Photography—Not Pictorial

Edward Weston

Photography—Not Pictorial

Edward Weston, Camera Craft, Vol. 37, No. 7, pp. 313-20, 1930

"예술은 말로 표현할 수 없는 것의 통역이다, 그리고 따라서 그것은 글의 도움으로 그 의미를 새로이 전달하려고 노력하는 것은 어리석어 보인다." 괴테Goethe로부터의 이 생각은 나에게 가슴에 와 닿았다, 나는 열성적인 지지자partisans -- 또는 정치인들에 의해 쓰여지고 말해지는 책들에서 더 많은 글을 추가하기 전에 주저하고 있다. 나는 항상 충분한 작업이 아닌 -- 예술에 관해 너무 많은 이야기가 있다라고 생각했다. 그 작업자에게는 말할 시간이 없을 것이다, 이론화하기 위해 -- 그는 실행에 의해 배울 것이다.

그러나 나는 주제 문제로서 예술과 함께 시작했었다, 하지만 나는 "회화적인 사진Pictorial Photography"에 관한 나의 관점을 쓰려고 묻게 되었다. 그것들은, 또한 유사할 수 있는가? 나는 말할 것이다, "현학자pedants가 그것을 결정하게 해 주세요!", 그럼에도 불구하고 -- 그 단어 "회화적인Pictorial"은 나를 안달나게 했다: 내가 사진을 만드는 것을 이해하는 것처럼. 우리는 충분한 사진을 만들지 못했는가 -- 수많은 화가와 에칭화가에 의한 거의 세련된 "캘린더 아트Calendar Art"? 이 분야line를 추종하고 있는 사진은 이미 나쁜 예술의 가난한 모방imitation일 수 있다. 훌륭한 화가painters들은 -- 그리고 나는 이 나라에서, 또는 그 세계에서 몇몇 가장 훌륭한 사람과의 운 좋은 접촉을 했었다 -- 열심히 흥미를 가지고 있었다, 그리고 그것이 테크닉과 뷰포인트 사이의 사진일 때 사진에 깊이 주목했었다, 그들이 할 수 없는 무언가를 했을 때; 그들은 단지 경멸했다, 그리고 마땅히, 그것이 모방 그림일 때. 그리고 그것은 대부분의 사진 -- 바로 무수한 살롱salons에서 90 퍼센트의 프린트들의 증거 -- 만일 카메라가 없는 그들이 삼류가 아니고, 또는 더 나쁘게 , 화가가 아니라면 그것들을 했던 작업과 함께 문제가 있다. 사진가는 정서적으로 한결같지 않고 멋진 화가의 작업과도 미적으로도 같을 수 없다, 둘다 뷰view에서 같은 목적을 가지고 있지 않다 -- 즉, 화가의 관점viewpoint. 그의 특별한 분야에서 사진가와 동일하게 시작할 수 있는 화가는 없다.

카메라는 그때, 표현의 수단으로서 사용되었다, 다른 어느 매체보다도 다르든 크든 고유의 품질을 가지고 있어야 한다, 만약 그렇지 않다면, 그것은 어떤 가치도 전혀 없다, 상업, 과학을 제외하고, 또는 따분한 회사원businessmen을 위한 주말 취미로서 -- 만일 그들이 예술로서 그들의 결과를 대중에게 드러내지 않는다면 그것은 멋질 것이다!

William Blake는 썼다: "사람은 거짓말을 믿게 된다, 그가 눈을 통하지 않고, 볼 때". 그리고 카메라—렌즈—는 눈을 통해 볼 수 있게 한다--바로 그것을 할 수 있게 한다, 눈을 증대시키고, 눈이 보는 것보다 더 보게 하고, 디테일을 지나치게 강조하고, 그 인간의 손이 가장 많은 기술과 노동과 함께 표현할 수 없었던, 표면, 질감textures을 기록한다. 정말로 어떤 화가는 --그의 작업이 흠을 잡고, 사소하고, 빈틈없이 되길-- 원할 것이다! 그러나 사진에서 보는 방법은 합리적이고, 논리적이다.

그래서 나에게 카메라는 클로즈업에서 최상이고, 이 렌즈 힘의 이점을 얻고 있다: 그것의 분위기 보다 오히려 그 자체의 것의 정수quintessence를 탐색하여 기록하고 있다 -- 예를 들면, 그 대상은 매력적이고, 색다르고, 심지어 연극적인, 그러나 항상 일시적인 빛의 효과들에 의해 그 순간을 바꾸었다. 그 대신에, 사물의 물리적인 질은 최대의 정밀성exactness과 함께 표현될 수 있다: 돌은 딱딱하게, 나무 껍질은 거칠게, 살결은 생생하다, 또는 그들이 바란다면 더 딱딱하게, 거칠게, 또는 더 생생하게 만들 수 있다. 한 마디로 말하면, 우리에게 사진의 아름다움을 가지게 한다!

그것은 예술—이 될 수 있는가? 누가 상관이나 알 게 뭐야! 그것은 보는seeing 것의 지극히 중요한 새로운 방법이다, 그것은 요즈음에 속한다, 그 가능성은 단지 간단히 다루게 되었다. 그래서 예술--단어에 관해 고민하는 이유는 너무 악용해서 그것이 거의 쓸모없이 된다. 그러나 토론 때문에, 좋고 나쁜 예술 사이의 차이는 그것을 만들었던 마음에 있다, 솜씨에서 보다 오히려: 좋은 전문가technician는 매우 나쁜 예술가가 될지도 모른다, 그러나 좋은 예술가는 보통 그의 생각을 더 잘 나타내는 멋진 전문가가 되게 한다. 그리고 카메라는 그것을 사용하고 있는 각 작업자와 함께 다르게 보는 것뿐만 아니라, 그 눈이 보는 것보다 더 다르게 보는 것이다: 그것은, 초점거리를 다양하게 하는 것의 그 하나의 눈과 함께, 보아야만 한다.

나는 과거의 어느 위대한 화가들이 실제로 사진적인 눈을 가졌던 느낌feeling—다른 사람들도 가진—을 도울 수 없고 이 시대에 태어났다면 그들이 카메라를 잘 사용했을지도 모른다. 예를 들면, Velazquez, Diego Rivera는 그에 대해 썼다: "Velazquez의 재능은 물리적인 세계의 이미지와 함께 우연의 일치에서 그 자체를 분명하게 하는 것이고, 그의 천재성은 그 목적을 위해 가장 적절한 기술을 그에게 선택하게 했을 것이다: 다시 말해서, 사진."

그리고 빈센트Vincent Van Gogh은 "그들 자신의 사물에 대한 느낌은 회화적인pictorial 것의 감각보다 더 매우 중요하다"고 썼다. 오늘날 살고 있는 그는 카메라를 사용하지 않을지도 모른다, 그러나 그는 확실히 오늘날의 사진에서 흥미가 있을 것이다.

사진은 결국, 많은 그림painting을 부정할 것이다 -- 화가에게 그것은 매우 고마워해야 한다; 말하자면, 그의 걱정을 덜어주고 있다, 어떤 대중의 요구로부터: 표현, 객관적인 시각. Rivera, 나는 멕시코 사진 전시회에서 어느 날 뜨거운 토론에서 우연히 들었다: "나는 어떤 현실적인realistic 그림보다 오히려 이 사진들 중의 하나를 가질 것이다: 그런 작업은 현실적인 그림을 불필요하게 한다."

지금까지 나를 추종할 만큼 충분히 흥미를 가졌던 사람들을 위해 나는 나의 작업하는 방법을 설명할 것이다. 20년 이상의 경험과 함께, 나는 결코 미리 계획을 세우지 않는다. 내가 경험에서 일지도 모르지만 내가 어떤 주제를 다룰 수 있는 것에 관해 알고 있다, 나 자신의 눈이 사전의 검색에 관해 조사하는 것보다 더 아니다, 왜냐하면 카메라의 눈은 나의 오리지널 아이디어를 완전히 바꿀지도 모른다, 심지어 나를 다른 주제로 바꾸게 한다. 그래서 나는 내가 민감하게 바라고, 기록하고 싶은 은silver 필름에서 이미지로부터 자유롭게 나의 마음과 함께 시작한다. 그 때 정말로 떨리는 초점막(focusing cloth)아래 나의 머리를 놓고, 마치 내가 소년으로서 시작했던 때처럼 나를 흥분시켰다. 그라운드 글라스(ground glass) 위에 이미지 변화를 천천히 보면서 카메라를 축으로 회전하는 것은 의외의 사실revelation이다, 사람들은 발견자가 되고, 렌즈를 통하여 새로운 세계를 본다. 그리고 마침내 완전한 아이디어는 거기에 있고, 완전히 드러났다. 사람들은 노출 전에, 명확히, 충분히 감각feel이 있어야 한다. 나의 완성된 프린트는 그라운드 글라스 위에 있다, 모든 그 가치들과 함께, 정확한 비율에서. 나의 작업에서 최종적인 결과는 셔터의 릴리즈를 언제나 고정시킨다. 끝내고, 현상하고, 프린트하는 것은 그라운드 글라스 위에 보이는 이미지에서 신중히 하는 것에 지나지 않는다. 부분을 크게 하는 것을 후에 고려하지 않고, 가치values를 바꾸는 것--그리고 물론 리터칭 없이--은 노출할 때에 완벽한 실현realization 없이 노출된 네가티브를 보전할 수 없다.

사진은 속임수를 허락하기 위해, 너무나 정직하고, 직접적이고, 타협하지 않는, 매체이다. 사람들은 포즈를 취한 몸짓에 플래시를 쓰는 것 또는 포츄레이트portraiture에서 꾸민 표현들을 적어두었다 -- 또는 풍경에서, 청명한 날은 확산된 렌즈의 사용에 의해 안개가 낀 것처럼 만든다, 또는 노출이 부족하게 되었던 일몰은 "달빛Moonlight"이란 라벨을 붙였다!

사람들이 그 사람의 마음의 주인일 뿐만 아니라 기술적인 주인master이 될 것임에 틀림없기 때문에, 사진에의 직접적인 접근은 어려운 것이다. 분명한 생각과 날카로운 결정은 필요하다: 기술은 하나의 부분 일 것임에 틀림없다, 숨쉬는 것만큼 자동으로, 그리고 그런 기술은 어렵다. 나는 할 수 있다, 그리고 노출, 현상, 그리고 몇 주 만에 훌륭히 프린트하기 위해 일곱 살 먹은 아이에게 가르쳤었다, 사진을 찍는 것picture making에서 여러 가지 스텝을 누구나 이용할수 있게 만들고 매우 단순화했던 훌륭한 제조업자들에게 감사한다: 그것은 그들 자신을 "표현하는" 쉬운 방법으로 생각하는 사람들에 의해 나쁜 사진의 범람의 원인이 되었다. 그러나 그것은 쉽지 않다! -- 프린트를 완성했던 그라운드 글라스에서 보는 것은 쉽지 않다, 최종 결과를 위한 마무리의 여러 가지 과정을 통하여 이미지를 지적(知的)으로 이끌기 위해, 그리고 그 결과가 최초에 보고 느꼈던 것을 정확하게 될 것이라는 합리적인 보증surety과 함께. 어떤 수동manual의 간섭도 허락하지 않았고, 작업하는 나의 방식에서 바라지도 않았던 그 점을 강조하는 이미지를 정신적으로 이끈다고 나는 말한다. 그렇게 고려된 사진은 가장 중요한 정확성, 그리고 가장 확실한 판단을 필요로 하고 있는 매체가 된다. 화가는, 만일 그가 바란다면, 그가 작업할 때 그의 최초의 개념을 바꿀 수 있다, 최소한 모든 디테일은 사전에 생각되지 않는다, 그러나 사진가는 결코 변할 수 없는 순전한veriest 디테일을 보아야만 한다. 종종 잠시 또는 매우 짧은 시간은 주저hesitancy없이 포착해야만 한다. 정확성에서, 보는 것에서 좋은 훈련은, 누구나 -- 특히 아이들에게도. 나는 사진에서 나 자신의 소년 중의 2명과 시작했었고 다른 2가지를 기대했다: 그들이 사진가가 될 것이라고 원하지도 심지어 기대하지 않았다, 그러나 작업의 방향이 무엇이든지 유용한 도움을 주기 위해 그들은 따라야 할지도 모른다.

나는 극히 적은 사람들을 위해 쓰고 있을지도 모른다, 아마 단 한 사람, 더 이상은 기대하지 않는다. 몇몇 사람들, 또는 한 사람을 위해서, 나는 결국 말할 것이다, 다른 미디어에 관해서가 아니라 그리고 사진적으로 생각하는 것을 배운다, 그 다음 당신은 이미 말하지 않았던 무언가를 말하려고 할 것이다. 사진의 가능성뿐만 아니라 한계를 깨달아라. 형태에 의해 억제되지 않는 예술가는, 그가 그의 최초의 감정을 국한해야 하는 범위 안에서, 창조적인 것을 할 수 없었다. 사진가는 그의 문제를 해결해야 한다, 그의 카메라 사이즈에 의해 제한되고, 그의 렌즈의 초점거리, 건판이나 필름의 정도, 그리고 사용하고 있던 프린팅 과정들: 이 한계 내에서 충분히 말할 수 있고, 그 이상은 어느 정도까지 만이다 -- 왜냐하면 사진은 시작한지 얼마 안 된다.

실제로 나는 나의 방식에 찬성하지 않고 있다. 의논argument은 참여하는 사람들에 의해 마음의 상태를 가리킨다, 그리고 여전히 유동적이기 위해, 바뀔 준비가 되어 있는, 정말로 간절히 바라는, 발전하는 유일한 방법이다. 개인의 성장은 가장 중요한 것이다. 다른 사람보다 큰 내가 아니라, 내가 작년이나 어제보다 큰 나이다. 우리 개개인이 발전의 어떤 단계에 있고 만일 우리 모두가 똑같이 생각한다면 그것은 단조로운 세계 일 것이다.

몇몇 사람들은 15년 전의 나의 작업을 기억하고 있다, 또는 더 적게, 그리고 몇몇은 나의 현재보다 나의 과거를 더 좋아할 것이다. 후자에 있어서 나는 그다지 말할 필요가 없다; 멋진 시적인 인상impressions이 그 자체의 미적인 아름다움보다 더 중요한 세계에서 그것들은 스틸still사진이다.

Seeing Photographically

Edward Weston, The Complete Photographer, Vol. 9, No. 49, pp. 3200-3206, 1943

표현의 각 매체는 그 예술가의 자신의 한계를 기화로 삼는다 -- 그가 사용하는 과정들 또는, 재료, 도구에서 가지고 있는 한계imitations들. 더 오래된 예술 형식에서 본래의 한계들은 그들이 당연시 여겼던 것을 잘 입증했었다. 우리는 음악 또는 무용, 조각 또는 글쓰기를 선택한다, 왜냐하면 우리가 말하고자 하는 것이 무엇이든지 가장 잘 표현할수 있는 특별한 매체의 프레임 내에서 우리가 느끼기 때문이다.

The Photo-Painting Standard

사진은, 비록 그것이 제100회의 생일이 지났지만, 아직 그런 일반화에 도달해야 한다. 이것이 그런 이유를 이해하기 위해, 우리는 그래픽 예술의 가장 젊은 이것의 역사적인 배경을 간단히 조사해야만 한다. 창조적인 작업을 만들려고 했던 초기의 사진가들은 그들을 안내할 어떤 전통도 없었기 때문에, 그들은 화가로부터 기성품ready-made의 하나를 곧 차용하기 시작했다. 그 신념conviction은 커졌고 사진은 단지 새로운 종류의 회화였다, 그리고 그 전문가들exponents은 화가와 같은 결과를 만든 카메라로 가능한 모든 수단에 의해 시도하게 되었다. 이 오해misconception는 예술의 이름으로 저지르게 되는 다량의 공포에 대해 책임이 있었다, 우의(寓意)적인 복장의 작품에서 흐린 초점의 현기증 나게 하는 것까지.

그러나 이것들은 단지 사진적인 시계를 되돌리기에 충분하지 않을 것이다. 실제 해로움은 적절치 않은 표준이 단호하게 확립되었다라고 하는 사실에 있었다, 예술적인 노력의 목표가 사진보다 오히려 사진보다 포토-페인팅photo-painting이 될 수 있었다. 채택된 접근은 그 과정에서 각 기초적인 진보가 사진-화가에게 극복하기 위해 단지 또 하나의 장애가 되었던 것을 사용하는 매체의 실제 성질과 함께 변화했었다. 이와 같이 화가들의 전통의 영향은 실제 창조적인 분야의 사진이 제공했던 것의 인정을 우물쭈물했다. 그 사람들은 새로운 회화적인pictorial 자원이 그들을 아주 무시하고 있었다는 것을 활용하고 발견하는 것에 가장 걱정스러워야 했다, 그리고 모조 그림pseudo-paintings을 제작하는 것에 대한 그들의 선입관에서, 모든 사진적인 가치에서 더욱 더 급진적으로 벗어났다.

결과로서, 우리가 과거의 최상의 작업을 모으려고 할 때, 우리는 주로 미학적인 것에 관여하지 않았던 사람들의 작업에서 예들을 자주 선택한다. 그것은 다게로타입daguerreotype 시대로부터 상업상의 포츄레이트에서 있다, 남북전쟁의 기록, 미국 국경 지방의 도큐멘트, 그것이 예술이든 아니든 노력없이 그 자체를 위해 사진을 훈련했던 아마추어와 프로페셔널의 작업, 우리는 여전히 최상의 현대적인 작업에 찬성할 사진들을 발견한다는 것이다.

그러나 고요하고calm, 역사적인 눈과 함께 지금 평가될 수 있는 그런 증거에도 불구하고, 오늘날 사진에 있어서 창조적인 작업에의 접근은 종종 단지 80년 전에 있었던 만큼 혼란스럽게 된다, 그리고 화가들의 전통은 여전히 지속한다, 따라서 스크린 느낌의 사용, 네가티브 위의 수공handwork, 그리고 구성의 레디메이드ready-made 규칙을 목격한다. 사람들은 그림을 만드는 데 카메라를 받아들이는 것에서 어리석은 행위를 보지 못하는 데 헛수고한다는 생각이 들지 않는다.

사진-화가들의 접근 뒤에는 스트레이트straight 사진이 순수하게 기계의 제작물이었고 따라서 예술이 아니다라고 하는 고정된 생각이 있었다. 그는 그의 과정의 기계적인 성질과 싸우기 위해 특별한 기술들을 발전시켰다. 그의 시스템에서 그 네가티브는 새로운 출발점이 되었다 -- 그 비예술적인 기원(起源)의 흔적의 최후까지 손에 의해 "개선되기"위한 첫 인상은 사라졌다.

아마 가수singers가 충분한 수로 단결해 있다면, 그들은 그들의 악기의 본질적으로 기계적인 성질 때문에 그들은 그들의 기계를 통하여 만들어졌던 소리가 예술이 아닐 수 있었다고 음악가musicians들을 설득할 수 있다. 그 때 그 음악가는, 사진-화가의 예에서 덕을 얻으면서, 그가 인간의 목소리의 부족한 모방으로 좋은 악기의 제작물을 변형 때까지 그 사운드를 해독하고 환원시키기 위해 특별한 디스크discs에 그의 연주를 기록할 수 있을 것이다!

그런 접근이 매체의 논리와 양립할수 없는 이유를 이해하기 위해, 우리는 다른 그래픽 예술을 제외하고 그것을 설정하는 사진적인 과정에 있어서의 2개의 기초적인 요인을 인지해야만 한다: 기록recording 과정의 성질과 이미지의 성질.

Nature of the Recording Process

모든 예술 중에 사진은 그 순간적인 기록 과정의 이유로 유일하다. 조각가, 건축가, 작곡가 모두는 그들의 작업이 실행의 과정에 있는 동안 그들의 오리지널 계획들에, 변화하고, 또는 추가되는 것의 가능성을 가진다. 작곡가는 오랜 긴 시간에 걸쳐서 교향곡을 만들지도 모른다; 화가는 하나의 그림을 작업하는 데 일생을 보낼지도 모르고 여전히 그것이 끝내었다고 생각하지 않는다. 그러나 사진가의 기록 과정은 연장할 수 없다. 그 짧은 기간 내에서, 멈추거나 바뀌거나 재고하는 것은 결코 가능하지 않다. 그가 그의 렌즈의 커버를 벗길 때 그 시야 내의 모든 디테일은 그것이 그의 머리에 그 장면의 유사한 것copy을 보내기 위해 그 자신의 눈으로 받아들인 것보다 아주 적은 시간에 기록된다.

Nature of the Image

그 이미지는 이렇게 사진적으로 즉시 식별하는 어떤 품질을 유지하며 순식간에 기록되었다. 우선 선명도definition의 놀랄 만한 정밀함은 있다, 특히 좋은 디테일의 기록에서; 그리고 두 번째로, 흑색에서 백색까지 무한히 미묘한 계조gradations의 완전한 시퀀스가 있다. 이 2개의 특징들은 사진의 특성을 구성한다; 그것들은 그 과정의 기계적인 부분들에 관계하고 인간의 손의 어떤 작업에 의해 복제 될 수 없다.

사진적인 이미지는 드로잉이나 그림보다 더 많이 모자이크의 성질을 가진다. 그것은 화가의 감각에서 어떤 선도 포함하지 않지만, 오로지 아주 작은 조각의 입자particles들로 구성되어 있다. 이 입자들의 극단적인 미세함은 이미지에서 특별한 긴장을 준다, 그리고 그 긴장이 파괴될 때 -- 수작업handwork의 강요에 의해, 너무나 큰 확대에 의해, 거친 표면에 프린팅하는 것에 의해, 등등 -- 사진의 보전integrity은 파괴된다.

결국, 이미지는 톤의 명도와 밝음lucidity에 의해 특성을 부여받는다, 만일 프린트가 무딘-표면 인화지 위에서 만들어진다면 품질은 유지될 수 없다. 단지 매끄럽고, 가벼운light-giving 표면은 사진적인 이미지의 빛나는 명료함을 더할 나위 없이 재현할 수 있다.

Recording the Image

그것은 사진가의 접근에서 기초적인 과정을 결정하는 2개의 특성이다. 기록하는 과정이 순간적이므로, 그리고 이미지의 성질은 교정하는 수작업handwork에서 살아남을 수 없는 것과 같다, 그것은 그 필름이 노출되기 전에 완성된 프린트가 전부 만들어져야 하는 것은 명백하다. 사진가가 진행advance에서 그의 최종 결과를 시각화하는 것을 배웠을 때까지, 그리고 그 시각화를 수행하기 위해 필요한 과정을 미리 결정하는 것, 그의 완성된 작업(만일 그것이 적어도 사진이라면)은 일련의 운 좋은lucky- 또는 운 좋지 않은unlucky 기계적인 우연성accidents을 표현할 것이다.

그러므로 사진가의 가장 중요하고 또한 가장 어려운 작업은 그의 카메라를 다루고, 또는 현상하고, 프린트하는 것을 배우고 있지 않다. 그것은 사진적으로 보는 것을 배우는 것이다 -- 즉, 그의 도구와 과정의 능력에 관해서 그의 내용subject matter을 보는 것을 배우는 것이다, 그래서 그가 만들고 싶어 하는 사진으로 그 앞에 장면에서 요소와 가치를 즉시 표현할 수 있을 수 있게 한다. 그 결과를 제어하기 위한 수단이 그 과정에서 없었기 때문에 그 사진은 결코 예술이 아니라고 사진화가들photopainters은 주장하곤 했다. 실제로, 만일 있는 것보다 조금의 통제control 수단 밖에 없다면 사진적으로 보는 것을 배우는 문제는 단순화될 것이다.

그의 카메라, 그의 카메라 앵글, 또는 그의 렌즈의 초점거리의 위치를 다양하게 하는 것에 의해, 사진가는 하나의, 정지된 주제와의 무한의 다채로운 구성들을 이룰 수 있다. 그 주제에서 빛을 바꾸는 것에 의해, 또는 컬러 필터를 사용하는 것에 의해, 그 주제에서 어떤 또는 모든 가치는 바꿀 수 있다. 노출의 길이를 바꾸는 것에 의해, 감광유제의 종류, 현상의 방법, 사진가는 네가티브에서 상대적인 가치를 기록하는 것을 바꿀 수 있다. 그리고 네가티브에서 기록되는 것과 같은 상대적인 가치들은 프린팅에서 그 이미지의 어떤 부분들에 영향을 미치는 데 더 많거나 더 적은 빛을 허락하는 것에 의해 더 한층 조절할 수 있다. 이와 같이, 그의 매체의 범위 내에서, 사진이(즉, 광학적이거나 화학적인 성질) 아닌 통제의 어떤 방법을 쓰지 않고, 그 사진가는 사실에 충실한 기록에서 그가 선택하는 어떤 범위 내에서 벗어날 수 있다.

이 통제 능력의 매우 풍부함은 창조적인 작업에 대한 장벽으로서 종종 역할을 한다. 비교적 소수의 사진가들은 그들의 매체를 전혀 마스터하지 않는다는 것이 사실이다. 그 대신에 그들은 그것들을 마스터하기 위해 그 매체를 인정하고 새로운 인화지의 새로운 렌즈에서 새로운 장치의 새로운 현상액까지 끊임없는 되풀이를 하게 한다, 결코 그 충분한 능력을 배울 만큼 충분한 장비의 한 부분으로 머무르지 않으면서, 그들은 그것을 어떻게 처리해야 하는지에 관해 모르기 전에 거의 사용하지 않은 기술적인 정보의 미로에 열중하고 있다.

단지 오랜 경험은 사진가가 회화적인 목적을 위한 기술적 고려를 종속시키는 것을 가능하게 할 것이다, 그러나 그 작업은 그것들에 열중하고 더 쉬운 가능한 장비와 과정들을 선택하는 것에 의해 끝없이 쉽게 만들어 줄 것이다. 하나의 렌즈, 하나의 필름과 하나의 인화지의 범위scale에 관해서 아는 것은, 몇 개의 다른 세트의 도구들에 관한 피상적인 지식을 모으는 것보다 더 좋은 것을 이룰 것이다.

사진가는 전체로서 그의 과정을 고려하기 위해 시작부터 배워야만 한다. 그는 "정확한 노출", "완벽한 네가티브" 등에 걱정해서는 안된다. 그런 개념들은 단지 신화(神話, mythology)를 광고하는 것의 산물에 지나지 않는다. 오히려 그는 주어진 프린트를 만들기 위해 필요한 네가티브의 종류를 배워야만 한다, 그리고 그 다음 노출의 종류와 네가티브를 만들기 위한 필요한 현상의 종류. 그가 이 필요성들이 하나의 프린트에 대해 어떻게 충족시키는지에 관해 알 때, 그는 다른 종류의 프린트를 만들기 위해 그 과정을 바꾸는 방법을 배워야만 한다. 게다가 그는 컬러를 그것들의 단색monochrome의 가치로 바꾸는 것을 배워야만 하고, 빛의 질과 장점을 판단하는 것을 배워야 한다. 연습과 더불어 이런 종류에 관한 지식은 직관적으로 얻게 된다; 사진가는 그것을 수행하기 위해 필요할 단계들을 위해 의식적으로 고려하지 않고 그의 완성된 프린트에 관해서 장면이나 대상을 보는 것을 배운다.

Subject Matter and Composition

지금까지 우리는 사진적인 시각seeing의 기술을 생각하고 있었다. 지금 우리는 이 카메라-비젼이 주제 내용과 구성의 분야에 어떻게 적용하는지에 관해 알아야한다. 사진에 적절한 주제 내용과 다른 그래픽 예술에 더 적당한 것 사이에서 그리는 것은 전혀 불가능하다. 그러나, 그것은 가능하다, 매체의 특별한 성질에 관한 우리 지식과 과거 작업의 조사에 근거하여, 사진가에게 보답할 노력의 어떤 분야들을 제안하기 위해, 그리고 그가 피해야할 다른 것을 지적하기 위해.

가장 멋진 사진의 기술로 만들었을지라도, 언급된 사진-화가의 작업은 성공할 수 없었다. 사진은 근본적으로 한 주제의 표면적인 외관을 기록하는데 너무나 정직한 매체이다. 그것은 화장make-up 이면의 배우를 폭로하고 인위적이고, 평범하고, 인공적인, 그것들이 실제인 것을 위해 노출시킨다. 그러나 그 카메라의 타고난 정직은 거의 매체의 한계라고 간주될 수 있다, 당연히 화가에 속한 주제 내용의 종류를 제외하고. 다른 한편으로 그것은 사진가에게 사물의 성질을 깊이 들여다보게 하고, 그것들의 기초적인 리얼리티에 관하여 그의 주제를 나타낸다. 그것은 보는 사람beholder이 실제 대상보다 더 사실이고 이해할 수 있는 재현된 이미지를 발견할지도 모르는 것을 그런 명백한 통찰과 함께 그의 렌즈 앞에 있는 것의 본질을 드러내는 것을 그에게 가능하게 한다.

그것은 유감스럽다, 줄잡아 말하더라도, 엄청난 능력의 사진은 대부분의 그 전형exponents에 의해 무시되거나 눈감아주는 새로운 방식에서 새로운 사물을 드러내기 위해서이다 -- 그러나 그와 같은 것은 그 경우이다. 오늘날 화가의 전통의 약해지고 있는 영향은, 우리가 살롱 심리Salon Psychology라고 부를지도 모르는 것과 바꾸게 되었다, 영향력force은 독창적인 창조적 비젼의 어떤 조짐을 낙담시키고 있고 거짓 표준을 확립하는 것에 의한 사진적인 진보에 그와 같은 제한을 미치고 있다.

오늘날의 사진가는 예술로서 그것을 인정하기 위해 수채화wash drawing와 닮은 그의 사진picture을 반드시 만들 필요가 없다, 그러나 그는 "구성의 규칙"들을 따라야 한다. 그것은 현대의 묘책nostrum이다. 지금 사진을 만들기 전에 구성의 규칙들을 참고하는 것은 산책하러 가기 전에 인력의 법칙(the law of gravitation)을 참고하는 것과 조금 같다. 그런 규칙들과 법칙은 기정사실로부터 추론된다; 그것들은 반성reflection과 조사후after-examination의 제작물이고, 결코 창조적인 힘의 부분이 아니다. 주제의 내용이 예상된 패턴에 꼭 들어맞게 할 때, 어떤 비전의 새로움freshness도 없을 것이다. 다음의 구성의 규칙들은 단지 회화의 진부한 표현의 지루한 되풀이를 가져오게 할 것이다.

좋은 구성은 단지 주제를 보는 가장 강한 방법이다. 그것은 가르쳐질 수 없다 왜냐하면, 모든 창조적인 노력처럼, 그것은 개인적인 성장의 문제이기 때문이다. 다른 예술가들과 같이 사진가는 그의 주제에 그 자신의 반응을 다른 사람들에게 전달하기 위해 그의 완성된 프린트를 원한다. 이 목적의 수행에서, 그의 가장 큰 장점은 그가 사용하는 과정의 단순명쾌함directness이다. 그러나 이 이점은 만일 그가 최소한의 필요한 것에서 그의 장비와 기술을 단순화하고, 그의 접근을 모든 공식, 예술-교리, 규칙, 그리고 금기로부터 자유롭게 한다면 단지 유지될 수 있다. 그때서야 그가 살고 있는 세계의 성질을 드러내고 발견하는 것에서 사용하기 위한 그의 사진적인 시각sight을 발휘할 수 있다.