한국의 기하학적 추상미술

기하학적 추상미술은 기하학적 형태, 원색의 색채, 화면의 평면성을 강조하는 회화의 한 경향이다. 서구에서는 피에트 몬드리안(Piet Mondrian), 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky), 카지미르 말레비치(Kazimir Malevich)의 작업을 통해 기하학적 추상이 처음 등장했고, 20세기 내내 현대미술의 주요한 경향으로 여겨졌다. 국내에서도 기하학적 추상은 1920~30년대에 처음 등장해 한국 미술사의 주요 변곡점마다 각기 다른 양상으로 존재해 왔고, 1960년대 말부터 1970년대 중엽까지는 기하학적 추상의 시기로 불릴 만큼 이러한 경향이 확산하기도 했다. 이에 비해 기하학적 추상에 대해서는 장식적인 미술이라거나 한국적인 정서와는 거리가 먼 예술이라는 평가가 늘 뒤따랐고, 그로 인해 한국 미술사에서 중요도가 다소 낮게 평가되어 온 측면이 있다.

«한국의 기하학적 추상미술»은 1920년대부터 1970년대를 중심으로 국내에서 전개된 기하학적 추상미술의 역사를 조망하고자 마련되었다. 특히 이번 전시에서는 기하학적 추상이 미술의 영역을 넘어 건축이나 디자인 등 연관 분야와 접점을 형성해 왔고, 당대 한국 사회의 변화와도 연동하면서 한국 미술의 외연을 확장하는 역할을 해왔다는 점을 부각해 소개하고자 한다. 추상은 외부 세계의 모습이나 사회적 현실과 무관한 미술로 알려져 있지만, 실상 한 시대의 산물이다. 기하학적 추상 역시 그것이 만들어진 당대 한국의 사회적, 역사적 상황과 밀접하게 연관되어 있다.

조선인을 대상으로 하는 극장이었던 단성사와 조선극장에서 당시 힙스터인, 모던보이와 모던걸을 대상으로 기하학적인 구성과 원색의 색면을 사용한 추상적인 디자인을 사용해서 주보를 만들었다. 영화 리플랫이라고 생각하면 될 듯.

미츠코시 경성, 오늘날 신세계 백화점이다.

저 당시 문화적 충격이 상당했을 듯.

건축무한육면각체 / 이상

알고보니 백화점 후기. 백화점 내외부의 기하학적 외형을 언어를 통해 묘사했음.

유영국

우리나라에서 기하학적 추상은 일반적으로 인쇄물의 표지 디자인이나 다방, 백화점의 인테리어에 주로 활용되었음. 그래서 유영국 작가의 작품보고 김환기 화백이 마치 새로 생긴 다방의 실내장식처럼 유행만 따를 뿐, 아무 내용도 없는 그림이라고 혹평 했다고 함.

잡지 제일선

우리나라 최초의 종합잡지였던 ‘개벽’에서 이름을 바꿔 재발간한 잡지.

당시에는 총독부의 검열과 탄압으로 인해 잡지가 폐간되면 명칭을 바꿔 재발간함.

개벽 역시 폐간 후, 혜성이라는 이름을 거쳐 제일선으로 다시 발행함.

표지에 기하학적인 추상이 자주 등장하는 것은 기본적으로 검열을 피하기 위함이었지만, 근대의 혁신적 이미지와 계몽의 이념을 시각적으로 전달하는 데 적합함.

역시 천재, 시대를 앞서갔다.

변영원

이 작품을 이루는 모든 것은 점과 선, 면으로 이루어져 있습니다. 화면에 포착된 세상의 모습은 이렇게 단순한 기하학적 형태로 치환되고 있죠. 점, 선, 면에 기초한 변영원의 기하학적 추상미술은 이후, 원의 구조에 기초한 화풍으로 다시 변화하게 됩니다.

이상욱

그의 작품은 일반적인 기하학적 추상과는 다른 독특한 특성을 보여줍니다. 자연의 대상을 완벽한 기하학적 형태로 단순화하는 대신, 부드러운 선과 형태를 기반으로 서정적인 화풍을 추구한다는 점입니다. 이와 더불어, 일필휘지를 바탕으로 한, 절제되면서도 자유로운 서체적인 추상 역시 그의 추상 세계의 한 축을 이루고 있습니다.

한국의 바우하우스

바우하우스가 제1차 세계대전 이후 새로운 시대를 여는 과정에서

미술가, 건축가, 디자이너의 역할이 중요하다는 점을 인식했던 것처럼,

신조형파 작가들 역시 한국전쟁 이후 파괴된 나라를 다시 세우는 과정에서

미술과 건축, 디자인이 어떤 역할을 할 수 있는지를 모색하려 했습니다.

이런 이들에게, 과학과 기술이 발전한 현대사회에 어울리는 미술은

합리적인 기준과 질서를 바탕으로 하는 기하학적 추상미술이었습니다.

그들은 자신들의 작품을 단순한 미술품으로 전시하는 것에 그치지 않고

산업 생산품에도 적용해 경제적 이익을 창출하고자 했습니다.

이를 통해 전쟁 복구에 여념이 없었던 국가의 발전에 이바지하는 것이

신조형파의 최종적인 목표였다고 할 수 있습니다.

김충선

김충선은 기하학적인 형태로 재구성된 대상을 다양한 색채로 표현하는 기하학적 추상 형식의 화풍을 선보였는데요, 대상을 원색의 색면으로 분할하고 평면성을 강조하면서도 물감을 두껍게 발라 화면의 질감을 강조하는 것이 당시 그의 작품의 특징

정말 물감을 꾸덕하게 발라서 질감이 엄청남.

홍익대학교 서양화과에서 함께 공부하던 젊은 미술가 4인방이 한국 화단에 한바탕 파란을 일으킵니다. 당대 미술계에서 최고의 권위를 지니고 있던 ‘대한민국미술전람회’, 이른바 ‘국전’에 반기를 내걸며 ‘반(反) 국전 선언’을 발표했던 겁니다.

김충선, 김영환, 문우식, 박서보로 구성된 이들 4인방은 아카데미즘을 기반으로 한 구상적인 작품들을 선호했던 국전의 보수적인 성향을 강한 어조로 비판하면서, 새로운 미술 운동을 기치로 ‘4인전’을 개최합니다.

크... 멋지다.

문인화적인 전통을 바탕으로 미술에 입문한 세대. 그림이란 그리는 사람의 마음과 생각, 인격의 반영이라고 보는 이들에게, 자연 역시 단순한 그림의 소재가 아니었음. 그리는 사람의 마음과 정신을 담아내는 매개이자 그 자체로 그림 속에서 살아 생동하는 존재로 여겼던 것.이 작가들의 기하 추상 작업이 완벽한 질서와 균형에 기반해 엄격한 기하학적 형태를 보여주는 대신, 자연이 지닌 부드러운 선과 형태에 기초한 추상을 담아낸다.

이준은 자연을 평면화해 삼각과 사각형, 동그라미를 조형 요소로 삼아 자연을 그려냈습니다.

이렇게 고향 남해의 모습을 기하학적 조형과 연계한 작품에

그는 ‘고요하게 고향을 기리다’라는 뜻의 ‹송-유향(頌-幽鄕)› 같은 제목을

붙이는 것으로 서정적 분위기를 더했습니다.

그의 작품에서 돋보이는 따뜻한 색채와 서정적 작품명은 기하학적 형태가 가지는 차가운 이미지를 대체시키고 있습니다. 자연의 이미지를 완전히 배제하지 않는 추상이라는 점에서 이준의 작품은 독자적인 기하학적 추상회화를 보여줍니다.

이 그림 현장에서 보면 정말 멋짐.

색동 만다라 시리즈

만다라는 사각형이나 원 같은 기하학적 형태와 불교의 상징적 도상을 통해 부처나 보살의 가르침과 불교의 세계를 상징적으로 묘사하는 그림입니다. 만다라가 지닌 정신적이면서도 우주적인 의미에 매료된 전성우는 이후, 50년이 넘는 시간 동안 만다라라는 주제 아래 자연과 인간, 우주의 신비를 펼쳐냅니다.

서양 중심의 추상회화가 미술의 주류가 된 시점에서, 그는 만다라 속의 기하학적인 조형과 한국적인 미감을 어떻게 연결할지에 대해 많은 고민을 거듭합니다. 그 결과 나온 그의 그림은 기하학 문양이 대칭적으로 반복되는 일반적인 만다라 그림과는 달리, 스밈과 울림을 강조하면서 동양적인 철학을 표현합니다.

20세기 한국의 추상 미술을 이끈 대표적인 화가, 김환기는 사실 구상과 추상을 모두 섭렵한 작가입니다.

강과 산, 달과 구름 같은 한국적인 정서를 단순하고 절제된 조형 요소를 통해 표현했던 그는, 완전한 추상미술로 전환한 이후에도, 자연과 고향, 그리움의 정서를 잃지 않았습니다.

1960년대 초반의 작품들은 산과 달, 구름 같은 자연의 대상을 단조로운 이미지와 구성, 그리고 청색의 톤으로 표현합니다. 고향 앞바다의 물색과 닮았다는 이 청색은, 이후 김환기의 대표적인 색이 됩니다.

산업과 건설, 과학의 발전을 통해 나라를 부강하게 만들고자 했던 이 시대의 열망이 기하학적 추상이라는 표현 양식과 맞아떨어지면서, 시대적 상황을 반영하는 미술로 넘어감.

서승원이 말하는 동시성이란, 눈에 보이는 가시적인 세계와 눈에 보이지 않는 비가시적인 세계를 한 화면에 동시적으로 담아낸다는 것을 의미합니다. 엄격하고 단순한 기하학적 패턴으로 구성된 초기의 동시성 그림들은 마치 자로 대고 그린 그림처럼 명확한 형태와 원색의 색조에 기반하고 있습니다.

하지만 1970년대부터는 그림의 양식이 변하는데요, 은은한 색조의 바탕 위에 사각형의 형태들이 부유하는 듯 보이게 함으로써 화면 속의 공간감을 부각하는 작품으로 변화를 시도한 것입니다. 동시성을 통해 눈에 보이지 않는 정신세계와 정체성을 탐구합니다.

핵 시리즈 / 이승조

‘핵’은 모든 물질의 기본이 되는 요소, 즉 핵심을 의미하죠.

이승조에게는 파이프 같은 원통과 원기둥 형태가 가장 기본적이면서도 주요한 조형 요소이자 모티브가 되었는데요, 그는 이 핵 시리즈를 통해 조형적인 질서의 본질을 탐구하기 시작합니다.

단단한 금속의 파이프를 연상시키는 그림에 ‘핵’이라는 제목까지 붙여졌기 때문에, 그의 그림은 핵발전을 동력으로 산업화를 이루었던 당대 한국사회의 상황과 연계돼 해석되는 경우가 많았습니다.

김인환

서양적인 양식을 무비판적으로 수용하던 당시의 한국현대미술의 현실을 비판적으로 바라보며, 진정한 나의 것, 우리의 것은 무엇인지 고민했던 그의 작업은 이 전시 이후, ‹단청 시리즈›로 이어집니다.

한국의 전통 건축물에서 찾아볼 수 있는 기하학적인 조형과 오방색에 기반한 단청의 색조를 연계한 작업인데요, 곡선과 직선이 어우러진 한국 건축물의 특성을 조형적으로 분석하고, 건축물의 구성요소를 해체해 재배치하고 반복함으로써 대상에 대한 추상적인 접근을 시도한 것입니다.

‹69-E8›, 윤형근

윤형근은 김중업이나 김수근 같은 당대의 대표적인 건축가들과 교류하며 미술과 건축의 관계성에 주목했던 작가입니다. 다수의 드로잉과 소품을 통해 자신만의 조형언어를 모색해나가던 1960년대 그의 작품은 주로 밝은 색채의 추상화였습니다.

1970년대 이후, 그의 작업은 개인적인 고난과 함께 변화를 겪게 됩니다. 1973년, 중앙정보부에 끌려가 고초를 겪은 뒤,청다색의 어두운 색조에 기반한 표현적인 추상 작품이 주로 제작되기 시작

1950년대 한국전쟁이 끝난 후, 한국의 미술계는 앵포르멜 운동이 주도하게 됩니다.

감정의 표현을 중시하는 추상이라고 할 수 있는 앵포르멜은, 전쟁 때문에 깊은 상처를 입은 한국의 미술가들에게 많은 영향을 미쳤는데요, 하종현은 이런 앵포르멜 미술 운동을 이끈 대표적인 작가입니다.

빠르게 변해가는 도시의 모습을 기하학적인 형태로 표현한 이 작품은,

하늘을 향해 뻗어나가며 확장되는 도시를 마치 위에서 내려다본 것처럼 연출하고 있습니다.

이 그림은 당시 급속히 진행되던 도시화 계획과 밀접하게 연결돼 있는데요,

1965년부터 서울에서는 도시개발 사업이 본격화되면서,

반듯하게 구획된 도시의 구조 위에 새로운 건축물들이 들어서게 됐습니다.

이런 현대적인 도시의 모습이 시각화되면서

기하학적이고 건축적인 구조와 이미지에 대한 관심도 높아지게 됩니다.

최성철

당시 실험미술과 추상미술을 주도했던 젊은 미술가 그룹들과 거리를 두면서 독자적인 활동을 펼쳐 나갑니다.

그리고 기존의 회화와 구분되는 작품을 제작하기 위해 자신만의 방법을 찾아나가기 시작합니다.

전통적인 그리기 방식을 벗어나 면을 분할하고 큰 붓으로 분할된 면을 채색하는 방식은 이런 노력의 일환이었는데요, 이 시기 그려진 그의 작품들은 당대에 건설된 고속도로나 고층빌딩의 모습을 연상시킵니다.

인테리어 10

‹인테리어› 연작은 1960년대에 제작된 그의 대표작인데요,

이 연작은 크게 두 가지 경향으로 구분됩니다.

우선, 점, 선, 면, 그리고 삼각형과 사각형 같은 기초적인 조형 요소와 기하학적인 구성을 강조하는 경향의 작품들입니다.

다음으로는 색면의 대비를 강조해 옵티컬한 특성이 두드러지는 경향의 작품들이

있는데요, 이번 전시에 출품된 ‹인테리어 10›은 이 가운데 후자의 특성이 강하게 드러나는 작품입니다.

마름모꼴의 사각 형태를 화면에 반복적으로 배치함으로써, 마치 화면이 입체적으로 움직이는 것 같은 착시 효과를 주는데요, 이 작품은 제목에서부터 건축과 디자인과의 관계성을 두드러지게 부각하고 있습니다.

우주 전체의 만물이 서로 연관되어 생성하고 변화한다는 합존 조형론 / 변영원

변영원은 1960년대부터 70년대까지, 원색의 바탕 위에 반듯한 원을 다양하게 배치한 작품들을 제작합니다.

밝은 색조와 원형의 기하학적인 형태를 강조한 이 작품들은 작가의 독자적인 조형론에 바탕을 두고 있는데요, 그는 세상의 모든 물체가 원자로 이루어져 있듯이, 이 세상의 모든 대상 또한 단순한 선과 색으로 환원될 수 있다고 생각했습니다.

따라서 선과 색만으로 이루어진 추상미술이야말로 미래의 원자 시대를 대변할 수 있는 미술이라고 믿었죠.

그런 점에서, 그림에 표현된 동그랗고 반듯한 원은 세상의 기본 요소인 원자를 연상시키도 하는데요,

이런 사상을 바탕으로, 그는 물리학 같은 현대과학과 동양의 음양 사상을 조화시킨 ‘합존 조형론’을 만들어냅니다.

이성자

<극지로 가는 길›은 작가가 비행기를 타고 알래스카 위를 지나갈 때, 차창 밖으로 보이는 극지 풍경을 보며 구상하게 됐다고 하는데요, 이 연작들에서는 드넓은 창공과 산맥, 그 사이를 맴도는 단청색의 띠와 반원, 선과 점들이 환상적인 분위기로 반짝이고 있습니다.

금색운의 교차 / 한묵

노랑과 주황색의 사각형, 마름모들이 꼬리에 꼬리를 물며 나선형의 금빛 소용돌이를 만들어내고 있습니다.

반복적인 선과 교차하는 색은 화면의 공간 위에 리듬을 불러일으킵니다.

작가가 만들어낸 이 리듬은 순환하는 우주의 리듬과 일맥상통하는데요, 한묵은 1969년, 미국의 아폴로 우주선이 달에 착륙하는 것을 목격하며, 한동안 붓을 들 수 없을 정도로 커다란 충격을 받았다고 합니다.

이런 충격은 무한한 상상력을 자극하는 영감의 원천이 되었다고 합니다.

겨울인데 가을이었다.