요의 이 작품은 그의 '스팀 스타일 ( Estilo Vaporoso)' 또는 '거품 스타일'로 불리는 특징을 잘 보여줍니다. 이는 부드럽고 따뜻한 색조와 섬세한 빛의 처리를 통해 안개처럼 몽환적인 분위기를 만들어냅니다. 성모 마리아의 옷은 순결을 상징하는 희색 로브와 하늘색 망토로 이루어져 있습니다. 이는 화면 전체의 부드러운 색감과 조화를 이룹니다. 빛의 성모를 중심으로 확산되며, 그녀의 형상을 부드럽게 감싸 안아 신성함과 동시에 친밀감을 부여합니다. 이러한 빛의 사용은 인물들의 표정과 움직임을 섬세하게 부각시켜 작품에 깊이를 더합니다.





detail/Khan Acacdemy




성모 마리아는 두 손을 가슴 위에 모은 채 하늘을 올려다보고 있습니다. 이는 겸손과 경건함을 나타냅니다. 그녀의 발치에는 초승달이 자리하고 있는데, 이는 요한계시록 12장 1절의 '태양을 입은 여자'를 상징하며 순결과 신성을 의미합니다. 전통적으로 마리아의 머리 위에는 12개의 별로 이루어진 왕관이 묘사되기도 했지만, 이 작품에서는 생략되거나 빛 속에 통합되어 있습니다. 무리요는 전통적인 도상 규범을 따르면서도, 다윗의 탑이나 봉인된 정원과 같은 복잡한 상징물들을 제외하여 작품의 시각적 집중도를 높였습니다. 이러한 간소화된 상징 표현은 작품의 주된 메시지인 성모의 순수성과 신성함을 더욱 효과적으로 전달하는 역할을 합니다.




image.png Immaculate Couception of Los Venerables by Bartolome Esteban Murillo,1678/Kan Academy




'무염시태'는 성모 마리아가 잉태된 순간부터 원조 없이 순수하게 태어났다는 가톨릭 교리로, 스페인에서는 16세기부터 이 믿음에 대한 열렬한 지지와 옹호가 있었습니다. 스페인은 이 교리를 공식적으로 가톨릭 교회에 선포하기 위해 끊임없이 노력했습니다. 이는 1854년 교황 비오 9세에 의해 최종적으로 선언됩니다. 무리요의 시대는 이러한 교리적 논쟁과 신앙심이 절정에 달했던 시기였습니다. 그의 무염시태 작품들은 이러한 신앙을 대중에게 시각적으로 전달하는 강력한 수단이었습니다. 무리요(1617-1682)는 성모 마리아를 인류 구원을 위한 신성한 존재이자 동시에 친근하고 인간적인 이미지로 표현함으로써, 당시 전염병과 가난에 시달리던 서민들에게 큰 위안과 희망을 주었습니다.







작품을 의뢰한 후스티노 데 네베는 세비야 대성당의 카논이자 무리요의 친밀한 친구였으며, 세비야에서 중요한 교회지도자였습니다. 그가 기증한 병자 성직자 양로원( Hospital de los Venerables Sacerdotes)은 노령이거나 병든 성직자들을 돌보는 기관으로, 당시 사회복지적 기능을 수행했습니다. 무리요(1617-1682)의 이 작품은 양로원 예배당에 설치되어, 병든 성직자들과 방문객들에게 신앙심을 고취하고 정신적 위안을 제공하는 역할을 했습니다. 작품의 종교적 메시지는 이 공간의 목적과 깊이 연결되어, 성직자들의 삶의 마지막 단계를 영적인 희망으로 채우는 데 기여했습니다.






무리요가 활동했던 17세기 세비야는 마드리드를 능가하는 스페인 최대의 도시이자, 아메리카 신대륙과의 무역 거점으로 번영을 누리던 곳이었습니다. 그러나 1649년 대규모 전염병과 기근으로 많은 시민이 고통받았습니다. 이러한 위기 속에서 교회와 자선 단체의 역할이 더욱 중요해졌습니다. 무리요의 작품은 이러한 시대적 배경 속에서 고통받는 사람들에게 따뜻한 위로와 희망을 전하는 예술로서 자리매김했습니다.





The Restoration of The Soult Immaculate Conception by Bartolome Esteban Murillo/Mudeo del Prado





이 작품은 스페인의 역사적 격변을 겪으며 여러 차례 소유권이 바뀌고 복원 작업을 거쳤습니다. 1813년, 나폴레옹 전쟁 중 프랑스군 사령관 장 드 디외술트( Jean-de- Dieu Soult) 원수는 이 작품을 스페인 세비야에서 약탈하여 프랑스로 가져갔습니다. 이로 인해 한때 이 작품은 '술트의 무염시태( Immaculate Conception of Soult)'로 불리기도 했습니다. 작품의 원래 액자는 세비야에 남겨졌고, 그림은 술트 원수 사망 후인 1852년 루브르 박물관에 매우 높은 가격으로 팔렸습니다.



Portrait of Mariana of Austia by Diego Velazquez,1652-1653/wikipedia


image.png Infanta Margaret Theresa/fonsado



이 작품은 1941년 제2차 세계대전 중 프랑스 비시 정부와 스페인의 프랑코 정권 간의 예술품 교환 협정에 따라 스페인으로 반환되었습니다. 스페인은 교환의 대가로 디에고 벨라스케스의 <오스트리아의 마리아나 초상화>(Portrait of Mariana of Austia)를 루브르 박물관에 넘겨주었습니다. 이후 < Immaculate Conception of Los Venerables>는 마드리드의 프라도 미술관에 소장되어 현재까지 가장 중요한 컬렉션 중 하나로 전시되고 있습니다.




The Restoration of The Soult Immaculate Conception by Bartolome Esteban Murillo/프라도미술관




작품은 오랜 역사 동안 여러 차례 보존 및 복원 과정을 거쳤습니다. 1813년 술트 원수 소유 당시 작품이 재표구( re-lined)되면서 과도한 열 사용으로 인해 그림이 손상되고 표면이 수축하거나 물집이 생기는 문제가 발생했습니다. 또한 이전 복원에서 잘못된 바니시 제거는 안료 층을 손상시키고 무리요 특유의 투명한 효과를 구현한 유약층에 악영향을 주었습니다. 1974년과 1982년에도 복원 작업이 있었지만, 2007년에 프라도 미술관 복원부에서 대대적인 복원이 이루어졌습니다. 이 복원 작업을 통해 작품의 원래 색상과 기술적, 구성적 아름다움이 회복되었으며, 무리요의 원래 의도에 가장 가까운 모습으로 되돌아왔다는 평가를 받았습니다.





그의 무염시태 작품들은 신성한 교리를 대중에게 쉽게 이해하고 감정적으로 공감할 수 있는 아름다움으로 표현하여 '스페인의 라파엘로'라는 별명을 얻기도 했습니다. 무리요는 17세기 스페인 바로크 회화에서 특별한 위치를 차지합니다. 그는 전통적인 스페인 예술의 조각적 형식주의와 베네치아 및 플랑드르 예술의 기술 혁신을 결합하여 현실과 영성 사이의 균형을 이룬 독창적인 스타일을 구축했습니다. 그의 작품은 18세기와 19세기 영국과 프랑스를 포함한 유럽 전역에서 높은 인기를 누렸습니다. 토마스 게인즈버러(1727-1788), 조슈아 레이놀즈(1723-1792), 장 -바티스트 그뢰즈(1725-1805)와 같은 후대 화가들에게도 영향을 미쳤습니다.



https://www.youtube.com/watch?v=GnjiFA_iqVg





The Martyrdom of Saint Serapion , 1628, Wadsworth Atheneum , Hartford, Connecticut/wikipedia






프란시스코 데 수르바란( 1598-1664)의 <성 세라피온의 순교 The Martyrdom of Saint Serapion>(1628) 작품입니다. 유화 작품입니다. 깊은 영성과 독창적인 시각적 언어로 순교의 본질을 탐구한 작품입니다. 이 작품은 격렬한 폭력 대신 고요하고 숙연한 분위기 속에서 순교자의 희생을 묘사합니다. 보는 이로 하여금 깊은 성찰을 유도하고요. 수르바란은 이 작품을 통해 사실주의적 묘사와 드라마틱한 명암법을 조화시켜 종교적 주제를 초월적인 차원으로 승화시켰습니다.





< 성 세라피온의 순교 >(1628)는 현재 미국 코네티컷 주 하트퍼드에 위치한 워즈워스 아테네움 미술관에 소장되어 있습니다. 이 작품은 세비야의 칼세드 메르체다리오 수도회( Mercedarian Order)의 의뢰를 받아, 수도승들의 장례식을 거행하던 '데 프로푼디스 ( De profundis)'예배당에 걸기 위해 제작되었습니다. 이 공간은 사망한 수도승들의 시신이 안치되기 전 놓이는 곳이었기 때문에 그림은 죽음과 순교, 구원에 대한 성찰을 불러일으키는 장례 의식의 중요한 일부였습니다. 작품은 단순한 순교 묘사를 넘어, 수도회의 근본적인 정신인 자기희생과 구원의 이상을 시각적으로 구현하고 있습니다.





작품의 주인공인 성 세라피온( Saint Serapion 1179-1240)은 메르체다리오 수도회 소속의 수도사였습니다. 그는 영국 태생으로, 리처드 1세(사자왕)의 군인으로 복무한 뒤 스페인의 레콘키스타( Reconquista, 국토 회복 운동)에 참여했습니다. 이 운동은 이베리아 반도에서 기독교 왕국들이 약 7세기 반에 걸쳐 이슬람 세력을 축출하고 영토를 회복한 일련의 과정을 뜻합니다. 이후 메르체다리오 수도회에 입회하여 무슬림에게 포로로 잡힌 기독교인들을 구출하는 데 헌신했습니다. 성 세라피온은 수차례 성공적인 포로 구출 임무를 수행했으나, 알제리에서 마지막 포로 교환 중 몸값이 제때 전달되지 못하여 결국 순교하게 되었습니다.





역사적 기록에 따르면, 그는 X자형 십자가에 못 박히고 사지가 절단되며 내장이 훼손되는 등 잔혹한 고문을 당한 후 참수당한 것으로 알려져 있습니다. 그러나 수르바란은 이러한 잔혹한 장면을 직접적으로 묘사하는 대신, 폭력을 배제하고 고요하고 명상적인 분위기를 선택했습니다. 이는 당시 반종교개혁( Counter-Reformation) 시대의 스페인 가톨릭교회가 예술을 통해 신앙심을 고취시키고자 했던 방향과 일치합니다. 순교의 육체적 고통보다는 영적 승화와 희생의 의미를 강조하려는 의도였습니다.




Saint Serapion,1628 by Francisco de Zurbaran/Getty Images



이 작품은 인물의 고립된 모습이 화면 전체를 지배하는 독특한 구도를 보여줍니다. 성 세라피온은 화면 중앙에 거의 실물 크기로 그려져 있습니다. 팔이 보이지 않는 수평 막대나 희미하게 보이는 나무에 묶여 매달려 있는 자세는 마치 십자가에 못 박힌 그리스도를 연상시킵니다. 그의 몸은 힘없이 축 늘어져 있으며, 머리는 한쪽으로 기울어져 마치 잠든 듯 평온한 표정을 짓고 있습니다. 이러한 비폭력적인 묘사는 순교의 잔혹성 대신 깊은 성찰을 유도합니다.





작품에서 가장 두드러지는 특징은 빛과 그림자의 극적인 대비인 키아로스쿠로( Chiaroscuro) 또는 테네브리즘( Tenebrism) 기법입니다. 어두운 배경에게 성 세라피온의 흰색 수도복이 강렬하게 빛을 받아 마치 신성한 존재처럼 떠오르는 듯한 효과를 줍니다. 이 흰색 수도복은 정교하게 표현된 깊은 주름을 통해 빛과 어둠의 조화를 이룹니다. 순교자의 훼손된 신체와의 유사성을 보여주는 동시에 영적인 광채를 발산하고요. 수르바란(1598-1664)은 절제된 색상 즉, 흰색, 미색, 갈색 톤을 사용하여 엄숙하고 차분한 분위기를 강화했습니다. 유일하게 선명한 색상은 성인의 가슴에 달린 메르체다리오 수도회의 붉은색과 노란색 문장입니다. 이는 순교와 수도회의 정체성을 상징하는 중요한 시각적 요소입니다.





수르바란은 거친 리넨 캔버스에 유화로 작업을 했습니다. 이는 수도복의 소박한 질감을 사실적으로 표현하는 데 기여했고요. 수도복의 두툼한 주름과 그로 인해 드리워진 그림자는 인물의 무게감과 더불어 작품의 고요한 장엄함을 더합니다. 작품에는 순교의 의미를 심화하는 여러 상징적 요소들이 포함되어 있습니다. 수도복의 깊은 주름은 성 세라피온의 육체적 훼손과 영혼의 고통을 시각적으로 은유합니다. 동시에 빛과 어둠의 드라마틱한 대조를 통해 그림을 하나의 신성한 무덤처럼 보이게 합니다.






The Martyrdom of Saint Serapion,1628/The Independent




Khan Academy




성인의 가슴 부근에 작은 종이 조각, 즉 카르텔리노( cartellino)가 붙어 있습니다. 여기에는 " B. Serapius'라는 글자가 쓰여 있고요. 이는 성 세라피온임을 식별하는 동시에, 라틴어" Benedictus Serapius" 즉 '복자 세라피온'을 의미하며, 작품의 종교적 권위를 부여합니다. 일부는 이 글자 'B'를 성 세라피온의 모국어 (영어)에 대한 일종의 언어유희로 해석하기도 합니다.





Zurbarzn Restoration/ Wadsworth Atheneum Museum of Art



X- 레이 복원 연구를 통해 캔버스 뒤의 나무 들것 (stretcher) 구조가 십자가 형태를 띠고 있음이 밝혀졌습니다. 이는 그림을 구성하는 물리적 요소조차 순교의 신성한 의미와 연결시키려는 수르바란의 깊은 통찰을 보여줍니다.





The Martyrdom of Saint Bartholomew byJusepe de Rivera, 1644/wikipedia




이 작품은 동시대의 다른 화가들이 순교를 묘사한 방식과 뚜렷한 대조를 이룹니다. 예를 들어, 쥬세페 데 리베라( Jusepe de Ribera, 1591-1652)의 < 성 바르톨로메오의 순교>는 성인의 피부가 벗겨지는 잔혹한 장면을 적나라하게 보여주며 고통을 강조합니다. 반면, 수르바란은 폭력적인 세부 묘사를 의도적으로 배제하고 고요함과 초월성에 집중했습니다. 이러한 절제된 접근 방식은 보는 이에게 순교자의 고통이 아닌 영적 승화와 천상의 보상을 상기시키며 죽음에 대한 명상과 헌신적인 신앙의 가치를 되새기게 합니다.




The Return of the Prodigal Son, 1667-1670/wikipedia





바르톨로메오 에스테반 무리요(1617-1682)의 <돌아온 탕자 The Return of the Prodigal Son)'작품입니다. 17세기 스페인 바로크 미술의 걸작 중 하나로, 깊은 신학적 의미와 탁월한 예술적 기법이 결합된 작품입니다. 이 작품은 루카복음 15장에 나오는 탕자의 비유를 시각적으로 극대화하여 표현하였습니다. 용서와 회복이라는 기독교 핵심 가치를 전달하고요. 1667년에서 1670년 사이에 제작된 이 유화는 현재 워싱턴 D.C. 국립미술관에 소장되어 있습니다.





< 돌아온 탕자>는 유화(Oil on canvas)로 제작되었습니다. 그 크기는 가로 261cm, 세로 236.3cm에 달하는 기념비적인 작품입니다. 스페인 세비야에 위치한 자선 병원인 성 조르지 병원( Hospital de Saint George Hospital)을 위해 그려진 여덟 점의 대형 연작 중 하나입니다. '벌거벗은 자에게 옷을 입히는 '자비의 행위를 상징합니다. 병원의 자선적 성격을 고려할 때, 이 그림은 절망 속에서도 신의 품으로 돌아갈 수 있다는 위로와 희망의 메시지를 전달하려는 목적을 가지고 있었습니다. (아래 그림은 시계방향으로 봐주세요.)





The Return of the Prodigal Son by Murillo /National Gallery of Ireland








'돌아온 탕자'는 루카복음 15장 11-32절에 기록된 예수님의 비유를 바탕으로 합니다. 이 비유는 아버지를 떠나 재산을 탕진하고 비참한 삶을 살던 젊은 아들이 회개하고 돌아오자, 아버지가 그를 조건 없이 용서하고 환영하는 내용을 담고 있습니다. 또한 , 항상 아버지 곁을 지켰던 형이 동생의 귀환을 시기하고 분노하는 모습도 함께 그려져, 비유의 주제를 더욱 풍성하게 만듭니다.





신학적으로 이 비유는 다음과 같은 핵심 메시지를 전달합니다. 하느님의 무조적적인 사랑과 용서입니다. 아버지는 아들이 아직 멀리 있을 때 그를 발견하고 달려가 품에 안으며 입을 맞춥니다. 이는 인간의 죄와 불성실함에도 불구하고 끊임없이 사랑하고 용서하는 하느님의 자비를 상징합니다.




탕자가 극심한 궁핍 속에서 자신의 죄를 깨닫고 아버지께 돌아가기로 결심하는 것은 진정한 회개의 과정을 보여줍니다. 무리요(1617-1682)의 그림에서 탕자의 겸손하고 간절한 표정은 이러한 회개의 감정을 명확히 드러냅니다.




St Albert's Catholic Chaplaincy





아들의 귀환을 축하하며 아버지가 잔치를 벌이는 것은 잃었던 영혼이 구원받았을 때 천국에서 기뻐하는 모습을 반영합니다. 형의 반응은 인간적인 시기심과 공정함에 대한 갈등을 보여주고요. 이는 다른 사람의 회개와 용서를 기뻐하는 폭넓은 사랑의 필요성을 일깨웁니다. 이 비유는 당시 예수님 주변의 바리세인과 서기관들의 죄인들과 어울리는 예수님을 비난하는 상황에서 전해진 것으로, 죄인을 환영하는 예수님의 태도와 하느님의 자비로운 본성을 강조합니다.







The Return of the Prodigal Son/National Gallery of Art







무리요의 <돌아온 탕자>는 극적이고 연극적인 구성을 통해 비유의 절정을 효과적으로 전달합니다. 그림의 중앙에는 아버지와 아들이 피라미드 형태의 구조로 배치되어 가장 중요한 시각적 초점을 이룹니다. 아들은 낡은 옷을 입고 무릎을 꿇은 채 손을 모으고 아버지를 올려다보며, 아버지는 허리를 굽혀 아들을 따뜻하게 안아줍니다. 이 강력한 중심 구도는 용서와 화해의 감정적 강도를 부각시킵니다.




무리요는 따뜻하고 부드러운 색채와 섬세한 명암법을 사용하여 작품에 온화하고 감성적인 분위기를 부여합니다. 아들의 남루한 옷과 더러운 발은 그의 비참함을 강조하는 반면, 아버지의 풍성한 옷차림과 밝은 색채는 그의 권위와 자비를 나타냅니다. 새 옷을 들고 있는 하인에게 가장 화려한 색채를 부여하여 자비와 회복의 상징성을 강조합니다. 배경은 구름과 건축물이 회색 톤으로 비교적 단순하게 처리되어 인물들의 드라마에 집중하도록 합니다.



인물들의 표정과 몸짓은 이야기의 감정적 깊이를 더합니다. 탕자의 회개하는 모습, 아버지의 사랑과 용서가 담긴 포옹, 새 옷과 반지를 들고 있는 하인들의 동작, 그리고 잔치에 쓰일 송아지를 끌고 가는 소년의 천진 난만한 표정은 각 인물의 역할을 명확히 보여줍니다. 맨 오른쪽에 어두움 속에 자신의 서운한 감정을 숨기고 있는 형의 모습도 보입니다.






Catholic Art Company




탕자의 더러운 발과 낡은 옷은 그가 겪었던 고난을 사실적으로 보여줍니다. 작품의 인간적인 면모를 부각시키고요. 작은 흰 강아지가 아들의 발에 뛰어오르며 반기는 모습은 가족의 재회에 따르는 순수한 기쁨과 충성심을 상징합니다.





무리요의 < 돌아온 탕자>는 다양한 상징을 통해 이야기의 깊이를 더합니다. 하인들이 들고 있는 새 옷(하늘색, 연분홍, 흰색 셔츠)과 반지는 탕자의 신분이 회복되었음을 상징합니다. 이는 단순한 용서가 아니라 가족의 완전한 일원으로 다시 받아들여졌음을 의미합니다. 소년이 끌고 가는 살찐 송아지는 잔치를 위한 희생을 나타내며, 탕자의 귀환을 축하하는 성대한 연회를 상징합니다. 이는 또한 성전 희생과, 더 나아가 죄의 용서를 위한 그리스도의 희생을 상징하기도 합니다.





< 돌아온 탕자>는 무리요 생전에 큰 인기를 누렸습니다. 그의 작품들은 스페인뿐만 아니라 유럽 전역에서 수요가 높았습니다. 이 작품은 19세기 초 나폴레옹 전쟁으로 인해 프랑스의 육군 원수 니콜라 장 드 디유 술트( Marshal Nicolas Jean de Dieu Soult) 에 의해 세비야에서 파리로 옮겨졌습니다. 이후 여러 명의 소유주를 거쳐 영국의 유서 깊은 개인 컬렉션에 포함되었습니다. 1948년 아발론 재단(Avalon Foundation)에 의해 구입된 후 워싱턴 D.C. 국립미술관에 기증되어 현재에 이릅니다. (같은 주제의 다른 화가 작품도 비교해 보시죠.)





The Return of the Prodigal Son by Rembrandt, 1661-1669, Hermitage Museum, Saint Petersbug/wikipedia




The Return of the Prodigal Son by Pompeo Batoni, 1773/wikimedia commons








레몬, 오렌지, 장미가 있는 정물,1633/ 위키백과







프란시스코 데 수르바란의 <Still Life with Lemons, Oranges and a Rose 레몬, 오렌지, 장미가 있는 정물>(1633) 작품입니다. 주로 수도사, 성직자, 순교자를 묘사한 종교화로 유명했던 수르바란에게 이 정물화는 그의 예술 세계에서 독특한 위치를 차지합니다. 이 작품은 수르바란이 서명하고 날짜를 기입한 유일한 정물화라는 점에서 더욱 특별한 의미를 지니고요.




The Norton Simon Museum /San Gabriel Valley Tribune



작품의 크기는 세로 62.2cm, 가로 109.5cm로 비교적 큰 편에 속합니다. 현재 이 작품은 미국 캘리포니아주 파세디나에 위치한 노튼 사어먼 미술관( Norton Simon Museum)에 소장되어 있습니다.




Pasadena, CA




작품은 어두운 배경과 나무 탁자 위에 세 가지 주요 모티프가 일렬로 배열된 간결하고 엄격한 구도를 특징으로 합니다. 왼쪽에는 은쟁반 위에 거친 껍질의 레몬 네 개가 놓여 있고, 중앙에는 잎과 꽃이 달린 오렌지가 가득 담긴 버드나무 바구니가 자리합니다. 오른쪽에는 은접시 위에 흰색 도자기 컵과 가시 없는 분홍색 장미 한 송이가 조용히 놓여 있습니다. 이 세 가지 요소는 절제된 조형미와 함께 깊은 영적 의미를 전달하는 듯한 고요하고 명상적인 분위기를 자아냅니다.





수르바란(1598-1664)은 이 작품에서 바로크 시대 특유의 키아로스쿠로( Chiaroscuro), 즉 빛과 어둠의 강렬한 대비를 효과적으로 활용했습니다. 왼쪽에서 쏟아지는 강한 빛은 어두운 배경으로부터 사물들을 극적으로 부각시킵니다. 각 오브제에 불멸적인 존재감을 부여하고요. 이러한 조명은 레몬의 거친 껍질, 오렌지 잎사귀의 섬세한 주름, 장미 꽃잎의 부드러움, 은접시의 차가운 금속성, 도자기 컵의 매끄러운 표면 등 각 재료의 독특한 질감을 생생하게 드러냅니다. 과일의 따뜻한 색조(노란색, 주황색)와 은 접시 및 컵의 차가운 색조가 어두운 배경과 대비를 이루며 화면의 균형을 유지하고, 관람자의 시각과 촉각을 동시에 자극합니다.





detail/Flickr




< 레몬, 오렌지, 장미가 있는 정물>에 등장하는 모든 오브제는 17세기 스페인의 깊은 가톨릭 신앙과 밀접하게 연관된 상징적 의미를 내포하고 있습니다. 수르바란은 평범한 사물들을 통해 심오한 종교적 메시지를 전달하고자 했습니다. 레몬은 부활절, 신앙, 신실함, 고통과 고행을 나타냅니다. 시트론(레몬의 일종)은 유월절 의식과 관련이 있어 그리스도의 수난과 부활을 암시하며, 성모 마리아의 슬픔을 상징하기도 합니다. 오렌지는 동정성, 순결, 풍요, 신성함을 상징합니다.




detail/Pinterest





오렌지와 그 꽃(오렌지 블러섬)은 성모 마리아의 순결과 처녀성을 상징하고요. 때로는 인간의 타락(선악과)과 그리스도의 구원을 통한 회복을 나타내기도 합니다.





detail/Alamy







장미는 신성한 사랑, 순수함, 무흠태를 상징합니다. 특히 가시 없는 장미는 원죄 없이 잉태된 성모 마리아( Immaculate Conception)를 상징합니다. 그녀의 신성한 사랑과 순수함을 의미하고요. 도자기컵은 순결, 신성함을 상징합니다. 물이 담긴 흰색 컵은 성모 마리아의 순결하고 죄 없는 모습을 상징하고요. 그녀가 하느님의 아들을 낳기에 합당한 순수한 그릇임을 암시합니다.








작품의 세 부분으로 분할된 엄격한 구도는 성부, 성자, 성령의 삼위일체(Holy Trinty)를 암시하는 종교적 의미를 담고 있습니다. 이러한 상징적 의미는 당대 스페인의 수도원 공동체에서 수르바란 작품의 주요 후원자들에게 즉각적으로 이해되었습니다. 작품은 단순히 시각적 아름다움을 넘어, 관람자에게 깊은 영적 묵상과 신앙적 성찰을 유도하는 도구로서 기능했습니다.





< 레몬, 오렌지, 장미가 있는 정물>은 스페인 정물화를 지칭하는 용어인 '보데곤( Bodegon)' 양식의 대표적인 예시입니다. 스페인의 보데곤은 종종 일상적인 사물, 특히 음식과 식기를 통해 인생의 무상함이나 종교적 의미를 전달했습니다. 수르바란의 정물화는 동시대 마드리드 학파의 화려한 식기나 반짝이는 금속을 묘사한 정물화와는 다르게, 검소하고 엄숙한 특징을 보입니다. 그는 사물들을 일상의 맥락에서 분리하여 제단 위의 봉헌물처럼 엄숙하게 제시함으로써, 단순한 사물에 신성하고 불멸적인 아우라를 부여했습니다.




Still life with lemons, oranges and a rose ,1633/silver& exact- WordPress.com






https://www.youtube.com/watch?v=A9zho8QMItk





이 작품은 원래 알렉상드르 앙투안 에르네스트 주르노 (Alexandre Antoine Ernest Journault)의 소유였습니다. 1922년 파리 경매에서 알레산드로 콘티나-보나코시 백작( Count Alessandro Contini-Bonacossi) 에게 팔렸습니다. 이후 콘티나-보나코시 가문의 소장품으로 내려오다가, 1972년 노튼 사이먼 재단이 루브르 박물관의 인수설이 제기되자 2,725,000달러라는 당시 최고가 중 하나에 이 작품을 구매했습니다. 2008년에는 오랫동안 작품을 덮고 있던 불투명한 바니시와 변색된 보정 작업을 제거하는 보존 처리가 이루어졌습니다. 수르바란 특유의 질감 묘사와 섬세한 색채 대비가 다시 살아났고요.




https://www.youtube.com/watch?v=Rv9sCLgEwag



Children Eating Grapes and a Melon, 1645-1650 /wikipeidia




Munich /ontheworldmap.com





바르톨로메 에스테반 무리요(1617-1682)의 <포도와 멜론을 먹는 아이들 Children Eating Grarpes and a Melon)>(1645-1650) 작품입니다. 현재 독일 뮌헨(Munich)의 알테 피나코테크( Alte Pinakothek)에 소장되어 있습니다. 무리요의 가장 유명한 풍속화 중 하나로 평가받는 작품입니다. 이 작품은 당시 스페인, 특히 무리요의 고향 세비야의 사회적 현실을 배경으로, 빈곤한 어린이들의 일상을 따뜻하고 섬세한 시선으로 그려내어 시대를 초월한 감동을 선사합니다.





이 작품이 그려진 17세기 중반, 무리요의 고향 세비야는 극심한 사회경제적 어려움을 겪고 있었습니다. 한때 신대륙과의 독점 무역으로 번성했던 세비야는 1640년대에 과달키비르강의 퇴적과 카디스로의 무역 중심지 이전 등으로 인해 경제적 쇠퇴를 맞이했습니다. 여기에 1649년 대규모 흑사병이 덮쳐 도시 인구의 절반 가까이를 앗아갔습니다. 연이은 기근과 경제 위기는 빈곤층, 특히 고아와 부랑아의 수를 급증시켰습니다.






이러한 사회적 혼란 속에서 가톨릭 교회는 반종교개혁의 영향으로 자선 활동을 강조했습니다. 예술은 가난한 이들에 대한 연민과 자비를 불러일으키는 도구로 활용되었고요. 무리요(1617-1682) 자신도 어린 시절 부모를 여의고 고아로 자랐습니다. 자선 단체에 적극적으로 참여하는 등 빈곤에 대한 깊은 공감과 개인적인 헌신을 가지고 있었지요. 이러한 배경은 그가 단순히 사회적 문제를 고발하는 것을 넘어, 빈곤한 아이들에게 인간적인 존엄성과 따뜻한 시선을 부여하는 데 영향을 미쳤습니다.






무리요는 1618년 세비야에서 세례를 받았으며, 평생을 세비야에서 활동하며 세비야 화파를 대표하는 화가로 자리매김했습니다. 그는 동시대 대가들의 엄격한 사실주의와 테네브리즘( Tenebrism) 양식의 영향을 받았습니다. 특히, 카라바조( Caravaggio, 1571-1610)의 드라마틱한 명암법은 그의 작품에 큰 영향을 주었습니다. 그러나 무리요는 점차 자신만의 부드럽고 빛나는 화풍을 발전시켰습니다. 1670년부터는 전체 화면이 얇은 안개에 덮인 듯한 환상적인 '스티로 바포로소( Estilo vaporoso, vaporous style)'기법을 통해 자신만의 개성을 만들어 갑니다. 이는 섬세한 필치와 따뜻한 색감으로 인물의 감정을 깊이 있게 표현하는 데 기여했습니다.





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이 작품은 어두운 배경을 등지고 두 명의 소년이 포도와 멜론을 먹는 장면을 그린 작품입니다. 그림 속 소년들은 서로 마주 보며 친밀하고 생기 넘치는 순간을 공유하고 있습니다. 오른쪽 소년은 나무 의자에 앉아 멜론을 무릎에 두고 칼로 자르고 있습니다. 한 입 베어 문 멜론 조각을 들고 볼이 불룩한 채로 동료를 바라보네요. 왼쪽 소년은 바닥에 앉아 부서진 손잡이의 포도 바구니 옆에서 한 손은 멜론 조각을 들고, 다른 한 손은 포도 한 송이를 입으로 가져가고 있습니다.





이들은 맨발에 찢어지고 해진 누더기 옷을 입고 있습니다. 더러운 발과 손톱, 멜론 위에 앉은 두 마리 파리, 바닥에 흩어진 멜론 껍질과 씨앗 등은 이들의 빈곤한 현실을 생생하게 보여줍니다. 무리요(1617-1682는 이러한 현실적인 묘사를 통해 아이들의 고단한 삶을 드러냅니다. 그들의 순수함과 순간의 즐거움을 놓치지 않고 포착하는 것도 잊지 않았고요. 보는 이들에게 깊은 인간미와 연민을 불러일으키는 작품입니다.






Detail/DailyArt Magazine





작품 속 포도와 멜론은 단순한 식료품을 넘어 여러 상징적 의미를 담고 있습니다. 풍성하게 담긴 과일 바구니와 아이들이 탐욕스럽게 먹는 모습은 순간적인 쾌락과 풍요를 상징합니다. 그러나 바닥에 흩뿌려진 씨앗과 껍질, 멜론 위에 앉은 파리 등은 이러한 쾌락이 덧없고 찰나적임을 암시합니다. 빈곤 속에서 얻는 짧은 행복의 비극성을 드러내고요. 부서진 손잡이의 포도 바구니는 아이들이 이 과일을 훔쳤을 가능성을 시사합니다. 당시 길거리 아이들의 생존 방식을 사실적으로 반영한 거지요.






무리요(1617-1682)는 이 작품에서 강렬한 키아로스쿠로( chiaroscuro) 기법을 활용하여 드라마틱한 효과를 연출했습니다. 왼쪽 상단에서 들어오는 빛은 어두운 배경과 대조를 이루며 두 소년과 과일에 집중하도록 이끕니다. 인물의 형태와 과일의 입체감을 강조하고요. 전체적인 색채는 흐릿하고 칙칙한 회색조를 띠어 아이들의 빈곤한 환경을 반영합니다. 하지만, 멜론의 밝은 색과 포도의 생생한 색상은 생동감을 더하고 화면에 활력을 불어넣습니다.





부드러운 붓놀림은 아이들의 피부와 과일의 질감을 섬세하게 표현합니다. 소년들의 통통한 불과 빛나는 눈은 빈곤 속에서도 잃지 않는 순진문구함을 보여줍니다. 멜론의 즙이 많은 단면과 포도 알갱이의 탱글탱글함은 감각적인 쾌락을 자극합니다. 이러한 세밀한 질감 묘사는 작품의 사실성을 높이고 관람자가 장면에 몰입하도록 돕습니다.





Three Boys Playing Dice/ wikimedia commons:The Little Fruitseller/wikipedia
The Young Begger/wikipedia







그의 작품은 네덜란드 장르화의 영향을 받았지만, 단순히 'pittura ridicola'(우스꽝스러운 그림)로 빈곤을 희화화하는 북유럽의 일부 작품과는 다릅니다. 무리요는 아이들에게 존엄성( dignity)과 경건함( sanctity)을 부여했습니다. 그는 종교화를 그릴 때와 동일한 시각적 언어를 사용하여 세속적인 장면 속 아이들을 '성스러운 가난한 이들( sanctus pauper)'또는 '신성한 아이들( holy children)'로 격상시켰습니다. 이는 당시 반종교개혁 시대의 가톨릭 교회가 가난한 이들을 그리스도의 현신으로 보고 자선을 강조했던 사회적 이념과도 맞닿아 있습니다.






이 작품은 무리요가 1645-1650년경 제작한 이후 스페인을 떠나 유럽 전역으로 퍼져 나갔습니다. 이는 주로 세비야에 거주하던 플랑드르 상인 니콜라스 오마주르( Nicolas Omazur)와 같은 외국 수집가들의 주문에 의해 북유럽 미술 시장으로 수출되었기 때문이지요. 17세기 후반에서 18세기 초, 바이에른 선제후 막시밀리안 2세 엠마누엘( Maximilian II Emanuel)이 이 작품과 <주사위 놀이하는 소년들>을 구입하면서 뮌헨 알테 피나코테크의 소장품이 되었습니다.








Agnus Dei, 1635-1640, Museo del Prado







프란시스코 데 수르바란(1598-1664)의 <하느님의 어린양 (Agnus Dei)> 작품입니다. 이 작품은 심오한 종교적 상징성과 탁월한 사실주의 기법이 결합된 걸작으로 평가받습니다. 단순한 구성을 통해 보는 이에게 깊은 감동과 묵상을 선사하고요. 스페인 가톨릭 개혁 시대의 정신을 시각적으로 구현하고 있습니다.






두드러진 특징으로는 빛과 어둠의 강렬한 대비를 통해 대상의 순수함과 희생적 의미를 극대화하는 수르바란 특유의 화풍이 있습니다. 그는 이탈리아의 카라바조로부터 영향을 받아 '스페인의 카라바조'라고도 불렸습니다. 엄격하고 절제된 표현으로 종교적 경건함을 전달하는 데 뛰어났고요. 캔버스에 유화로 그려졌습니다. 이 작품은 여러 버전으로 제작되었으며 현재 주요 소장처로는 스페인 마드리드의 프라도 미술관( Museo del Prado)과 미국 샌디에이고 미술관(The San Diego Museun of Art) 이 있습니다.




Museo del Prado




작품의 크기는 버전마다 약간의 차이가 있습니다. 프라도 미술관 소장본은 38cm(높이)*62cm(너비)이며 샌디에이고 미술관 소장본은 35.56cm(높이)* 52.07cm(너비)입니다. 작품은 어두운 배경과 회색 탁자 위에 발이 묶인 메리노 양을 묘사하고 있습니다. 곧 희생될 운명에 처해 있지만 놀랍도록 평온하고 순종적인 모습을 보입니다.






<하느님의 어린양>이 제작된 17세기 스페인은 가톨릭 교회가 강력한 권위를 유지하며 사회 전반에 큰 영향을 미치던 시기였습니다. 당시 유럽은 루터의 종교개혁으로 인해 변화의 소용돌이에 있었습니다. 가톨릭교회는 이에 대응하기 위해 대대적인 반종교개혁 운동, 즉 가톨릭 개혁 운동을 펼쳤습니다. 이 운동은 18년에 걸쳐 진행된 트렌트 공의회( 1545-1563)에서 구체적인 미술 정책으로 논의되었습니다.





트렌트 공의회는 미술이 교리를 선전하고 신자들의 신앙심을 고취시키는 강력한 수단이 되어야 한다고 강조했습니다. 이에 따라 바로크 미술은 감동적이고 설득력 있는 표현, 극적인 명암 대비, 강렬한 정서적 호소를 특징으로 발전했습니다. 수르바란(1598-1664)은 이러한 가톨릭 개혁 운동에 동참하여 , 성서의 내용과 수도자, 성인들을 주제로 한 작품들을 많이 제작했습니다. 그의 작품은 단순하면서도 깊은 내용을 아름답게 표현하여, 당시 신자들에게 십자가 수난의 의미를 보완하고 심화시키는 역할을 했습니다. <하느님의 어린양>은 이러한 시대적 요구에 부응하여 예수 그리스도의 희생과 구원이라는 핵심적인 신학적 메시지를 시각적으로 강력하게 전달하며, 신앙을 보존하고 신자들의 이탈을 막으려는 가톨릭 교회의 목표에 기여했습니다.





Agnus Dei/Museo del Prado




수르바란의 <하느님의 어린양>은 그의 독창적인 화풍적 특징을 집약적으로 보여주는 작품입니다. 이 작품의 가장 두드러진 특징은 빛과 어둠의 강렬한 대비입니다. 어두운 검은 배경은 마치 연극 무대처럼 어린양에게 집중된 밝은 빛을 더욱 돋보이게 합니다. 이러한 극적인 조명은 양의 입체감과 형태를 강조하며, 종교적 경건함과 비일상적인 분위기를 창조합니다.





수르바란은 양의 털 질감, 묶인 끈, 그리고 양의 순진한 표정까지 매우 세밀하고 사실적으로 묘사했습니다. 관람자는 양의 부드러운 모피를 거의 만져볼 수 있을 것 같은 느낌을 받습니다. 양의 코끝은 촉촉하고 속눈썹은 섬세하게 표현되어 생명력을 더하고요. 이러한 극사실적인 묘사는 종교적 상징의 깊이를 실제적이고 감동적으로 전달하는 데 중요한 역할을 합니다.







작품은 매우 단순하고 간결한 구성을 가지고 있습니다. 어린양은 어두운 배경과 대조되는 회색 탁자 위에 중앙에 배치되어 있습니다. 주변에 다른 소품이나 상황적 배경을 거의 두지 않아 보는 이의 시선이 오직 양에게만 집중되도록 합니다. 양의 네 다리가 묶여 있지만 저항하지 않고 순순히 누워있는 모습은 희생의 운명을 겸허히 수용하는 자세를 표현합니다.




수르바란은 주로 중성적이고 어두운 색조를 사용하여 작품에 무게감과 심각성을 부여했습니다. 특히 어두운 검은 배경과 대비되는 흰 양의 모습은 순결함과 무죄함을 강조합니다. 양의 희생적인 순결함과 숭고함을 부드러운 빛으로 강조하고요. 이러한 색채의 절제는 작품의 종교적 메시지를 강화하는 효과를 낳습니다.






<하느님의 어린양>은 기독교 신학의 깊은 의미를 담고 있는 작품입니다.

라틴어로'하느님의 어린양'을 뜻하는 'Agnus Dei'는 기독교에서 예수 그리스도를 상징하는 가장 종요한 표현 중 하나입니다. 신약성서에서 세례자 요한이 예수를 "세상 죄를 지고 가는 하느님의 어린양"이라고 묘사한 것에서 유래했습니다. 이 양은 죄 없는 순결함과 순수함을 나타냅니다. 인류의 죄를 대속하기 위한 예수 그리스도의 희생을 상징하고요.





양의 묶인 발은 곧 예수의 십자가에 못 박힌 손과 발을 연상시킵니다. 십자가 수난을 예고하는 상징이고요. 양이 저항 없이 순종적으로 묶여 있는 모습은 예수님이 하느님의 뜻에 따라 자발적으로 자신을 희생한 것을 상징합니다. 이는 고난과 죽음을 겸허히 수용하는 그리스도의 모습을 보여줍니다. 어두운 배경은 희생이라는 무거운 주제를 강조하면서 양의 흰 털과 순수함을 더욱 돋보이게 합니다. 이는 그리스도의 희생이 인류의 죄를 덮는 역할을 한다는 신학적 의미를 시각적으로 전달합니다.






이 작품은 종교화와 정물화의 경계에 놓인 독특한 성격을 지닌다는 평가를 받습니다. 일부 학자는 수르바란이 일반적인 정물화를 넘어선 종교적 의미를 부여했습니다. 17세기 스페인 관람자들에게는 양의 이미지 자체가 강한 종교적 함의를 가졌을 것이라고 해석합니다. 프라도 미술관 측은 이 작품이 "장르 간 경계가 얼마나 유동적일 수 있는지를 보여주는 사례로서 정물화 역사에서 중요한 위치를 갖는다"라고 평가했습니다.







Agnus Dei by Zurbaran, Museo del Prado/Posterlounge



프라도 미술관 ( Museo del Prado)에 소장된 버전은 일반적으로 현존하는 작품 중 가장 뛰어난 것으로 평가됩니다. 이 작품은 1986년 스페인 정부가 마르케스 델 소코로( Marques del Socorro) 가문으로부터 인수하여, 1987년부터 박물관에 소장되었습니다. 프라도 미술관은 이 작품을 기술적 숙련도, 묘사 능력, 표현력, 그리고 가장 큰 정서적 섬세함을 겸비한 작품으로 해설하며 스페인 바로크 시대 최고의 작품 중 하나로 꼽습니다. 이 미술관에서는 작품이 단순한 정물화가 아닌, 그리스도의 희생과 관련된 종교적 의미를 내포하고 있음을 강조합니다.




The Lamb of God by Zurbaran, San Diego Museum of Art/Wikimedia Commons



정물화이면서
동시에
신앙심을 자극하는 상징적인 그림



샌디에이고 미술관에도 <하느님의 어린양>의 한 버전이 소장되어 있습니다. 이 작품은 앤 R.& 에이미 푸트남( Anne R. and Amy Putnam) 이 박물관에 기증했습니다. 이 버전은 양의 머리에 은은한 후광과 ' TANQUAM AGNUS'(양처럼)이라는 라틴어 글귀가 새겨져 있어 종교적 색채가 짙은 작품으로 분류됩니다. 샌디에이고 미술관은 이 작품을 스페인 예술 컬렉션의 중요한 부분으로 소개하며, 종교적 의미와 더불어 시각적 아름다움을 강조합니다.







https://www.youtube.com/watch?v=MSWA7OCe_6w



The Holy Family with a little Bird,1650 /wikipedia






바르톨로메 에스테반 무리요( 1617-1682)의 '작은 새와 함께 있는 성가족( The Holy Family with a Little Bird) ' (1650) 작품입니다. 종교적 주제를 일상적인 인간미와 결합하여 당시 미술계에 새로운 지평을 열었던 작품입니다.





이 작품은 성가족의 친밀하고 평화스러운 순간을 따뜻하고 사실적으로 묘사했습니다. 보는 이로 하여금 깊은 공감과 경건함을 느끼게 하고요. 현재 이 작품은 스페인 마드리드의 프라도 미술관에 소장되어 있습니다. 무리요의 예술적 재능과 종교적 감수성을 잘 보여주는 중요한 유산으로 평가받고 있는 작품입니다.





가로 188cm, 세로 144cm 크기의 캔버스 유화로 그려졌습니다. 그림은 성 요셉의 목공 작업실을 배경으로 성모 마리아, 아기 예수, 성 요섭을 평범한 17세기 스페인 가정처럼 묘사하고 있습니다. 이 그림은 1744년 스페인 여왕 이사벨 파르네세( Elisabeth Farnese)에 의해 스페인 왕실 컬렉션에 추가되었습니다. 1819년 페르난도 7세가 프라도 미술관을 설립하면서 왕실 소장품의 일부로 이관되어 오늘날까지 전시되고 있습니다.





Museo del Prado






이 작품의 캔버스는 무리요의 세비야 공방에서 흔히 사용되던 방식으로 제작되었습니다. 캔버스는 나무 프레임에 늘려져 동물성 아교로 얇게 코팅된 후, 흙색 안료, 목탄, 백연(white lead)등으로 구성된 두꺼운 갈색 유성 프라이머 층이 칠해져 부드러운 회화 표면을 만들었습니다. 19세기 세척 과정에서 원래의 바니시 층이 제거되어 하늘 부분에 미세한 균열(craquelure)이 나타나 있습니다. 프라도 미술관 기록에 따르면, 2017년 표면 오염 제거, 손상 부분 보수, 캔버스 이면 보강 등 전반적인 복원 처리가 이루어졌습니다.




Holy Family with a little Bird,1650/Museo del Prado




이 작품은 무리요(1617-1682)의 서정적이고 감성적인 리얼리즘이 돋보이는 작품입니다. 작품의 시각적 요소들은 성가족의 친밀함과 신성함을 동시에 부각하며 깊은 감동을 선사합니다. 작품은 성가족 세 인물을 피라미드 형태로 배치하여 안정적이고 응집력 있는 구도를 형성합니다. 성모 마리아와 성 요셉, 아기 예수가 이루는 안정적인 삼각형 구도는 관람자의 시선을 안쪽으로 집중시켜 가족 간의 친밀감을 강조합니다. 배경은 소박한 실내 공간으로, 목수 도구들과 성 요셉의 작업대가 놓여 있어 가족의 겸손하고 일상적인 삶을 암시합니다. 전경에 가족이 집중적으로 배치되고 배경은 간소하게 처리되어 가족의 존재감을 부각시킵니다. 외부 세계와의 단절된 소박한 온기를 만들어내고요.





무리요는 이 작품에서 부드러운 파스텔 톤과 풍부한 흙색 계열의 따뜻한 색채를 사용했습니다. 여느 가정집마냥 평온하고 아늑한 분위기를 연출했고요. 특히 성모 마리아의 붉은 옷에는 진사(cinnabar)에서 추출한 주홍색 안료가 사용되었습니다. 인물들의 얼굴과 옷의 밝은 부분에는 백연(lead white)이 사용되어 빛나는 하이라이트를 만들어냅니다.





빛의 사용은 무리요의 특징적인 기법인 키아로스쿠로 ( chiaroscuro)를 통해 드라마틱하면서도 부드러운 효과를 줍니다. 왼쪽에서 들어오는 강한 빛은 인물들의 얼굴, 아기 예수가 새를 든 손, 그리고 그들의 단순한 옷의 주름을 밝히며 깊이와 부드러움을 더합니다. 이러한 조명은 배경에 그림자를 드리워 깊이감을 주고, 동시에 신성한 존재감을 부여하여 성스러운 순간을 강조합니다. 빛은 인물들을 비추면서도 배경은 어둡게 처리되어, 소박한 실내 공간을 넘어 영적인 깊이를 더합니다






detail/Historia del arte





인물들의 표정과 제스처는 작품의 감성적 깊이를 더하는 핵심요소입니다. 성모 마리아는 실을 감으며 사랑스러운 눈빛으로 아기 예수를 바라보고 있습니다. 이는 겸손한 어머니의 모습과 함께 강림의 인간적 애정을 상징합니다. 성요섭은 일을 멈추고 아기 예수를 한 팔로 안고 다른 팔로는 개를 가리키며 상호작용을 유도하는 다정한 아버지의 모습을 보여줍니다. 17세기 가톨릭 교회의 성 요셉에 대한 새로운 강조는 그를 헌신적인 부양자이자 이상적인 아버지로 그리는 데 영향을 미쳤습니다. 아기 예수는 기댄 채 작은 새를 손에 들고 장난스럽게 놀고 있습니다. 이는 순수하고 천진난만한 어린 시절의 모습을 강조합니다. 인물들의 부드러운 미소와 보호적인 자세는 깊은 사랑과 헌신을 전달하며, 관람자가 인물들과 개인적인 차원에서 연결되도록 유도합니다.





European goldfinch/Urban Milwaukee




Detail showing Goldfinch of Madonna del Cardellino by Raphael/wikipedia





Raffaello, Modonna del Cardellino, 1505-06/wikimedia Commons




아기 예수가 손에 든 작은 새는 유럽산 금화조( European goldfinch)로 알려져 있습니다. 기독교 도상학에서 풍부한 상징적 의미를 지니고요. 금화조는 섬세한 크기와 연약한 형태 때문에 인간 영혼의 취약성을 나타냅니다. 또한 엉겅퀴 씨앗을 먹는 습성 때문에 예수의 수난( Passion)을 암시합니다. 엉겅퀴의 날카로운 가시는 예수의 십자가형 당시 씌워진 가시관을 연상시키고요. 성가족의 삶에 내재된 고통을 예고합니다.




금화조의 붉은 얼굴 반점은 그리스도의 피 흔적으로 해석되어 부활과 죽음에 대한 승리를 의미합니다. 14세기 흑사병 이후에는 치유와 구원의 상징으로도 여겨졌고요. 이 모티프는 라파엘로의 '카르델리노의 성모( Modonna del Cardellino)(1506년경) 와 같이 순수함 속에 희생과 구원의 주제를 미묘하게 담아내던 르네상스 시대의 예술적 전통에 서 유래합니다. 무리요의 작품에서 금화조는 성가족의 부드러운 가정생활과 아기 예수의 희생적인 운명에 대한 비극적인 예견을 섞어내어 작품의 감정적 깊이를 더합니다.



detaile/Etsy




작품 하단에 있는 개는 충성심, 신의 , 보호를 상징합니다. 가족의 유대와 가정의 안전을 암시하고요. 배경에 보이는 목수 도구들은 성 요셉의 직업을 나타냅니다. 노동의 신성함을 강조하는 동시에 성가족의 겸손하고 근면한 삶을 보여줍니다. 이러한 일상적인 요소들은 종교적 인물들을 보다 현실적이고 공감할 수 있는 존재로 만듭니다.







Council of Trent,1545-1563/wikipedia






트렌트 공의회( Council of Trent, 1545-1563))의 지침에 따라 가톨릭 교회는 개신교의 비판에 대응하여 신자들에게 친근하고 감성적인 종교 미술을 장려했습니다. 18년 동안 세 번의 회기 (1545-1549년, 1551-1552년, 1562-1563년)에 걸쳐 진행되었습니다. 이 공의회는 교회 내 개혁과 프로테스탄트 교리에 반대하는 가톨릭 교리의 재확립이라는 두 가지 주요 목적을 가지고 있었습니다. 이러한 배경 속에서 무리요는 성가족을 이상화된 존재가 아닌, 평범한 인간 가족의 모습으로 그려냄으로써 신자들의 공감을 이끌어냈습니다. 특히 성 요셉의 역할을 17세기 가톨릭 신앙에서 중요한 위치를 차지했는데, 무리요는 그를 젊고 활기찬 아버지이자 헌신적인 부양자로 묘사하여 당시 교회의 교리를 시각적으로 구현했습니다. 작품에서 할로( halo)나 극적인 바로크적 기교 없이도 부드러운 친밀감을 자아내는 것은 이러한 시대적 요청에 부합하는 무리요의 독창적인 해석이었습니다. 이는 인간 본성과 은총의 조화로운 관계를 표현하려는 무리요의 의도를 부여주며, 루터의 인간 본성 왜곡에 대한 반박으로 작용했습니다.





17세기와 18세기 무리요의 동시대인들은 이 작품의 감성적인 따뜻함과 가정생활의 사실적인 묘사에 찬사를 보냈습니다. 이 작품은 성스러운 인물들을 친근하고 이해하기 쉬운 존재로 만들어, 반종교개혁 시대 가톨릭 교회의 신앙심 고취에 기여했습니다. 1700년 스페인 왕실 컬렉션에 들어간 후, 개인적인 경건함을 증진시키는 친밀한 종교적 표현의 예시로 왕실 인벤토리에 기록되었습니다.






Two Women at a Window, 1665-1675 /National Gallery of Art





바르톨로메 에스테반 무리요( Bartolome Esteban Murillo, 1617-1682)의 <창가의 두 여인 Two Women at a Window> 작품입니다. 사실주의 묘사와 심오한 사회적 의미를 동시에 담고 있는 걸작입니다. 이 작품은 종교화로 잘 알려진 무리요의 다른 작품들과는 달리, 당대 세비야 시민들의 일상을 포착한 작품입니다. 워싱턴 D.C. 국립 미술관( National Gallery of Art)에 소장되어 있습니다. 이 그림은 관람자와의 직접적인 시선 교환을 통해 시대를 초월한 감정적 연결을 유도합니다. 시대를 초월한 두 여인과의 눈 맞춤도 새로운 경험이 될 겁니다.





이 작품은 1665년에서 1675년 사이에 제작된 유화 작품입니다. 높이 약 125.1cm, 폭 약 104.5cm에 달하는 실제 크기에 가까운 인물 묘사로 보는 이에게 강렬한 현장감을 선사합니다. 현재 이 작품은 워싱턴 D.C. 국립 미술관 와이드너 컬렉션( Widener Collection)에 소장되어 있습니다. 이 그림은 1823년 스페인 귀족 페드로 프란시스코 루한 이 공고라( Pedro Francisco Lujan y Gongora)의 상속인으로부터 영국 외교관 윌리엄 아코트( William A'Court)에게 팔렸습니다. 이후 1894년 예술 상인에게, 그리고 같은 해 미국 수집가 피터 아렐 브라운 위드너( Peter Arrell Browne Widener) 에게 팔려 1915년 국립 미술관에 기증되었습니다.






작품은 두 여인이 직사각형 창문틀 안에 배치된 구도를 가지고 있습니다. 뒤편의 어두운 실내 배경은 인물들에게 집중도를 높여줍니다. 창문은 그림의 경계 역할을 하고요. 한 젊은 여인은 창문턱에 기대어 그림 밖을 향해 매혹적인 미소를 짓고 있습니다. 다른 나이 든 여인은 반쯤 열린 덧문 뒤에서 웃음을 감추고 있고요. 이러한 구도는 관람자를 직접 작품 속으로 끌어들이는 효과를 만들어냅니다. 마치 실제 창문을 통해 두 여인을 엿보는 듯한 착각을 불러일으키고요. 무리요(1617-1682)는 플랑드르 회화에서 흔히 볼 수 있는 '트롱프뢰유(trompe l'oeil, 눈속임)'기법을 활용하여 그림과 현실 사이의 경계를 모호하게 만들었습니다. 실제로 이 작품은 복원 과정에서 젊은 여인이 팔을 기대고 있는 창문턱이 별도의 천 조각으로 덧대어 그려졌다는 사실이 밝혀졌습니다. 이러한 입체적 효과를 의도적으로 연출했음을 알 수 있습니다.




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두 여인은 실제 크기로 묘사되어 있으며, 이들의 표정은 미묘한 감정과 상호작용을 담고 있습니다. 젊은 여인은 순진하면서도 호기심 어린 시선으로 관람자를 직접 응시하고 있습니다. 그녀의 온화한 미소는 보는 이에게 친근함을 느끼게 하고요. 그녀의 어깨가 드러난 드레스와 붉은색 장식은 당대 부르주아 여성에게는 다소 파격적인 모습으로 해석될 수 있습니다. 이는 작품의 사회적 의미를 탐구하는 중요한 단서가 됩니다. 반면 나이 든 여인은 멘틸라( mantilla, 스페인 여성의 레이스 베일)로 얼굴 하부를 가린 채 눈만 보이며 웃음을 참는 듯한 표정일 짓고 있습니다. 이는 당시 상류층에서 웃음을 감추는 것이 예의로 여겨졌던 사회적 관습을 반영합니다. 그녀의 모습은 지혜와 조심성을 상징하고요. 두 인물의 대조적인 모습은 작품에 서사적 깊이를 더하며, 관람자에게 다양한 해석의 여지를 제공합니다.




https://www.youtube.com/watch?v=937gMwLuno8




무리요(1617-1682)는 부드러운 색조와 따뜻한 빛을 사용하여 작품에 온화하고 인간적인 분위기를 불어넣었습니다. 특히 젊은 여인은 밝은 햇빛을 받아 더욱 돋보이는데, 이는 그녀의 순수함과 생동감을 강조합니다. 뒤편의 어두운 배경과 대조를 이루는 인물들의 조명은 카라바조( Carabaggio)의 영향을 받은 '카아로스쿠로( chiaroscuro, 명암 대비)' 기법의 전형적인 예시입니다. 무리요는 빛과 그림자의 섬세한 전환을 통해 인물들의 감정을 깊이 있게 표현했습니다. 그림에 '스푸마토 ( sfumato)'라고 불리는 부드러운 아지랑이 같은 효과를 부여했습니다. 이러한 빛의 연출은 젊은 여인의 천진난만한 모습과 나이 든 여인의 감춰진 웃음 사이에 존재하는 복합적인 감정선을 강조합니다.







이 작품은 17세기 스페인, 특히 세비야의 일상적인 풍경을 보여주는 장르화로서 당대 여성들의 삶의 단면을 알 수 있게 합니다. 창문은 실내와 실외, 개인적인 공간과 공적인 공간 사이의 경계에 위치하며, 이는 여성들이 외부 세계와 상호작용하는 방식을 상징합니다. 당시 스페인 사회는 독실한 가톨릭 국가였음에도 불구하고, 매춘과 같은 사회적 문제들이 공존했습니다. 작품의 초기 제목 중 하나가 '라스 갈레가스(Las Gallegas, 갈리시아 여성들'였다는 점은 흥미롭습니다. 당시 갈리시아 지역은 세비야로 온 매춘부들의 고향으로 알려져 있었습니다. 이는 젊은 여인의 개방적인 모습과 직접적인 시선이 단순히 순수함을 넘어, 유혹적이거나 매춘부일 가능성도 제기하게 됩니다.






작품 속 두 여인의 관계는 종종 상류층 가정의 '뒤엔나( duenna)' 또는 '샤프롱( chaperone)'과 그들의 '피보호자( charge)'로 해석됩니다. 뒤엔나는 어린 소녀의 성장 과정에서 그녀를 보호하고 사회적 행동을 지도하는 역할을 담당했습니다. 나이 든 여인이 웃음을 감추는 행위는 당시 귀족 사회의 에티켓을 반영합니다. 이는 젊은 여인의 다소 자유로운 태도와 대비됩니다. 이러한 대비는 17세기 스페인 사회에서 여성에게 요구되는 덕목( 겸손, 순결)과 현실(매춘, 사회적 유혹) 사이의 복잡한 긴장을 드러내고요. 무리요(1617-1682)는 이러한 사회적 모순을 직접적으로 비난하기보다는 , 관람자에게 도덕적 질문과 성찰의 기회를 제공하며 여인들의 선택에 대한 다양한 관점을 제시합니다.





St Declan's recreates some of arts finest/The Catholic weekly








Museo de Bellas Artes de Sevilla/ Visita Sevilla


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세비야 미술관(Museo de Bellas Artes de Sevilla)입니다. 특히 스페인 미술, 세비야 화파의 작품들을 중세 시대부터 20세기 초까지 폭넓게 소장하고 있습니다. 이 미술관은 1835년 왕실 칙령에 따라 "회화를 전시하는 박물관"으로 설립되었습니다. 멘디사발( Mendizabal) 정부에 의해 압수된 수도원과 수도회의 예술품들을 기반으로 컬렉션이 시작되었습니다. 원래 메르세드 칼사다 데 라아순시온( Merced Calzada de la Asuncion) 수도원의 본거지였던 이 건물 자체도 안달루시아 메너리즘 양식의 아름다운 예시입니다.





세비야 미술관은 스페인 역사의 중요한 전환기였던 1835년 9월 16일, 왕실 칙령에 의해 공식적으로 설립되었습니다. 당시 자유주의 정부를 이끌었던 멘디사발의 교회 재산 몰수 정책( desamortizacion)으로 인해 수도원과 수도회로부터 압수된 종교 예술품들이 미술관 컬렉션의 주축을 이루게 되었습니다. 이러한 배경은 미술관 소장품의 대부분이 종교적인 주제를 다루게 된 주요 원인이 되었습니다.





Museo de Bellas Artes de Sevilla/ Puedo Viajar






현재 미술관 건물은 1248년 기독교인들이 세비야를 탈환한 후 페르난드 3세가 양도한 토지에 성 베드로 놀라스코( Saint Peter Nolasco)가 설립한 메르세드 칼사다 데 라 아순시온 수도원 터에 위치해 있습니다. 1602년 프레이 알론소 데 몬로이( Fray Alonso de Monroy)의 주도로 건축가이자 조각가인 후안 데 오비에도 이 데 라 반데라( Juan de Oviedo y de la Bandera)가 설계를 맡아 1603년부터 건설이 시작되었습니다. 성전은 1612년에 완공되었고요. 나머지 건물들은 약 50년 후에 마무리되어 안달루시아 매너리즘의 뛰어난 건축 양식을 보여줍니다. 미술관으로 지정된 이후 건물은 세 차례의 대규모 개조를 거쳤습니다.



El Bellas Artes de Sevilla muestra el esplendor del arte renacentista/ La Razon




첫 번째 개조( 1868년-1898년)는 1층 아치와 벽면 복원, 회랑 바닥 조성 및 타일 작업 등이 이루어졌습니다. 두 번째 개조(1942년- 1945년)는 옛 성물실 자리에 파티오 데 라스 콘차스( Patio de las Conchas)를 개방하고, 옛 바로크 양식의 정면 파사드를 카예바일렌( Calle Bailen)으로 이전하는 작업이 포함되었습니다. 세 번째 개조( 1985년 시작-1993년 완료)는 건물을 완전히 복원하고 현대적인 전시 공간 요구 사항에 맞춰 여러 단계로 진행되었습니다.






세비야 미술관 건물 자체는 미술관의 역사만큼이나 중요한 유산입니다. 이 건물은 1594년에 지어졌지만, 1839년에 미술관으로 개관하기 전까지는 메르세드 칼사다 데 라아순시온 수도원으로 사용되었습니다. 건물의 전반적인 배치와 디자인은 17세기 초 프레이 알론소 데 몬로이의 주도와 후안 데 오비에도 이 데 라 반데라의 계획 덕분이고요. 그는 이전의 두데하르 양식 건물을 철거하고 새로운 건축물을 세웠습니다. 이는 안달루시아 매너리즘 양식의 아름다운 예시로 평가받습니다.





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미술관은 세 개의 고요한 안뜰을 중심으로 두 층에 걸쳐 갤러리들이 배치되어 있습니다. 중앙 계단이 이들을 연결하고요. 이 안뜰들은 꽃과 나무, 그리고 세비야 특유의 타일 장식으로 꾸며져 있습니다. 미술관의 파사드는 옛 수도원의 구조를 보존하고 있습니다. 특히, 17세기의 스페인 황금기( Siglo de Oro ) 예술의 정수를 보여주는 공간으로, 건물 자체가 인상적인 컬렉션만큼이나 볼거리입니다.




Museo de Bellas Artes de Sevilla/Tripadvisor





세비야 미술관의 컬렉션은 중세 시대부터 20세기 초까지의 스페인 회화 및 조각을 아우릅니다. 특히 17세기 세비야 화파의 황금기를 대표하는 작품들이 강점이지요. 미술관은 총 14개의 방으로 나뉘어 있습니다. 작품들은 대체로 연대순으로 전시되어 있습니다. 대부분의 소장품은 종교적인 주제를 다루고 있고요. 이는 수도원에서 유래한 컬렉션의 특성을 반영합니다. 중세 시대 세비야의 보물 같은 작품들을 초기 방에서 만날 수 있습니다.




Expertos en bellas artes proponen un patronato para el Museo de Sevilla/ABC




특히 중요한 것은 17세기의 스페인 미술, 이른바 황금기( Siglo de Oro) 시대의 작품들입니다. 이 시기 세비야는 벨라스케스( Velazquez,1599-1660), 수르바란( Zurbaran, 1598-1664), 무리요( Murillo, 1617-1682)와 같은 거장들을 배출하며 유럽 미술의 중심지 중 하나가 되었습니다. 미술관은 이들 화가들의 뛰어난 작품들을 대거 소장하고 있어, 세비야 바로크 양식의 중요한 거점으로 평가받습니다.





우아한 르네상스 시대의 작품들 중 , 특히 알레호 페르난데스( Alejo Fernandez)의 수태고지(The Annunciation)와 같은 세비야 르네상스 걸작이 있습니다.




The Annunciation by Alejo Fernandez/wikimedia commons





스페인 바로크 시대 가장 핵심적인 부분으로, 무리요, 수르바란, 발데스 레알( Valdes Leal, 1622-1690) 등 세비야 화파의 거장들의 작품들이 압도적이고요.








The Temptation of St. Jerome by Juan de Valdes Leal/Wikimedia Commons






19세기 및 20세기 초 회화로는 안달루시아의 풍습을 담은 코스툼브리스타(Costumbrista, 일상 풍습과 관습) 회화가 중요한 부분을 차지합니다. 집시 여인, 축제 등 세비야의 정서를 보여주는 작품들이 방문객의 시선을 사로잡습니다.




Museo de Bellas Artes de Sevilla/ Sevilla por metro cuadrato


Museo de Bellas Artes de Sevilla/ABC











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Saint Hugh in the Carthusian Refectory, 1655, Museo de Bellas Artes de Sevilla/wikipedia




프란시스코 데 수르바란의 <카르투시오회 수도원의 식당에 있는 성 휴>(1655) 작품입니다. 그의 걸작 중 하나인 <카르투시오회 수도원의 식당에 있는 성 휴, Saint Hugh in the Carthusian Refectory>(1655)는 유화 작품으로 , 엄격한 수도 생활의 한 장면과 관련된 기적을 극적으로 묘사하고 있습니다. 이 작품은 수르바란 특유의 사실주의, 강렬한 명암 대비, 그리고 정적이고 명상적인 분위기를 집대성한 작품입니다. 당시 스페인 사회의 깊은 종교적 열망과 수도회의 금욕적 이상을 시각적으로 구현한 중요한 사례로 평가받는 작품입니다. 현재 스페인 세비야 미술관( Museo de Bellas Artes de Sevilla)에 소장되어 있습니다.






이 작품의 크기는 높이 262cm, 폭 307cm에 달합니다. 이는 당시 수도원 식당의 벽면을 장식하기에 적합한 규모였습니다. 이 작품은 원래 세비야에 위치한 산타 마리아 데 라스 쿠에바스 카르투시오회 수도원(Monasterio de la Cartuja de Santa Maria de las Cuevas)을 위해 제작되었습니다. 현재는 세비야 미술관의 소장품으로 대중에 공개되어 있습니다. 작품의 제목은 시대에 따라 약간의 차이를 보입니다. 일반적으로 카르투시오 수도원 식당에 있는 성 휴를 지칭합니다.





St Hugh in the Carthusian Refectory,1655, Museum of fine Arts of Seville/wikimedia commons




이 작품은 카르투시오회 창립 초기부터 전해 내려오는 전설적인 기적 이야기를 다룹니다. 작품의 주요 인물 중 한 명인 성 휴 드 샤퇴뇌프( Saint Hugh of Chateauneuf, 1053-1132는 그로노블의 주교였습니다. 1080년 아비뇽 공의회에서 주교로 선출된 후 교황 그레고리오 7세로부터 직접 서품을 받았습니다. 성 휴는 카르투시오회의 창립에도 중요한 역할을 했는데, 1084년에 쾰른의 성 브루노( Saint Bruno of Cologne)와 그의 동료 여섯 명을 꿈에서 일곱 개의 별 아래서 본 후, 그들이 샤르트뢰즈 산맥에 정착하도록 도왔습니다.




St Hugh in the Carthusian Refectory,1655, Museum of Fine Arts of Seville/Aramy





작품이 묘사하는 기적은 카르투시오 수도회 창립 멤버들이 육식 금지 규율을 세우는 계기가 된 사건입니다. 성 휴 주교는 어느 날 수도사들에게 고기를 선물로 보냈는데, 당시 사순절(Lent)이 임박한 시점이었습니다. 사순절은 부활절 전 약 40일간 예수 그리스도의 고난, 죽음, 그리고 부활을 묵상하며 회개, 금식, 절제로 신앙을 성찰하는 기독교의 절기입니다. 수도사들은 고기를 먹어야 할지 말아야 할지 격렬한 논쟁에 빠졌습니다. 이 고민의 와중에 무아지경 상태에 빠져들었습니다. 45일 후, 수도사들을 방문한 성 휴 주교가 그들의 접시에 놓인 고기가 재로 변한 것을 발견합니다. 이 기적적인 사건을 통해 수도사들은 육식을 영구히 금지하는 엄격한 규율을 확립하게 됩니다.





카르투시오회는 1084년 쾰른의 성 브루노에 의해 프랑스 샤르트뢰즈에 설립된 봉쇄 수도회입니다. 이 수도회는 서방 가톨릭에서 가장 엄격한 형태의 은수 수도 생활을 지향합니다. 수도자들은 고독과 침묵 속에서 하느님과의 내적 일치를 추구하고요. 카르투시오 수도자들은 독방 생활을 하며, 하루에 한 끼 식사만 하고 육식은 엄격히 금지됩니다. 외부와의 접촉도 극히 제한적이며, 심지어 부모가 사망하더라도 수도원을 나갈 수 없는 엄격한 서약을 지킵니다. 그들의 모토는 " 세상은 돌지만 십자가는 우뚝 서 있다. "( Stat crux dum volvitur orbis)로 , 변화하는 세상 속에서도 변치 않는 신앙의 중심을 강조합니다. 수르바란(1598-1664)의 작품은 이러한 카르투시오회의 이상과 엄격한 규율을 시각적으로 구현하여 수도승들의 금욕적 삶과 영적 몰입을 보여줍니다.




Detail/wikimedia commons





수르바란은 인물과 사물을 매우 사실적으로 묘사하여 현실감을 극대화했습니다. 작품 속 수도사들의 하얀 수도복의 질감과 주름, 식탁 위에 놓인 테라코타 그릇과 빵, 심지어 고기가 재로 변한 모습까지 세밀하게 표현되어 있습니다. 이러한 세부 묘사는 수도원의 엄격하고 금욕적인 생활 방식을 강조하며, 관람자가 그림 속 장면에 몰입하도록 이끕니다.





구도 면에서 작품은 세 개의 평면으로 나뉩니다. 전경에는 성 휴 주교와 그의 시종이, 중앙에는 상징적인 식사가, 그리고 후경에는 수도사들이 배치되어 있습니다. 수도사들은 식탁을 따라 수평으로 나란히 앉아 있습니다. 이는 안정적이고 정적인 분위기를 조성합니다. 수도사들 대부분은 고개를 숙이거나 시선을 아래로 향하고 있어 내면의 명상에 잠겨 있음을 암시합니다. 이러한 절제된 구성은 작품의 핵심인 기적과 수도사들의 경건함에 집중하도록 유도합니다.





수르바란은 카라바조의 영향을 받아 강렬한 명암 대비 기법인 키아로스쿠로와 테네브리즘을 능숙하게 사용하여 작품에 극적인 효과를 부여했습니다. 어두운 배경은 수도사들의 하얀 수도복과 식탁 위의 사물들을 더욱 돋보이게 합니다. 빛은 인물들의 형태와 감정을 섬세하게 부각시키고요. 빛은 마치 연극 무대의 스포트라이트처럼 중요한 대상을 비추어 관람자의 시선을 집중시킵니다. 깊이 있는 영적 분위기를 조성하고요. 특히 수도복의 흰색은 순수함과 영적인 헌신을 상징합니다. 수르바란은 특히 흰색 옷을 그리는 데 특별한 재능이 있었습니다.




St Hugh in the Carthusian Refectory,1655/wikimedia commons





작품 상단에는 성모 마리아와 아기 예수, 그리고 세레자 요한을 그린 또 다른 그림이 걸려 있습니다. 이 "그림 속의 그림" 기법은 작품에 종교적 깊이를 더하고, 카르투시오 수도회의 신앙적 깊이를 더합니다. 카르투시오 수도회의 신앙적 배경과 수호성인에 대한 경배를 나타내고요. 이 이미지는 수도사들에게 영감을 주고 수도원의 정신적 이상을 상기시키는 역할을 합니다. 이 그림은 수도원 내에서 사제들이 미사 준비를 하는 장소에 걸려 있었는데, 빵과 포도주가 그리스도의 살과 피로 변하는 미사의 핵심 의미를 수도사들에게 상기시키도록 의도된 것으로 해석될 수 있습니다.







이 작품은 단순히 성스러운 이야기를 전달하는 것을 넘어, 수도사들과 수도원을 방문하는 세속인들에게도 중요한 메시지를 전달했습니다. 식당은 수도원 내에서도 내밀한 공간이었지만, 때로는 왕이나 귀족, 지식인과 같은 외부인들이 방문하기도 했습니다. "그림 속의 그림"에 묘사된 수호성인들은 수도원의 중요성을 방문객들에게 보여주는 동시에, 수도사들에게는 매일의 삶 속에서 신성한 의미를 상기시키는 역할을 했습니다.








이 작품은 원래 세비야에 있는 카르투시오회 수도원(Monasterio de la Cartuja de Santa Maria de las Cuevas)의 사크리스티아(성구실)를 장식하기 위해 그려졌습니다. 사크리스티아는 미사를 준비하는 공간으로, 이 작품이 미사 성찬의 의미를 상기시키는 역할도 했음을 시사합니다. 1835년 스페인의 수도원들이 몰수되면서 수르바란의 그림들은 새로운 카디스 박물관에 전시되었습니다. 이후 세비야 미술관에 소장되어 현재까지 유지되고 있습니다.









https://www.youtube.com/watch?v=Rb8btnQEUQw





https://www.youtube.com/watch?v=smXVwQMZDp4


https://www.youtube.com/watch?v=m_HhPm97zIk





https://www.youtube.com/watch?v=OUXTJ2fp3UY
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