거짓말은 예술·상상의 원천이다-오스카 와일드의 유미주의
생각은 가장 건강에 해로운 것이고, 사람들은 질병처럼 생각 때문에 죽는다
Oscar Wilde
-THE DECAY OF LYING
-PEN, PENCIL, AND POISON
-THE CRITIC AS ARTIST
-THE TRUTH OF MASKS
함께 감상할 미술작품들
1. "The Picture of Dorian Gray" by Ivan Albright (1943-1944)
설명: 올브라이트는 타락한 도리안 그레이의 모습을 섬뜩할 정도로 세밀하게 묘사하여 와일드의 동명 소설에 등장하는 예술과 도덕의 관계, 표면적인 것과 내면의 자아 중심이라는 주제를 시각화했습니다.
2. "Symphony in White, No. 1: The White Girl" by James McNeill Whistler (1862)
설명: 휘슬러의 그림은 아름다움을 위한 아름다움을 찬양하고 예술이 도덕적 또는 정치적 목적에 봉사해야 한다는 개념을 거부하는 와일드의 미학을 구현합니다.
3. "Ophelia" by John Everett Millais (1851-1852)
설명: 셰익스피어의 오필리아에 대한 밀레의 묘사는 예술의 시대를 초월한 자기 참조적 성격에 대한 와일드의 생각과 연결되며, 과거 시대의 미학을 되살리려는 라파엘전파의 초점을 강조합니다.
4. "The Flight of Icarus" by Henri Matisse (1947)
설명: 이 작품은 고대 그리스인들의 아름다움에 대한 감상과 예술이 삶에 미치는 영향에 대한 와일드의 정서를 담고 있으며, 인간 형태의 예술성과 그 열망에 초점을 맞춰 전통적인 서사를 뛰어넘는 단순화된 형태로 신화를 반영하고 있습니다.
챕터별 요약
**1장: "거짓말의 붕괴: 관찰"**
- 시릴과 비비안은 거짓말의 본질에 대해 토론하며, 비비안은 예술과 사회에서 거짓말의 중요한 역할을 옹호합니다.
- 비비안은 예술이 자연을 모방해야 한다는 관점을 비판하며, 대신 예술은 고유한 진리를 제공한다고 주장합니다.
- 그는 예술에서 거짓말은 문자 그대로의 진실을 넘어 더 깊은 진실과 풍요로운 경험에 기여한다고 주장합니다.
- 비비안은 사실주의를 지향하는 현대의 경향을 비난하며 상상력이 부족하고 예술의 잠재력을 감소시킨다고 주장합니다.
- 이 대화에서는 삶과 현실이 종종 예술을 모방하려 하기보다는 오히려 예술을 모방하려 한다는 생각을 탐구합니다.
2장: "예술의 원리와 목적"**
- 비비안에 따르면 예술은 창작되는 시대나 배경과 무관하게 자신을 표현하는 역할을 합니다.
- 그는 예술은 시대를 반영하는 것이 아니라 종종 시대와 모순되며, 역사가 아니라 그 자체의 창조적 진보를 보존한다고 주장합니다.
- 비비안은 나쁜 예술은 삶과 자연을 너무 가깝게 모방하는 데서 비롯되며, 진정한 예술은 이를 상상력 있는 표현으로 바꿔야 한다고 주장합니다.
- 비비안은 형식과 주제 모두에서 모더니티가 예술의 수명과 감상에 해롭다고 생각합니다.
- 비비안은 예술에 가장 적합한 주제는 우리의 직접적인 경험과 시사 문제에서 벗어난 것이라고 결론지었습니다.
**3장: "예술에 대한 삶의 모방"**
- 일반적인 믿음과는 달리, 비비안은 삶이 예술을 모방하는 것이 아니라 예술이 삶을 경험하고 인식하는 방식을 형성한다고 말합니다.
- 이 원칙은 개인의 행동을 넘어 이전에 예술에서 묘사된 효과만을 제시하는 자연 세계로 확장됩니다.
- 예술의 목적은 삶 자체가 열렬히 받아들이는 표현 형식을 제공하여 사회적 행동과 사건에 영향을 미치는 것입니다.
- 역사적 운동과 사회적 변화는 삶을 형성하는 예술이라기보다는 예술적 표현의 선례가 되는 경우가 많습니다.
- 이러한 역학 관계를 인식하면 예술의 역사적 의미와 창작 과정을 새롭게 조명할 수 있습니다.
**4장: "거짓말의 예술적 활용"**
- 비비안은 거짓말하는 행위가 예술적 가치를 지니고 있다고 말하며, 문자 그대로의 진실보다 발명과 허구적 서사를 찬양합니다.
- 그는 현대의 사실과 현실에 대한 가치평가를 비난하며 보다 상상력이 풍부한 접근 방식으로 돌아갈 것을 주장합니다.
- 비비안은 예술, 문학, 교육에서 거짓말의 목적과 역할을 설명하며 다양한 유형의 거짓말을 설명합니다.
- 창의적인 활동에서 거짓말을 장려하는 것은 문화를 활성화하고 사실주의의 단조로움에 대응하기 위한 수단으로 제시됩니다.
- 비비안은 예술에서 거짓말을 하는 것이 경이로움과 아름다움을 배양하는 탁월한 노력으로 인정받는 세상을 상상합니다.
**5장 "당대의 리얼리즘에 대한 해독제"**
- 비비안은 잃어버린 거짓말의 예술을 되살리고 발전시켜야 한다고 강조하며, 오늘날의 따분한 현실주의에 대한 해독제로서 거짓말을 구상합니다.
- 그는 예술적 거짓말을 인정하고 포용하는 사회가 더 활기차고 상상력이 풍부한 경험을 가능하게 하기를 기대합니다.
- 사회가 문자 그대로의 것보다 예술적인 것을 중시하는 법을 배우면서 환상적인 요소와 신화가 살아 숨 쉬는 미래를 예견합니다.
- '사실이 아닌 아름다운 것'을 말하려는 예술의 목표는 창의성의 진정한 본질이자 궁극적인 목표라고 주장합니다.
- 이 글은 앞선 논의와 대조되는 시적 이미지를 불러일으키며 야외로 초대하는 것으로 마무리됩니다.
1장: 어린 시절과 예술적 기질****
- 예술적 기질은 종종 다른 분야를 간과하는 집중력을 요구하지만, 루벤스나 밀턴과 같은 예외는 예술가가 다른 분야에서도 탁월할 수 있음을 보여줍니다.
- 이 회고록의 주인공인 토마스 그리피스 웨인라이트는 위조와 독극물에 대한 열정 등 예술 외의 다양한 관심사에 뛰어난 재능을 보였습니다.
- 문학과 법조계 인맥이 있는 집안에서 태어난 웨인라이트는 자연과 고전 교육에 매료되어 성장했습니다.
- 웨인라이트는 예술을 완전히 받아들이기 전에 잠시 군인 생활을 하기도 했지만, 예술과 시에 대한 애정을 위해 포기했습니다.
- 스물다섯 살에 심각한 병을 앓은 웨인라이트는 워즈워스 같은 시인의 영향을 받아 문학을 하기로 결심하고 문학 잡지에 글을 기고하기 시작했습니다.
**2장: 문학계에서의 부상**
- 웨인라이트는 필명으로 글을 쓰고 <런던 매거진>과 같은 출판물에 기고하면서 문학적 인정을 받았습니다.
- 그는 극작가, 배우 등 당대의 저명한 인사들과 어울렸으며, 댄디하고 좋은 것을 좋아하는 것으로 유명했습니다.
- 동시에 미술 비평 활동을 통해 역사적 걸작과 현대의 재능을 모두 인정하는 안목을 보여주었습니다.
- 예술과 문화에 대한 열정이 남달랐던 웨인라이트는 전시에도 열정을 보였고, 자신의 생활 공간을 다양한 취향으로 꾸미는 데에도 관심을 보였습니다.
- 웨인라이트가 장식에서 녹색을 좋아하고 특정 예술가와 스타일을 편애한 것은 그가 시대를 초월한 미적 조화를 중요하게 생각했음을 시사합니다.
**3장: 몰락과 범죄 활동**
- 웨인라이트의 관심사는 점점 더 어두운 쪽으로 옮겨갔고, 결국 삼촌과 처제를 포함한 친척들을 독살하는 데까지 이르렀습니다.
- 특히 처제를 살해한 동기는 보험금을 타기 위해서였다고 밝혀져 그가 계획적인 범죄자로 전락했음을 알 수 있습니다.
- 웨인라이트는 사회적으로 유명한 인물이었음에도 불구하고 극악무도한 범행을 은밀히 저지르면서도 문학적 외관을 유지했습니다.
- 보험금 문제로 보험 회사와 법적 분쟁에 휘말린 웨인라이트는 위조 사실이 발각되어 해외로 숨어들어야 했습니다.
- 영국을 떠난 후에도 그는 원한과 복수에 대한 열망으로 사람들을 조종하고 독살하는 등 범죄 행위를 멈추지 않았습니다.
**4장: 추방과 체포**
- 웨인라이트는 보험 회사를 괴롭히기 위해 마지막 독살을 계획했지만 금전적인 이득은 얻지 못했고, 이는 그의 목적이 이익에서 복수로 바뀌었음을 나타냅니다.
- 사랑에 빠져 몰래 영국으로 돌아온 웨인라이트는 이전에 위조죄로 수감되었지만, 숨겨둔 살인에 비해 죄질이 덜 중했습니다.
- 수감 중에도 그의 열정과 대화는 범죄자라는 허세에도 불구하고 그만의 독특한 매력으로 가득 차 있었습니다.
- 웨인라이트의 수감 생활은 런던 문단의 호기심을 불러일으켰고, 그의 변함없는 본성을 드러내는 주목할 만한 면회와 대화가 이어졌습니다.
- 결국 그는 종신형을 선고받았는데, 이는 자신의 범죄에 걸맞지 않은 형벌로 정의에 대한 왜곡된 인식을 드러내는 것이었습니다.
**5장 말년과 유산**
- 웨인라이트는 태즈메이니아에서 예술 활동을 계속하며 사회가 그의 전 신분을 무시했음에도 불구하고 재기를 시도했습니다.
- 유배지에서도 그는 독극물 중독을 시도했지만 효과가 없었고, 이는 이전의 기량을 상실했음을 의미했습니다.
- 그의 출국 허가 요청이 거부되자 아편에 손을 댔고, 결국 고양이와 함께 죽음을 맞이하게 됩니다.
- 웨인라이트의 복잡한 유산은 그의 범죄에 영향을 받아 그의 예술 스타일에 강한 개성을 부여하여 후대의 관객을 매료시켰습니다.
- 웨인라이트의 유산은 예술과 문학을 통해 지속되고 있으며, 그의 삶은 디킨스와 불어의 소설 속 등장인물들에게 영감을 주어 불멸의 악명을 얻었습니다.
1장: "비평가의 역할과 본질"
- 비평가는 사색과 미적 인식의 원형으로서, 예술 작품만큼이나 독특한 개인적 표현과 해석의 한 형태인 비평에 참여합니다.
- 비평은 가장 높은 수준에서 실행될 때 예술 그 자체와 유사하며, 대상에 본질적으로 존재하지 않지만 비평가의 지적, 정서적 반응을 통해 인식되는 진실을 드러냅니다.
- 모든 비평의 표현은 본질적으로 비평가의 개인적인 경험, 편견, 관점에 의해 형성되기 때문에 객관적인 비평은 존재하지 않습니다.
- 비평가의 임무는 예술을 증류, 분석, 고양하여 문화적 이해를 형성하고 예술 작품 내 형식과 개념에 의미를 부여하는 것입니다.
- 궁극적으로 비평가는 지적 참여를 통해 집단 의식을 풍요롭게 하고, 분석과 감상을 통해 평범한 것을 숭고한 영역으로 끌어올리는 역할을 합니다.
2장: "예술가적 관점의 한계"
- 자신의 창작 영역에 갇혀 있는 예술가는 다양한 형태의 예술을 객관적으로 감상하거나 분석하는 데 필요한 폭넓은 관점을 갖지 못하는 경우가 많습니다.
- 예술 창작은 예술가의 정체성을 반영하는 지극히 개인적인 행위이므로 위대한 예술가도 자신의 스타일이나 비전과 다른 예술을 인식하거나 가치를 인정하는 데 어려움을 겪을 수 있습니다.
- 예술 비평은 예술가의 영역이 아니라 개인의 창작을 초월하여 감상의 보편성을 추구하는 폭넓은 지적 노력입니다.
- 예술 비평가는 다양한 맥락과 역사적 시대의 작품을 보고 해석할 수 있는 능력을 갖추고 있으므로 예술가와는 다른 역할을 맡게 됩니다.
- 비평가는 예술을 더 넓은 미학적 담론 속에 위치시킴으로써 단순한 평가 이상의 것을 제공하며, 이질적인 예술적 표현을 인간의 창의성에 대한 일관된 내러티브와 연결합니다.
제3장: "비평적 기술의 발현"
- 비평은 특정 형식에 얽매이지 않고 에세이, 대화, 소설 등 다양한 문학적 수단을 통해 표현될 수 있으며, 다양한 표현 방식을 허용합니다.
- 비평가는 자신의 통찰력을 표현하기 위해 소설가의 서사 스타일이나 시인의 정밀함을 채택하는 등 다양한 예술 형식의 기법을 활용할 수 있습니다.
- 훌륭한 비평은 종종 예술가의 의도를 드러내는 것을 넘어 새로운 해석을 제시하고 원작에 의미의 층위를 더합니다.
- 비평가들은 예술에 자신의 지적, 정서적 반응을 불어넣음으로써 예술에 대한 우리의 이해를 재구성하고, 종종 관객에게 완전히 새로운 경험을 선사합니다.
- 비평은 다각적인 형태를 통해 예술을 재창조하는 능력을 보여주며 지적 탐구를 위한 진화하고 확장된 풍경을 제공합니다.
4장: "비평의 진화와 미래"
- 비평은 새로운 예술 작품, 스타일, 문화 운동을 해석하면서 진화하는 역동적인 힘이며, 그 범위와 방법을 지속적으로 확장하고 있습니다.
- 사회가 발전함에 따라 비평은 문화적 가치를 형성하고 다듬는 데 필수적인 역할을 하며, 창의적인 작품을 발굴하여 한 시대의 본질을 드러냅니다.
- 비평의 미래는 다양한 시대와 예술적 표현을 종합하여 예술에 대한 보다 심오한 국제적 감상을 촉진하는 능력에 달려 있습니다.
- 예술 창작의 비평적 성격이 점점 더 커지면서 미래의 작품은 단순한 독창성보다는 영감을 주고 분석을 견딜 수 있는 능력으로 평가될 수 있음을 시사합니다.
- 비평가의 영향력은 직접적인 개입이 아니라 예술과 문화가 서로 얽혀 있는 지적 틀의 확립을 통해 발휘될 것입니다.
5장 "비평가의 자산과 목적"
- 비평가의 가장 소중한 자산은 아름다움을 받아들이는 섬세하게 조율된 기질과 미적 감상에 도움이 되는 교양 있는 환경입니다.
- 비평가는 시대의 잠재력을 구현하는 존재로서, 이해를 완성하고 아이디어의 영역을 일상적인 행동 영역 이상으로 끌어올리는 역할을 합니다.
- 비평가의 목적은 현실의 일시적이고 결함이 있는 서사에 관여하는 것이 아니라 예술과 사상의 시대를 초월한 대화에 몰입하는 것입니다.
- 비평가는 현실과 거리를 두고 관조적인 삶을 받아들임으로써 일반적인 존재를 초월하고 미적 이해를 통해 깨달음의 경지에 도달합니다.
- 순수한 관찰과 지적 성장의 삶을 위해 노력하는 비평가는 예술적 진실을 추구하기 위해 헌신하는 문화 의식의 정점을 대변합니다.
제1장: "의상 정확성의 중요성"
- 영국의 셰익스피어 부흥에 대한 비평가들은 셰익스피어가 배우 의상의 정확성보다는 연극 자체에 초점을 맞추는 것을 선호했을 것이라고 가정했습니다.
- 하지만 셰익스피어는 일부 비평가들의 가정과 달리 작품에서 의상과 디테일한 무대가 만들어내는 환상에 상당한 관심을 기울였습니다.
- 역사적 증거와 셰익스피어의 서면 지침에 따르면 그는 사실적인 무대 연출과 극적 효과를 위해 의상의 세부 사항을 중요하게 여겼습니다.
- 의상의 중요성을 무시하는 비평가들은 관객의 연극에 대한 인식과 이해에 영향을 미치는 의상의 역할을 제대로 이해하지 못합니다.
- 셰익스피어가 의상을 사용한 것은 단순히 미학적인 측면만이 아니라 캐릭터 묘사를 강화하고 이야기의 배경을 설정하기 위한 도구였습니다.
2장: "예술적 기질과 의상"
- 의상은 관객과 극작가 모두의 예술적 기질을 사로잡아 시각적 즐거움을 선사하고 연극에 등장하는 가면과 춤에 깊이를 더합니다.
- 셰익스피어의 연출은 웅장한 행렬과 영국 무대의 풍성한 의상을 역사적으로 정확하게 재현하고자 하는 그의 의도를 보여줍니다.
- 셰익스피어는 의상을 통해 캐릭터의 변화, 변장, 사회적 지위 등을 나타내므로 의상은 관객에게 필요한 환상을 만들어냅니다.
- 의상은 시각적 효과에 시를 더하지만, "열두 번째 밤"이나 "베로나의 두 신사"와 같은 연극에서 의상의 주요 기능은 플롯의 중심이 되는 기만을 유지하는 것입니다.
- 셰익스피어는 "맥베스"와 "햄릿"에서 볼 수 있듯이 변장 목적뿐만 아니라 극적 상황을 강화하고 강화하기 위해서도 의상을 활용했습니다.
제3장: "의상 디테일의 극적 관련성"
- 셰익스피어는 스타킹 색상부터 손수건 무늬에 이르기까지 의상의 세세한 디테일을 통해 등장인물의 행동과 극의 방향에 영향을 미쳤습니다.
- "리어왕"과 "오셀로"에서 볼 수 있듯이 극작가는 의상을 전략적으로 사용하여 아이러니부터 슬픔까지 다양한 감정을 불러일으킬 수 있습니다.
- 로잘린드와 킹스 같은 등장인물은 의상을 언급하며 줄거리를 전개하는 등 의상은 연극의 대사를 구성하는 데 필수적인 요소입니다.
- 셰익스피어의 사극은 극에 사실감과 사실감을 부여하는 디테일한 의상이 큰 도움이 되었을 것입니다.
- 왕족, 군인, 일반 민중이 착용한 다양한 의상에서 생생하게 볼 수 있듯이 의상은 셰익스피어의 희곡에서 대비와 상징을 만들어내는 수단으로 사용되었습니다.
제4장: "예술 및 아카이브 자료로서의 의상"
- 셰익스피어가 연극에서 역사적 의상과 의식 복장을 자주 참고한 것처럼, 의상에 대한 고고학은 무대 위 환상을 만드는 데 기본이 됩니다.
- 의상은 고고학적 정확성에서 비롯될 때 예술적 가치를 지니며, 무대에서 장식적인 측면뿐만 아니라 극적인 측면에서도 중요한 역할을 합니다.
- 셰익스피어가 연극에서 의상에 대해 자세히 다룬 것은 역사적으로 정확한 무대에 대한 그의 깊은 관심을 보여줍니다.
- 셰익스피어는 실제 역사적 인물이 등장하는 연극의 경우, 연극의 내용을 알려진 역사적 사실과 복장에 맞추기 위해 세심한 주의를 기울이는 것으로 나타났습니다.
- 르네상스 시대의 고고학적 연구는 셰익스피어와 동시대 연극인들에게 영향을 미쳐 의상의 고증에 더 큰 관심을 기울이게 했습니다.
5장: "고고학과 엘리자베스 시대 무대"
- 셰익스피어 시대는 예술과 고고학이 결합된 시대로, 의상 제작에 있어 역사적 정확성이 주목할 만한 관심사였으며 대중의 인식과 무대 제작에 영향을 미쳤습니다.
- 엘리자베스 시대 연극에서 고고학적 정확성은 무대에서 더욱 생생하고 공감할 수 있는 캐릭터를 창조하는 데 활용되었으며, 종종 실제 유물, 의복, 복장을 기반으로 했습니다.
- 역사적으로 정확한 의상을 추구하는 현재의 움직임에 대한 비평가들의 공격은 작품에 더 큰 현실감과 아름다움을 가져다주기 때문에 부당합니다.
- 정확한 복장을 한 셰익스피어의 희곡은 당장의 아름다움뿐만 아니라 그러한 정확성이 주는 더 깊은 진실의 층위를 통해 호소력을 발휘합니다.
- 궁극적으로 셰익스피어의 작품은 스토리텔링과 시각적 경험을 향상시켜 연극에서 의상 고증의 예술적 가치를 입증하는 증거가 됩니다.
문장:
예술은 결코 자기 자신 외에는 아무것도 표현하지 않는다. 예술은 사상이 그러하듯 독립적인 생명을 지니고 있으며, 순전히 자신의 노선에 따라 발전합니다. 사실주의 시대에는 반드시 사실적이어야 하고, 신앙의 시대에는 반드시 영적인 것이어야 하는 것은 아닙니다. 그것은 그 시대의 창조물이기는커녕 대개 그 시대와 정반대되는 경우가 많으며, 우리에게 남겨진 유일한 역사는 그 자체의 진보의 역사뿐입니다. 때로는 그리스 후기 미술의 고풍주의 운동과 우리 시대의 라파엘전파 운동에서처럼 그 발자취를 따라 고풍스러운 형태를 되살리기도 합니다. Art never expresses anything but itself. It has an independent life, just as Thought has, and develops purely on its own lines. It is not necessarily realistic in an age of realism, nor spiritual in an age of faith. So far from being the creation of its time, it is usually in direct opposition to it, and the only history that it preserves for us is the history of its own progress. Sometimes it returns upon its footsteps, and revives some antique form, as happened in the archaistic movement of late Greek Art, and in the pre-Raphaelite movement of our own day.
설명:
이 인용문은 예술의 본질에 대한 화자의 관점을 이해하는 데 중요한 역할을 합니다. 이 인용문은 예술이 시대를 반영하거나 현실을 반영해야 한다는 의무에서 벗어나 예술의 독립성과 자기 표현을 강조합니다. 이는 예술을 삶이나 시대정신의 재현에 대한 기대에 얽매여서는 안 되는 자율적인 존재로 보는 더 큰 철학의 한 부분을 형성합니다. 예술은 때때로 그 시대의 지배적인 정신에 반대할 수 있고 그것에 빚진 것이 없다는 개념은 단순한 모방보다 창조적 과정의 우월성에 대한 믿음을 강조합니다. 또한 예술 형식의 순환적 특성, 즉 새로운 것이 어떻게 옛것의 부활을 포함할 수 있는지, 단순한 계승이 아닌 역동적인 연속성을 보여줄 수 있는지에 대해 이야기합니다.
비유와 사례:
이 개념을 이해하기 위해 정원의 은유를 떠올려 봅시다. 예술을 다양한 식물(예술 형식)이 자라는 정원이라고 상상해 보세요. 이 식물들은 그들이 살고 있는 기후(시대)를 반드시 반영하지는 않습니다. 어떤 식물은 악조건에서도 잘 자라고, 어떤 식물은 계절에 맞지 않게 꽃을 피워 환경의 예상을 뒤엎는 장관을 연출하기도 합니다. 다육식물(현대 추상미술의 일부 형태와 유사)이 어떻게 더 부드럽고 무성한 식물(더 전통적이거나 사실적인 예술 형태를 나타낼 수 있는)이 실패할 수 있는 건조한 기후에서 번성할 수 있는지 생각해 보세요. 마찬가지로, 벚꽃의 개화(아마도 오래된 예술 양식의 르네상스와 비슷할 것입니다)가 아주 짧고 아주 드물게 피더라도 기대감을 가지고 기다리는 것을 생각해 보세요. 이 식물들은 정원의 현재 상태와는 무관하게 각자의 성장 패턴과 주기를 따릅니다. 예술에서 이러한 독립성은 단순히 '날씨'와 일치하는 것이 아니라 독특하고 때로는 상반된 아름다움으로 꽃을 피우는 혁신과 창의성의 지속적인 본질을 예고합니다. 따라서 정원은 단순히 계절에 따른 기대치가 아니라 자신만의 방식과 시간에 따라 번성합니다. 이 은유를 통해 학생들은 예술이 저마다의 방식으로 발전하여 끝없이 다양한 꽃을 피우는 예측할 수 없는 정원을 만든다는 생각을 시각화할 수 있습니다.
문장:
유일하게 아름다운 것은 우리와 상관없는 것들입니다. 헤쿠바는 우리에게 아무 것도 아니기 때문에 그녀의 슬픔이 비극의 동기로 적합하기 때문에 나 자신을 인용하는 기쁨을 누리고 있습니다. 게다가 구식이되는 것은 현대적 일뿐입니다. 졸라는 우리에게 제2제국의 모습을 보여주기 위해 자리에 앉았습니다. 지금 누가 제2제국을 신경 쓰겠어요? 시대에 뒤떨어졌어요. 인생은 사실주의보다 빠르게 진행되지만 낭만주의는 항상 인생 앞에 있습니다. The only beautiful things are the things that do not concern us. It is, to have the pleasure of quoting myself, exactly because Hecuba is nothing to us that her sorrows are so suitable a motive for a tragedy. Besides, it is only the modern that ever becomes old-fashioned. M. Zola sits down to give us a picture of the Second Empire. Who cares for the Second Empire now? It is out of date. Life goes faster than Realism, but Romanticism is always in front of Life.
설명:
이 인용문은 예술은 즉각적인 것과 개인적인 것을 초월해야 한다는 화자의 철학적 견해를 이해하는 데 필수적입니다. 이 인용문은 예술의 가치는 일상적이거나 직접적으로 관련된 것을 뛰어넘을 수 있는 분리, 능력 또는 의무에 있으며, 우리와 우리의 삶에 너무 직접적으로 연관된 예술은 개인적인 판단과 편견의 영향을 받기 때문에 아름다움을 잃는다는 것을 암시합니다. 이 인용문은 또한 오늘날 현대적이고 새로운 것이 내일은 구식이 될 운명이라는 현대성의 일시적인 속성을 암시하기도 합니다. 그러나 감정, 개인주의, 아름다움의 추구를 중시하는 낭만주의의 이상과 매력은 시대를 초월하고 항상 앞서가는 것으로 간주되어 예술을 선도합니다. 이는 아름다움이 주관적이고 일시적인 것이 아니라 보편적이고 영속적인 것이라는 세계관을 반영합니다.
비유와 사례:
한 화가가 자신도, 그 누구도 모르는 여인의 초상화를 그리면서 슬픔에 잠긴 표정으로 초상화를 그렸다고 상상해 보세요. 이 그림은 보는 이들에게 깊은 파토스를 불러일으키는데, 그 이유는 그 슬픔이 나만의 것이 아니라 누구에게도, 동시에 모든 사람에게 해당하기 때문입니다. 마치 그리스 비극에 등장하는 가면처럼, 일반적인 형태와 표정이 특정 배우의 정체성에 얽매이지 않는 보편적인 감정을 불러일으킵니다. 이제 이를 악명 높은 유명인의 초상화와 대조해 보세요. 이 초상화가 불러일으키는 감정은 대상에 대한 개인적인 의견에 기반할 가능성이 높으며, 예술 자체는 부수적으로 수반되는 부수적인 것입니다. 마찬가지로 에밀 졸라의 소설은 우리를 제2제국 프랑스로 안내하지만, 시간이 지나면 매력적인 문학 작품이 아닌 단순한 역사적 호기심에 그칠 위험이 있습니다. 이는 마치 유행하는 모자를 쓰는 것과 비슷합니다. 처음에는 시의적절하고 스타일리시해 보이지만 결국에는 유행에 뒤떨어져 어울리지 않는 것처럼 말이죠. 그러나 터너의 '석양'과 같이 세밀하게 묘사된 낭만주의 그림에서는 특정 시기는 중요하지 않으며, 건축적 혁신뿐만 아니라 경외감을 불러일으키는 웅장함으로 수 세기에 걸쳐 존경을 받는 대성당처럼 아름다움과 숭고한 자연이라는 영원한 주제를 말하기 때문에 매혹적인 것이죠. 이러한 예술이 선사하는 아름다움은 개인적인 것에서 벗어나 보는 사람의 상황이나 시간의 흐름에 관계없이 관련성과 감동을 유지합니다.
문장:
예술적 본능이 예민한 고대 그리스인들은 이 점을 간파하고 신부가 황홀경이나 고통 속에서 바라보던 예술 작품처럼 사랑스러운 아이를 낳을 수 있도록 신부의 방에 헤르메스나 아폴로 신상을 설치했습니다. 그들은 삶이 예술에서 얻는 것은 단순히 영성, 생각과 느낌의 깊이, 영혼의 혼란이나 영혼의 평화가 아니라 예술의 선과 색채로 자신을 형성할 수 있고, 페이디아스의 위엄과 프락시텔레스의 은혜를 재현할 수 있다는 것을 알고 있었습니다. 그래서 그들은 사실주의에 반대했습니다. 그들은 순전히 사회적인 이유로 사실주의를 싫어했습니다. 그들은 그것이 필연적으로 사람들을 추하게 만든다고 생각했고, 그것은 완벽하게 옳았습니다. 우리는 하층민의 더 나은 주거를 위해 좋은 공기, 자유로운 햇빛, 건강에 좋은 물, 흉측한 맨 건물 등을 통해 인종의 조건을 개선하려고 노력합니다. 하지만 이런 것들은 단지 건강을 만들어낼 뿐 아름다움을 만들어내지는 못합니다. 이를 위해서는 예술이 필요하며, 위대한 예술가의 진정한 제자는 그의 작업실 모방자가 아니라 그리스 시대처럼 조형적이든 현대처럼 회화적이든 그의 예술 작품처럼 되는 사람, 한마디로 인생은 예술의 최고이며 예술의 유일한 제자입니다. The ancient Greeks, with their quick artistic instinct, understood this, and set in the bride’s chamber the statue of Hermes or of Apollo, that she might bear children as lovely as the works of art that she looked at in her rapture or her pain. They knew that Life gains from art not merely spirituality, depth of thought and feeling, soul-turmoil or soul-peace, but that she can form herself on the very lines and colours of art, and can reproduce the dignity of Pheidias as well as the grace of Praxiteles. Hence came their objection to realism. They disliked it on purely social grounds. They felt that it inevitably makes people ugly, and they were perfectly right. We try to improve the conditions of the race by means of good air, free sunlight, wholesome water, and hideous bare buildings for the better housing of the lower orders. But these things merely produce health, they do not produce beauty. For this, Art is required, and the true disciples of the great artist are not his studio-imitators but those who become like his works of art, be they plastic as in Greek days, or pictorial as in modern times; in a word, Life is Art’s best, Art’s only pupil.
설명:
이 구절에서 화자는 예술이 아름다움을 반영할 뿐만 아니라 실제 삶에서 아름다움을 낳을 수 있는 힘을 가지고 있다는 개념에 대해 이야기합니다. 이는 예술의 본질이 삶 자체를 형성할 수 있는 지배적인 힘이어야 한다는 화자의 중요한 가치와 일치합니다. 고대 그리스인들은 이 이데올로기의 모범으로 대화에 등장합니다. 그들은 예술이 단순한 건강이나 웰빙을 넘어 인간의 정신과 미학에 영향을 미칠 수 있는 잠재력을 인정했습니다. 사회 개선에 대한 공리주의적 접근과 예술의 보다 심오한 영향력 사이의 대조는 진정한 아름다움과 고양된 인간 조건은 물질이 아니라 예술이 부여하는 초월적 특성에서 나온다는 주장을 강조합니다. 이 구절은 사실주의가 삶을 너무 문자 그대로 표현함으로써 아름다움을 감소시켜 사회적으로 바람직하지 않다는 점을 시사하며 사실주의의 가치를 더욱 떨어뜨립니다.
비유와 사례:
관료들이 계획한 도시(깔끔하고 기능적이지만 개성이 전혀 없는 도시)와 파리나 베니스처럼 선각자와 예술가들이 만든 도시의 차이를 생각해 보세요. 전자의 경우 건물과 공원은 쉼터, 레크리에이션, 위생과 같은 실용적인 필요를 충족하기 위해 건설됩니다. 이는 마치 맛을 이해하지 못한 채 레시피를 엄격하게 따르는 요리와 같은 선형적인 접근 방식입니다. 최종 결과물에는 아무런 문제가 없지만 영혼이 부족합니다. 그러나 후자는 모든 다리, 모든 대로, 모든 건물이 단순한 실용성을 뛰어넘는 아름다움을 더해 거리를 걷고 그 공간에 사는 사람들이 세상에 대한 자신의 존재감을 고양하도록 초대하는 건축적 교향곡과 같은 창의성이 넘쳐나는 건축물로 지어졌습니다. 그리스에서 신성한 형상을 한 신상을 임산부가 볼 수 있는 곳에 두는 관습은 단순한 장식이 아니라 영적인 처방이었습니다. 그리스인들은 형이상학적인 차원에서 보는 아름다움이 태어나는 아름다움으로 이어질 수 있다고 믿었으며, 이러한 생각은 "형상을 품다"라는 관용구에도 반영되어 있습니다. 이는 마치 배우가 단순히 의상을 입는 것이 아니라 모든 동작에서 캐릭터를 구현하고, 매너와 자세를 취하여 역할과 분리할 수 없을 때까지 연기하는 것과 같습니다. 마찬가지로 삶에서의 예술적 구현은 외관에 그치지 않고 모든 틈새와 구석구석에 스며들어 일상적인 집안일부터 원대한 열정까지 모든 것에 영향을 미치고 고양시킵니다. 따라서 예술은 삶의 복도 벽에만 걸려 있는 것이 아니라 벽돌과 박격포가 되고, 방을 가득 채우는 공기가 되어 평범한 일상을 장엄한 것으로 변화시킵니다.
문장:
예술, 과학, 사회적 즐거움으로서의 거짓말의 쇠퇴. 고대 역사가들은 사실의 형식을 빌린 유쾌한 허구를 우리에게 선사했고, 현대 소설가는 허구를 가장한 지루한 사실을 우리에게 선사합니다. 블루북은 방법과 태도 모두에서 그의 이상이 되고 있습니다. 그는 현미경으로 들여다보는 지루한 <인간 문서>와 비참한 작은 <창조 동전>을 가지고 있습니다. 그는 국립도서관이나 대영박물관에서 뻔뻔하게 자신의 주제를 읽고 있는 모습을 볼 수 있습니다. 그는 다른 사람들의 생각에 대한 용기조차 없지만 모든 것에 대해 직접 삶으로 가기를 고집하며 궁극적으로 백과 사전과 개인적인 경험 사이에서 가족 서클이나 주간 세탁부로부터 자신의 유형을 도출하고 가장 명상적인 순간에도 결코 자신을 완전히 해방시킬 수없는 많은 유용한 정보를 얻었습니다. The decay of Lying as an art, a science, and a social pleasure. The ancient historians gave us delightful fiction in the form of fact; the modern novelist presents us with dull facts under the guise of fiction. The Blue-Book is rapidly becoming his ideal both for method and manner. He has his tedious _document humain_, his miserable little _coin de la création_, into which he peers with his microscope. He is to be found at the Librairie Nationale, or at the British Museum, shamelessly reading up his subject. He has not even the courage of other people’s ideas, but insists on going directly to life for everything, and ultimately, between encyclopædias and personal experience, he comes to the ground, having drawn his types from the family circle or from the weekly washerwoman, and having acquired an amount of useful information from which never, even in his most meditative moments, can he thoroughly free himself.
설명:
이 구절은 스토리텔링 영역에서 창의력과 상상력의 쇠퇴를 비판하며, 특히 예술적 진실보다 사실적 정확성에 더 관심이 있는 현대 작가들의 문자주의를 겨냥하고 있습니다. 화자는 평범한 현실에 허구의 덫을 씌우는 현대적 접근 방식이 아니라 고대 역사가들이 사실을 창의적으로 엮어 설득력 있는 이야기로 만들었던 거짓말의 예술이 사라진 것에 대해 한탄합니다. 문학이 진실의 한계에 얽매이지 않고 꾸밈과 날조로 찬사를 받던 시절에 대한 향수가 느껴집니다. 화자는 현대 작가들의 독창성 결여와 평범한 경험에 대한 의존을 비난하며, 위대한 예술은 일상적인 존재의 진부함으로부터 대담한 분리를 요구한다고 제안합니다.
비유와 사례:
상상력을 발휘해 독특하고 맛있는 요리를 만드는 대신 파스타 상자 뒷면에 적힌 레시피를 그대로 따라 하는 요리사를 상상해 보세요. 그가 만든 음식은 영양가는 있을지 모르지만 감각이나 독창성이 결여되어 있어 요리 예술이 아닌 실용적인 음식일 뿐입니다. 이 대상 기사의 화자는 예상치 못한 맛을 과감하게 조합하고, 기존의 레시피를 따르지 않고 새로운 레시피를 발명하는 셰프를 옹호합니다. 그들이 만드는 음식은 맛뿐만 아니라 그 개념과 표현의 독창성으로 감탄을 자아냅니다. 마찬가지로 이 요리사의 창의성은 장식과 이미지가 풍부한 화려한 이야기의 향연을 제공했던 고대 역사가들과 공명하는 반면, 현대 소설가는 쉽고 믿을 만하지만 궁극적으로 문학을 단순한 정보 제공이 아닌 변혁적인 경험으로 만드는 상상력이 부족한 미리 조리된 식사에 만족합니다.
문장:
예술이 삶을 모방하는 것보다 삶이 예술을 모방하는 것이 훨씬 더 많습니다. 우리 모두는 영국에서 상상력이 풍부한 두 화가가 발명하고 강조한 어떤 호기심 많고 매혹적인 유형의 아름다움이 삶에 얼마나 큰 영향을 미쳤는지, 개인 관람이나 예술적 살롱에 갈 때마다 로세티가 꿈꾸던 신비로운 눈, 긴 상아색 목을 볼 수 있는 것을 보았습니다, 이상한 사각턱, 그가 열렬히 사랑했던 느슨한 그림자 머리카락, '황금 계단'의 달콤한 처녀성, '라우스 아모리스'의 꽃 같은 입과 지친 사랑스러움, '안드로메다'의 열정적인 창백한 얼굴, '멀린의 꿈'의 비비안의 얇은 손과 가녀린 아름다움을 볼 수 있죠. ' Life imitates Art far more than Art imitates life. We have all seen in our own day in England how a certain curious and fascinating type of beauty, invented and emphasised by two imaginative painters, has so influenced Life that whenever one goes to a private view or to an artistic salon one sees, here the mystic eyes of Rossetti’s dream, the long ivory throat, the strange square-cut jaw, the loosened shadowy hair that he so ardently loved, there the sweet maidenhood of ‘The Golden Stair,’ the blossom-like mouth and weary loveliness of the ‘Laus Amoris,’ the passion-pale face of Andromeda, the thin hands and lithe beauty of the Vivian in ‘Merlin’s Dream.’
설명:
이 인용문은 예술이 삶을 반영한다는 일반적인 관념을 뒤집고 삶이 예술의 창조물을 복제하려 한다는 도발적인 생각을 제시합니다. 저자는 영국 사회에서 특정 그림의 미적 감성이 이러한 예술적 영향을 받은 실제 사람들에게서 나타나기 시작한 구체적인 사례에 대해 설명합니다. 예술은 가치, 이상, 비전을 현실에 투영하여 사회적 트렌드와 개인의 행동을 형성할 수 있는 능력을 가지고 있다는 것이 이 글의 기본 주장입니다. 화자는 예술이 수동적인 거울이 아니라 문화적, 심지어 물리적 변화의 능동적인 주체라고 주장합니다. 연사는 사람들이 자신을 바라보는 방식과 보여지기를 원하는 방식에 영향을 미치는 예술의 힘을 언급하면서 예술이 삶을 지배할 수 있는 강력하고 종종 무의식적인 방식을 조명합니다.
비유와 사례:
다른 세상의 평온함을 불러일으키는 곡을 작곡하는 음악가를 생각해 보세요. 이 음악이 널리 퍼져 사람들의 행동과 패션에 영향을 미치기 시작하고, 사회는 더 조용해지고 사색에 잠기며, 개인은 미묘하게 흐르는 듯한 옷을 입고, 심지어 건축도 평화롭고 넓은 느낌을 주는 디자인을 선호하기 시작한다고 상상해 보세요. 이는 모네의 그림 속 수련이 전 세계 정원 연못에 미친 영향과 비슷합니다. 수련은 모네 이전에는 전혀 알려지지 않았지만, 그의 '수련' 시리즈에서 불후의 명작이 된 이후 수많은 사람들이 자신의 뒷마당에 이 장면의 평온함을 재현하는 데 영감을 받았습니다. 수련 연못이 널리 퍼진 것은 단순히 자연의 일부였기 때문이 아니라, 한 예술가가 대중의 상상력을 사로잡는 방식으로 표현하고 그 비전을 재현하도록 영향을 주었기 때문입니다. 캔버스에 국한되었던 예술적 표현이 전 세계 곳곳에서 현실로 나타나기 시작하면서 예술의 영향력이 어떻게 삶의 태피스트리로까지 확장되어 일상적인 존재의 구조에 영향을 미칠 수 있는지를 보여주었습니다.
문장:
이 이론은 이전에 제시된 적이 없는 이론이지만 매우 유익하며, 예술의 역사에 완전히 새로운 빛을 던져줍니다. 이에 따라 외부의 자연도 예술을 모방한다는 결론이 도출됩니다. 그녀가 우리에게 보여줄 수 있는 유일한 효과는 우리가 이미 시나 그림에서 보았던 효과입니다. 이것이 자연의 매력의 비밀이자 자연의 약점에 대한 설명이기도 합니다. 지난 10 년 동안 런던의 기후에 일어난 놀라운 변화는 전적으로 특정 예술 학교 때문입니다. 당신은 미소 짓는다. 과학적 또는 형이상학 적 관점에서 문제를 고려하면 내가 옳다는 것을 알게 될 것입니다. Consider a musician whose compositions evoke an otherworldly tranquility. Imagine that this music becomes so pervasive that it begins to influence people's behavior and fashion; society becomes quieter, more reflective, individuals dress in ethereal, flowing garments, and even architecture starts favoring designs that elicit a sense of peace and spaciousness. This is akin to the impact of the lilies in Monet's paintings on garden ponds across the world. Water lilies were certainly not unknown before Monet, but the way they were immortalized in his 'Water Lilies' series inspired countless people to recreate the tranquility of these scenes in their own backyards. The water lily ponds spread far and wide not simply because they were a part of nature, but because an artist presented them in a way that captured the public's imagination and influenced them to replicate this vision. What was once canvas-bound artistic expression began sprouting in reality across the globe, demonstrating how art's reach can extend well into the tapestry of life itself, weaving its influence into the very fabric of everyday existence.
설명:
이 발췌문은 앞서 언급한 삶이 예술을 모방한다는 주제를 확장하여 자연 자체도 예술을 모방한다고 덧붙입니다. 화자는 우리가 자연의 아름다움을 인식하는 방식은 본질적으로 우리가 접한 예술적 묘사에 의해 전제된다는 것을 시사합니다. 여기에는 사회와 사람뿐만 아니라 자연도 예술적 시각을 통해 바라본다는 심오한 함의가 담겨 있습니다. 이러한 주장의 강도는 예술을 단순히 세상을 해석하는 거울이나 렌즈가 아니라 세상을 재정의하고 재구성하는 창조적 힘으로 인식하게 합니다. 이는 예술의 힘과 영향력을 거의 신과 같은 지위로 끌어올려 예술이 런던과 같은 도시의 기후까지 바꿀 수 있는 능력에 기인하는 것으로, 예술의 전방위적 영향력을 강조하기 위한 과장된 표현으로 보일 수 있습니다.
비유와 사례:
이 개념을 더 잘 이해하기 위해 파란색이 평범하고 흔한 색으로 여겨지는 세상을 상상해 볼 수 있습니다. 그런 다음 눈부신 푸른 하늘과 바다를 그린 그림으로 대중을 사로잡는 화가가 등장합니다. 사람들은 파란색을 더 이상 단순한 색이 아닌 경이로움과 가능성으로 가득 찬 색으로 보고 경험하기 시작했습니다. 이는 색의 본질이 바뀌었기 때문이 아니라 예술가가 색에 대한 사람들의 인식을 바꿨기 때문입니다. 좀 더 문자 그대로의 의미에서, 카리스마 넘치는 정원사가 회색빛 산업 도시 전체에 무성한 녹지를 조성하기로 결정했다고 가정해 보겠습니다. 이 녹색 혁명이 시작되면 사람들은 단순히 결과만 보는 것이 아니라 환경의 변화를 경험하게 됩니다. 녹지의 증가로 인해 날씨 패턴이 바뀌고, 에메랄드빛 공원과 도로로 유명한 도시가 되었습니다. 이러한 도시 경관의 물리적 변화는 기후에 가시적인 영향을 미치지만, 초기 변화는 텍스트에서 예술이 가진 변혁의 힘과 마찬가지로 인간의 창의적인 행위에서 촉발되었습니다. 도시의 녹화는 예술이 우리의 인식뿐만 아니라 우리가 살고 있는 현실 자체를 변화시켜 예술이 자연의 구조 자체에 영향을 미칠 수 있고 실제로 영향을 미친다는 저자의 주장을 대변합니다.
문장:
예술은 비현실적이고 존재하지 않는 것을 다루는 순전히 상상력이 풍부하고 즐거운 작품으로 추상적인 장식에서 시작됩니다. 이것이 첫 번째 단계입니다. 그런 다음 삶은 이 새로운 경이로움에 매료되어 매혹적인 서클에 들어가기를 요청합니다. 예술은 생명을 거친 재료의 일부로 삼아 재창조하고 새로운 형태로 재탄생시키며, 사실에 절대적으로 무관심하고, 발명하고, 상상하고, 꿈꾸며, 자신과 현실 사이에 아름다운 스타일, 장식적 또는 이상적인 치료의 뚫을 수 없는 장벽을 유지합니다. 세 번째 단계는 삶이 우위를 점하고 예술을 광야로 몰아내는 단계입니다. 이것이 진정한 퇴폐이며, 우리가 지금 고통 받고 있는 것은 바로 이것 때문입니다. To better grasp this concept, we can imagine a world where the color blue is considered mundane and commonplace. Then, an artist emerges whose paintings of dazzling azure skies and seas captivate the public. Soon, people start to see and experience the color blue differently; it is no longer just another color, but a hue filled with wonder and possibility. This is not because the nature of the color has changed, but because the artist has altered people's perception of it. In a more literal sense, suppose a charismatic gardener decides to cultivate lush greenery all over a gray, industrial city. As this green revolution catches on, people don't just see the results; they experience a transformation in their environment. Weather patterns shift due to the increased greenery, and the city is now known for its emerald parks and avenues. While this physical transformation of the cityscape does tangibly affect the climate, the initial change was sparked by an act of human creativity, akin to the transformative power attributed to art in the text. The greening of the city represents what the author asserts about art—it changes not only our perception but the very reality we inhabit, echoing the notion that art can and does influence the fabric of nature itself.
설명:
이 구절에서 화자는 예술이 진화하는 과정과 삶과의 관계에 대해 3단계로 설명합니다. 처음에 예술은 추상적이고 현실과 분리되어 상상과 존재하지 않는 것에서 기쁨을 얻습니다. 두 번째 단계에서는 삶이 예술에 매료되어 포용을 추구하게 되고, 예술은 삶을 통합하지만 여전히 일상에 예술적 베일을 씌워 인식할 수 없을 정도로 향상시키고 아름답게 만듭니다. 마지막 단계에서 삶이 지배하기 시작하면 예술은 상상력의 자유를 잃고 무의미한 존재로 추방됩니다. 이 내러티브는 실제 삶의 재현을 지나치게 강조함으로써 추방된 예술의 현재 상태에 대한 화자의 한탄을 나타냅니다. 여기서 '퇴폐'라는 용어는 도덕적 또는 문화적 쇠퇴의 의미가 아니라 예술의 미묘한 가치를 부여하는 환상적이고 몽환적인 특성의 상실로서 예술적 품질의 쇠퇴를 의미할 가능성이 높습니다.
비유와 사례:
요리 예술에서 셰프가 시각적으로 놀랍고 창의적인 맛의 기발한 요리를 만드는 것으로 시작한다고 상상해 보세요. 이 첫 번째 단계에서는 상상도 못했던 요리로 손님들의 입맛을 사로잡습니다. 그런 다음, 고객들은 자신의 전통 음식에서 영감을 받았지만 셰프의 비전을 통해 한층 더 업그레이드된 요리를 원하며, 익숙한 재료와 새로운 기법 및 프레젠테이션의 융합으로 이어집니다. 하지만 시간이 지나면서 소비자는 꾸밈없는 소박한 가정식을 선호하며 메뉴를 지시하기 시작하고, 셰프는 일반적인 기대에 부응할 수밖에 없어 레스토랑은 고유의 요리 예술성을 잃게 됩니다. 이 우화는 예술의 발전과 궁극적인 '퇴폐'에 대한 화자의 관점과 유사하며, 셰프의 창의적인 요리가 단순한 음식 준비로 축소되는 것을 반영하여 삶의 평범함이 상상력을 가릴 때 예술적 감각과 독창성을 잃는다는 점을 강조합니다.
문장:
천체 효과, 정교한 원근법, 넓게 펼쳐진 폐허의 하늘, 충실하고 힘든 사실주의를 갖춘 현대 태피스트리에는 아름다움이 전혀 없습니다. 독일의 그림 유리는 절대적으로 혐오 스럽습니다. 우리는 영국에서 가능한 카펫을 짜기 시작했지만 동양의 방법과 정신으로 돌아 왔기 때문입니다. 20 년 전의 우리의 양탄자와 카펫은 엄숙하고 우울한 진실, 자연에 대한 무의미한 숭배, 눈에 보이는 물체의 지저분한 재현으로 블레셋 인에게도 웃음의 원천이되었습니다. 한 교양 있는 마호메트인이 우리에게 "너희 기독교인들은 제4계명을 잘못 해석하는 데만 몰두할 뿐, 제2계명을 예술적으로 응용할 생각은 전혀 하지 않고 있다"고 말한 적이 있습니다. 그의 말은 완전히 옳았고, 문제의 핵심은 바로 이것입니다: 예술을 배우기에 적합한 학교는 삶이 아니라 예술입니다." Imagine if in the culinary arts, a chef begins by creating whimsical dishes that are visually stunning and inventive in taste. This first stage captivates diners with meals they’ve never imagined. Then, seeing their allure, patrons want dishes inspired by their own traditional meals but elevated through the chef's vision, leading into a fusion of familiar ingredients with new techniques and presentations. However, as time passes, consumers start dictating the menu with a preference for straightforward, unembellished home cooking, forcing the chef to conform to commonplace expectations, and thus the restaurant loses its unique culinary artistry. This allegory is akin to the speaker’s view on art’s progression and its eventual ‘decadence’, which mirrors the reduction of the chef’s creative cooking to mere food preparation, highlighting the loss of artistic flair and ingenuity when life's ordinariness overshadows imagination.
설명:
이 인용문은 태피스트리와 장식용 유리 예술의 사실주의 경향을 폄하하며, 화자가 사실주의보다는 추상화와 상상적 표현에 치우친 동양의 우수한 태피스트리 제작 전통을 부정적으로 보는 것과 대조적으로 표현하고 있습니다. 화자는 예술에서 문자 그대로의 묘사에 대한 현대의 선호가 예술의 본질과 목적에 대한 오해라고 비판하며, 이전의 예술적 표현이 마련한 토대를 통해 예술을 연구하고 창작하는 것으로 돌아갈 것을 주장합니다. 이 견해는 삶을 더하거나 고양시키지 않고 단순히 모방하는 예술에 대한 화자의 경멸을 반복하며, 관찰 가능한 세계의 노예적인 재현보다 예술적 전통의 축적된 지혜를 중시하는 예술 자체에서 예술을 배우는 것을 옹호합니다.
비유와 사례:
이를 다른 맥락에서 설명하기 위해 예술을 하나의 언어라고 상상해 보세요. 처음에 이 언어는 셰익스피어나 낭만주의 시인들이 영어를 쓰는 방식과 마찬가지로 은유와 시로 가득 차 있었습니다. 하지만 시간이 지나면서 사람들은 발라드 대신 사업 보고서, 소네트 대신 사용 설명서처럼 화려하지 않으면서도 요점을 전달할 수 있는 단순하고 직설적인 말을 선호하기 시작했다고 상상해 보세요. 과거의 화려한 언어는 일상적인 대화에 비해 지나치게 '비현실적'인 것으로 여겨지기 시작했습니다. 하지만 과거의 언어를 수용하고 연구하기로 결심하고 그 안에서 현대 언어에 부족한 깊이와 표현력을 발견한 사람들을 상상해 보세요. 그들은 이 풍부하고 오래된 스타일로 글을 쓰고 말하기 시작하는데, 어떤 사람들에게는 구식으로 보이지만 많은 사람들에게는 현대의 '현실적인' 언어가 결코 포착할 수 없는 아름다움과 복잡성을 드러냅니다. 이것이 바로 일상의 언어가 아닌 예술적 전통의 언어, 즉 진정한 예술 학교를 위한 화자의 주장의 핵심입니다.
문장:
절대적으로 비난받을 수 없는 유일한 거짓말의 형태는 자기 자신을 위한 거짓말이며, 이것의 가장 높은 발전은 이미 지적했듯이 예술에서의 거짓말입니다. 플라톤을 진리보다 더 사랑하지 않는 사람이 아카데미의 문턱을 넘을 수 없듯이, 아름다움을 진리보다 더 사랑하지 않는 사람은 예술의 가장 깊은 신전을 결코 알 수 없습니다. 견고하고 단단한 영국의 지성은 플로베르의 경이로운 이야기에 나오는 스핑크스처럼 사막의 모래밭에 누워 있고, 환상인 <라 시메르>가 그 주변에서 춤을 추며 가녀린 피리 소리로 부르고 있다. 지금은 들리지 않을지 모르지만, 언젠가 우리 모두가 현대 소설의 평범한 캐릭터에 지루해 죽을 때쯤에는 분명 그 목소리에 귀를 기울이고 날개를 빌려주려 할 것입니다. The only form of lying that is absolutely beyond reproach is lying for its own sake, and the highest development of this is, as we have already pointed out, Lying in Art. Just as those who do not love Plato more than Truth cannot pass beyond the threshold of the Academe, so those who do not love Beauty more than Truth never know the inmost shrine of Art. The solid stolid British intellect lies in the desert sands like the Sphinx in Flaubert’s marvellous tale, and fantasy, _La Chimère_, dances round it, and calls to it with her false, flute-toned voice. It may not hear her now, but surely some day, when we are all bored to death with the commonplace character of modern fiction, it will hearken to her and try to borrow her wings.
설명:
이 부분에서는 예술이 비진실을 바탕으로 번성한다는 생각을 더 깊이 파고들어 아름다움과 예술적 표현을 위해 거짓말을 하는 행위를 고양시킵니다. 화자는 이러한 종류의 거짓말이 의심의 여지가 없을 뿐만 아니라 예술이 진정으로 무엇인지 핵심을 꿰뚫기 위해 필요하다고 생각합니다. 이러한 이해를 진리보다 플라톤에 대한 감상과 연관시킴으로써, 작가는 아름다움에 대한 사랑을 진리 추구보다 더 높은 목표로 삼는 철학적 입장을 취합니다. 영국 지성을 스핑크스로, 판타지를 상상의 영역으로 유인하는 키메라로 비유한 것은 지적인 삶을 풍요롭게 하는 판타지의 역할을 인정할 것을 요구합니다. 예술이 말하는 거짓말을 기꺼이 믿지 않는다면 예술이 제공하는 깊이와 매혹을 제대로 이해할 수 없다는 교훈은 분명합니다.
비유와 사례:
방대하고 철저한 백과사전처럼 모든 사실과 수치가 정확하게 분류되어 있는 세상이 있다고 상상해 보세요. 그런 세상에서 사는 것은 정확성, 실용적인 지식, 객관적인 진실을 강조합니다. 그러나 다락방에는 푸른 태양, 은빛 잎이 달린 나무, 꿈속의 풍경 등 실재하지 않는 거친 붓질로 그려진 캔버스가 놓여 있습니다. 이 그림은 실재하는 어떤 것도 표현하지 않았기 때문에 거짓, 즉 거짓으로 무시됩니다. 하지만 이 구체적인 진실의 영역에서도 이 다른 세계의 풍경이 주는 불가해한 부름에 이끌려 다락방으로 올라가는 사람들이 있습니다. 그들은 캔버스가 정신이 아닌 영혼에 말을 거는 다른 종류의 진리, 즉 경이로움과 아름다움에 대한 인간의 가장 깊은 욕망과 공명하는 진리를 담고 있다는 것을 이해합니다. 이 캔버스는 화자가 옹호하는 예술의 거짓말, 즉 경험적인 것의 제약을 받지 않는 현실을 상상하는 본질적인 거짓말을 상징하며, 지성이 날개를 펴고 문자 그대로의 사실성이라는 메마른 사막 너머의 영역을 탐험하도록 초대합니다.
문장:
누가 일관성을 원할까요? 우둔하고 교조적인 사람, 자신의 원칙을 끝까지 실천하는 지루한 사람, 실천의 '부조리한 환원(reductio ad absurdum)'을 추구하는 사람. 저는 아닙니다. 에머슨처럼 저는 제 서재 문 위에 '변덕'이라는 단어를 써 붙였습니다. 게다가 제 글은 정말 유익하고 가치 있는 경고입니다. 주의를 기울인다면 새로운 예술의 르네상스가 올지도 모릅니다. Who wants to be consistent? The dullard and the doctrinaire, the tedious people who carry out their principles to the bitter end of action, to the _reductio ad absurdum_ of practice. Not I. Like Emerson, I write over the door of my library the word ‘Whim.’ Besides, my article is really a most salutary and valuable warning. If it is attended to, there may be a new Renaissance of Art.
설명:
이 섹션에서 연사는 생각과 행동의 일관성이라는 가치에 도전하며, 원칙에 대한 경직된 고수가 지혜가 아닌 부조리를 초래할 수 있음을 시사합니다. 여기서 '변덕'이라는 단어로 상징되는 창의성과 혁신은 일관성보다 우위에 있습니다. 즉흥적인 영감을 선호한다고 선언한 연사는 예술적 진화와 새로운 예술 르네상스의 원동력으로서 사고의 유동성과 가변성을 주장한 것으로 보입니다. '르네상스'라는 용어는 재생이라는 개념을 떠올리게 하며, 화자의 견해가 수용된다면 예술계에 중대한 변화를 불러일으킬 수 있음을 암시합니다.
비유와 사례:
여러 세대에 걸쳐 손대지 않고 전해 내려오는 고전적인 요리법으로 잘 알려진 요리사가 있다고 상상해 보세요. 그런데 놀랍게도 어느 날 그는 기존의 레시피를 버리고 즉흥적으로 요리를 만들기로 결심합니다. 그 결과 전통적인 요리 논리에 맞지 않는 색다른 재료를 섞어 매우 창의적인 요리를 만들어 냅니다. 그의 주방은 일관성이 아니라 감각을 자극하는 예상치 못한 즐거움으로 유명한 화려하고 즉흥적인 창의성의 장소가 됩니다. 마찬가지로 연사는 예측 불가능성의 중요성과 창의성에 대한 가변적이고 유연한 접근 방식의 고양을 암시하며, 자유가 관습을 지배하고 아이디어의 자발적인 연소를 통해 예술이 번성하는 지적이고 창의적인 공간을 옹호합니다.
문장:
생각은 세상에서 가장 건강에 해로운 것이며, 사람들은 다른 질병으로 죽는 것과 마찬가지로 생각으로 죽습니다. 다행히도 영국에서는 생각에 사로잡히지 않습니다. 우리의 훌륭한 체격은 전적으로 우리 민족의 어리석음 때문이죠. 나는 우리가 이 위대한 역사적 행복의 보루를 앞으로도 오래도록 지킬 수 있기를 바랄 뿐이지만, 나는 우리가 지나치게 교육받기 시작했고, 적어도 배울 능력이 없는 사람은 모두 가르치는 일을 하게 되었으니, 교육에 대한 우리의 열정이 정말 그렇게 된 것이 두렵다. Thinking is the most unhealthy thing in the world, and people die of it just as they die of any other disease. Fortunately, in England at any rate, thought is not catching. Our splendid physique as a people is entirely due to our national stupidity. I only hope we shall be able to keep this great historic bulwark of our happiness for many years to come; but I am afraid that we are beginning to be over-educated; at least everybody who is incapable of learning has taken to teaching—that is really what our enthusiasm for education has come to.
설명:
이 시에서 화자는 풍자적인 어조로 이성적 사고와 교육에 대한 과대평가를 비판하며, 이를 유머러스하게 질병과 동일시합니다. 사상을 건강에 해로운 것으로, 교육을 배울 수 없는 사람들이 가르치는 부조리한 상태에 도달한 것으로 묘사하는 것은 교육 시스템과 지적 규범에 대한 깊은 회의감을 반영합니다. 영국의 '체격'과 행복을 지탱하는 '국민적 어리석음'에 대한 언급은 반지성주의에 대한 조롱이자 행복한 무지에 대한 찬사로, 지나치게 진지한 사람들이 간과하는 생각의 부족에 가치가 있을 수 있음을 암시합니다.
비유와 사례:
모든 꽃이 똑같이 보이도록 가지치기를 하고 모양을 만드는 정원을 생각해 보세요. 정원사는 이 한 가지 재배 방법만 배웠기 때문에 기술은 익혔지만 정원을 이해하지 못합니다. 어느 날 전통적인 정원 가꾸기에 무지한 사람이 들어와 정원을 야생으로 가꾸기 시작합니다. 이 훈련되지 않은 접근 방식은 무성하고 활기찬 정원으로 이어져 길들여지지 않은 아름다움으로 모두를 놀라게 합니다. 이는 과잉 교육과 타고난 재능의 억압에 대한 화자의 견해를 은유적으로 표현한 것입니다. 창의성과 혁신은 잘 가르친 암기식 교육에서 항상 발견되는 것이 아니라 훈련받지 않고 기발하게 창조하는 사람들의 무한한 놀이터에서 종종 발견되는 것처럼, 아름다운 정원은 세심하게 가꾸기보다는 방치와 우연에서 비롯될 수 있다고 생각합니다.
문장:
이런 책이 나올 수 있는 곳은 영국뿐이다. 영국은 잃어버린 아이디어의 본고장입니다. 동쪽 끝에서 항상 해가 뜨는 그 위대하고 날로 증가하는 소설가 학교에 관해서는, 그들에 대해 말할 수 있는 유일한 것은 그들이 삶을 조잡하게 발견하고 날것으로 남겨둔다는 것입니다. It is only in England that such a book could be produced. England is the home of lost ideas. As for that great and daily increasing school of novelists for whom the sun always rises in the East-End, the only thing that can be said about them is that they find life crude, and leave it raw.
설명:
이 문장은 영국의 문화와 문학적 풍토를 다소 역설적으로 표현한 것으로, 훌륭하지만 인정받지 못하거나 '잃어버린' 아이디어의 발상지라는 의미를 담고 있습니다. 이는 삶을 가장 날것 그대로의 정제되지 않은 형태로 표현하는 데 지나치게 집중하여 현실을 그 이상의 것으로 변화시키거나 문학 세계에 흔적을 남기지 못하는 영국 작가들에 대한 비판입니다. 이 견해는 삶의 평범함을 초월하지 못하는 교구적이고 투박한 리얼리즘을 경멸하며, 영문학에서 인간의 조건을 단순히 묘사하는 데 그치지 않고 고양시키는 보다 변혁적인 비전이 필요함을 시사합니다.
비유와 사례:
개인적인 해석이나 혁신 없이 클래식 히트곡을 한 음 한 음 꼼꼼하게 복제하는 커버곡만 연주하는 밴드를 상상해 보세요. 이 밴드는 복제에 능숙하지만 독창적인 음악을 만들어내지 못하기 때문에 음악계에 독특한 흔적을 남기지 못합니다. 이와는 대조적으로, 같은 클래식에서 영감을 받았지만 스타일을 실험하고 자신의 인생 경험을 통합하여 궁극적으로 새롭고 활기찬 작품을 작곡하는 밴드를 생각해 보세요. 이 영국 소설가들에 대한 화자의 비판적 시각은 현실의 삭막함을 반영하는 데만 열중하여 자신의 영혼이 담긴 음악을 작곡하는 것을 잊어버린 전자의 밴드와 비슷합니다. 이러한 혁신 정신이 없다면 문학과 음악 모두 생존과 진화에 필수적인 신선한 아이디어를 잃어버린 채 무미건조한 반향실이 될 위험에 직면하게 됩니다.
