하이디 호르텐 컬렉션 1/4
Heidi Horten Collection
위치: 오스트리아 빈
가격: 16€
방문일자: 2026년 1월 26일
0층
KLIMT ↔ WARHOL
KLIMT ↔ WARHOL
현대의 걸작들: 정신에 힘을 실어주고, 마음에 영감을 주다
하이디 호르텐 컬렉션(Heidi Horten Collection)의 새로운 상설 전시 《KLIMT ↔ WARHOL》은 20세기와 21세기의 예술 걸작들을 한자리에 모았다. 1900년경 빈을 대표하는 구스타프 클림트(Gustav Klimt)를 비롯해 에른스트 루트비히 키르히너(Ernst Ludwig Kirchner), 프란츠 마르크(Franz Marc)로 이어지는 독일 표현주의, 그리고 앤디 워홀(Andy Warhol)과 로이 리히텐슈타인(Roy Lichtenstein)으로 대표되는 미국 팝아트의 아이콘들이 함께 제시되었다. 르네 마그리트(René Magritte)로 상징되는 초현실주의는 요제프 알베르스(Josef Albers), 마크 로스코(Mark Rothko), 루초 폰타나(Lucio Fontana), 이브 클랭(Yves Klein), 제로 그룹(Zero Group)의 예술가들이 보여주는 전후 현대 추상주의와 나란히 배치되었다. 프랜시스 베이컨(Francis Bacon)과 게오르그 바젤리츠(Georg Baselitz)는 구상 미술의 흐름을 제시했다. 이 전시는 방문객들이 관찰하고 비교하며 성찰과 토론으로 나아가도록 이끌었다. 자유로운 연상을 통해 전시는 교육적 성격을 지니는 동시에 영감을 제공했다.
새로운 상설 전시를 위한 작품 선정은 대중의 피드백을 바탕으로 이루어졌다. 《We love》 전시 기간 동안 방문객들은 자신이 가장 선호하는 작품에 투표하도록 초대되었고, 가장 많은 지지를 받은 작품들이 상설 전시의 구성을 이루었다.
마르쿠스 신발트(Markus Schinwald)는 컬렉션의 걸작들을 독특한 방식으로 제시하기 위해 전시 디스플레이를 설계했다. 부르주아적 인테리어를 참고한 그의 벽면 디자인은 컬렉션의 사적인 기원을 반영하며, 품격과 친밀함이 공존하는 분위기를 조성했다.
젤라틴(Gelatin) – 《즐거운 축제 2》(Frohes Fest 2, 2025), 텍스타일, 유리, 나무, 금속
올해 크리스마스를 맞아 젤라틴은 하이디 호르텐 컬렉션에 특별한 손님인 봉제 인형을 소개했다. 몸짓과 체조 사이 어딘가에 놓인 이 인형은 미술관 관람객용 벤치 중 하나 위에 말 그대로 자리를 잡고 서 있었다. 기교적인 몸의 뒤틀림 속에서 인형은 간신히 균형을 유지했고, 미술관 벤치는 자기 연출과 위험 감수가 교차하는 위태로운 상황을 위한 연단으로 변모했다. 신경이 집중된 지점에 배치된 크리스마스트리 장식으로 균형을 맞추는 모습은 크리스마스를 앞둔 우화로 읽혔다. 이는 즐거운 축제가 시작되기 직전, 최상의 인상을 남기면서도 공중에 떠 있는 많은 공들을 떨어뜨리지 않아야 하는, 곧 여러 일을 동시에 감당해야 하는 ‘그 계절’을 떠올리게 했다.
하이디 호르텐 컬렉션은 매년 현대 미술가들을 초대해 계절 축제 작품을 제작해 왔다. 만프레드 에르자우츠(Manfred Erjautz, 2022), 틸만 카이저(Tillman Kaiser, 2023), 마루샤 사가딘(Maruša Sagadin, 2024)의 작업에 이어, 올해 미술관은 젤라틴의 크리스마스 설치 작품 《즐거운 축제 2》를 선보였다.
장 미쉘 바스키아(JEAN-MICHEL BASQUIAT) - 레드 사보이(Red Savoy), 1983년, 캔버스에 아크릴 및 유채
장 미쉘 바스키아(JEAN-MICHEL BASQUIAT) - 미스터 그리디(Mr. Greedy), 1986년, 캔버스에 아크릴 및 유채
필립 타프(PHILIP TAAFFE) - 빛나는 연구(Radiant Study), 1988-1989년, 캔버스에 유채 및 혼합 매체
데미안 허스트(DAMIEN HIRST) - 아름답고, 질 같고, 나선형이며, 단계적으로 확대되는, 피의 공간, 탈출하는 회화(Beautiful, vaginal, spiral, escalating, blood space, escaping painting), 1995년, 목판 위 캔버스에 광택 바니시
프랑수아 자비에 라란(FRANCOIS-XAVIER LALANNE) - 현명한 원숭이 (매우 큼)(Singe avisé (très grand)), 2005/2008년, 브론즈
마르쿠스 신발트(MARKUS SCHINWALD) - 삼연화(Triptych), 2016년, 캔버스에 유채
슈 위엄스(SUE WILLIAMS) - 태양과 함께 노란색 위의 보라색(Purple on Yellow with Sun), 1997년, 캔버스에 아크릴
에밀 놀데(EMIL NOLDE) - 붉은 저녁 해(Rote Abendsonne), 1913년, 캔버스에 유채
에밀 놀데(Emil Nolde) - 《안나 위드의 정원》(Anna Wied's Garden), 1907, 캔버스에 유채
라이오넬 파이닝거(Lyonel Feininger) - 《신혼여행》(The Honeymoon), 1908, 캔버스에 유채
프란츠 마르크(Franz Marc) - 《붉은 사슴 I》(Red Deer I), 1910, 캔버스에 유채
로이 리히텐슈타인(Roy Lichtenstein) - 《숲 풍경》(Forest Scene), 1980, 캔버스에 유채 및 마그나 아크릴 물감
앤디 워홀(Andy Warhol) - 《꽃》(Flowers), 1964, 캔버스에 합성 폴리머 물감 및 실크스크린
앤디 워홀(Andy Warhol) - 《2피트 꽃》(Two-Foot Flower), 1964, 리넨에 아크릴 및 실크스크린
앤디 워홀(Andy Warhol) - 《4피트 꽃》(Four-Foot Flowers), 1964, 캔버스에 합성 폴리머 물감 및 실크스크린
앤디 워홀 & 장 미쉘 바스키아(Andy Warhol & Jean Michel Basquiat) - 《협업(파라마운트)》(Collaboration (Paramount)), 1984/85, 캔버스에 아크릴 및 오일 크레용
앤디 워홀(Andy Warhol) - 《파라 디바》(Farah Diba), 1978, 캔버스에 스크린 프린트
앤디 워홀(Andy Warhol) - 《클레오파트라 역의 리즈》(Liz as Cleopatra), 1962, 캔버스에 실크스크린
앤디 워홀(Andy Warhol) - 《5개의 캠벨 수프 캔》(Group of Five Campbell's Soup Cans), 1962, 캔버스에 아크릴 및 연필
앤디 워홀(Andy Warhol) - 《미키 마우스》(Mickey Mouse), 1981, 판지에 다이아몬드 가루를 사용한 실크스크린
앤디 워홀(Andy Warhol) - 《9개의 다채로운 마릴린(반전 시리즈)》(Nine Multicolored Marilyns (Reversal Series)), 1979–86, 캔버스에 아크릴 및 실크스크린
앤디 워홀(Andy Warhol) - 《웃고 있는 황금빛 재키》(Smiling gold Jackie, 1964), 리넨에 스프레이 페인트 및 실크스크린
앤디 워홀(Andy Warhol) - 《자화상》(Self-Portrait, 1976), 캔버스에 실크스크린
앤디 워홀(Andy Warhol) - 《롤링 스톤즈 – 러브 유 라이브(믹 재거)》(Rolling Stones – Love You Live (Mick Jagger), 1975), 아세테이트에 실크스크린 프린트 및 종이에 콜라주
게르하르트 리히터(Gerhard Richter) - 《소녀의 머리(흐릿한)》(Mädchenkopf (verwischt), 1965), 캔버스에 유채
로버트 라우션버그(Robert Rauschenberg) - 《드라이 런》(Dry Run, 1963), 캔버스에 유채 및 실크스크린
게르하르트 리히터(Gerhard Richter) - 《눈 덮인 풍경》(Schneelandschaft, 1966), 캔버스에 유채
마크 로스코(Mark Rothko) - 《구성》(Composition, 1959), 하드보드 위 카드보드 위 종이에 유채
이브 클랭(Yves Klein) - 《RE 1 (청색 스펀지 부조)》(RE 1 (Relief éponge bleu), 1958), 캔버스에 청색 안료, 합성수지 및 천연 스펀지
루초 폰타나(Lucio Fontana) - 《공간 개념, 기대》(Concetto Spaziale, Attese, 1959), 캔버스에 수성 페인트
마우리치오 카텔란(Maurizio Cattelan) - 《무제(조로)》(Senza Titolo (Zorro), 1997), 캔버스에 아크릴
알베르토 부리(Alberto Burri) - 《Rosso P. 1》(Rosso P. 1, 1956), 캔버스에 유채, 플라스틱, 비나빌 및 태우기
하인츠 마크(Heinz Mack) - 라멜렌 릴리프(Lamellen-Relief), 1961, 나무 위 알루미늄
오토 피네(Otto Piene) - 무제(Ohne Titel), 1964, 캔버스에 혼합매체 및 진주
루치오 폰타나(Lucio Fontana) - 공간 개념(Concetto Spaziale), 1954, 파이버보드에 수용성 물감, 에나멜, 유채, 모래, 작은 유리알
장 뒤뷔페(Jean Dubuffet) - 미네르바(Minerva), 1945, 캔버스에 유채
호안 미로(Joan Miró) - 세 여인(Trois Femmes), 1935, 판지에 유채와 모래
파블로 피카소(Pablo Picasso) - 토마토 식물(Plante de tomate), 1944, 캔버스에 유채
프란시스 베이컨(Francis Bacon) - 존 에드워즈의 초상을 위한 습작(Study for a Portrait of John Edwards), 1985, 캔버스에 유채
프란시스 베이컨(Francis Bacon) - 헨리에타 모라에스의 초상을 위한 습작(Study for Portrait of Henrietta Moraes), 1964, 캔버스에 유채
게오르그 바젤리츠(Georg Baselitz) - 팔과 몸통 사이의 삼각형(Dreieck zwischen Arm und Rumpf), 1973, 캔버스에 유채와 목탄
구스타프 클림트(Gustav Klimt) - 아테제 호수 근처 운터아흐의 교회(Kirche in Unterach am Attersee), 1916, 캔버스에 유채
막스 페히슈타인(Max Pechstein) - 노란 가면 II(Die gelbe Maske II), 1910, 캔버스에 유채
알렉세이 폰 야블렌스키(Alexej von Jawlensky) - 그와 그녀(Er und Sie), 1912, 카드보드에 유채
에른스트 루트비히 키르히너(Ernst Ludwig Kirchner) - 욕조가 있는 여성 누드(Weiblicher Akt mit Badezuber), 1912, 캔버스에 유채
에른스트 루트비히 키르히너(Ernst Ludwig Kirchner) - 붉은 누드(Rote Akte), 1912, 캔버스에 유채
팀 노블 & 수 웹스터(Tim Noble & Sue Webster) - 영원히(Forever), 1996, 혼합 매체
포멕스, 194개의 조명 연결 장치 및 전구, UFO 캡슐 및 전자 시퀀서 (Foamex, 194 light connections and bulbs, UFO capsules and electronic sequencer)
오스발트 스팀(Oswald Stimm) - 무제(Ohne Titel), 1966/67, 금속판
르네 마그리트(René Magritte) - 산 정상의 부름(L'Appel des Cimes), 1943, 캔버스에 유채
르네 마그리트(René Magritte) - 빛의 제국(L'Empire des lumières), 1961, 캔버스에 유채
에두아르 뷔야르(Edouard Vuillard) - 피아노 앞의 아네트(Annette au piano), 1910년경, 캔버스에 유채
앙리 마티스(Henri Matisse) - 창가의 젊은 여인, 파란 줄무늬 드레스(Jeune femme à la fenêtre, robe rayée bleue), 1921/22, 캔버스에 유채
키스 반 동겐(Kees van Dongen) - 코메디아 (몽파르나스 블루스)(Comedia (Montparnasse Blues)), 1925년경, 캔버스에 유채
미켈란젤로 피스톨레토(Michelangelo Pistoletto) - 간호사와 소녀(Infermiera e ragazza), 1965, 연마된 강철 위 채색된 양피지
마르크 샤갈(Marc Chagall) - 꽃다발을 든 광대(Le Clown au bouquet), 1970–74년경, 캔버스에 유채
Historische Verantwortung
역사적 책임 (Historische Verantwortung)
과거
박물관 설립자 하이디 괴스-호르텐(Heidi Goëss-Horten, 1941–2022)은 첫 남편 헬무트 호르텐(Helmut Horten)의 공동 상속인이었고, 두 사람은 1966년부터 그가 사망한 1987년까지 결혼 관계를 유지했다. 2019년 하이디 괴스-호르텐 컬렉션의 기획 단계에서 하이디 괴스-호르텐은 독일의 현대 사학자 피터 회레스(Peter Hoeres) 교수에게 첫 남편 헬무트 호르텐의 초기 경제 활동에 대한 학술 조사를 의뢰했다. 이 연구는 2022년 전문가 의견서로 정리되었고, 2024년에는 막시밀리안 쿠츠너(Maximilian Kutzner)와 공동 집필하여 외부 검토를 거친 방대한 저서로 출간되었다. 1936년부터 1939년 사이 헬무트 호르텐은 이전에 유대인 소유주들이 보유하고 있던 여러 백화점을 인수했는데, 이는 그들이 처한 정치적 곤경을 의식적으로 받아들이고 표적으로 삼아 활용한 결과였다. 그는 또한 군수 산업 분야의 두 기업에 참여해 경영자로 활동했으며, 그 과정에서 강제 노동자 투입을 승인했다. 헬무트 호르텐은 국가사회주의, 즉 나치 불법 정권이 만들어낸 특수한 상황을 활용해 재정적 이익을 취했다. 이 시기의 사업 활동은 1950년대와 1960년대 전후 독일에서 막대한 자산을 축적한 호르텐 그룹 성장의 경제적 기반을 마련했다. 헬무트 호르텐이 사망한 이후 하이디 괴스-호르텐은 예술에 집중하기 시작했고, 1990년대부터 오늘날 유럽에서 가장 중요한 미술 컬렉션 가운데 하나를 구축했다. 2022년 그녀가 설립한 하이디 괴스-호르텐 컬렉션이 개관하면서, 이 소장품들은 대중에게 지속적으로 공개되었다.
현재
하이디 괴스-호르텐 컬렉션은 컬렉션 형성에 사용된 자산이 1945년 이전에 마련된 토대를 바탕으로 전후 시기에 축적되었음을 인식하고 있다. 우리는 이러한 역사적 사실을 공개적이고 투명하게 제시하는 일이 필수적이라고 보며, 이를 오늘날 우리의 책임 가운데 하나로 여긴다. 박물관은 열린 사회의 핵심 주체이자 지식 전달과 담론이 이루어지는 공간이기 때문이다. 우리는 전시와 다양한 활동을 통해 개방적이고 포용적이며 민주적인 사회를 향한 책임을 수행하고자 한다. 우리의 프로그램은 폭넓고 다양한 대중을 대상으로 하며, 자유와 민주주의, 관용과 다양성의 가치를 분명히 드러낸다. 이러한 취지 아래 우리는 서로 다른 배경을 지닌 사람들과 모든 인구 집단의 문화적 참여를 가능하게 하고, 새로운 활동의 장을 열어주는 포용적 프로그램에 특별한 의미를 둔다. 여기에는 학생들을 위한 대규모 무료 프로그램 또한 포함된다.
예술가와 시대상에 관한 설명
예술가는 시대의 지진계와 같았다. 그들은 사회적·정치적·심리적 격변에 특히 민감하게 반응했고, 이를 작품을 통해 드러냈다. 1945년 이후의 예술에는 전쟁과 폭력, 파괴의 경험은 물론 나치 통치가 남긴 이해하기 어려운 공포가 서사로 새겨졌다. 당시 많은 예술가들은 자신이 겪었거나 억눌러 왔고, 혹은 트라우마로 남은 경험을 가시화하기 위해 전통적 형식을 넘어서는 새로운 시각 언어를 모색했다. 장 뒤뷔페의 초기 작업 역시 이와 같은 배경, 즉 이음새가 어긋난 세계 속에서 형성된 급진적 예술 인식으로 읽혔다. 뒤뷔페는 나치가 프랑스를 점령하던 시기, 마흔한 살이 되어서야 비로소 예술에 전념하기로 결단했다. 이미 그는 순진무구하면서도 반(反)아카데미적이고 반(反)고전적인 형식 언어에 몰두하고 있었으며, 나치가 장려하려 했던 예술에 의도적으로 맞서는 입장을 취했다. 이러한 예술적 저항 속에서 그의 ‘아르 브뤼’(Art Brut)를 떠받치는 지적 기반이 성장했다.
장 뒤뷔페(Jean Dubuffet) - 안락 의자에 앉아 있는 여인(Femme assise au fauteuil), 1944년, 과슈와 인도 잉크
장 뒤뷔페(Jean Dubuffet) - 몽유병자들과 나무들(Hommes et arbres somnambuliques), 1945/46년, 캔버스에 오일, 모래, 퍼티
Focus Ausstellung
장소 (Ort) - 우리엘 모르겐슈테른(Ouriel Morgensztern)
수년에 걸쳐 우리엘 모르겐슈테른은 하이디 괴스-호르텐 컬렉션의 건물과 마주하며 건축과 공간이 자신에게 미치는 영향을 관찰했고, 이를 사진으로 기록했다. 그 결과물은 구상과 추상, 재인식 가능한 형상과 자율적인 이미지 사이를 오가며 짙은 대기감과 높은 밀도를 지닌 사진들로 이루어졌다. 모르겐슈테른의 접근은 의도적으로 주관적이었다. 그는 건축의 전체를 조망하기보다는 극단적인 화면 구성과 구도, 빛과 그림자에 의해 변주된 세부에 집중했고, 이를 통해 고유한 형식미와 미학적 가치를 끌어냈다. 이러한 방식 속에서 건물의 건축적 요소들은 분명히 존재하면서도 동시에 사라진 것처럼 보였다. 부분에서는 강한 존재감을 드러내지만, 전체로서는 멀리 물러나 있는 듯한 인상을 남겼다. 이 감각은 관람객과 작품, 그리고 이 건물이 세워진 목적에 대해서도 동일하게 적용되었다. 이들 또한 사진 속에서 물리적으로 드러나지 않지만, 언제나 기운으로 감지되었다. 모르겐슈테른의 예술 사진 작업 전반을 관통하는 핵심은 ‘부재와 함께 드러나는 현존’이라는 이중성에 있었다. 그가 어린 시절을 보낸 남프랑스의 장소를 거닐 때나, 파리·빌바오·텔아비브에 머물 때에도 그는 사람의 형상을 직접 제시하지 않았고, 오직 그들이 남긴 흔적만을 보여주었다. 그것은 밭고랑일 수도 있었고, 건물이나 거리의 풍경일 수도 있었다. 앞서 언급한 작업들과 하이디 괴스-호르텐 컬렉션 박물관을 대상으로 한 작업 모두에서 공통적으로 드러나는 점은, 인간이 화면에는 없지만 동시에 분명히 느껴진다는 사실이었다.
