하이디 호르텐 컬렉션 3/4

Heidi Horten Collection

Feb 7. 2026

위치: 오스트리아 빈

가격: 16€

방문일자: 2026년 1월 26일

1층

선 (Die Linie / The Line)

시각 예술에서 선은 어디에나 존재한다. 개인적인 필치와 구성적 정밀함 사이에서 선은 다양한 과제를 수행해 왔다. 선은 형태를 규정하고 공간을 구조화하며, 면을 나누고 이어 준다. 또한 공간과 시간을 기록하고, 환영을 만들어 내며, 상상의 영역을 포착한다. 이러한 다양한 양상을 통해 선은 세계에 대한 예술가의 사고와 개념, 관점을 드러낸다. 결국 모든 선은 그것을 그린 예술가와 그 선이 만들어진 시대를 말해 준다.

파울 클레가 드로잉 종이를 가로지르는 선을 “인상적인 작은 여행”에 비유한 시적 표현은 이 전시의 핵심 동력이 된다. 선은 서로 다른 예술적 시기와 맥락, 개념을 가로지르며 관람객을 안내하는 흔적이 된다. 이 여정은 다섯 개의 주제적 장으로 구성된다. 〈형태와 윤곽 안의 선〉은 가시적 세계를 그려내는 선의 본래 역할과 그 경계를 넘어서는 경향을 함께 다룬다. 〈글쓰기와 그림 사이의 선〉은 문자적 선과 회화적 선이 교차하는 작업들에 초점을 맞춘다. 〈움직임 안의 선〉은 정지와 운동 사이의 긴장을 선을 통해 제시한다. 〈공간 안의 선〉은 선이 평면을 벗어나 오브제와 설치를 통해 형태를 갖추는 과정을 보여준다. 마지막으로 〈경계와 연결로서의 선〉은 선의 이중적 성격을 고찰하며 사회적·정치적 주제로 확장한다. 이를 통해 선은 종이 위의 수단을 넘어 공간에 머물며 행위와 인식을 잇는 매개가 될 수 있음을 분명히 한다.

Kabinett I

형태와 윤곽 안의 선 I (The Line in Form and Contour I)

예술적 표현의 초기부터 선은 형태를 구성하는 핵심 요소였다. 윤곽으로서의 선은 가시적인 세계를 재현하려는 노력 속에서 형상과 사물을 규정해 왔다. 수 세기 동안 선은 이러한 전통 안에서 보조적인 역할을 맡았으며, 환영적 묘사를 가능하게 하는 필수적인 수단이었다. 이 갤러리에 전시된 구상 작품들 역시 그러한 모방적 성격을 이어가지만, 동시에 선이 해체되는 경향 또한 드러낸다.

에곤 실레의 인물화에서 대담한 윤곽선은 신체를 규정하지만, 이는 이상화를 위한 것이 아니라 심리적 긴장을 강화하기 위한 것이었다. 알프레드 쿠빈은 의식과 무의식의 경계를 오가는 악몽 같은 이미지를 표현주의적인 선으로 표현했다. 파울 클레에게 선은 외부의 제약에서 벗어나 상상으로 확장된 사고의 흔적이 된다. 콘스탄틴 루저의 작업에서는 이러한 상상이 종이와 노트, 그리고 벽면 전체에 걸쳐 시각화된 생각과 아이디어, 기억의 촘촘한 그물망으로 나타난다. 나아가 그는 자신이 그린 선을 구부러진 와이어나 황동 오브제로 전환함으로써, 정신적 과정이 공간 속에서 이어지는 드로잉을 제시했다.

비르기트 위르겐센은 미술사적으로 중요한 개념인 ‘리네아 세르펜티나타(linea serpentinata)’를 의식적으로 다룬다. 그녀는 꿈틀거리는 뱀의 형상과 공책의 수평선을 병치함으로써, 자유로운 형태와 규제된 형태 사이에서 선이 맡는 역할을 드러낸다. 위르겐센은 자기 자신을 인식하는 선을 제시했다.

20세기 초 추상 미술은 선을 자율적인 흔적으로서 처음 성립시켰다. 이번 전시에서 프랑수아 모렐레와 에이미 펠드먼의 작품에 등장하는 격자는, 선이 결정적으로 해방되었음을 보여준다. 이는 선이 현실의 어떤 참조로부터도 독립한 모더니즘의 상징이다.

알프레드 쿠빈(Alfred Kubin) - 《바람 속의 형체》(Figur im Wind), 약 1904년, 종이에 연필과 화이트 하이라이트

에곤 실레(Egon Schiele) - 《앉아 있는 남성 등 누드》(Sitzender männlicher Rückenakt), 1910년, 종이에 수채, 연필 및 초크

알프레드 쿠빈(Alfred Kubin) - 《명상하는 괴물》(Sinnendes Ungeheuer), 약 1903/04년, 카다스트럴 종이에 잉크, 화이트 하이라이트 및 스프레이 기법

루시안 프로이트(Lucian Freud) - 《머리와 새 연구》(Study of Heads and Birds), 1947년, 종이에 잉크

앙리 마티스(Henri Matisse) - 《로사비앙카 스키라의 초상》(Portrait de Rosabianca Skira), 1948년, 종이에 목탄

비르기트 위르겐센(Birgit Jürgenssen) - 《굽이치고 뒤엉킨 선들》(Geschwungene, verschlungene Linien), 1977년, 레이드 종이에 연필과 색연필, 화이트 하이라이트

비르기트 위르겐센(Birgit Jürgenssen) - 《에스큘라피안 뱀》(Aesculapnatter), 1978년, 종이에 연필과 색연필

구스타프 클림트(Gustav Klimt) - 《모피를 입은 여인》(Dame im Pelz), 1916년, 종이에 연필과 색연필

파블로 피카소(Pablo Picasso) - 《모성》(Maternité), 1924년, 종이에 에칭

파울 클레(Paul Klee) - 《미완성 풍경》(Unvollendete Landschaft), 1918년, 재팬 페이퍼에 수채와 과슈

콘스탄틴 루저(Constantin Luser) - 9개 대륙의 유목민(Nomade in 9 Kontinenten), 2009, 알루미늄 판 위 혼합 매체

크리스토와 잔 클로드(Christo and Jeanne-Claude) - 비토리오 에마누엘레 기념비 포장 (밀라노 두오모 광장을 위한 프로젝트)(Wrapped Monument to Vittorio Emanuele (Project for Piazza Duomo, Milano)), 1970, 카드보드 위 콜라주

Kabinett II

작품명 불명

옆에 달린 레버를 움직이면 물이 흔들리면서 물 위에 반사된 천장의 불빛이 물결따라 흔들리는 작품

Plateau

움직임 안의 선 (The Line in Motion)

정적인 상태에서 동적인 상태로의 전환으로 이해되는 움직임은 시각 예술의 핵심 주제 중 하나였다. 고전 회화는 환영적 기법을 통해 움직임을 포착하려 했으며, 20세기 초 미래주의자들은 시대의 진보에 대한 믿음과 함께 추상을 통해 속도와 역동성을 표현했다. 이미지를 통해서든 직접적인 신체 경험을 통해서든, 움직임을 다루는 과정에서 선은 20세기를 거치며 다양한 모습으로 전개되었다.

잭슨 폴록의 드리핑 회화에서 선은 창작 행위 자체를 통해 촉각적으로 인식되는 것이 된다. 그의 선은 공중에서 흘러내린 액체 물감이 바닥에 놓인 캔버스 위에 남긴 흔적으로 형성되었다. 이러한 생동감 있는 선은 개념적이고 퍼포먼스적인 작업에서도 중요한 표현 수단으로 등장했다. 마르셀 뒤샹의 《로토릴리프(Rotoreliefs)》는 원운동을 활용하며, 베라 몰나르는 절제된 선의 구성을 통해 움직임을 암시했다.

1960년대 키네틱 아트에서 선은 작품과 관람객 사이의 역동적 관계 속에서 변화하는 요소로 등장했다. 프랑수아 모렐레의 《Reflets dans l’eau déformés par le spectateur》와 디터 로스의 《Dreh-Rasterbilder》는 관람객의 참여를 전제로 구성되었다. 한편 마르크 아드리안과 헬가 필립은 시각적 효과를 통해 선이 튀어 오르거나 굽이치는 듯한 인상을 만들어 냈다.

마리 쿨 파비오 발두치에게 선은 탐색의 도구였다. 책상 위를 스치는 실은 물을 미세하게 흔들며, 이는 불안정한 노동 조건에 대한 날카로운 성찰을 담은 시적인 제스처로 제시되었다. 소니아 사노자의 안무 연습에서는 신체 자체가 움직이는 선이 된다. 헤수스 라파엘 소토와 헤고(Gego)의 작업과의 대화를 통해, 그녀의 연습은 움직임의 시학을 펼쳐 보인다. 신체는 공간을 가로지르며 고유한 선을 그리는 동시에, 이미 존재하는 구조들에 응답한다.

베라 몰나르(Vera Molnár) - 움직임(Mouvement), 1957, 종이에 과슈 및 콜라주

마르크 아드리안(Marc Adrian) - A2, 1955-58, 배면 유리 장착(리버스 글라스 마운팅)

마리 쿨 파비오 발두치(Marie Cool Fabio Balducci) - 무제, 셀로판 테이프, 물, 작업 분리용 커튼 와이어, 책상(Untitled, sellotape, water, wire from a job separation curtain, desktop), 2011, 비디오

아그네스 마틴(Agnes Martin) - 무제(Untitled), 1961, 종이에 연필

헬가 필립(Helga Philipp) - 무제(Ohne Titel), 1970, 실크스크린

헬가 필립(Helga Philipp) - 키네틱 오브제(Kinetisches Objekt), 1970/71, 플렉시글라스 및 금속 거울

베라 몰나르(Vera Molnár) - 회전 운동(빨강)(Mouvement giratoire (rouge)), 1959, 콜라주

마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp) - 로토릴리프(Rotoreliefs), 1935/53, 리토그래프

디터 로트(Dieter Roth) - 회전 래스터 이미지(Dreh-Rasterbild), 1960/96, 유리판 및 나무 원판에 합성수지 도료

디터 로트(Dieter Roth) - 노랑/파랑 사각형(Quadrat gelb/blau), 약 1957, 템페라

잭슨 폴록(Jackson Pollock) - 번호 17(Number 17), 1949, 에나멜 및 알루미늄 도료

형태와 윤곽의 선 2 (The Line in Form and Contour 2)

윤곽으로서의 선은 형태와 인물, 사물을 식별 가능하게 하며, 가시적 세계를 읽기 쉬운 시각 언어로 옮긴다. 그러나 모더니즘이 전개되면서 선은 순수한 묘사의 역할에서 점차 벗어났다. 이러한 변화는 알렉세이 야블렌스키(Alexej Jawlensky)의 《추상적인 머리: 겨울–노랑과 주황》(Abstrakter Kopf: Winter – Gelb und Orange)에서 분명히 드러난다. 이 작품은 구상과 추상의 경계에 서 있으며, 다양한 선의 흐름을 통해 새로운 표현 방식을 제시했다. 머리의 중심 형태는 고전적인 윤곽선에서 비롯되지 않고, 색면들이 서로 모여 형성된다. 윤곽선은 따로 그려지지 않으며, 추상적인 색면이 맞닿는 가장자리를 따라 암시될 뿐이다.

야블렌스키가 여전히 가시적 세계에서 단서를 얻었다면, 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)의 《둘이서 하나로》(Zwei in Eins)는 그로부터 한층 더 나아갔다. 이 작품에서 선은 더 이상 어떤 형상을 따르지 않으며, 구체적인 선 그 자체로 화면 위에 놓인다.

팝 아트는 의도적인 선의 단순화를 적극적으로 받아들였다. 앤디 워홀(Andy Warhol), 로이 리히텐슈타인(Roy Lichtenstein), 키스 해링(Keith Haring)의 작품에서 선은 평면적이고 강렬한 색면을 둘러싸는 만화 같은 검은 윤곽선으로 축소되었고, 이는 소비와 광고 문화가 만들어낸 미감을 반영했다. 카렐 아펠(Karel Appel)은 《개와 물고기》(Dog and Fish)에서 윤곽과 색을 분리했다. 색면과 선은 서로 얽히며 자유롭게 겹쳐진다. 지그마어 폴케(Sigmar Polke)는 유머와 의도적인 미숙함을 활용해 꽃무늬 프린트 천 위에 초상화를 그렸다. 그는 개별 꽃들을 어설프게 이어 붙이며, 볼품없는 옆모습이 드러날 때까지 이미지를 만들어 갔다.

안토니 곰리(Antony Gormley)의 《양자 구름 XXXVII》(Quantum Cloud XXXVII)은 선 드로잉을 공간 경험으로 확장했다. 수많은 스테인리스 스틸 막대들이 파편화되고 열린 구조를 이루지만, 그 속에서 여전히 인간의 형상을 알아볼 수 있다. 이 작업에서 윤곽과 형상은 닫힌 선으로 규정되지 않고, 공간 전반에 흩어진 수많은 선들의 상호 관계 속에서 드러난다.

파울 클레(Paul Klee) - 남매(Geschwister), 1930, 수채화 및 유채

바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky) - 둘이서 하나로(Zwei zu Eins), 1933, 수채화 및 과슈

알렉세이 야블렌스키(Alexej Jawlensky) - 추상적인 머리: 겨울 같은 - 노랑과 주황(Abstrakter Kopf: Winterlich – Gelb und Orange), 1932, 판지 위 종이에 유채

지그마르 폴케(Sigmar Polke) - 무제(Ohne Titel), 1963, 캔버스 위 인쇄된 천에 유채

키스 해링(Keith Haring) - 무제(Untitled), 1985, 캔버스에 아크릴

앤디 워홀(Andy Warhol) - 금발 머리의 여성 머리(Female Head with Blonde Coiffeurohne), 1960년경, 종이에 잉크와 아닐린 염료

앤디 워홀(Andy Warhol) - 체스 두는 사람(Chess Player), 1954년경, 종이에 잉크와 아닐린 염료

앤디 워홀(Andy Warhol) - 날개 달린 요정(Fairy with Wings), 1954년경, 흰색 하드 포스트카드 용지에 잉크

로이 리히텐슈타인(Roy Lichtenstein) - 기억은 나의 환상을 사로잡는다(The Memory Haunts my Reverie), 1965년경, 종이에 색연필, 연필, 초크

로이 리히텐슈타인(Roy Lichtenstein) - 머리카락 위의 반영(Reflection on Hair), 1989, 수제 종이에 연필과 색연필

장 미셸 바스키아(Jean-Michel Basquiat) - 알펜도르프(Alpendorf), 1983, 캔버스에 아크릴

장 미셸 바스키아(Jean-Michel Basquiat) - 밤의 생활(Nachtleben), 1983, 캔버스에 아크릴

카렐 아펠(Karel Appel) - 개와 물고기(Dog and Fish), 1951, 캔버스에 유채와 초크

피에르 알레친스키(PIERRE ALECHINSKY) - 추억의 산화(Oxidation des Souvenirs), 1972, 캔버스에 종이 위 오일 및 아크릴

에드가 크눕(EDGAR KNOOP) - 네트워크(Network), 2010, 판지 위 콜라주, 플라스틱, 연필

귄터 푀르그(GÜNTHER FÖRG) - 무제(Ohne Titel), 1990, 나무 위 아크릴

안토니 곰리(ANTONY GORMLEY) - 양자 구름 XXXVII(Quantum Cloud XXXVII), 2001, 스테인리스 스틸

팀 노블 & 수 웹스터(TIM NOBLE & SUE WEBSTER) - 빌어먹게 아름다운 (핫 핑크 버전)(Fucking Beautiful (Hot Pink Version)), 2000, 8개의 네온 섹션, 변압기

게고(GEGO) - 트론코 No. 2(Tronco No. 2), 1975, 스테인리스 스틸 및 브론즈

소니아 사노야(SONIA SANOJA) - 쿠에르다스 심플 메디다(코레오게고)를 위한 소니아 사노야의 오리지널 의상(Original dress of Sonia Sanoja for Cuerdas Simple Medida (Coreogego)), 정보 없음, 의상

소니아 사노야(SONIA SANOJA) - 헤수스 라파엘 소토의 페네트라블에서의 안무 활동(Sonia Sanoja's choreographic action in a Penetrable by Jesús Rafael Soto), 1967, 사진

갤러리 드니즈 르네, 파리, 1967

사진: 피나 고메즈

소니아 사노하(Sonia Sanoja) - 헤수스 라파엘 소토의 페네트라블에서의 안무 작업(Sonia Sanoja's choreographic action in a Penetrable by Jesús Rafael Soto), 1967, 사진

파리 데니즈 르네 갤러리, 1967

사진: 피나 고메즈

소니아 사노하(Sonia Sanoja) - 게고의 첫 회고전에서의 코레오게고(Coreogegos in Gego's first retrospective), 1977, 사진

카라카스 현대 미술관, 1977

사진: 루이스 산즈

소니아 사노하(Sonia Sanoja) - 단순한 측정의 줄(Cuerdas Simple Medida (Coreogego)), 1978, 사진

카라카스 루이스 페라사 극장, 1978

사진: 미구엘 그라시아 에스트라다

소니아 사노하(Sonia Sanoja) - 단순한 측정의 줄 재공연(Restage of Cuerdas Simple Medida (Coreogego)), 약 2009, 사진

소니아 사노하 연출

시오타 치하루(Chiharu Shiota) - 감사의 편지(Letters of Thanks), 2025, 설치 미술

“나는 모든 이를 초대해, 잃어버린 누군가 혹은 삶을 조용히 빚어 온 누군가에게 전하지 못했던 감사의 마음을 나누고자 했다. 공중에 머무는 이 감사의 말들은 감정과 관계가 눈에 보이게 드러나는 공간을 만들 것이다.”

하이디 호튼 컬렉션의 《The Line》 전시를 앞두고 시오타 치하루는 방문객들에게 개인적인 감사의 편지를 써서 자신의 장소 특정적 설치에 참여해 달라고 요청했다. 수백 명이 이 요청에 응답해 가족, 친구, 동료와의 의미 있는 만남과 경험에 대한 감사를 편지로 남겼다. 이렇게 모인 편지들은 설치의 중심을 이루었다. 붉은 실로 서로 엮여 공간에 매달린 편지들은 사람과 기억, 감정 사이의 보이지 않는 연결을 손으로 느낄 수 있는 형상으로 바꾸었다. 이 작품은 인간 관계에 대한 시오타의 지속적인 탐구를 이어가며, 공유된 경험을 시적인 그물로 엮어 그 관계들을 드러냈다.