발터 벤야민: 그냥 복붙하면 되는데 예술이 뭔 의미야?
<기술복제시대의 예술작품>, '아우라'라는 독창적 개념의 아우라에 관하여
들어가며.
몇 번의 키 입력으로 모나리자의 이미지를 불러올 수 있고 반 고흐의 명작을 백만 개의 커피 머그잔에 복제할 수 있는 시대에 예술의 진정한 본질은 무엇일까요? 독일의 선구적인 철학자 발터 벤야민이 기계 복제의 시대에 예술이 변화하는 미로를 헤쳐나가는 과정을 살펴보세요. 그의 통찰은 단순한 학문적 탐구가 아니라 예술, 문화의 과거, 현재, 미래와 기술과의 교차점을 함께 엮어낸 생생한 이해의 산물입니다.
벤야민의 논문의 중심에는 심오한 질문이 있습니다: 예술을 무한히 복제할 수 있는 세상에서 예술은 영혼, 즉 '아우라'를 잃고 있는 것일까요? 고대 사원 앞에 서서 수세기에 걸친 세월의 무게를 발밑에서 느낀다고 상상해 보세요. 이 아우라, 즉 시간과 공간에 존재하는 사원의 고유한 존재는 대체할 수 없습니다. 하지만 사진, 엽서, 가상 투어로 재현하면 어떤 일이 벌어질까요? 원래의 사원은 그대로 남아 있지만 그 의미는 진화합니다. 이 여정을 시작할 준비가 된 독자들에게 "기계복제 시대의 예술 작품"은 단순한 에세이가 아닙니다. 이 책은 현대 문화의 미로를 안내하는 나침반과도 같습니다. 이 책을 읽다 보면 깊이 있는 철학적 성찰, 매혹적인 은유, 예술과 그 복제품을 새롭게 명료하고 경이롭게 인식하라는 요청을 만나게 될 것입니다.
왜 이 글을 읽어야 할까요? 볼 때마다 새로운 디테일이 드러나는 명화처럼 벤야민의 작품은 현대 미디어 환경의 복잡한 층위를 파악할 수 있는 도구를 제공하기 때문입니다. 재현된 모든 예술 작품과 모든 영화 릴에는 예술 작품뿐만 아니라 사회, 정치, 인간 조건에 대한 이야기가 담겨 있습니다. 이 책의 본문을 읽다 보면 각 단락이 벤야민의 붓질로, 각 섹션이 그의 철학의 팔레트가 되어 극적인 변화를 겪고 있는 세상을 반영합니다. 정보와 이미지가 넘쳐나는 세상에서 벤야민과 함께 우리가 보는 것뿐만 아니라 그것을 보는 방법과 이유를 이해하는 데 도움이 되는 가이드를 만나보세요. 벤야민의 사상에 깊이 빠져들어 그의 생각의 파문이 여러분의 인식에 도전하고 매혹시키도록 하세요.
Part 1.
위의 다이어그램은 텍스트의 주요 아이디어와 개념, 그리고 그 관계를 보여줍니다. 미술의 변화에 대한 발레리의 진술에서 시작된 이 도표는 기술의 발전과 그 적응성 및 정밀성이 어떻게 예술적 발명의 변화로 이어지고 있는지를 보여줍니다. 이러한 예술 개념의 변화는 현대의 지식과 힘의 영향을 받고 있는 예술의 물리적 요소에도 영향을 미칩니다. 물질, 공간, 시간에 대한 이러한 인식의 변화는 예술 기법의 혁신으로 이어지고 있습니다. 자본주의적 생산 방식을 비판한 마르크스의 역할도 도표에 나와 있습니다. 그의 비판은 프롤레타리아트의 미래 착취와 자본주의의 잠재적 폐지를 예측하는 예지적 가치를 지니고 있었습니다. 이러한 변화는 생산 조건을 변화시키고 있으며, 이는 상부 구조와 하부 구조의 개념으로 묘사되는 문화적 조건의 변화로 이어집니다.
이 다이어그램은 또한 재현성의 개념과 역사적으로 발전한 복제, 특히 기계 복제의 출현이 인쇄술로 인한 문학의 변화를 어떻게 이끌어냈는지를 보여줍니다. 이러한 사진의 역할은 그림 복제를 더욱 가속화했습니다. 마지막으로, 이 다이어그램은 아우라의 쇠퇴가 사물의 재현을 통해 사물에 더 가까이 다가가려는 욕구와 함께 인간의 감각 인식에 어떤 변화를 가져왔는지 보여줍니다. 그 결과 고유성과 영속성이 상실되어 '사물의 보편적 동일성'이라는 개념이 나타나게 되었습니다. 도표의 마지막 부분은 예술 작품의 고유성과 전통의 구조에 포함되는 것에 초점을 맞추고 있습니다. 제의가 예술에 미친 영향과 기계 복제 시대에 예술이 어떻게 변모했는지를 보여줍니다. 재현성을 위해 설계된 예술이 어떻게 예술에서 제의에서 정치로의 전환을 가져왔는지 보여줍니다.
우리의 미술은 현재와는 매우 다른 시대에 사물에 작용하는 힘이 우리에 비해 미미했던 사람들에 의해 개발되었고, 그 종류와 용도가 확립되었습니다. 그러나 우리 기술의 놀라운 성장, 적응력과 정밀성, 아이디어와 습관으로 인해 고대 아름다운 공예에 심오한 변화가 임박했다는 것은 확실합니다.
Our fine arts were developed, their types and uses were established, in times very different from the present, by men whose power of action upon things was insignificant in comparison with ours. But the amazing growth of our techniques, the adaptability and precision they have attained, the ideas and habits they are creating, make it a certainty that profound changes are impending in the ancient craft of the Beautiful.
이 인용문은 기술 발전으로 인해 급격하게 변화하는 미술의 지형에 대한 화자의 인식을 잘 보여줍니다. 예술, 기술, 사회 간의 상호 작용에 대한 깊은 인식을 시사합니다.
지난 20년 동안 물질도, 공간도, 시간도 태고의 그것과 같지 않았습니다. 우리는 예술의 전체 기술을 변화시켜 예술적 발명 자체에 영향을 미치고 심지어 예술에 대한 우리의 개념에 놀라운 변화를 가져올 위대한 혁신을 기대해야 합니다.
For the last twenty years neither matter nor space nor time has been what it was from time immemorial. We must expect great innovations to transform the entire technique of the arts, thereby affecting artistic invention itself and perhaps even bringing about an amazing change in our very notion of art.
연사는 시간과 공간을 가변적인 실체라는 개념을 불러일으키며 기존의 관념에 도전합니다. 이는 과학적 지식과 철학적 호기심의 조화를 반영하여 세상에 대한 폭넓은 이해를 보여줍니다.
하지만 리소그래피는 발명된 지 불과 수십 년 만에 사진에 밀려났습니다. 사진은 그림의 재현 과정에서 처음으로 가장 중요한 예술적 기능에서 손을 떼고 렌즈를 들여다보는 눈에만 의존하게 되었습니다.
But only a few decades after its invention, lithography was surpassed by photography. For the first time in the process of pictorial reproduction, photography freed the hand of the most important artistic functions which henceforth devolved only upon the eye looking into a lens.
이 인용문은 예술 기법의 역사적 발전과 기술 진화의 영향에 대한 화자의 이해를 반영합니다. 혁신의 변혁적 힘에 대한 믿음을 암시합니다.
예술 작품을 가장 완벽하게 재현한 작품도 한 가지 요소, 즉 시간과 공간에서의 존재감, 즉 그 작품이 있는 장소에서의 고유한 존재감이 부족합니다.
Even the most perfect reproduction of a work of art is lacking in one element: its presence in time and space, its unique existence at the place where it happens to be.
여기서 화자는 독창적인 예술의 고유한 가치와 대체 불가능한 본질을 강조하며, 창작 과정과 모든 예술 작품의 고유한 본질에 대한 깊은 존중을 나타냅니다. 이 인용문은 재현성보다 진정성과 독창성을 중시하는 철학을 반영합니다.
성당은 그 장소를 떠나 예술 애호가의 스튜디오에서 감상하고, 강당이나 야외에서 공연된 합창 공연은 안방에서 울려 퍼집니다.
The cathedral leaves its locale to be received in the studio of a lover of art; the choral production, performed in an auditorium or in the open air, resounds in the drawing room.
연사는 생생한 은유를 사용하여 예술의 기계적 복제가 가져오는 변화의 영향을 설명합니다. 이는 기술이 예술을 다양한 공간으로 가져올 수 있지만, 예술의 본질적인 가치와 아우라를 변화시킨다는 발표자의 믿음을 보여줍니다.
누군가는 제거된 요소를 '아우라'라는 용어로 대체하고 기계복제 시대에 시들어가는 것이 예술 작품의 아우라라고 말할 수 있습니다.
One might subsume the eliminated element in the term "aura” and go on to say: that which withers in the age of mechanical reproduction is the aura of the work of art.
발표자는 '아우라'라는 개념을 도입하여 복제의 과정에서 사라지는 예술 작품의 고유한 존재감이나 정신을 설명합니다. 이는 예술의 철학적, 정서적 차원에 대한 깊은 이해를 반영합니다.
위에서 역사적 대상과 관련하여 제안한 아우라의 개념은 자연적 대상의 아우라와 관련하여 유용하게 설명 될 수 있습니다. 우리는 후자의 아우라를 아무리 가까워도 거리에서 느껴지는 독특한 현상으로 정의합니다.
The concept of aura which was proposed above with reference to historical objects may usefully be illustrated with reference to the aura of natural ones. We define the aura of the latter as the unique phenomenon of a distance, however close it may be.
이 인용문은 작가가 아우라의 개념을 설명하기 위해 자연을 사용하여 예술, 철학 및 자연 과학을 통합하는 학제 간 사고에 대한 성향을 보여줍니다.
사물의 진정성은 그 사물의 실질적인 기간부터 그 사물이 경험한 역사에 대한 증언에 이르기까지 처음부터 전달할 수 있는 모든 것의 본질입니다.
The authenticity of a thing is the essence of all that is transmissible from its beginning, ranging from its substantive duration to its testimony to the history which it has experienced.
이 인용문은 화자가 예술 작품의 가치를 정의하는 데 있어 진위성과 역사적 맥락의 중요성을 강조하며 역사와 독창성에 대한 깊은 존중을 보여줍니다.
예술 작품의 고유성은 전통의 구조에 내재되어 있다는 점과 분리할 수 없습니다.
The uniqueness of a work of art is inseparable from its being imbedded in the fabric of tradition.
여기서 화자는 예술과 전통을 연결하여 문화유산과 예술적 표현 사이의 지속적인 관계에 대한 믿음을 나타냅니다. 이는 예술의 세계에서 역사적 맥락의 중요성을 존중하고 인정하는 세계관을 보여줍니다.
세계 역사상 처음으로 기계적 복제가 예술 작품을 제의에 기생하던 의존성에서 해방시켰습니다.
For the first time in world history, mechanical reproduction emancipates the work of art from its parasitical dependence on ritual.
이 강력한 진술에서 화자는 제의적 전통의 제약으로부터 예술에 대한 기계적 복제의 해방 효과를 인식하고 있습니다. 이는 기술의 혁신적 힘을 포용하는 미래지향적 관점을 반영합니다.
Part 2.
이 책에서 저자는 사진과 영화의 진화, 그리고 이러한 형태의 미디어가 예술에 대한 우리의 인식을 어떻게 크게 변화시켰는지에 대해 이야기합니다. 저자는 사진이 '컬트적 가치'에서 '전시적 가치'로 변화한 것을 강조하며, 사진이 '정치적 의미'를 지닌 '역사적 증거'가 된 전환점으로 아겟의 버려진 거리 사진을 예로 들어 설명합니다. 이와 함께 예술 작품이나 창작자가 지닌 독특한 존재감이나 분위기인 '아우라'의 개념과 그것이 영화의 기계적 재현 과정에서 어떻게 소실되는지 살펴봄으로써 예술을 인식하고 평가하는 방식에 변화를 가져왔는지를 살펴봅니다.
저자는 영화의 세계에서 카메라 앞에서 배우의 연기가 어떻게 변모하는지, 그리고 이로 인해 배우가 더 이상 라이브 관객 앞에서 연기를 하는 것이 아니라 기계 장치 앞에서 연기를 하는 것이 되면서 '아우라'가 어떻게 상실되는지에 대해 주목합니다. 이러한 공연 역학의 변화로 인해 관객은 참여자가 아닌 카메라의 관점에서 작품을 바라보는 비평가가 될 수 있습니다. 또한 저자는 상품으로서의 '영화 스타'의 부상과 이것이 예술에 대한 전통적인 개념에 어떻게 도전하는지에 대해 논의합니다. 마지막으로 문학에 대한 논의와 전문화된 작업 과정으로 인해 현대 독자가 어떻게 작가가 될 수 있는 잠재력을 가지고 있는지, 따라서 작가와 대중 사이의 경계가 어떻게 모호해지는지에 대해 이야기합니다.
사진에서는 전시 가치가 컬트적 가치를 대체하기 시작했습니다. 그러나 컬트적 가치는 저항 없이 양보하지 않습니다. 그것은 인간의 얼굴이라는 궁극적인 축소로 물러납니다. 초상화가 초기 사진의 초점이 된 것은 우연이 아닙니다. 부재 중이거나 죽은 사랑하는 사람을 기억하는 숭배는 사진의 숭배적 가치에 대한 마지막 피난처를 제공합니다. 초기 사진에서 마지막으로 아우라는 사람의 얼굴의 찰나적인 표정에서 발산됩니다.
In photography, exhibition value begins to displace cult value all along the line. But cult value does not give way without resistance. It retires into an ultimate retrenchment: the human countenance. It is no accident that the portrait was the focal point of early photography. The cult of remembrance of loved ones, absent or dead, offers a last refuge for the cult value of the picture. For the last time the aura emanates from the early photographs in the fleeting expression of a human face.
저자는 사진에서 컬트적 가치에서 전시적 가치로의 전환은 중요한 문화적 변화를 의미한다고 주장합니다. 이러한 철학은 망각의 어둠에 저항하는 불꽃과 같이 의미를 전달하는 인간의 얼굴의 힘과 기억 보존의 고유한 가치에 대한 그의 믿음을 강조합니다.
Atget을 통해 사진은 역사적 사건에 대한 표준 증거가 되고 숨겨진 정치적 의미를 획득합니다. 사진에는 특정한 종류의 접근 방식이 필요하며, 자유분방한 관조는 적절하지 않습니다. 사진은 보는 사람을 자극하고 새로운 방식으로 도전을 느끼게 합니다.
With Atget, photographs become standard evidence for historical occurrences, and acquire a hidden political significance. They demand a specific kind of approach; free-floating contemplation is not appropriate to them. They stir the viewer; he feels challenged by them in a new way.
연사는 사진의 목적과 힘이 순수한 미학을 넘어 정치적, 역사적 기록의 영역으로 확장된다고 믿습니다. 그의 세계관에서 사진은 대화를 시작하고 보는 이에게 도전하며, 광활한 사막에 울려 퍼지는 조용한 비명처럼 응답을 요구하는 정신을 구현합니다.
회화와 사진의 예술적 가치에 대한 19세기의 논쟁은 오늘날에는 교묘하고 혼란스러워 보입니다. 하지만 그렇다고 해서 그 중요성이 줄어드는 것은 아니며, 오히려 그 중요성이 강조됩니다. 사실 이 논쟁은 두 라이벌 중 어느 쪽도 그 보편적 영향력을 깨닫지 못했던 역사적 변화의 징후였습니다.
The nineteenth-century dispute as to the artistic value of painting versus photography today seems devious and confused. This does not diminish its importance, however; if anything, it underlines it. The dispute was in fact the symptom of a historical transformation the universal impact of which was not realized by either of the rivals.
연사는 사진이 회화에 대항하는 강력한 경쟁자로 부상하던 미술사의 과도기적 단계에 대한 깊은 이해를 보여줍니다. 이는 마치 파도가 서로 부딪히며 새로운 변화의 물결을 만들어내는 것처럼 예술 진화의 맥동하는 본질을 이해하고 있음을 반영합니다.
무대 배우의 예술적 연기는 분명히 배우가 직접 대중에게 보여 주지만, 스크린 배우의 연기는 카메라에 의해 보여 지므로 두 가지 결과가 있습니다.... 따라서 배우의 연기는 일련의 광학 테스트를 거칩니다.
The artistic performance of a stage actor is definitely presented to the public by the actor in person; that of the screen actor, however, is presented by a camera, with a twofold consequence... Hence, the performance of the actor is subjected to a series of optical tests.
여기서 연사는 무대 연기와 스크린 연기의 중요한 차이점에 대해 반성하며, 후자를 보다 파편화되고 매개된 표현 형식으로 간주합니다. 그의 관점은 최종 예술 작품이 나올 때까지 한 픽셀 한 픽셀 정성스럽게 원료를 깎아내는 장인의 철학을 반영합니다.
영화에서 가장 중요한 것은 배우가 다른 사람을 대변하는 것이 아니라 카메라 앞에서 대중에게 자신을 대변한다는 것입니다. 이 상황은 다음과 같이 특징 지을 수도 있습니다. 처음으로 - 그리고 이것이 영화의 효과입니다 - 인간은 자신의 아우라를 포기한 채 살아있는 사람 전체와 함께 작동해야합니다.
For the film, what matters primarily is that the actor represents himself to the public before the camera, rather than representing someone else... This situation might also be characterized as follows: for the first time – and this is the effect of the film – man has to operate with his whole living person, yet forgoing its aura.
이 인용문을 통해 저자는 카메라뿐만 아니라 보이지 않는 관객을 위해 연기해야 하는 영화 배우가 직면한 독특한 존재론적 도전을 강조합니다. 이는 영화 예술에서 존재와 부재의 역설에 대한 그의 깊은 이해를 보여주는 것으로, 마치 그림자가 대상인 동시에 대상이 아닌 것과 같은 역설입니다.
피란 델로와 같은 극작가가 영화를 특징 짓는 데있어 우리가 극장을 보는 바로 그 위기를 실수로 만지는 것은 놀라운 일이 아닙니다.
It is not surprising that it should be a dramatist such as Pirandello who, in characterizing the film, inadvertently touches on the very crisis in which we see the theater.
이는 연극과 영화에 대한 저자의 폭넓은 지식과 서로 얽힌 역학 관계를 보여줍니다. 그는 위기의 은유를 사용하여 저항하지만 결국에는 작용하는 힘에 굴복하는 단단히 감긴 스프링처럼 영화의 출현으로 전통 연극에 가해진 변혁의 압력을 강조합니다.
피란델로가 묘사한 것처럼 카메라 앞에서 배우를 압도하는 낯선 느낌은 기본적으로 거울에 비친 자신의 모습 앞에서 느끼는 소외감과 같은 종류의 것입니다.
The feeling of strangeness that overcomes the actor before the camera, as Pirandello describes it, is basically of the same kind as the estrangement felt before one's own image in the mirror.
이 인용문은 카메라가 배우에게 미치는 방향 감각 상실 효과에 대한 작가의 신념을 자신의 모습과 극적으로 대면하는 것에 비유하여 설명합니다. 이 인용문은 카메라를 폭풍우처럼 자기 소외와 질문의 통로이자 촉매제로서, 그 아래 풍경을 드러내기도 하고 변화시키기도 한다는 그의 철학을 반영합니다.
노동력뿐만 아니라 자신의 모든 것, 마음과 영혼을 바치는 이 시장은 그의 손이 닿지 않는 곳입니다. 촬영하는 동안 그는 공장에서 만든 제품만큼이나 거의 접촉하지 않습니다.
This market, where he offers not only his labor but also his whole self, his heart and soul, is beyond his reach. During the shooting he has as little contact with it as any article made in a factory.
여기서 연사의 철학은 배우를 비인격적인 시장의 상품으로 보는 영화 산업에 대한 사회경제적 비판에 뿌리를 두고 있습니다. 마르크스주의적 색채가 짙은 이 관점은 뿌리는 자와 거두는 자를 가르는 강처럼 생산과 소비 사이의 잔인한 분열을 강조합니다.
이 모든 것은 문학에서 수세기가 걸렸던 전환이 10년 만에 이루어진 영화에 쉽게 적용될 수 있습니다.
All this can easily be applied to the film, where transitions that in literature took centuries have come about in a decade.
이 인용문은 전통적인 예술 형식에 비해 영화 산업의 변화 속도가 빨라졌다는 저자의 인식을 담고 있습니다. 마치 그는 예술의 세계를 마치 빠른 흐름이 풍경을 가로지르는 것처럼 변화와 변형이 빠르고 거침없는 타임랩스 비디오로 인식하고 있는 것 같습니다.
영화와 스포츠의 기술에는 그 성취를 목격하는 모든 사람이 어느 정도 전문가가되는 것이 내재되어 있습니다.
It is inherent in the technique of the film as well as that of sports that everybody who witnesses its accomplishments is somewhat of an expert.
연사는 영화와 스포츠가 관객이 비판적이고 지식적으로 참여할 수 있도록 함으로써 전문 지식을 민주화한다는 포괄적인 신념을 가지고 있습니다. 이러한 철학은 청중을 수동적인 방관자에서 적극적인 참여자로 끌어올리며, 모든 청중이 잠재적으로 지휘봉을 쥐고 있는 교향악단을 연상시킵니다.
Part 3
논문의 핵심 개념 몇 가지를 명확히 해보겠습니다. 이 글에서는 기술이 예술, 특히 영화에 미치는 영향과 대중의 수용에 대해 논의합니다. 회화나 건축과 같은 전통적인 형태의 예술과 영화와 같은 현대적인 형태를 대조합니다. 또한 예술의 정치적 의미, 특히 파시즘과 공산주의의 맥락에서 예술의 정치적 의미에 대해서도 논의합니다.
이 다이어그램은 대상 기사의 몇 가지 주요 개념을 살펴봅니다. 노드는 텍스트의 주요 개념 또는 주제를 나타내며, 링크는 이러한 개념 간의 관계 또는 흐름을 나타냅니다. 예를 들어, 텍스트에서는 영화(A)가 기술적 영향을 통해 예술(B)을 변화시켜 현실의 파편화(C)와 새로운 예술적 표현(D)으로 이어진 방법에 대해 설명합니다. 이 다이어그램은 또한 파시즘(I)과 공산주의(L)의 접근 방식을 대조하여 영화의 정치적 영향에 대해서도 살펴봅니다. 파시즘은 정치 생활에 미학을 통합하고(J) 대중이 자신을 표현할 수 있도록 허용하면서 재산을 보존하는 것으로 나타나며(K), 공산주의는 파시즘에 대응하여 예술을 정치화(M)하는 것으로 나타납니다. 이 다이어그램은 또한 산만한 상태에서의 습관 형성(Q)과 영화의 충격 효과(R)를 포함하여 대중이 영화를 받아들이는 방식(P)을 탐구합니다.
1. "영화, 특히 사운드 영화의 촬영은 그 이전에는 언제 어디서나 상상할 수 없었던 스펙터클을 선사합니다. 카메라 장비, 조명 기계, 스태프 어시스턴트 등 실제 장면에서 제외되는 불필요한 액세서리를 배제하고 관객에게 시점을 부여하는 것이 불가능한 과정을 제시합니다. - 그의 시선이 렌즈와 평행한 선상에 있지 않는 한. 이러한 상황은 다른 어떤 상황보다도 스튜디오의 장면과 무대의 장면 사이의 유사성을 피상적이고 무의미하게 만듭니다. 장비가 없는 현실의 모습은 인공의 극치가 되었고, 즉각적인 현실의 광경은 기술의 땅에서 난초가 되었습니다."
1. "The shooting of a film, especially of a sound film, affords a spectacle unimaginable anywhere at any time before this. It presents a process in which it is impossible to assign to a spectator a viewpoint which would exclude from the actual scene such extraneous accessories as camera equipment, lighting machinery, staff assistants, etc. – unless his eye were on a line parallel with the lens. This circumstance, more than any other, renders superficial and insignificant any possible similarity between a scene in the studio and one on the stage. The equipment-free aspect of reality here has become the height of artifice; the sight of immediate reality has become an orchid in the land of technology."
- 저자의 철학은 영화를 연극이나 회화보다 훨씬 더 복잡하고 미묘한 다른 종류의 현실을 보여주는 독특한 형태의 예술로 보는 세계관에 기반을 두고 있습니다. 이 인용문은 영화 제작의 기술적 측면에 대한 저자의 깊은 이해와 영화에서 인식되는 현실에 대한 기여를 조명합니다.
2. "마술사와 외과의사는 화가와 카메라맨에 비유할 수 있습니다. 화가는 작품에서 현실과 자연스러운 거리를 유지하고, 카메라맨은 그물망 안으로 깊숙이 침투합니다."
2. "Magician and surgeon compare to painter and cameraman. The painter maintains in his work a natural distance from reality, the cameraman penetrates deeply into its web."
- 저자는 예술을 현실에 대한 우리의 경험을 매개하는 행위로 간주합니다. 마술사와 외과의사를 각각 화가와 카메라맨에 비유한 것은 현실에 대한 우리의 인식을 유지하거나 변화시키는 예술의 힘에 대한 저자의 믿음을 명확하게 보여줍니다.
3. "예술의 기계적 복제는 예술에 대한 대중의 반응을 변화시킵니다. 피카소 그림에 대한 반동적인 태도는 채플린 영화에 대한 진보적인 반응으로 바뀝니다. 점진적인 반응은 시각적, 정서적 즐거움과 전문가의 방향성이 직접적이고 친밀하게 융합되는 것이 특징입니다."
3. "Mechanical reproduction of art changes the reaction of the masses toward art. The reactionary attitude toward a Picasso painting changes into the progressive reaction toward a Chaplin movie. The progressive reaction is characterized by the direct, intimate fusion of visual and emotional enjoyment with the orientation of the expert."
- 이 인용문은 예술의 변혁적 힘에 대한 저자의 믿음과 예술의 기계적 재현이 사회적 태도에 어떤 영향을 미칠 수 있는지를 보여줍니다. 피카소 그림과 채플린 영화에 대한 대중의 반응을 비교하는 것은 관객과 예술 형식 사이의 진화하는 관계에 대한 그의 견해를 강조합니다.
4. "영화의 특징은 인간이 기계 장비에 자신을 표현하는 방식뿐만 아니라이 장치를 통해 인간이 자신의 환경을 표현할 수있는 방식에도 있습니다."
4. "The characteristics of the film lie not only in the manner in which man presents himself to mechanical equipment but also in the manner in which, by means of this apparatus, man can represent his environment."
- 여기에는 인간과 기계의 이분법에 대한 저자의 이해가 표현되어 있습니다. 영화가 인간의 조건을 묘사할 뿐만 아니라 우리 환경의 본질을 포착한다는 그의 관점은 예술과 기술의 다면적인 본질에 대한 깊은 이해를 반영합니다.
5. "예술의 가장 중요한 임무 중 하나는 항상 나중에야 완전히 충족 될 수있는 수요를 창출하는 것이 었습니다."
5. "One of the foremost tasks of art has always been the creation of a demand which could be fully satisfied only later."
- 이 인용문은 저자의 미래 지향적인 철학을 잘 보여줍니다. 예술은 현재를 묘사하는 것뿐만 아니라 미래에 대한 필요를 불러일으키고 영감을 주기 위해 존재한다는 그의 신념을 엿볼 수 있습니다.
6. "모든 근본적으로 새롭고 선구적인 수요의 창조는 그 목표를 넘어선다. 다다이즘은 더 높은 야망을 위해 영화의 특징인 시장 가치를 희생할 정도로 그렇게 했습니다."
6. "Every fundamentally new, pioneering creation of demands will carry beyond its goal. Dadaism did so to the extent that it sacrificed the market values which are so characteristic of the film in favor of higher ambitions."
- 아방가르드 예술 운동인 다다이즘에 대한 화자의 존경심은 이 인용문에서 잘 드러납니다. 다다이즘의 혁명적 성격과 시장 가치보다 예술적 야망을 우선시하는 그의 인식은 상업적 성공보다 예술성을 우선시하는 자신의 가치 체계를 반영합니다.
7. "건물은 원시시대부터 인간의 동반자였습니다. 많은 예술 형식이 발전하고 소멸했지만... 쉼터에 대한 인간의 욕구는 영원합니다. 건축은 한가한 적이 없습니다."
7. "Buildings have been man’s companions since primeval times. Many art forms have developed and perished...but the human need for shelter is lasting. Architecture has never been idle."
화자는 건축의 영속성을 깊이 인식하고 필수적인 예술 형식으로서의 중요성을 강조하며, 건축의 기능적 측면과 미적 측면을 모두 아우르는 철학을 통해 예술에 대한 총체적인 관점을 제시합니다.
8. "주의가 산만한 사람도 습관을 형성할 수 있습니다. 주의가 산만한 상태에서도 특정 작업을 마스터할 수 있다는 것은 그 해결책이 습관이 되었다는 것을 증명합니다."
8. "The distracted person, too, can form habits. More, the ability to master certain tasks in a state of distraction proves that their solution has become a matter of habit."
- 산만함을 잠재적으로 생산적인 정신 상태로 보는 연사의 색다른 관점은 전통적인 사고에 도전하려는 의지를 드러냅니다. 화자는 인간의 적응 능력을 중시하고 과제를 숙달하는 데 있어 습관 형성의 도구적 역할을 인정합니다.
9. "파시즘은 대중이 제거하려고 노력하는 재산 구조에 영향을 미치지 않고 새로 생성 된 프롤레타리아 대중을 조직하려고 시도합니다. 파시즘은 이 대중에게 권리가 아니라 자신을 표현할 기회를 주는 것이 파시즘의 구원이라고 본다."
9. "Fascism attempts to organize the newly created proletarian masses without affecting the property structure which the masses strive to eliminate. Fascism sees its salvation in giving these masses not their right, but instead a chance to express themselves."
- 이 인용문은 화자의 정치적 성향과 파시즘에 대한 분석을 드러냅니다. 대중이 재산 관계를 바꿀 권리가 있다는 그의 믿음은 사회 정의와 평등에 대한 헌신을 보여줍니다.
10. "이것이 파시즘이 미학적으로 표현하고 있는 정치의 상황입니다. 공산주의는 예술을 정치화함으로써 이에 대응합니다."
10. "This is the situation of politics which Fascism is rendering aesthetic. Communism responds by politicizing art.”
- 이 인용문은 정치와 예술의 교차성에 대한 저자의 신념을 보여줍니다. 그의 관점은 정치 이데올로기와 예술적 표현 사이의 상호 영향을 강조하며, 사회 구조와 문화적 산물의 상호 연결성을 인정하는 미묘한 세계관을 나타냅니다.
발터 벤야민에 대한 비판과 옹호
발터 벤야민의 사상과 이 논문에 대해서는 아래와 같은 비판들이 제기됩니다.
1. 일관성 부족: 발터 벤야민의 철학에 대한 가장 눈에 띄는 비판 중 하나는 특히 예술의 진화에 대한 그의 견해와 관련하여 일관성이 부족하다는 것입니다. 그의 글은 기술이 예술에 미치는 영향에 대해 애도하면서도 찬사를 보내는 그의 내적 갈등을 암시합니다. 그는 기계적인 재현으로 인해 예술에서 '아우라'가 사라진 것을 애도하며, 이를 아무리 가까워도 거리감이 느껴지는 독특한 현상으로 설명합니다. 그는 이 '아우라'를 예술 작품의 독창성 및 진정성과 연관시키는데, 기계적 복제에 의해 훼손되었다고 생각합니다. 그러나 아이러니하게도 그는 바로 이러한 기계적 복제 과정을 통해 촉진되는 예술의 민주화를 동시에 축하합니다. 이러한 이분법은 특히 영화라는 매체에 대한 그의 견해에서 분명하게 드러납니다. 그는 영화를 예술 작품을 제의에 대한 의존으로부터 해방시키는 민주화의 힘으로 묘사합니다. 그러나 동시에 그는 이것이 의미하는 '아우라'의 상실을 한탄합니다. 이러한 그의 입장의 불일치는 독자들을 당혹스럽게 만들어 그의 철학적 주장의 힘을 희석시키고 그의 입장을 다소 불안정하고 변덕스럽게 보이게 만들 수 있습니다.
2. 개념의 모호성: 벤야민의 이론에 대한 또 다른 중요한 비판은 개념의 모호성입니다. 그의 주장의 핵심인 '아우라'라는 용어는 정의되지 않은 채 다양한 해석에 열려 있습니다. 그는 예술 작품이 시간과 공간에 존재하는 고유한 존재를 의미한다고 모호하게 말합니다. 그러나 그의 글은 강한 향수를 불러일으키는데, 이는 '아우라'가 기계적 복제 시대에 잃어버린 예술의 전통적 고유성과도 연관될 수 있음을 암시합니다. 이러한 명확한 정의의 부재는 그의 이론의 타당성과 적용 가능성에 대한 의문을 제기합니다. 이 애매한 '아우라'를 형성하는 것은 작가의 의도일까요, 관객의 지각일까요, 아니면 작품의 맥락일까요? 이 개념의 모호함은 답보다 더 많은 의문을 남기며, 그의 주장은 설득력이 떨어지고 그의 이론은 면밀한 조사와 이견에 더 취약하게 만듭니다.
3. 사상의 위선: 벤야민의 철학에 대한 흥미로운 비평은 그의 이론적 주장과 실제 경험 사이의 극명한 대조에 초점을 맞추고 있습니다. 벤야민은 저서에서 기계적 복제로 인한 예술의 '숭배적 가치'로부터의 해방을 축하했지만, 실제로는 확고한 서지 애호가이자 열렬한 책 수집가였습니다. 그는 문학이라는 전통적인 매체의 물성과 현존에 깊은 애정을 가졌는데, 이는 기술 발전에 따른 '아우라'의 상실에 대한 그의 이론적 찬사와 모순되는 부분입니다. 그의 철학과 개인적 선호 사이의 이러한 불일치는 그의 사고 과정에서 일종의 위선을 나타내며 그의 주장의 타당성을 약화시킵니다.
4. 부정적인 함의를 간과함: 벤야민의 기계적 재현의 변혁적 힘에 대한 낙관론과 진보적 매체로서의 영화에 대한 찬사는 잠재적인 부정적 함의를 간과하는 것처럼 보입니다. 예술의 대량 생산과 접근성은 예술을 지나치게 단순화하고 동질화하여 예술적 표현의 다양성을 희석시킬 위험이 있습니다. 게다가 벤야민이 옹호하는 영화와 사진의 힘은 선전을 위해 쉽게 조작되어 대중을 설득하고 반대 의견을 억압하는 도구로 사용될 수 있으며, 이는 벤야민 당시의 정치 지형에서 점점 더 분명해지고 있던 사실입니다. 벤야민이 이러한 잠재적 단점을 인정하지 않음으로써 그의 주장은 약화되고 기계적 복제가 예술에 미치는 영향에 대한 불완전한 그림이 그려집니다.
5. 예술가에 대한 배려 부족: 벤야민의 글은 주로 예술이 인식되고 소비되는 방식의 변화에 초점을 맞추고 있으며, 이러한 변화가 예술가 자신에게 미치는 영향에 대해서는 거의 또는 전혀 고려하지 않습니다. 기계적인 복제와 대량 소비가 일반화된 시대에 예술가들은 종종 독창성을 유지하고 시장성의 압력에 저항하기 위해 고군분투합니다. 벤야민의 분석에서 창의성의 본질인 인간적 요소는 빠져 있는 듯합니다. 작품과 관객 사이의 변화하는 관계에 대한 그의 관심은 창작 과정에서 예술가의 중요한 역할을 가리고 있습니다. 그는 상업화와 상품화에 맞서 예술가들이 예술적 진정성을 유지하기 위해 직면하는 어려움과 과제를 간과합니다. 벤야민의 분석에서는 예술가가 창작물에 쏟아 붓는 감정 노동, 독창성, 개인적인 경험은 무시된 것처럼 보입니다. 벤야민의 주장은 소비자의 경험에 초점을 맞추는 데는 획기적이지만, 기계 복제 시대의 예술적 과정에 대한 포괄적인 이해를 제공하지 못합니다.
한편 아래와 같이 벤야민의 사상을 옹호하는 견해들도 많습니다.
1. 혁신적인 사고: 발터 벤야민 철학의 독특한 매력은 그의 혁신적인 사고에 깊이 뿌리를 두고 있습니다. 전통적인 형태의 예술과 문화가 세계를 지배하던 시기에 벤야민은 기술이 예술 영역에 미치는 변혁적 영향을 인식하고 이해한 최초의 인물 중 한 명입니다. 예술 작품의 '아우라', 즉 예술 작품이 본래의 물리적, 역사적 맥락에서 갖는 고유한 미적 권위에 대한 그의 개념은 예술과 진품에 대한 기존의 관점에 도전하는 선구적인 아이디어였습니다. 이 아이디어는 일부 비판을 받기도 했지만, 기계적 복제가 전통 예술 작품의 독특하고 반복할 수 없는 품질에 미치는 영향을 명확하게 표현한 대담하고 혁신적인 시도였습니다. 벤야민은 기계적 복제의 엄청난 민주화 잠재력을 예측하는 선견지명이 있었으며, 그 결과 대중이 예술을 그 어느 때보다 더 쉽게 접할 수 있게 되었습니다. 벤야민은 기술이 예술과 문화에 미치는 광범위한 영향력을 주류와는 거리가 멀었던 당시에도 예견할 수 있었습니다. 예술계의 트렌드와 변화가 널리 알려지기도 전에 이를 감지하고 표현하는 능력은 벤야민을 예술과 문화의 영역에서 획기적인 사상가로 차별화하는 요소입니다.
2. 설득력 있는 수사학: 벤야민의 철학은 철학적 논증과 시적 표현이 훌륭하게 조화를 이룬 것이 특징입니다. 그의 글은 지적으로 자극적이면서도 미학적으로 매력적인 우아한 산문으로 구성되어 있어 폭넓은 청중을 매료시킵니다. 예술의 변화하는 본질, 사회와의 관계, 그리고 이러한 변화에서 기술의 역할에 대한 그의 심오한 통찰은 접근하기 쉽고 생각을 자극하는 방식으로 표현됩니다. '아우라'나 '기계적 복제 시대'와 같은 개념은 독자가 예술과 그 가치에 대한 이해를 재고하도록 유도하는 방식으로 구성됩니다. 벤야민의 수사학의 설득력은 독자들의 공감을 불러일으키고 예술과 문화에 대한 학술적 논쟁을 형성하는 그의 아이디어가 지속적으로 영향을 미치고 있다는 점에서 분명하게 드러납니다.
3. 기억에 남는 표현: 벤야민의 작품에는 독자들에게 지울 수 없는 흔적을 남긴 인상적인 표현과 인용할 만한 대사가 가득합니다. 그의 독특한 어휘적 창의성은 '기계적 재현의 시대', '기술적 재현성의 시대에 예술 작품' 같은 문구에서 잘 드러납니다. 이러한 표현은 특정한 역사적 맥락에서 탄생했지만, 예술과 문화에 대한 현대적 논의에서 계속 사용되며 지속적인 관련성을 증명하고 있습니다. 이 기억에 남는 표현들은 벤야민의 핵심 사상을 간결하고 영향력 있는 방식으로 능숙하게 요약하여 청중에게 지속적인 공감을 불러일으킵니다. 이러한 표현은 독자들이 벤야민의 저서에서 제시된 복잡한 아이디어와 주장을 탐색할 수 있도록 도와주는 개념적 닻 역할을 합니다.
4. 유산과 영향력: 벤야민 철학의 깊이와 독창성은 예술 이론과 문화 연구에서 철학 및 사회 이론에 이르기까지 광범위한 학문 분야에서 지속적인 영향력을 발휘할 수 있게 해 주었습니다. 그의 저술은 다음 세대의 학자, 작가, 예술가들에게 계속해서 영감을 주는 풍부한 아이디어의 보고입니다. 예술과 문화에 대한 기계적 재현의 변혁적 잠재력에 대한 그의 관찰은 새로운 탐구와 담론의 장을 열어 현대와 포스트모던 시대의 미학에 대한 우리의 이해를 크게 형성했습니다. 그의 아이디어는 무수히 많은 방식으로 응용, 비평, 발전되어 왔으며, 이는 그의 사상이 얼마나 풍부하고 다재다능한지를 증명하는 증거입니다.
5. 현대적 관련성: 벤야민의 철학은 20세기 초에 공식화되었음에도 불구하고 현대 세계와 상당한 관련성을 지니고 있습니다. 디지털 기술과 매스 미디어의 보편화로 정의되는 이 시대에 기계적 복제가 예술과 문화에 미치는 영향에 대한 그의 통찰은 그 어느 때보다 적절합니다. 기술의 민주화 잠재력과 위험성을 모두 인식하는 기술의 변증법에 대한 그의 미묘한 이해는 디지털 시대의 복잡성을 탐색하는 데 귀중한 관점을 제공합니다. 그는 기술이 예술의 창작, 보급, 소비 방식에 가져올 중대한 변화, 즉 오늘날 우리가 목격하고 있는 변화를 예견했습니다. 따라서 그의 철학은 디지털 기술 시대에 예술, 문화, 사회 분야에서 진행 중인 변화에 대한 귀중한 통찰력을 계속해서 제공하고 있습니다.
한 걸음 더: 벤야민의 어려운 문장&문단들
문장: "우리의 미술은 현재와는 매우 다른 시대에 사물을 다루는 힘이 우리에 비해 미미했던 사람들에 의해 개발되었고, 그 종류와 용도가 확립되었습니다. 그러나 우리 기술의 놀라운 성장, 그들이 성취한 적응력과 정밀성, 그들이 창조하고 있는 아이디어와 습관으로 인해 고대 미의 공예에 심오한 변화가 임박했음을 확신할 수 있습니다. 모든 예술에는 더 이상 예전처럼 고려하거나 취급할 수 없는 물리적 요소가 존재하며, 이는 현대의 지식과 힘에 영향을 받지 않을 수 없습니다. 지난 20년 동안 물질도, 공간도, 시간도 태고의 모습 그대로가 아니었습니다. 우리는 예술의 전체 기술을 변화시켜 예술적 발명 자체에 영향을 미치고 예술에 대한 우리의 개념 자체에 놀라운 변화를 가져올 위대한 혁신을 기대해야 합니다."
문장: “Our fine arts were developed, their types and uses were established, in times very different from the present, by men whose power of action upon things was insignificant in comparison with ours. But the amazing growth of our techniques, the adaptability and precision they have attained, the ideas and habits they are creating, make it a certainty that profound changes are impending in the ancient craft of the Beautiful. In all the arts there is a physical component which can no longer be considered or treated as it used to be, which cannot remain unaffected by our modern knowledge and power. For the last twenty years neither matter nor space nor time has been what it was from time immemorial. We must expect great innovations to transform the entire technique of the arts, thereby affecting artistic invention itself and perhaps even bringing about an amazing change in our very notion of art.”
설명: 이 단락에서는 근대성이 예술에 미친 영향에 대해 살펴봅니다. 저자 폴 발레리는 기술과 과학의 급속한 발전이 예술이 만들어지고 인식되는 방식을 극적으로 변화시켰으며 앞으로도 계속 변화시킬 것이라고 말합니다. 이러한 변화는 피할 수 없으며 예술을 구성하는 요소에 대한 우리의 이해 자체를 바꿀 수도 있습니다. 이 아이디어는 예술에 대한 전통적인 개념에 도전하고 우리가 알고 있는 것과는 근본적으로 다른 예술의 미래를 제시하기 때문에 이해하기 어려울 수 있습니다. 또한 예술의 역사와 진화에 대한 일정 수준의 지식을 전제로 합니다.
사전적 의미: 태고적 - 기억, 기록 또는 전통의 범위를 넘어서는 것.
비유와 사례: 캔버스에 붓을 사용하는 전통적인 화가를 생각해 보세요. 이제 컴퓨터와 소프트웨어를 사용하여 예술 작품을 만드는 현대의 디지털 아티스트를 상상해 보세요. 예술 창작 과정의 물리적 구성 요소는 물론, 창작물의 가능성과 한계도 크게 다릅니다. 마찬가지로 우리가 박물관에서 실제 그림을 인식하고 상호 작용하는 방식은 화면에서 디지털 아트를 접하는 방식과 다릅니다. 이 비교는 현대의 지식과 기술이 예술에 가져올 수 있는 심오한 변화를 보여줍니다.
문장: "예술 작품을 가장 완벽하게 재현한 작품이라도 시간과 공간에 존재한다는 점, 즉 작품이 있는 장소에 고유하게 존재한다는 한 가지 요소가 결여되어 있습니다. 예술 작품의 이러한 독특한 존재는 예술 작품이 존재하는 동안 그 작품이 겪은 역사를 결정합니다. 여기에는 수년에 걸쳐 물리적 상태가 겪었을 수 있는 변화뿐만 아니라 소유권의 다양한 변화가 포함됩니다. 최초의 흔적은 복제품에서는 불가능한 화학적 또는 물리적 분석을 통해서만 밝혀질 수 있으며, 소유권의 변화는 원본의 상황으로부터 추적해야 하는 전통의 적용을 받습니다."
문장: “Even the most perfect reproduction of a work of art is lacking in one element: its presence in time and space, its unique existence at the place where it happens to be. This unique existence of the work of art determined the history to which it was subject throughout the time of its existence. This includes the changes which it may have suffered in physical condition over the years as well as the various changes in its ownership. The traces of the first can be revealed only by chemical or physical analyses which it is impossible to perform on a reproduction; changes of ownership are subject to a tradition which must be traced from the situation of the original.”
설명: 이 인용문은 예술 작품의 고유한 존재감, 역사, 물리적 특성과 관련된 '아우라'의 개념을 탐구한 것입니다. 아우라는 아무리 완벽하더라도 복제품으로 복제할 수 없는 원본 예술 작품의 무형적이고 대체할 수 없는 특성을 탐구하기 때문에 복잡한 개념입니다. 이 개념은 사진이나 판화와 같은 복제품을 통해 예술을 온전히 경험할 수 있다는 관념에 도전하며, 예술 작품의 맥락과 역사의 중요성을 강조합니다.
사전적 의미: 아우라 - 사람, 사물 또는 장소를 둘러싸고 생성되는 것처럼 보이는 독특한 분위기 또는 품질.
비유와 사례: 이 개념을 이해하기 위해 라이브 콘서트를 경험하는 것과 같은 콘서트의 녹화 버전을 시청하는 것을 비교해 보겠습니다. 녹화 버전은 음악과 영상은 재현할 수 있지만, 관중의 에너지, 몸을 진동하는 베이스의 느낌, 좋아하는 아티스트를 직접 볼 때의 짜릿함 등을 담아낼 수는 없습니다. 이러한 독특한 요소는 콘서트의 '아우라'에 기여하며, 이러한 요소는 재현할 수 없습니다.
문장: "오랜 역사 동안 인간의 감각 인식 방식은 인류의 전체 존재 방식과 함께 변화해 왔습니다. 인간의 감각 지각이 조직되는 방식, 즉 감각 지각이 이루어지는 매체는 본성뿐만 아니라 역사적 상황에 의해서도 결정됩니다. 인구가 크게 이동한 5세기에는 후기 로마 미술 산업과 비엔나 제네시스가 탄생했으며, 고대와 다른 예술뿐만 아니라 새로운 종류의 지각도 발전했습니다. 이러한 후기 예술 형식이 묻혀 있던 고전적 전통의 무게에 저항한 비엔나 학파의 학자 리글과 비크호프는 당시 지각의 조직에 관한 결론을 최초로 도출했습니다. 그러나 이 학자들은 그들의 통찰력이 아무리 광범위하더라도 로마 후기 지각을 특징짓는 중요하고 형식적인 특징을 보여주는 데 그쳤습니다. 그들은 이러한 인식의 변화로 표현되는 사회적 변화를 보여주려고 시도하지 않았고, 아마도 그럴 방법도 없었을 것입니다. 현재에는 이와 유사한 통찰을 위한 조건이 더 유리합니다. 그리고 현대 인식 매체의 변화가 아우라의 쇠퇴로 이해될 수 있다면 그 사회적 원인을 보여줄 수 있습니다."
문장: “During long periods of history, the mode of human sense perception changes with humanity’s entire mode of existence. The manner in which human sense perception is organized, the medium in which it is accomplished, is determined not only by nature but by historical circumstances as well. The fifth century, with its great shifts of population, saw the birth of the late Roman art industry and the Vienna Genesis, and there developed not only an art different from that of antiquity but also a new kind of perception. The scholars of the Viennese school, Riegl and Wickhoff, who resisted the weight of classical tradition under which these later art forms had been buried, were the first to draw conclusions from them concerning the organization of perception at the time. However far-reaching their insight, these scholars limited themselves to showing the significant, formal hallmark which characterized perception in late Roman times. They did not attempt – and, perhaps, saw no way – to show the social transformations expressed by these changes of perception. The conditions for an analogous insight are more favorable in the present. And if changes in the medium of contemporary perception can be comprehended as decay of the aura, it is possible to show its social causes.”
설명: 이 구절은 시간이 지남에 따라 사회적 조건과 존재 방식의 변화가 인간의 감각 지각을 변화시키고 결과적으로 예술이 인식되고 해석되는 방식을 바꿀 수 있다는 생각을 탐구합니다. 저자는 고전 미술에서 후기 로마 미술로의 전환을 예로 들어 역사적 상황에 따라 새로운 형태의 예술과 인식이 어떻게 등장할 수 있는지 설명합니다. 그러나 이 개념은 사회적 조건, 인간의 인식, 예술이 서로 어떻게 연결되어 있는지에 대한 깊은 이해가 필요하기 때문에 이해하기 어려울 수 있습니다.
사전적 의미: 특징 - 뚜렷한 특성, 특성 또는 특징.
비유와 사례: 이 개념을 이해하려면 21세기 디지털 기술과 소셜 미디어의 출현을 생각해 보세요. 5세기 인구 역학의 변화로 새로운 예술 형식과 인식 방식이 탄생한 것처럼, 디지털 시대에는 디지털 아트와 가상 현실 예술과 같은 새로운 형태의 예술과 온라인 또는 가상 공간에서 예술을 감상하는 것과 같은 새로운 예술 인식 및 상호작용 방식이 탄생했습니다. 비엔나 학파의 학자들이 후기 로마 시대의 인식 변화를 분석했던 것처럼, 디지털이 지배하는 사회에 대응하여 예술에 대한 우리의 인식이 어떻게 변화하고 있는지 분석해 볼 수 있습니다.
문장: "사진에서는 전시 가치가 컬트 가치를 대체하기 시작합니다. 그러나 컬트적 가치는 저항 없이 양보하지 않습니다. 그것은 인간의 얼굴이라는 궁극적인 축소로 물러납니다. 초상화가 초기 사진의 초점이 된 것은 우연이 아닙니다. 부재 중이거나 죽은 사랑하는 사람을 기억하는 숭배는 사진의 숭배적 가치에 대한 마지막 피난처를 제공합니다. 초기 사진에서 마지막으로 아우라는 인간의 얼굴의 찰나적인 표정에서 발산됩니다. 이것이 바로 그들의 우울하고 비교할 수 없는 아름다움을 구성하는 요소입니다."
문장: "In photography, exhibition value begins to displace cult value all along the line. But cult value does not give way without resistance. It retires into an ultimate retrenchment: the human countenance. It is no accident that the portrait was the focal point of early photography. The cult of remembrance of loved ones, absent or dead, offers a last refuge for the cult value of the picture. For the last time the aura emanates from the early photographs in the fleeting expression of a human face. This is what constitutes their melancholy, incomparable beauty."
설명: 이 문단은 벤야민의 예술 철학에 대한 깊은 이해가 필요한 부분으로, 사진에 대한 그의 생각에 관한 내용입니다. 여기서 그는 사진의 가치가 컬트적 가치에서 전시적 가치로 전환되었으며, 인간의 얼굴은 컬트적 가치의 마지막 피난처라는 생각을 제시합니다. 컬트 가치는 예술 작품이나 유물의 본질적인, 종종 정신적 또는 종교적 가치를 의미합니다. 반면에 전시 가치는 예술 작품이나 유물을 전시하거나 전시함으로써 파생되는 가치를 말합니다. 벤야민은 사진이 발전하면서 전시 가치에 더 집중하기 시작했다고 주장합니다. 그러나 이러한 전환은 순탄하지 않았고 컬트적 가치는 이러한 변화에 저항하며 초기 초상 사진의 주제였던 인간의 얼굴에서 마지막 안식처를 찾았습니다.
사전적 의미:
1) 컬트 가치: 문화적, 종교적 또는 개인적 의미로 인해 대상에 내재된 고유한 가치.
2) 전시 가치: 전시 또는 공개적인 노출에서 파생되는 대상의 가치.
3) 아우라: 사물이나 사람을 둘러싼 독특한 존재감 또는 분위기로, 종종 진품성 및 독창성과 관련이 있습니다.
비유와 사례: 이 개념을 이해하려면 여러 세대에 걸쳐 내려오는 목걸이와 같은 가보를 생각해 보세요. 목걸이의 컬트적 가치는 가족에게 개인적이고 정서적인 의미가 있기 때문입니다. 그러나 목걸이가 특정 시대의 보석의 예로서 박물관에 전시되면 그 전시 가치가 부각됩니다. 사진 속 사람의 얼굴은 인간의 표정과 정체성에 대한 개인적, 정서적 연관성 때문에 사진에서 컬트적 가치의 마지막 보루로 볼 수 있습니다.
문장: "무대 배우의 예술적 연기는 분명 배우가 직접 대중에게 보여 주는 것이지만, 스크린 배우의 연기는 카메라가 보여 주는 것이기 때문에 두 가지 결과가 발생합니다. 영화 배우의 연기를 대중에게 보여주는 카메라는 연기를 완전한 전체로 존중할 필요가 없습니다. 카메라맨의 안내에 따라 카메라는 연기에 대한 위치를 계속 변경합니다. 편집자가 제공된 자료를 바탕으로 구성하는 일련의 위치 뷰가 완성된 영화를 구성합니다."
문장: "The artistic performance of a stage actor is definitely presented to the public by the actor in person; that of the screen actor, however, is presented by a camera, with a twofold consequence. The camera that presents the performance of the film actor to the public need not respect the performance as an integral whole. Guided by the cameraman, the camera continually changes its position with respect to the performance. The sequence of positional views which the editor composes from the material supplied him constitutes the completed film."
설명: 여기서 벤자민은 무대 배우와 영화 배우의 경험을 대조합니다. 그는 무대 배우가 자신의 연기를 대중에게 인격적이고 온전하게 보여주는 반면, 영화 배우는 카메라에 의존하여 연기를 전달한다고 가정합니다. 배우의 연기는 반드시 전체로 보여지는 것이 아니라 카메라 앵글과 편집을 통해 여러 부분으로 나뉩니다. 이는 공연을 보고 이해하는 방식에 변화를 가져왔으며, 이는 기술의 발전으로 인해 가능해진 변화입니다.
사전적 의미:
1) 무대 배우: 연극 작품에서 연기하는 배우.
2) 영화 배우: 영화 제작에 출연하는 배우.
3) 완전한 전체: 완전한, 분할되지 않은, 또는 깨지지 않은.
비유와 사례: 라이브 콘서트를 보는 것과 녹화 버전의 콘서트를 보는 것을 생각해 보세요. 라이브 버전에서는 연주자가 관객과 직접 상호작용하며 공연을 하나의 연속된 전체로 경험합니다. 그러나 녹화 버전에서는 카메라가 공연의 다양한 측면에 초점을 맞춰 공연자의 클로즈업, 관객의 샷 등을 보여줍니다. 이는 벤자민의 분석에 따르면 무대 배우의 연기와 영화 배우의 연기의 차이와 유사합니다.
문장: "노동력뿐만 아니라 자신의 모든 자아, 마음과 영혼을 제공하는 이 시장은 그의 손이 닿지 않는 곳입니다. 촬영하는 동안 그는 공장에서 만든 물건만큼이나 시장과 거의 접촉하지 않습니다. 이것은 피란델로에 따르면 카메라 앞에서 배우를 사로잡는 억압과 새로운 불안의 원인이 될 수 있습니다."
문장: "This market, where he offers not only his labor but also his whole self, his heart and soul, is beyond his reach. During the shooting he has as little contact with it as any article made in a factory. This may contribute to that oppression, that new anxiety which, according to Pirandello, grips the actor before the camera."
설명: 이 구절은 영화 배우가 작품의 최종 결과물과 그 작품이 판매되는 시장으로부터 소외되는 것을 말합니다. 벤야민은 공장에서 만들어진 물건의 은유를 사용하여 배우가 영화와 단절된 상태를 설명합니다. 이는 자본주의적 생산 방식으로 인해 노동자가 자신의 노동의 산물로부터 멀어진다는 마르크스주의 소외 이론에 뿌리를 두고 있습니다.
사전적 의미:
1) 시장: 상품이나 서비스가 교환되는 장소.
2) 소외: 자본주의 체제에서 노동자가 자신의 노동의 산물로부터 단절된 상태에서 고립되거나 소원해진 상태를 말합니다.
비유와 사례: 장인이 수작업으로 아름다운 도자기를 만들어 구매자에게 직접 판매한다고 상상해 보세요. 이를 하루에 수백 개의 똑같은 냄비를 생산하여 공장 주인이 판매하는 공장 노동자와 비교해 보세요. 장인은 자신의 작업과 판매 과정에 밀접하게 연결되어 있는 반면, 공장 노동자는 최종 제품 및 거래에서 소외되어 있습니다. 마찬가지로 벤자민에 따르면 영화 배우는 연기의 최종 결과물 및 시장에서의 유통과 단절되어 있습니다.
문장: "마술사와 외과의사는 화가와 카메라맨에 비유할 수 있습니다. 화가는 작품에서 현실과 자연스러운 거리를 유지하고 카메라맨은 그물망에 깊숙이 침투합니다. 그들이 얻는 사진에는 엄청난 차이가 있습니다. 화가의 그림은 총체적인 것이고, 카메라맨의 그림은 새로운 법칙에 따라 조립된 여러 조각으로 구성되어 있습니다. 따라서 현대인에게 영화에 의한 현실의 표현은 화가의 표현보다 비교할 수 없을 정도로 더 중요합니다. 왜냐하면 그것은 기계 장비로 현실에 대한 철저한 침투로 인해 모든 장비가없는 현실의 측면을 제공하기 때문입니다. 그리고 그것이 바로 예술 작품에서 요구할 수 있는 것입니다."
문장: "Magician and surgeon compare to painter and cameraman. The painter maintains in his work a natural distance from reality, the cameraman penetrates deeply into its web. There is a tremendous difference between the pictures they obtain. That of the painter is a total one, that of the cameraman consists of multiple fragments which are assembled under a new law. Thus, for contemporary man the representation of reality by the film is incomparably more significant than that of the painter, since it offers, precisely because of the thoroughgoing permeation of reality with mechanical equipment, an aspect of reality which is free of all equipment. And that is what one is entitled to ask from a work of art."
설명: 이 구절은 다양한 예술 형식과 직업을 추상적으로 은유적으로 비교하고 있기 때문에 어렵습니다. 작가는 다양한 형태의 예술이 현실을 어떻게 표현하는지에 대한 복잡한 생각을 표현하고 있습니다. 화가와 마술사는 대상과 자연스러운 거리를 유지하며 특정 관점에서 현실 전체를 표현하는 것으로 보입니다. 반면에 카메라맨과 외과의사는 현실 깊숙이 침투하여 현실을 파편으로 부순 다음 새로운 법칙에 따라 재조립하는 것으로 간주되며, 이것이 영화의 내러티브입니다. 작가는 영화에 의한 현실 표현이 모든 장비가없는 현실의 측면, 즉 매개되지 않고 직접적인 측면을 제공하기 때문에 화가에 의한 것보다 현대인에게 더 중요하다고 제안하고 있습니다. 세 번째 문장은 화가가 얻는 그림의 차이에 대해 이야기하고 있기 때문에 이해하기 어렵습니다. 화가의 그림은 전체 그림 인 반면 카메라맨의 그림은 여러 조각으로 구성되어 있습니다.
사전적 의미: 관통하다 - 어떤 것에 들어가거나 통과하여 길을 만들다; 침투 - 어떤 물질에 스며들거나 스며드는 과정.
비유와 사례: 환자를 수술하는 외과의사를 생각해 보세요. 외과의사는 환자를 멀리서 바라보는 것이 아닙니다. 신체를 절개하고 각 장기를 살펴보고 잘못된 부분을 고칩니다. 마찬가지로 카메라맨도 멀리서 장면을 찍는 것이 아닙니다. 카메라맨은 개별 요소를 확대하고 장면을 여러 조각으로 나눈 다음, 이 조각들을 조합하여 내러티브를 만듭니다. 그 결과 현실을 더욱 친밀하고 세밀하게 볼 수 있습니다.
문장: "주의가 산만한 사람도 습관을 형성할 수 있습니다. 주의가 산만한 상태에서 특정 작업을 마스터할 수 있다는 것은 그 해결 방법이 습관이 되었다는 것을 증명합니다. 예술이 제공하는 주의 산만은 새로운 과제가 지각에 의해 해결될 수 있는 정도를 은밀하게 제어할 수 있습니다. 더욱이 개인은 그러한 과제를 피하고 싶은 유혹을 받기 때문에 예술은 대중을 동원 할 수있는 가장 어렵고 가장 중요한 과제를 다룰 것입니다. 오늘날 영화에서 그렇게합니다. 모든 예술 분야에서 눈에 띄게 증가하고 있으며 인식의 심오한 변화를 나타내는 산만 함 상태에서의 수용은 영화에서 진정한 운동 수단을 찾습니다. 충격 효과가있는 영화는이 수신 모드를 중간에 충족시킵니다."
문장: "The distracted person, too, can form habits. More, the ability to master certain tasks in a state of distraction proves that their solution has become a matter of habit. Distraction as provided by art presents a covert control of the extent to which new tasks have become soluble by apperception. Since, moreover, individuals are tempted to avoid such tasks, art will tackle the most difficult and most important ones where it is able to mobilize the masses. Today it does so in the film. Reception in a state of distraction, which is increasing noticeably in all fields of art and is symptomatic of profound changes in apperception, finds in the film its true means of exercise. The film with its shock effect meets this mode of reception halfway."
설명: 이 단락은 주의 산만과 예술, 특히 영화의 관계에 대한 추상적인 논의로 인해 어렵습니다. 저자는 주의가 산만할 때에도 우리는 습관을 형성하고 과제를 마스터할 수 있다고 주장합니다. 이는 사물에 대한 우리의 이해나 인식이 자동적이거나 무의식적으로 이루어질 수 있음을 시사합니다. 그는 새로운 경험이 개인의 과거 경험의 잔여물에 동화되고 변형되어 새로운 전체를 형성하는 과정을 의미하는 '지각'이라는 용어를 소개합니다. 즉, 새로운 경험을 지각하고 이해하는 방식은 과거 경험의 영향을 받는다는 것이다. 필자는 충격 효과를 지닌 영화가 이러한 수용 방식과 중간에서 만나 산만해진 지각 방식에 관여하고 이를 인식하게 만든다고 가정합니다.
사전적 의미: 지각 - 어떤 아이디어를 이미 가지고 있는 관념의 체계에 동화시킴으로써 그 아이디어를 이해하는 정신적 과정.
비유와 사례: 사람들이 TV나 영화를 보면서 식사, 대화, 휴대폰 보기 등 멀티태스킹을 하는 경우가 많다고 생각해 보세요. 주의가 산만하더라도 스토리를 따라가며 무슨 일이 일어나고 있는지 이해할 수 있습니다. 이는 영화에 대한 인식이 습관이 되었기 때문입니다. 갑작스러운 줄거리의 반전이나 예상치 못한 사건과 같은 영화의 충격 효과는 산만함에서 벗어나 영화에 온전히 집중하게 만듭니다.
문장: 파시즘은 "피아트 아르스 - 페레아 문두스"라고 말하며, 마리네티가 인정한 것처럼 전쟁이 기술에 의해 변화된 감각 지각의 예술적 만족을 제공 할 것으로 기대합니다. 이것은 분명히 "예술이 예술을 부른다"의 완성이라고 할 수 있습니다. 호머 시대에는 올림픽 신들의 경배의 대상이었던 인류는 이제 스스로를 위한 존재가 되었습니다. 그 자기 소외는 첫 번째 질서의 미적 쾌락으로서 자신의 파괴를 경험할 수있는 정도에 도달했습니다. 이것이 파시즘이 미학적으로 표현하는 정치의 상황입니다. 공산주의는 예술을 정치화함으로써 이에 대응합니다."
문장: "Fiat ars – pereat mundus", says Fascism, and, as Marinetti admits, expects war to supply the artistic gratification of a sense perception that has been changed by technology. This is evidently the consummation of "l’art pour l’art.” Mankind, which in Homer’s time was an object of contemplation for the Olympian gods, now is one for itself. Its self-alienation has reached such a degree that it can experience its own destruction as an aesthetic pleasure of the first order. This is the situation of politics which Fascism is rendering aesthetic. Communism responds by politicizing art."
설명: 이 단락은 정치, 예술, 전쟁의 관계에 대한 매우 추상적인 논의로 인해 이해하기 어렵습니다. 작가는 파시즘과 연관된 "피아트 아르스 - 페레아 문두스"(세계가 멸망하더라도 예술은 존재하자)라는 문구를 사용하여 파시즘이 전쟁을 미적 쾌락을 제공할 수 있는 예술의 한 형태로 간주한다는 것을 암시하고 있습니다. 작가는 인류의 자기 소외가 자신의 파괴를 미적 쾌락의 한 형태로 볼 수있는 지점에 이르렀다고 주장합니다. "예술을 위한 예술"(예술을 위한 예술)이라는 문구는 파시즘이 전쟁을 정치적, 사회적 결과와는 별개로 예술의 한 형태로 취급한다는 생각을 설명하는 데 사용됩니다. 마지막으로 작가는 이를 공산주의와 대조하며, 공산주의는 예술을 정치화하여 정치적 사상을 홍보하는 수단으로 간주한다고 말합니다.
사전적 의미: 완성 - 어떤 일이 완성되거나 마무리되는 시점, 자기 소외 - 개인이 자신의 본성이나 자아로부터 단절되거나 소원해졌다고 느끼는 상태.
비유와 사례: 고대 로마의 검투사 시합에 비유할 수 있습니다. 경기장에서 일어나는 실제 폭력과 죽음으로부터 단절된 관객은 이를 오락이나 예술의 한 형태로 경험합니다. 그들은 싸움을 삶과 죽음의 문제가 아니라 즐길 수 있는 광경으로 여깁니다. 이는 필자가 파시즘이 전쟁을 파괴적인 결과를 초래하는 비극적인 사건이 아니라 예술의 한 형태로 바라보는 것과 유사합니다.
나가며.
결국 발터 벤야민의 "기술복제시대의 예술작품"이란 글은, 시간과 공간이 깊이 가미된 확장된 플랫폼으로서의 예술에 대해 이야기하는 비전을 전달하였다. 벤야민의 선견지명은 우리의 현재에 보는 예술과 어떻게 작용하는지, 그리고 어떻게 예술의 새 영역을 열 수 있는지에 대해서 깊은 통찰을 제공하며 핵심을 집어냈다. 예술의 기술적 복제가 예술의 본질을 변화시키는 것이 아니라, 오히려 이를 풍부한 방식으로 뒷받침하고, 그 가치를 확장하며 또 다른 차원으로의 깨달음을 제공한다는 것.
이는 아마 꽃가루가 봄바람에 실려 다른 동료들에게 자신의 존재를 알리는 것과 같은 것일지도 모른다. 발터 벤야민의 이 글을 통해, 우리는 예술이 어떻게 시간, 공간, 기술과 함께 진화할 수 있는지, 또 그 변화가 어떻게 예술의 정체성에 영향을 미치는지에 대해 이해할 수 있게 되었다. 한 카페에서 향기로운 커피를 마실 때, 우리는 그 커피의 원두가 어디에서 왔는지, 어떠한 과정을 거쳐 우리의 테이블에 왔는지에 대해 생각하지 않는다. 그러나 원두의 여정을 알게 된다면, 그 커피의 맛은 더욱 풍부하고 깊어질 것이다. 이처럼, 벤야민은 우리에게 예술의 또 다른 여정을 보여주었으며, 그 여정을 통해 예술의 맛은 더욱 진하고 풍부해졌다.
이 글에서 얻을 수 있는 건 바로 그런 점에 있다. 이해와 인식, 그리고 열린 마음을 갖고 본다면, 벤야민의 글은 그 자체로 예술이다. 이것이야말로 기술복제시대의 예술작품의 참된 본질을 잘 보여주는 조명이며, 이런 조명 아래에서 우리는 예술의 미래를 향한 열린 포트홀을 발견하게 된다. 그리고 바로 그것이 이 글을 시대를 초월한 마스터피스로 만드는 지점이다. 이렇게 보면, 벤야민의 "기술복제시대의 예술작품"이란 세우트는 겉으로는 '예술과 기술'이라는 단순한 문장으로 채워져 있어도, 실제로는 보이지 않는 충격적인 통찰과 의미로 가득 차 있다는 것을 알 수 있다.
