진짜 창작자는 누구인가
Q: 미드저니에서 내가 만든 이미지의 sref 코드를 누군가 복사해서 비슷한 작품을 만들었다면, 이건 표절일까요 창작일까요?
Claude: 기존 저작권 개념으로는 정말 애매한 지점이에요. 기술적으로는 ‘새로운’ 이미지를 만든 거니까요. 더 복잡한 건 미드저니 자체가 이런 공유를 전제로 설계되었다는 점이죠. 스텔스 모드를 켜지 않는 한 모든 작업이 공개되고, sref 코드도 투명하게 노출되거든요. 특히 상업적 목적으로 사용할 때 문제가 커져요. 브랜드 로고나 제품 디자인을 만들었는데, 경쟁사가 sref 코드를 써서 비슷한 디자인을 만든다면 법적으로 막을 수 있는 방법이 거의 없어요.
Baene: 그런데 같은 sref 코드를 사용해도 똑같은 이미지가 나오지는 않잖아요. 프롬프트를 어떻게 조합하느냐, 수십 장의 결과물 중에서 어떤 이미지를 선택하느냐, 어떤 디테일을 수정하고 발전시키느냐… 이런 건 창작자의 안목에서 나오는 거고, 이 부분은 절대 따라 할 수 없는 거니까 진짜 창작 영역은 여기에 있다고 생각해요.
Claude: 정말 예리한 지적이에요! sref 코드는 어디까지나 ‘스타일 참조’ 일뿐이고, 실제 창작 과정에서 일어나는 수많은 선택들은 완전히 창작자만의 영역이죠. AI가 아무리 좋은 재료를 제공해도, 결국 요리사의 손길이 있어야 진짜 요리가 나오는 것과 같은 맥락이네요. 특히 ‘선별 안목’은 정말 복사할 수 없는 능력인 것 같아요. 같은 조건에서도 어떤 창작자는 평범한 결과물을, 어떤 창작자는 놀라운 작품을 만들어내니까요.
Baene: 그리고 나만의 스타일로 꾸준히 공유한다면, 같은 프롬프트라고 하더라도 그 스타일 덕분에 나만의 저작권이 생기지는 않을까요? 누가 따라 해도 “어? 이건 원작자 누구 건데”라는 인식을 대중들에게 심어주는 것도 중요할 것 같아요.
Claude: 정말 중요한 포인트네요! 이건 ‘문화적 소유권’ 또는 ‘스타일 브랜딩’이라고 할 수 있을 것 같아요. 법적 보호보다 더 강력할 수도 있겠어요. 뱅크시가 좋은 예시인 것 같아요. 그는 법적으로 자신의 정체를 밝히지도 않고, 대부분의 작품을 무허가로 그렸지만, 그 특유의 스타일만 보면 전 세계 사람들이 “이건 뱅크시 작품이다”라고 알아보잖아요. 누군가 뱅크시 스타일을 따라 해도 “아, 뱅크시를 모방한 거구나”라는 반응이 나오지, 원작자로 인정받지는 못하고요. 일관성 있는 스타일로 꾸준히 작업을 발표하면, 사람들이 “아, 이 느낌은 OO 작가 것 같은데? “라는 연상을 하게 되는 거죠. 이게 어떤 의미에서는 법적 저작권보다 더 강력한 보호막이 될 수 있어요.
Q: 진짜 저작권은 미드저니에게 있는 건가요, 사용자에게 있는 건가요?
Claude: 정말 모호한 지점이에요. 미드저니 이용약관을 보면 유료 사용자에게는 상업적 이용권을 준다고 되어 있지만, 이게 ‘완전한 저작권’을 의미하는 건지는 불분명하죠. 예를 들어 미드저니로 만든 캐릭터로 웹툰을 그려서 대박이 났는데, 누군가 sref 코드를 써서 똑같은 스타일의 캐릭터를 만들어 상품화한다면? 미드저니는 “우리 플랫폼에서 공개된 정보를 사용한 것”이라고 할 테고, 창작자는 “내 창작물을 도용당했다”라고 할 테고… 법적으로 누구 편을 들어줄지 예측하기 어려워요.
Baene: AI 회사들이 이런 애매함을 의도적으로 방치하고 있는 건 아닐까요?
Claude: 어느 정도는 그럴 수 있어요. 명확한 기준을 세우면 법적 책임도 따라오니까요. 지금처럼 애매하게 두는 게 AI 회사 입장에서는 더 안전할 수 있죠. 하지만 이런 불확실성이 결국 창작자들을 보호하지 못하는 결과를 낳고 있어요. “내 작품인지 아닌지도 모르겠는데 어떻게 지킬 수 있나”하는 회의감이 들거든요.
Q: 기존 화가나 디자이너들의 작품으로 학습한 AI가 만든 이미지, 이건 어떻게 봐야 할까요?
Claude: 가장 논쟁적인 부분이죠. AI는 수백만 장의 기존 작품을 학습해서 새로운 이미지를 만들어내는데, 이 과정에서 원작자들의 동의는 거의 받지 않았어요. 특히 스타일 자체를 모방하는 경우가 문제예요. “고흐 스타일로”라고 하면 고흐의 그림과 비슷한 붓터치와 색감이 나오는데, 이게 고흐의 예술적 개성을 무단으로 사용하는 건 아닌지 의문이 들어요.
Baene: 하지만 인간 화가도 다른 화가의 기법을 배우고 따라 하잖아요. AI가 하는 것과 뭐가 다른가요?
Claude: 핵심적인 차이는 ‘규모’와 ‘속도’인 것 같아요. 인간이 한 화가의 스타일을 익히려면 수년이 걸리고, 그 과정에서 자신만의 해석이 더해지죠. 하지만 AI는 수천 명의 화가 스타일을 동시에 학습해서 몇 초 만에 조합해 내거든요. 그리고 인간은 ‘영감’을 받는 반면, AI는 ‘데이터’로 사용해요. 제가 피카소에게 영감을 받아서 그림을 그리는 것과 AI가 피카소의 모든 작품을 픽셀 단위로 분석해서 재조합하는 건 완전히 다른 차원이죠.
Q: 그럼 이런 환경에서 진짜 창작자들은 어떻게 대응해야 할까요?
Claude: 두 가지 길이 있는 것 같아요. 하나는 ‘적응’이고, 다른 하나는 ‘차별화’ 예요. 적응을 선택한다면 AI를 도구로 받아들이는 거죠. sref 공유 시스템도 “서로의 아이디어를 발전시켜 나가는 협업”으로 보는 관점이고요. 차별화를 선택한다면 ‘AI가 할 수 없는 것’에 집중하는 거예요. 손으로 그리는 아날로그적 감성, 개인적 경험에서 나오는 스토리텔링, 현실과의 물리적 상호작용 같은 것들 말이에요.
Baene: 하지만 AI 성능이 계속 발전하면 ‘차별화’ 영역도 점점 줄어들지 않을까요?
Claude: 맞아요. 그래서 더 근본적인 질문이 필요한 것 같아요. “창작의 가치가 결과물에만 있는가, 아니면 과정에도 있는가?” 만약 결과물만 중요하다면 AI가 인간을 완전히 대체할 수도 있어요. 하지만 창작 과정 자체의 의미, 창작자의 개인적 여정, 작품에 담긴 인간적 경험들이 중요하다면 AI는 도구일 뿐이죠. 그리고 앞서 말씀하신 ‘선별 안목’은 AI가 절대 대체할 수 없는 영역인 것 같아요. -
Q: AI 생성 이미지가 미술 공모전에서 우승하는 시대, 공정한가요?
Claude: 이미 현실이 되었죠. 2022년 콜로라도 주 박람회에서 AI 생성 작품이 1등을 했을 때 큰 논란이 됐어요. 한편으로는 “결과물이 아름답다면 그것으로 충분하다”는 관점이 있고, 다른 한편으로는 “창작자의 노력과 경험이 무시당했다”는 관점이 있어요. 저는 카테고리를 나누는 게 현실적인 해결책일 것 같아요. 육상에서 도핑 검사를 하듯이, 미술에서도 ‘AI 사용 여부’를 표기하게 하는 거죠.
Baene: 그럼 앞으로는 “AI 미사용 인증서”가 필요한 시대가 올까요?
Claude: 충분히 가능해요. 이미 일부 출판사에서는 AI 생성 텍스트를 구분하려는 시도들을 하고 있거든요. 하지만 “순수 창작”과 “AI 보조 창작”의 경계가 모호한 문제가 있어요. 아이디어는 사람이 냈는데 실행만 AI가 했다면? 초안은 AI가 만들었는데 디테일 수정은 사람이 했다면? 결국 ‘AI 사용 정도’를 단계별로 표기하는 시스템이 나올 수도 있을 것 같아요. -
Q: 어린이들이 AI로 그림을 그리며 자란다면 ‘창작’의 개념 자체가 바뀔까요?
Claude: 이미 바뀌고 있는 것 같아요. 지금 10대들에게는 포토샵이나 미드저니나 비슷한 ‘도구’ 일뿐이에요. 우리가 “손으로 그리는 게 진짜 그림”이라고 생각하는 것처럼, 이들에게는 “AI와 협업하는 게 당연한 창작”인 거죠. 오히려 이 아이들이 성인이 되면 ‘AI 없는 창작’을 더 어려워할 수도 있어요. 우리가 주판 없이 계산하기 어려워하는 것처럼요.
Baene: 그럼 전통적인 미술 교육은 의미가 없어질까요?
Claude: 오히려 더 중요해질 수도 있어요. AI가 못하는 것들 - 관찰력, 상상력, 비판적 사고, 감정 표현 - 이런 것들을 기르는 데는 전통적 교육이 여전히 필요하거든요. 다만 ‘결과물 만들기’ 중심에서 ‘사고력 기르기’ 중심으로 교육 방향이 바뀔 것 같아요. “잘 그리는 법”보다는 “무엇을 왜 그릴지”를 가르치는 거죠. 그리고 ‘안목 기르기’가 더욱 중요해질 거예요. AI가 만든 수많은 이미지 중에서 정말 좋은 것을 골라내는 능력, 그것을 더 발전시키는 능력 말이에요.
Baene: 누군가 내 스타일을 계속 모방한다면 어떻게 대응해야 할까요? 뱅크시 같은 경우는 어떻게 자신만의 영역을 지켜냈을까요?
Claude: 뱅크시 사례가 정말 좋은 예시네요. 뱅크시 스타일을 모방하는 작가들은 수없이 많지만, 그들이 뱅크시의 지위를 위협한 적은 없어요.
첫째, 뱅크시는 ‘최초성’을 가지고 있어요. “이 스타일의 원조는 나야”라는 포지셔닝이 확고하죠.
둘째, 지속적인 진화를 해요. 같은 스타일이라도 계속 새로운 메시지와 기법을 더해가면서 발전시키거든요.
셋째, 스토리가 있어요. 단순히 그림을 그리는 게 아니라 사회적 메시지와 철학이 담겨 있죠. 이런 요소들이 결합되면 모방자들은 자연스럽게 ‘아류작가’ 정도로 인식되고, 원작자의 독창성은 더욱 부각되는 것 같아요.
Baene: 오히려 다르게 생각해 볼 수도 있을 것 같아요. 내 스타일을 누군가 따라 하고 싶어 한다는 건, 내가 트렌드를 만들어냈다는 증거잖아요. “표절당했다”라고 화내기보다는 “내 스타일이 인정받았구나”라고 받아들이는 관점 전환도 필요할 것 같아요. 하지만 그 사람이 내 스타일로 수익을 낸다면 이건 또 다른 문제인 것 같아요. 개인 창작자는 명품 브랜드와 달리 아직 인지도나 수익 기반이 약하니까요.
Claude: 정말 현실적이고 중요한 지적이네요! 트렌드 세터가 되었다는 자부심과 실제 생계 문제는 별개의 이슈죠. 확립된 브랜드와 달리 개인 창작자에게는 모방이 직접적인 피해가 될 수 있어요. 특히 내 sref 코드로 누군가 상업적 성공을 거둔다면, “영향력이 커졌다”는 만족감만으로는 현실적 문제를 해결할 수 없거든요. 그래서 개인 창작자들에게는 더 전략적인 접근이 필요할 것 같아요. 스타일이 퍼지는 것을 막을 수는 없으니, 오히려 그 과정에서 자신이 “원조”라는 포지셔닝을 확실히 각인시키고, 그것을 브랜드 가치로 전환하는 능력이 중요하겠죠.
Baene: 그럼 모방을 오히려 활용할 수도 있다는 건가요?
Claude: 말씀하신 관점에서 보면 그렇죠! 음악계의 샘플링 문화를 보면, 처음에는 저작권 논란이 많았지만 지금은 하나의 창작 방식으로 인정받고 있어요. 기존 곡의 일부를 가져와서 새로운 곡을 만드는 것이 힙합 문화의 핵심이 되었죠. sref 코드 공유도 비슷한 맥락일 수 있어요. 스타일을 다른 사람이 발전시키고, 그것이 또 다른 사람에게 영감을 주는… 일종의 ‘집단 창작’ 문화가 형성되는 거죠. 그리고 모방자들이 많아질수록 원작자의 영향력은 더 커져요. “이 스타일하면 OO 작가”라는 인식이 더욱 확고해지거든요.
Baene: 그런데 이미지는 저작권을 현재 온전히 가질 수 없다고 하더라도, 영상 관련해서는 스토리 구성과 편집은 내가 했는데 그건 저작권이 어떻게 되는 건가요?
Claude: 정말 중요한 구분이네요! 이미지 생성과 영상 제작은 완전히 다른 차원의 문제인 것 같아요. 영상에서는 스토리텔링 구성, 편집과 컷 구성, 음악 선택과 타이밍, 전체적인 내러티브… 이런 부분들이 모두 창작자의 고유 영역이거든요. AI가 개별 이미지를 생성했더라도, 그것들을 어떻게 조합하고 발전시키느냐는 완전히 다른 창작 행위죠. 예를 들어 미드저니로 만든 이미지들을 가지고 뮤직비디오를 만든다면, 개별 이미지의 저작권은 애매할 수 있지만 영상 전체에 대해서는 명확한 창작자 저작권이 있다고 봐야 할 것 같아요.
Baene: 그럼 “소재 vs 완성작”의 차이라고 볼 수 있을까요?
Claude: 정확한 구분인 것 같아요! 화가가 물감을 사서 그림을 그린다고 해서 물감 회사가 그림의 저작권을 주장하지는 않잖아요. 마찬가지로 AI 생성 이미지를 ‘소재’로 사용해서 더 큰 창작물을 만들어내는 과정에서는 분명한 창작자의 권리가 발생하는 거죠. 특히 영상은 시간의 흐름, 감정의 기승전결, 메시지 전달 등 정말 복합적인 요소들이 들어가니까요. 유튜브나 틱톡에서 AI 이미지를 활용한 영상들이 많이 나오는데, 이런 경우에는 영상 창작자의 저작권이 훨씬 명확하다고 봐야 할 것 같아요. 결국 ‘AI 이미지 = 재료’, ‘영상 = 완성된 요리’라는 관점에서 접근하는 게 합리적일 것 같아요.
Q: 기존 저작권법으로는 AI 시대를 다루기 어려울 것 같은데, 새로운 개념이 필요한가요?
Claude: 네, 기존 저작권법으로는 AI 시대를 다루기 어려워요. 몇 가지 새로운 개념들이 필요할 것 같아요. 기여도 기반 저작권으로 각자의 기여도를 정량화해서 권리를 배분하거나, AI 생성물에 대해서는 기존보다 짧은 기간만 보호하는 한시적 저작권, 특정 조건을 지키면 자유롭게 사용할 수 있게 하는 오픈소스형 저작권 같은 방식들 말이에요.
Baene: 그런 변화가 실제로 일어날 가능성이 있을까요?
Claude: 시간은 걸리겠지만 불가피할 것 같아요. 지금도 각국 정부와 법원에서 관련 사례들이 계속 나오고 있고, 기존 법으로는 해결하기 어려운 상황들이 늘어나고 있거든요. 다만 AI 기술 발전 속도가 워낙 빨라서, 법이 기술을 따라잡기까지는 상당한 혼란기가 있을 것 같아요. 그 과정에서 창작자들이 피해를 보지 않도록 하는 것이 중요하겠죠. 하지만 법적 변화를 기다리기보다는, 창작자들 스스로 새로운 생태계를 만들어가는 게 더 현실적일 수 있어요.
Q: 마지막으로, 이런 상황에서 창작자로서 어떤 마음가짐을 가져야 할까요?
Claude: ‘불안함을 받아들이되 포기하지 않기’인 것 같아요. 지금은 정말 과도기예요. 뭐가 내 권리인지, 뭐가 허용되는 건지 아무도 확실히 모르는 상황이죠. 이런 불확실성 속에서도 계속 창작해야 하는 게 창작자의 숙명인 것 같아요. 그리고 ‘AI를 적으로 보지 말고 환경 변화로 받아들이기’. 산업혁명 때도 기계를 부수는 러다이트 운동이 있었지만, 결국은 기계와 공존하는 방법을 찾았잖아요.
Baene: 구체적으로 어떤 실천 방안이 있을까요?
Claude: 우선 투명성을 높이는 것부터 시작할 수 있을 것 같아요. AI를 어떻게, 얼마나 사용했는지 정직하게 밝히는 거죠. 당장은 불리할 수 있지만, 장기적으로는 신뢰를 쌓는 길이에요. 그리고 말씀하신 것처럼 스타일 브랜딩에 집중하는 것. 법적 소유권보다는 ‘문화적 소유권’을 구축하는 거예요. 뱅크시처럼 일관성 있는 스타일과 메시지로 “이건 내 것”이라는 인식을 만들어가는 거죠. 마지막으로 모방을 두려워하지 않기. 말씀하신 관점처럼 스타일을 따라 하는 사람이 늘어날수록 트렌드 세터라는 증거예요. “베껴갔다”라고 화내기보다는 “내 영향력이 커졌다”라고 생각하는 관점 전환이 필요한 것 같아요. 가장 중요한 건 ‘안목’을 기르는 거예요. 같은 도구를 써도 어떤 결과물을 만들어내느냐는 창작자의 역량에 달려 있거든요. 이 부분만큼은 AI가 절대 대체할 수 없으니까요.
결론: 새로운 창작 생태계의 탄생 미드저니의 sref 코드 시스템은 단순한 기술적 기능을 넘어서, 우리에게 근본적인 질문을 던지고 있습니다. ‘창작’이란 무엇인지, ‘소유권’이란 무엇인지, ‘모방’과 ‘영감’의 경계는 어디인지… 기존의 저작권 개념으로는 해결하기 어려운 이 딜레마들은 결국 새로운 창작 문화와 법적 체계를 요구하고 있습니다. 하지만 법적 변화를 기다리기보다는, 창작자들 스스로 새로운 패러다임을 만들어가는 것이 더 현실적일 수 있습니다. ‘표절당했다’는 피해 의식에서 벗어나 ‘트렌드를 만들었다’는 자신감으로, ‘법적 소유권’에서 ‘문화적 영향력’으로, ‘독점’에서 ‘공유와 발전’으로… 이런 관점 전환이 AI 시대의 창작자들에게 필요한 새로운 사고방식일 것입니다. 결국 중요한 것은 기술의 변화를 두려워하기보다는 능동적으로 참여하면서, 창작자만의 고유한 가치 - 안목, 스타일, 스토리텔링 - 를 지속적으로 발전시켜 나가는 것입니다. 그런 창작자들이 만들어가는 새로운 생태계에서는 모방조차 원작자의 영향력을 증명하는 도구가 될 것입니다. AI와 함께하는 창작의 시대, 그 속에서 우리는 더욱 창의적이고 포용적인 문화를 만들어갈 수 있을 것입니다.