미술평론 뉴스 명작읽기 마네 풀밭 위의 점심식사
최철주 명작미술비평 Manet, Lunch on the grass
미술평론 뉴스-명작읽기/ Art Review News - Reading Masterpieces: 미술명작 평론 [9] 마네 풀밭 위의 점심식사 Le d'ejeuner sur l'herbe: 최철주 미술 비평, 개념적 추상 리얼리즘 회화 디자인 과정을 통해 언어적 의미에서 욕망의 개념적 이미지로 해석 Choi Chul-joo Art Criticism, interpreted as a conceptual image of desire in a linguistic sense through a conceptual abstract realism painting design process / 페이스북과 인스타그램에 게시된 걸작 미술 비평: 현대 미술 평론가 루이 최철주 개념 추상 사실주의 회화 비평 Masterpiece Art Criticism Posted on Facebook and Instagram: Contemporary Art Critic Louis Choi Chul-joo Conceptual Abstract Realism Painting Criticisms: 마네, 풀밭 위의 점심식사 Manet, Lunch on the grass <Le d'ejeuner sur l'herbe>
Manet's Lunch on the Grass, Le d'ejeuner sur l'herbe 1863. oil on canvas, 208×264cm (81.9×103.9 in), Musée d'Orsay, Paris
마네, 풀밭 위의 점심식사 Le d'ejeuner sur l'herbe
<풀밭 위의 점심식사 Le d'ejeuner sur l'herbe 1863>에서 누드의 여인은 동시대 실재적 내용으로 한 오브제의 이중성을 표출하고 있다. 동시대의 화가들에게 영향 주었던 에술작품 해석의 이원성에 따른 근대미술 시대의 균열 즉 마네의 회화 작품은 19세기 중반 프랑스 사회의 이중성과 위선을 정면으로 드러낸다. 이것은 “근대미술 시대의 균열을 시각화한 현대 회화” 이다.
마네(Edouard Manet 1832~1883)도 보들레르의 생각처럼 동시대의 상황과 누드의 여인을 가변적으로 표현한다. <풀밭위의 점심식사>에서 동시대의 매춘부를 등장시켜서 누드 여인의 실재의 상황을 드러내고 가변적인 요소로서 누드 여인의 이중성을 드러낸다.
이것은 “근대미술에서 누드 여성이 신화적 맥락 없이 현실 속 인물로 등장한 것은 당시 부르주아 도덕성에 대한 도전“ 이다.
<풀밭위의 점심식사> 이미지의 근원은 동시대에 화가들에게 퍼져 있었던 종교적·신화적 주제를 지니고 제작되었던 형상이었다. 그것은 라파엘로의 <파리스의 심판>을 동판화로 모작한 라이몬디의 <파리스의 심판>에서의 눈으로 감지할 수 있는 외적 형식 이미지를 모방하고 있다. 거기에 동시대의 상황과 가변적 실재로서 매춘부의 이미지를 드러내었다. 이것은 과거의 알려진 이미지를 동시대의 이미지로 실재를 드러낸 것이다.
그는 회화의 자율성을 강조하면서 원근법, 명암, 구도 등 기존 회화의 규범을 의도적으로 무시함으로써 동시대의 회화의 대상에 대한 의구심(疑懼心)으로써 동시대의 이미지의 실재가 무엇인가? 라는 질문을 던진다. 이것은 회화의 실재를 추구하는 자율성을 강조하여서 인상주의를 넘어서 현대미술의 문을 열었다.
마네는 <풀밭위의 점심식사>에서 사회적 매너리즘의 실재적 표상을 보여준다. 실재로서의 이미지를 평면화된 회화 공간에 등장시킨다. 이것은 실재의 시각적 이미지가 아닌 재현되어진 회화임을 강조한 것이다. 여기서 누드 여인의 이미지는 동시대의 사회성을 담은 눈으로 감지할 수 있는 외적 형식 이미지이다. 즉 실재의 기의로 접근하여 동시대의 사회상을 드러낸 것이다. 이것을 실재의 기표적 이미지로 보면 마네가 사회상을 드러내려는 의도와 예술의 가변적인 요소로써 비실재적인 회화를 재현한 것이다.
이것은 대상을 응시로 해석하여서 시선을 바로잡게 하였다. 나체 여성을 정면에서 응시할때 관람자의 시선을 되받아치는 구조로서 “근대 시선을 현대의 주시점(注視點)으로 유도하는 시선의 정치학” 이다. 따라서 관객의 도덕적 불편함을 유도하는 전략적 장치로 분석할 수 있다.
르네상스 시대부터 19세기중반까지 이어진 화가들의 화풍은 유행하는 양식을 고수하는 매너리즘에 빠져 있었다. 왕족과 귀족의 초상화를 그렸던 화가들을 제외하고 대부분의 화가들은 생활이 궁핍하였다. 그들이 생계 수단으로써 완성한 그림은 라캉이 말하는 거울에 비쳐진 그림과 같은 것뿐이었다.
캔버스의 경계는 도식화된 시각적 범위의 경계이지만 마네의 <풀밭위의 점심식사>에서는 인물과 배경의 평면적인 표현은 캔버스의 경계를 관객에게 노출시킨다. 그리하여 <풀밭위의 점심식사>의 화법에서 평면성에 시선을 맞춤으로 그는 보이지 않는 실재로서 상징성인 동시대의 매너리즘에서 벗어나 실재계로 전이한 실재로서 보이지 않는 오브제의 명암을 실제적으로 표현하였다. 그는 이전까지의 전통적인 표현 방식에서 벗어나 자신의 관점에서 주관적으로 표현하였다. 원근법에 대한 환영적 회화에서 또 다른 실재로서 평면적인 캔버스임을 각인시켜 주었다.
마네의 풀밭 위의 점심식사 Le d'ejeuner sur l'herbe 1863. oil on canvas, 208×264cm (81.9×103.9 in), Musée d'Orsay, Paris
<풀밭위의 점심식사>는 당시 미술의 중심지였던 프랑스 파리에서 회화로써 부적절하다고 비난하였지만 초기 인상주의 화가들에게 매너리즘에서 벗어나 일상적인 상황에서 오브제를 찾도록 영향을 준다. 1863년에 살롱전에서 낙선되어 낙선자전”에 출품된 <풀밭위의 점심식사>에서 여인의 누드는 실제 인물을 사실적으로 보여 주면서 당시 사회상을 화폭에 담고 있다. 이것의 표현 방법을 보면 여인의 누드에 볼륨감을 생략하고 세부적인 형태감을 주지 않았다. 색상은 단순화된 색상으로 명암은 대조적으로 그렸다. 이것들은 동시대의 표현 방법과도 다른 방법이었다. 그리하여 캔버스의 담긴 이미지는 매너리즘적 실재에서 분리된 실재적 시각효과의 요소의 주체로써 인지하도록 하였다.
그는 신화를 모티브로 한 누드 여성의 형상화된 이미지를 상징성을 재구성하는 재료로 사용하지 않았습니다. 원근법적 묘사를 거부한 포스트모던 회화 기법으로 조각과 같은 단조로움의 얼굴 처리를 보여줍니다. 이는 원근법 공간에 존재했던 현실과 재현의 관계적 묘사를 제거합니다.
즉 마네의 그림애서 현실과 재현의 관계적 묘사를 소거하여서 개념추상 리얼리즘 회화가 된다. 이것은 개념 추상의 의미 구조로서의 이미지를 상징하는 개념추상 리얼리즘 회화로서 실질적인 형식과 가역적인 빛의 흔적을 존재로 하여 개념을 추상화한다. 사유적 시각 표현을 언어적 의미로 구성한 리얼리즘 회화다.
상징적인 언어적 의미와 사실주의적 이미지로서 <풀밭위의 점심식사>는 분열을 통해 현실과 만난다. 현실의 대상으로 한 사회의 현상적 이미지로 드러나지만, 비현실적인 그림으로서 개념으로 식별하는 개념적 추상적 현실주의 이미지로 명시되어 있으며, 이는 추상적 구조를 상징적 표상이 된다.
이러한 상징적 표상에 기표의 체계로 전환은 회화에서 평면적 이차원성을 본질로의 환원한다. 그는 파리의 외곽에서 누드의 여인으로 매춘부와 정장한 남자와의 이중성과 실재의 상황을 응시하게 만들었다. 누드의 여인을 통해 일상속의 여인과 매춘부의 여인을 동시에 보여주는 이원적인 상을 제시한다.
<풀밭위의 점심식사>에서 이미지는 원근법적 시각체계 즉 콰트로첸토(Quattrocento styles)에서 벗어나 있다. 여백과 오브제도 실제가 아닌 그의 상상적 계산에 맞추어 인물과 배경으로 메우고 있다.
그는 근대적 회화에 음폐된 캔버스의 사각형 프레임 구조를 드러내어서 개념추상 리얼리즘 회화로서 모노톤으로 한 형이상학적 철학적 빛 속에서 누드의 여인이 강조되는 언어적 의미의 개념과 충돌하는 개념추상 리얼리즘 이미지를 만들어낸다. 이는 근대적 개념미술에서 회화의 실재성을 복귀 즉 평면적 회화의 실재 자리에 구성하였다.
이렇게 마네는 회화가 갖고 있는 환영적 이미지를 평면화 시켜서 그림일 뿐이라는 인식에 접근하게 만든다. 이것은 라캉의 상상계에서 유아적 욕망은 비존재한 것임을 확인하는 과정과 일치한다.
Manet's Lunch on the Grass, Le d'ejeuner sur l'herbe 1863. oil on canvas, 208×264cm (81.9×103.9 in), Musée d'Orsay, Paris
<풀밭위의 점심식사>에서 정장한 남자들과 누드의 여인은 수평적 배치로 되어 있어서 인물간의 깊이가 없게 보인다. 여기에 인물의 색을 모노톤으로 한 양감의 단계를 무시함으로서 <풀밭위의 점심식사>에는 빛의 의한 피사체의 환영적 이미지 즉 콰트로첸토 회화의 이미지는 존재하지 않는다.
전경의 인물은 빛의 설정이 없는 반면에 후경의 몸을 굽인 여인은 콰트로첸토 회화의 방식으로 그려져 있다. 이것은 상상계에서 상징계로 전이되는 과정으로 실재로서 비존재 하는 것과 이미지 즉 상상계에서 거울에 비친 이미지가 공존하는 것이다.
동시대의 실재를 재현하고 있지만 동시대의 근대회화에서 보여주던 것과는 다르다. 등장하는 인물들의 이미지가 말하고 있는 것을 드러내고 있다. 여기서 이미지는 인물들과 동일시하고 있지만 일치하지는 않는다.
그것은 언어구조와 같이 은유적이므로 인물의 형태와는 동일하지 않다. 그렇기 때문에 실재가 무엇인지에 대하여 형태와 이미지가 다른 실재로서 드러내고자 하는 것이다. 여기서 실재는 <수태고지 Annunciation, 1489~1490>를 그린 보티첼리(Sandro Botticelli, 1445~1510)의 콰트로첸토 회화(Quattrocento art)에서 비존재 하는 오브제와는 또 다른 실재로서 오브제이다. 이것은 주체로서 이미지가 아닌 타자의 욕망으로한 존재로서 실재의 오브제이다. 상징계로서 여인의 누드는 실체가 존재하는 환유 속의 개념을 보여준다.
근대 파리주의자들이 여성의 누드를 고정된 개념으로 보는 관점은 신화 속 여신이라는 또 다른 이미지의 대상으로 보이는 은유로 표현됩니다. 이러한 관점과는 달리 마네는 누드 여성의 실체를 드러내어 사회의 이면과 대상에 비표현으로서의 현실의 공간을 창조했습니다.
그는 사회상에서 드러난 형상과 실재의 이원적 표상(repre-sentation)에서 매너리즘적 사회상을 재현하는 기의에서 실재로서 기표적인 ‘누드의 여인’ 즉 자신의 사유를 주체로써 보여준다. 배경에서 옷을 입는 여인은 콰트로첸토의 방식으로 표현되었고 앉아 있는 누드의 여인은 모노톤으로 한 형태로 볼륨감을 생략하고 있다. 이것은 사유적 측면에서 외형적 이미지로서의 실재로서 앉아있는 누드의 여인을 배경에 옷을 입는 여인과 대조시켜서 보여준다.
이처럼 "화가적인 구도가 아닌 사려 깊게 추상화된 사실주의 회화 형식은 급진적인 현대 미술로서 표현적 추상 미술로 빠르게 변화할 수 있다." 따라서 그의 작품은 누드의 회화 내용보다는 평면적인 구도와 색채를 대담하게 사용한 것에 충격을 받았다.
마네는 캔버스의 존재감을 부각시키면서 사유적 이미지를 제한받지 않고 미적으로 시각화할 수 있음을 강조한다. 그는 화가가 주체가 된 실재로서의 이미지를 빛에 의해 드러난 모노톤의 앉아있는 누드의 여인의 형태로 보여준다. 그리고 전통적 회화 방식으로 배경에 옷을 입는 여인을 보여주면서 앉아있는 누드의 여인을 통해서 상징계에서 회화의 무의미한 옷을 벗기고 실재의 상징적 이미지로의 전환을 시도한다./ 글. 현대 미술평론가 최철주 (문화디자인박사)
Manet's Lunch on the Grass, Le d'ejeuner sur l'herbe 1863. oil on canvas, 208×264cm (81.9×103.9 in), Musée d'Orsay, Paris
Lunch on the grass <Le d'ejeuner sur l'herbe>
In Lunch on the grass (Le d'ejeuner sur l'herbe 1863), the nude woman expresses the duality of an object with contemporary realistic content. The crack of the modern art era according to the duality of interpretation of esoteric works that influenced contemporary artists, that is, Manet's painting, reveals the duality and hypocrisy of French society in the mid-19th century. This is "modern painting that visualizes the cracks of the modern art era."
Like Baudelaire's idea, Edouard Manet 1832-1883 also variably expresses the contemporary situation and the nude woman. In "Lunch on the Grass", a contemporary prostitute appears to reveal the real situation of a nude woman, and the duality of a nude woman as a variable element.
This is "a challenge to bourgeois morality at the time that nude women emerged as real figures without a mythical context in modern art."
The roots of the "Lunch on the Grass" image are figures who were produced with religious and mythical themes and spread to artists at the same time. It is a work that imitates the visible external type image in Raimondi's The Judgment of Paris, which is a copper engraving of Raphael's The Judgment of Paris. There, the image of a prostitute turned out to be a modern situation and a variable reality. It reveals the true nature of past images, which are known as modern images.
He emphasizes the autonomy of painting and deliberately ignores the existing norms of painting such as perspective, contrast, and composition, asking the question of what is the reality of contemporary images as a of doubts(疑懼心) about the object of contemporary painting. This emphasized the autonomy to pursue the reality of painting, opening the door to contemporary art beyond impressionism.
Manet shows the real life of social mannerism in 'Lunch on the Grass'. The image as a reality appears in a flat picture space. It was emphasized that this is not a real visual image, but a reproduced picture. Here, the nude woman's image is an external form image that can be detected with the eyes containing modern sociality. In other words, it approaches with the importance of reality and reveals the modern social image. If we look at this as a real landmark image, Manet intends to reveal the social image and an unrealistic picture as a variable element of art.
It corrected the gaze by interpreting the object as a gaze. It is a structure that reverses the gaze of the viewer when staring at a naked woman from the front, and is "the politics of gaze that induces the modern gaze to the contemporary gaze (注視點)". Therefore, it can be analyzed as a strategic device that induces moral discomfort of the audience.
The style of painting by artists from the Renaissance period to the mid-19th century was immersed in mannerism that adhered to the fashionable style. Except for the artists who drew portraits of royalty and aristocrats, most artists were in need of life. The only paintings they completed as a means of livelihood were those reflected in Lacan's mirror.
The boundary of the canvas is the boundary of the schematized visual range, but in Manet's "Lunch on the Grass", the flat expression of the person and the background exposes the boundary of the canvas to the audience. Therefore, in the painting method of "Lunch on the Grass," he realistically expressed the contrast of invisible objects as a contemporary reality of moving from the symbolic modern mannerism to the real world. He expressed subjectively from his point of view, breaking away from the traditional way of expression until now. In the illusionary painting of perspective, he imprinted the flat canvas as another reality.
"Lunch on the Grass" was criticized as inappropriate as a painting in Paris, France, which was the center of art at the time, but it influenced early impressionist artists to escape from mannerism and find objects in everyday situations. In "Lunch on the Grass," which was submitted to "Lunch on the Grass" in 1863, a woman's nude body realistically shows a real person and captures the social image of the time.
Looking at the way of expressing this, the woman's nude body was omitted with volume and did not give a detailed sense of shape. The color was a simplified color, and the contrast was drawn in contrast. These were different methods from the contemporary expression method. Thus, the image contained on the canvas was recognized as the subject of the actual visual effect separated from the manneristic reality.
He did not use the figurative image of a nude woman with a myth as a motif as a material to reconstruct symbolism. It shows the face treatment of monotone like engraving with a post-modern painting technique that rejected perspective description. This eliminates the relational description of reality and representation that existed in the perspective space.
In other words, it becomes a conceptual abstract realism painting by eliminating the relational description of reality and representation in the painting. This is a conceptual abstract realism painting that symbolizes an image as a semantic structure of conceptual abstraction, and abstracts the concept with a substantial form and reversible traces of light as its existence. It is a realism painting that consists of thoughtful visual expression in a linguistic sense.
As a symbolic linguistic meaning and realist image, "Lunch on the Grass" meets reality through division. It is revealed as a phenomenal image of society as an object of reality, but it is specified as a conceptual abstract realism image that identifies it as a concept as an unrealistic picture, which becomes a symbolic representation of the abstract structure.
The conversion of this symbolic representation to a system of signifiers reduces flat two-dimensionality in painting to the essence. He was a nude woman on the outskirts of Paris, making him stare at the dual and real situation between a prostitute and a man in a suit. It presents a dual image that shows a woman in everyday life and a woman in a prostitute through a nude woman.
In "Lunch on the Grass", the image deviates from the perspective visual system, that is, Quattrocento styles. The margins and objects are also filled with people and backgrounds in line with his imaginary calculation, not real.
By revealing the square frame structure of the canvas obscured by modern painting, he creates a conceptual abstract realism image that conflicts with the concept of linguistic meaning emphasized by a nude woman in a monotone metaphysical and philosophical light as a conceptualistic painting. This restored the reality of painting in contemporary conceptual art, that is, in the actual place of flat painting.
In this way, Manet approaches the perception that it is only a picture by flattening the fantastic image of a painting. This is consistent with the process of confirming that infantile desires do not exist in Lacan's imagination.
Manet's Lunch on the Grass, Le d'ejeuner sur l'herbe 1863. oil on canvas, 208×264cm (81.9×103.9 in), Musée d'Orsay, Paris
In "Lunch on the Grass", the men in suits and the women in nude are arranged horizontally, so there seems to be no depth between the characters. By ignoring the stage of concession with the color of the person as a monotone, there is no welcoming image of the subject by light, that is, an image of Quattrocento painting in "Lunch on the Grass".
The figure in the foreground has no light setting, while the woman who bent the background is depicted in the manner of Quattrocento painting. This is the process of transitioning from the imaginary world to the symbolic world, where non-existence as reality and the image reflected in the mirror coexist in the imaginary world.
It reproduces the contemporary reality, but it is different from that shown in contemporary modern painting. It reveals what the images of the characters who appear are saying. Here, the image is identified with the characters, but it does not match. It is metaphorical like the language structure, so it is not the same as the shape of the character. That is why we want to reveal what reality is as a reality with different shapes and images. Here, the reality is an object that is different from the non-existent object in the Quattrocento art of Sandro Botticelli (1445-1510), depicting "Annunciation, 1489-1490". This is not an image as a subject, but an object of reality as a being through the desire of others. As a symbolic world, a woman's nude body shows the concept of a mysterious enlightenment of reality.
The view of a woman's nude body as a fixed concept by modern Parisians is expressed as a metaphor that seems to be an object of another image as a mythical goddess. Contrary to this point of view, Manet created a space of reality as a non-representation on the back of society and on the object by revealing the reality of a nude woman.
He shows his own thoughts, that is, the 'nude woman' who is marked as reality, as the subject in the meaning of reproducing the manneristic social image in the pre-sentation of the image and reality revealed in society. The woman who dresses in the background is expressed in the way of Quattrocento, and the woman who is sitting in the nude is monotone, omitting the volume. This shows the nude woman sitting as a reality as an external image in terms of thinking, contrasting it with the woman who dresses in the background.
In this way, "a realism painting form that is thoughtfully abstracted rather than a painterly composition can change rapidly into expressive abstract art as radical contemporary art." Therefore, his work was shocked by the bold use of flat composition and color rather than the painting content of nude.
Manet emphasizes that thinking images can be visualized aesthetically without restriction while emphasizing the canvas's presence. He shows the artist's image as a real being in the form of a monotone sitting nude woman exposed by light. He also attempts to transform into a symbolic image of reality by removing the meaningless clothes of painting from the symbolic world through the nude woman sitting while showing a woman dressing in the background in the traditional painting method./ Written by Choi Chul-joo, Contemporary Art Critic (Dr. Cultural Design)
Choi Chul-joo, Art Critic