Phantom Image Maker 3

1. 듣기 좋게 vs 그렇게 들리게 (좋은 소리 vs 메시지 전달)

먼저
'듣기 좋게'라는 생각은

믹싱 작업을 하면서

가장 하기 쉬운 접근 방법이다.
(나도 그랬던 적이 있다.)

그리고 기준도 정할 수 없는

'좋은 소리'라는 환상으로

맹목적인 작업을 한다.

그러다가 어느 날 깨닫는다.

아티스트의 속성에는

'자각'이라는 영역이 있다는 걸...
 
스스로의 표현에 대해서
능력이 되는 한계까지
충분히 생각하고
정리하고
스스로 확인하고
그리고 자기표현에 대해

확신을 갖게 되는

그 경험들.

그래서

그 자각 이후에
정말 중요해지는 부분이
바로 '메시지 전달'이다.

메시지 전달에는 분명한 방향성이 존재한다.

스스로의 작품에서 하고 있는
이런 이야기를,
사람들은 이렇게 듣고,
그 사람들이 이렇게 이해해줬으면 하는
아티스트의 의도가
작품에 그대로 스며든다.

믹싱 작업은
그래서 더 '왜?'라는 이유가 필요하고

예술적 영역에 들어가는 것이

더욱 중요해진다.

이 이야기가

뒤에는 기술적이고

복잡한 구조의 단어들로 가득 차게 될

시작이 된다.

아티스트가 1차 녹음 작업을 마친

(믹싱 작업을 하면서 아무리 아쉬워도

아티스트의 최선을 의심하지 말자.

최종적인 소스는 아티스트도

개인적인 스스로의 한계점을 충분히 느낀

그런 결과물이다.)

그 재료들로
믹싱 아티스트는 다음으로 이어서

무엇을 하게 되는가?

'노래의 목적과 작업 목표의 설정'이
그 시작인 이유이다.

믹싱 작업 이야기를 시작하면서

이런 이야기가 앞에 있는 것은
엔지니어의 맹목적인 업무 영역

(듣기 좋게, 좋은 소리)에서

'아티스트의 영역'

(그렇게 들리도록 만드는)으로
몇 단계 끌어올리고 싶다면
이 장의 내용을 충분하게 숙고해보고
계속 다시 생각해봤으면 하는 의미에서다.

이 장에서는 아래의 내용들이 이어진다.

- 믹싱의 목적
- 왜? 에 대한 응답
- 당위와 역설
- 모더니즘과 포스트 모더니즘의 차이
- 곡 분석과 믹싱
- 믹싱 작업의 분기점

    (과거 믹싱과 현대적 믹싱의 차이)
- 아티스트 vs 엔지니어
- 표현법에 대한 단상
- 믹싱 접근법

작업에 들어가기 전에
어떤 생각으로 시작할 것인가에 대한
제일 밑바탕이 되는 영역의 이야기들이다.

이 일을 20여 년 해오면서

개인적인 바람이 있다.

'믹싱 아티스트'
이 영역의 사람들이
예술성을 인정받았으면 하는 바람이다.
그 예술성에는 예술가 고유의

철학적인 바탕이 있어야 한다.

공부할게 엄청나게 많다는 걸

이미 충분히 겪을 만큼 겪어서 잘 알고 있다.

신기술이 나오고

새로운 기법을 공부하고 연습해야 하고

새로 출시된 장비 매뉴얼을 공부하고

몸이 바로 반응하도록 익을 때까지 연습해야 된다.

현장에서 듣는 기사님

(이 소리를 듣기 시작한 지 20년이 넘은

아직도 익숙해지지 않는 최악의 호칭이라고 생각한다.)이라는 호칭은 

같은 예술 영역에 있으면서

이방인이 된 듯한 느낌이다.

(요즘엔 엔지니어님이라고도 불린다.

더 적응이 안된다.)

그보다 작업에서 예술성을 인정받는

'동료 아티스트'로 이름이 불리거나

형, 동생의 위치가

오히려 더 좋겠다는 이야기다.

믹싱 아티스트는 솔직히 기사님으로 불릴 기술자들이 아니라고 생각한다.

(기사님으로 불리는 걸 좋아하는 사람도

분명히 있을 것 같긴 하다.)

믹싱 아티스트는

음악가의 연주를

청자들에게 최상의 상태로 전달하기 위해

가공, 재생산, 최종적으로 고정하는

음악 분야에서 또 다른 영역의 예술가들이다.

녹음된 원 소스와

믹싱 아티스트의 손길을 거친

작업 후의 소리를 비교해 볼 기회가 있다면
예술가로 충분히 수긍할만한 변화들을

확인할 수 있겠지만 

안타깝게도 이런 확인을 허용할 아티스트는 없다.

그리고 그 확인에 동의할 믹싱 아티스트도

없을 거라고 생각한다.

그래서 같은 비밀을 공유한 동료로

인정받았으면 좋겠다는 이야기다.

여러 사람의 공동작업이 음반, 음원 작업이다.

'같이 일하는 사람들이 같은 목적을 갖게 되는'

그 이상적인 상황이 된다면

그 작품은 채 1%가 되지 않는

대중적 성공과는  별개로

그 작업에 참여한 모두에게

충분한 만족감을 줄 수 있는 결과가 될 수 있고

다음 작업을 기약할 수 있는

바탕이 될 수 있다고 생각한다.

다음 이어지는 이야기는
'믹싱의 목적'이다.

아티스트의 작품 의도에 부합되면서
추가로 어떤 부분들이 더해지는지에 대한
구체적인 내용들을 이야기해보려고 한다.

내용은

페이스북에 책으로 출간되었으면 하고 써 놓았던

짧은 단상들과 에피소드, 부연설명 그리고

필요하다고 생각되면 기술적인 내용들이 포함될 예정이다.

(모두 에피소드라는 이름으로 첨부할 예정이다.)

단상이나 에피소드, 부연 설명까지는

이 분야의 문외한이더라도

믹싱 아티스트의 생각이나 작업을

쉽게 이해할만한 내용들이 될 것으로 생각한다.

아래는 약간 딱딱한 느낌으로 설명한 믹싱에 대한 부분이다.

믹싱(Mixing or Mixdown)의 정의는 사실 딱히 규정이 되어 있는 것이 없다. 마이크로폰 ·레코드 플레이어 ·테이프 리코더 등 몇 개의 출력 전기신호를 조정하여 에코(echo:메아리)나 잔향 등의 특수효과를 가하여 완성한 프로그램 음성 [네이버 지식백과 두산백과]

모두의 네이버가 설명하는 믹싱의 설명 요약 글이다. 이해가 되는가?

일반적으로는 혼합하는 것을 뜻하며, 음성 관계에서는 둘 이상의 음원으로부터의 입력을 혼합 회로로 혼합하는 것. 그 후 증폭하여 레벨을 조정해서 여러 가지 효과를 내는 데 사용한다. 또 영상 관계에서는 둘 이상의 영상을 혼합 합성하여, 예를 들면 화면 중에 흰 문자를 넣는 다든지(super impose), 오케스트라의 원경(遠景)에 지휘자의 클로즈업을 겹친 다든지 하는 영상 특수 효과 장치에 이용한다. [네이버 지식백과]  믹싱  [mixing] (전자용어사전, 1995. 3. 1., 월간전자기술 편집위원회)

이 역시 네이버의 지식백과 전자용어 사전에서 설명하고 있는 믹싱에 대한 글이다.

지난 20여 년 녹음, 믹싱, 마스터링을 하면서 살아온 나는 이런 글을 찾아 읽으면서 

‘과연 내가 무엇을 하고 있는가?’라는 질문을 하곤 했다.

내가 원하는 대답에 가장 가까운 답은 책에 있었다.

장인석 교수님의 책 ‘더 레코딩’에 이렇게 쓰여 있다. ‘콘솔 페이더와 팬 포트, 컴프레서와 이퀄라이저 등의 시그널 프로세서 그리고 리버브와 딜레이 시스템, 코러스, 플랜저, 피치 시프터 등의 타임 베이스 이펙터로 곡에 역동성을 부여하는 창의적인 음향 처리 과정이다,’ [더 레코딩 p.468 장인석]

말을 풀이하자면 맨 뒤의 문장이 믹싱이라는 단어의 거의 모든 것을 설명한다.

‘곡에 역동성을 부여하는 창의적인 음향 처리과정’

이 책을 읽기 시작하는 여러분이 잊지 않았으면 하는 부분이 바로 이 말이다.

---

* 에피소드 1-1

[연주의 본질과 목적의 선명성에 대한 단상]

연주자의 행위는 연주하는 악기마다 차이가 있다.
그러나 지극히 단순한 동작에 감성이 연결될 때 비로소 연주가 된다.

드럼은 때리고 밟는다.
기타는 누르고 튕기고 훑는다.
피아노는 밟고 누른다.

대부분의 악기는 두세 가지 정도의 동작이 전부이다.
(말로 하니 진짜 쉽고 간단하다)

그래서 연주자들은 그 동작이 어려워지면
(많이 움직이고, 난해하게 움직이면)
연주를 잘하는 것으로 생각하기 쉽다.

그리고 그렇게 움직이는 연습에 집중한다.
그러면서 왜 연주를 하고
왜 연습을 하는지 잊어버리기 정말 쉬운 상태가 된다.
제일 원하는 최종 목적은 그렇게 잊는다.

당신은 왜 연주를 하는가?
더 근본적으로
왜 음악을 하는가?

이 부분의 고민이 필요하다.

------------ * -----------

모든 연주의 목적은 단 하나다.

'노래가 갖는 느낌을 소리로 전달(표현)하려고'

그렇다. 목적은 단 하나다.
노래에 딱 맞는 울림을 만들려고
두세 가지 동작으로 그걸 표현하려는 것이다.

사람들은 이 변할 수 없는 목적을 잊는 경우
연주가 아니고 알량한 자기 자랑을 하게 된다.

'이렇게 어렵게 때리고, 이렇게 복잡하게 밟을 수 있어'
'이렇게 빠르게 누를 수 있고, 줄을 튕길 수 있어'...

녹음 일을 20년 즈음하게 되니
이제 본질을 정확하게 알게 되는 거 같다.

자랑을 보고 싶지 않다.
(그러기엔 보이는 게 너무 단순해서 재미없다)
감성이 녹아있는 소리를 듣고 싶다.
그리고 그 소리에 공감하고 싶다.

제발 잊지 않았으면 좋겠다.
연주를 하고 있는 당신이 진짜 원하는 건
어렵게 움직이거나, 빠르게 누르는 게 아니다.
그 행위로 만들어진 소리가 지금 연주하는 곡에서
어떤 울림으로 표현되어야 하는지에 대한 답이다.

연주의 목적에 이보다 선명한 이유가 어디 있겠는가?

------------- * -------------

연주를 잘 못할 수는 있다.
그러나 목적이 분명한 소리는
미숙하더라도 충분히 공감을 끌어낼 수 있다.

연주는 잘하면서 목적 없는 소리는
오히려 소음에 가깝다.
뭘 하려는지 모르겠는데

무슨 의미가 있겠는가...