예술가들의 마지막 작품
프리다 칼로부터 마크 로스코까지, 7명의 상징적인 예술가들의 마지막 그림
인류는 선사 시대부터 그림을 그려왔으며, 가장 오래된 그림은 42,000년 전으로 거슬러 올라간다. 모든 문화권에서 사람들은 동굴 벽에 그림을 그렸는데, 그 이유에 대한 설명은 여전히 논쟁의 여지가 있지만 일반적으로 동물을 소재로 삼았습니다. 그 이유와 배경이 어떻든, 그림이 모든 문화권에서 오랫동안 존재해 왔다는 사실은 예술을 창조하려는 인간의 타고난 욕구가 보편적이라는 것을 알 수 있다.
수세기에 걸쳐 예술의 주제는 고전적이고 종교적인 묘사에서 벗어나 보다 추상적이고 표현주의적이며 개념적인 아이디어로 변화해 왔다. 그중에서 미술은 국경과 언어를 초월하여 감정을 독특하게 전달할 수 있기에 가장 지배적이고 친숙한 예술의 형식 중 하나가 되었다.
그림은 당시 그렸던 화가의 정신 상태부터 주변 환경까지 많은 것을 내포하고 있다. 따라서 예술가들이 세상을 떠나기 전 남긴 마지막 작품을 감상하는 것은 매우 흥미로운 일이다. 어떤 경우에는 그림이 미완성으로 남아 있는데, 이는 대작을 준비하던 세계적인 화가라 할지라도 죽음은 누구에게도 멈추지 않는다는 것을 섬뜩하게 상기시켜 줍니다. 아래의 많은 그림은 예술가의 임박한 죽음에 대한 인식을 활용하는 것처럼 보여서 더욱 오싹하고 감동적이다.
프리다 칼로의 대표작품이라 할 수 있는 ' Viva La Vida, Watermelons '부터 구스타프 클림트의 미완성 작품인 '신부'까지, 유명 예술가들의 마지막 그림 7점을 소개합니다.
1. Viva La Vida, Watermelons – Frida Kahlo (1954)
프리다 칼로는 성별, 계급, 인종, 일생을 관통했던 고통 등의 주제를 표현하고 질문하는 방식으로 그림을 사용한 예술가였습니다. 자전적이고 미술적 사실주의, 초현실주의가 혼합된 그녀의 작품은 여성으로서의 경험을 흔들림 없이 적나라하게 묘사했으며, ‘Henry Ford Hospital’ 작품에서 보이는 아기의 상실과 같은 끔찍한 이미지가 종종 등장하기도 했다.
작가의 마지막 작품은 멕시코 문화에서 생명과 다산을 상징하는 과일인 수박이 펼쳐진 정물화 'Viva La Vida, Watermelons'으로, Viva La Vida는 영원한 삶이라는 뜻으로 영국의 록 밴드 ‘콜드 플레이’의 대표곡 중의 하나인 ‘Viva La Vida’가 해당 작품에서 따왔다고 한다. 프리다칼로의 마지막 작품은 멕시코의 대표적인 명절인 ‘죽은 자의 날 축제’에 자주 사용되었다.
* 죽은 자들의 날: 멕시코에서 매년 10월 말에서 11월 초에 세상을 떠난 가족이나 친지를 기리며 그들의 명복을 비는 명절
2. Unfinished Painting – Keith Haring (1989)
인종과 동성애에 대한 차별에 맞서 싸운 사회 운동가이자 그래피티 아티스트인 키스 해링은 특유의 화려한 색채의 그림으로 건전한 성관계와 에이즈에 대한 경각심을 불러일으키며 당시 1980년대 뉴욕 예술계의 주요 인물로 자리매김했다. 뉴욕의 그래피티 문화의 신성처럼 등장한 키스 해링은 지하철에 개와 사람의 윤곽을 묘사한 그림으로 인기를 얻었다. 1988년 해링은 에이즈 진단을 받았고, 생의 마지막 2년 동안 자신의 병에 대한 인식을 널리 알리기 위해 예술을 활용했다.
1990년, 31세의 나이로 키스 해링은 세상을 떠났다. 그의 마지막 그림은 캔버스의 왼쪽 상단을 차지하고 있으며, 밝은 보라색 물감이 피처럼 흘러내립니다. 미완성 그림은 그가 가졌던 풍부한 재능과 잠재력을 더 피우지 못하고 비극적으로 단절된 삶을 상징한다.
3. Study of a Bull – Francis Bacon (1991)
"사실의 잔인함"을 작품 속에 담아내기 위해 노력한 프랜시스 베이컨은 자화상, 섹슈얼리티, 폭력, 종교를 집중적으로 탐구했다. ‘Study after Velázquez’s Portrait of Pope Innocent X’부터 연인 조지 다이어의 죽음을 그린 ‘Triptych May-June 1973’에 이르기까지 베이컨은 걸작들을 통해 예술계에 자신의 흔적을 남겼다.
1991년, 베이컨은 투우에 대한 집착을 주제로 한 여러 작품 중 하나인 'Study of a Bull ' 작업을 시작했다. 베이컨은 파블로 피카소의 황소 작품과 페데리코 가르시아 로르카의 시에서 영감을 받아 황소와 관련된 여러 장면을 그렸다. 해당 작품이 베이컨의 마지막 작품인 이유는 작품을 그리는 동안 폐렴에 걸려 극도로 쇠약해진 상태였기 때문이다. 그는 이렇게 쇠약해진 상태에서 강인함의 상징을 그리려고 노력했습니다. 그는 1992년 심장마비로 사망했습니다.
4. Untitled – Mark Rothko (1970)
마크 로스코는 어느 한 사조나 장르에 갇히는 것을 거부했지만 현대 미국 추상표현주의 운동과 밀접한 관련이 있었다. 그의 색면 예술 캔버스는 전통주의를 근본적으로 거부했으며, 명료하면서도 모호한 작품이 불러일으키는 감정에 몰입할 수 있도록 관람객들을 초대했다. 그는 "나는 비극, 황홀경 등 인간의 기본적인 감정을 표현하는 데에만 관심이 있다"라고 말한 적이 있듯이 추상표현주의 운동과 밀접한 관련이 있다는 것을 알 수 있다.
1968년 로스코는 경미한 대동맥류 진단을 받았고, 2년 후 작업실에서 면도날로 베인 손목에서 피를 흘리며 숨진 채 발견되었다. 이와 같은 그의 비극적인 마무리는 강렬하고 밝은 붉은색으로 칠해진 그의 마지막 작품을 통해 예언적이었다고 할 수 있다.
5. Riding with Death – Jean-Michel Basquiat (1988)
키스 해링과 동시대 작가 중 한 명으로 80년대 뉴욕 언더그라운드에서 활동한 장 미셸 바스키아는 1988년 헤로인 과다 복용으로 사망하기 몇 달 전에 'Riding with Death'를 그렸다. 이 강렬한 그림에서의 추상적으로 표현된 갈색 인물이 마치 인물을 물어뜯은 듯한 해골의 뒤편에 올라타고 있다. 황량한 연한 갈색이 그림의 배경을 이루고 있는데, 이는 그의 전형적인 밝은 색상의 작품보다 훨씬 더 어둡다.
해당 작품은 바스키아가 과도한 약물 사용과 같은 자신의 습관이 비극을 초래할 뿐이라는 것을 깨달았다는 신호로 해석할 수 있을 것 같다. 80년대를 풍미했던 혁명적인 예술가는 1988년 27세의 나이로 맨해튼의 자택에서 세상을 떠났다.
6. Tree Roots – Vincent van Gogh (1890)
빈센트 반 고흐는 사후에 서양 미술에서 가장 유명한 화가 중 한 명이 되었으며, 37세의 나이에 자살로 생을 마감하기 전까지 약 2,100점의 작품을 완성했다. 우울증과 가난에 시달렸던 고흐는 자신이 자살한 것으로 추정되는 들판까지 그려서 많은 사람들이 '까마귀가 있는 밀밭'이 그의 마지막 작품이라고 믿고 있다.
하지만 생레미 정신병원을 떠난 직후 오베르 쉬르와즈에서 그린 해당 작품인 ‘Tree Roots’가 그의 마지막 작품이라는 것이 일반적으로 서양 미술사에 통용되는 견해이다. 뒤틀린 뿌리는 고통스러운 분위기를 자아내며, 반 고흐 미술관의 연구책임자인 바우터 반 데르 빈은 화가가 사망하기 불과 몇 시간 전에 이 작품을 작업했다고 생각한다고 한다.
7. Les Grandes Décorations – Claude Monet (1926)
인상파의 대표적인 화가인 클로드 모네는 호수, 강, 정원, 수련 연못 등 풍경을 그린 그림으로 가장 유명합니다. 1920년부터 1926년 사이에 화가는 건강과 시력이 급격히 나빠졌음에도 불구하고 마지막 수련 연작을 그렸습니다. 그는 91 x 2미터의 거대한 캔버스를 수용하기 위해 더 큰 스튜디오를 지어야 했습니다. 백내장으로 고통받던 모네의 마지막 작품은 선명한 파스텔 톤에서 어두운 갈색과 붉은색으로 바뀌었습니다.
그는 종종 친구들에게 물감의 색을 구분하는 데 어려움을 겪었고 심지어 튜브에 라벨을 붙이는 일까지 해야 했다는 소식을 전했다. 모네는 그림을 완성한 직후인 1926년 86세의 나이로 폐암으로 사망했다.
