마크 로스코 : 치유적 예술에 관하여
작년 여름, 페이스 갤러리에서 마크 로스코의 전시를 본 적이 있습니다. 이우환 화백의 그림과 함께 진행되는 전시였죠. 조금 늦은 감이 있지만 오늘 마크 로스코와 그의 예술, 그리고 그의 작품에 내재된 치유적 요소들에 관해 글을 적어보려고 합니다.
1. 마크 로스코는 누구인가?
마크 로스코(Mark Rothko). 이름부터 뭔가 철학적인 느낌이 나지 않나요? 이 남자, 단순한 화가가 아닙니다. 그는 20세기 현대 미술을 대표하는 화가 중 한 명으로, 추상 표현주의(Abstract Expressionism)의 선구자로 평가받는, 색과 형태를 통해 인간의 존재를 탐구했던 예술 철학자였죠. 그의 캔버스는 단순한 화판이 아니라, 사람들의 감정을 쏟아붓게 하는 치열한 감정의 실험장이었습니다.
처음부터 그가 커다란 색면 추상화를 그린 건 아니었습니다. 젊은 시절에는 표현주의적 인물화와 도시 풍경을 그렸어요. 하지만 점점 "이렇게 살아서는 안 되겠다"는 생각이 들었는지, 1940년대 후반부터는 자신만의 방식으로 회화의 본질을 탐구하기 시작합니다. 그렇게 나온 결과가 바로 색면 회화(Color Field Painting), 즉 거대한 캔버스에 두세 개의 색을 겹겹이 쌓아올린 작품들이죠.
여기서 한 가지 짚고 넘어갑시다. 사람들은 가끔 로스코의 그림을 보고 "이게 도대체 뭐야? 그냥 네모 두 개 그려놓은 거 아냐?"라고 말합니다. 하지만 이건 단순한 네모가 아닙니다. 거대한 감정의 덩어리죠. 로스코는 "나는 그림을 그리는 게 아니다. 나는 비극, 황홀경, 그리고 운명을 표현한다."라고 말한 바 있습니다. 그러니까 그가 진짜로 그리고 싶었던 건 색이 아니라 인간의 내면이었습니다.
그는 화려한 기교나 복잡한 구성 없이, 오직 색과 빛을 통해 우리에게 감정을 전달하려 했어요. 그리고 그 결과, 그의 작품 앞에 서 있는 사람들은 가끔 눈물을 흘리기도 합니다.
그는 예술을 통해 관객과 깊이 있는 교감을 나누고자 했으며, 이를 위해 자신의 작품을 전시할 때도 조명과 공간 배치를 철저히 고려했습니다. 특히 그의 후기 작품들은 점점 더 암울한 색조를 띠며, 생의 마지막 시기에는 극단적으로 어두운 색감이 강조되었습니다.
1970년, 그의 사후에도 그의 예술과 삶은 강렬한 정서적 울림을 남기며, 오늘날까지 많은 이들에게 감동과 사색의 기회를 제공하고 있습니다.
2. 마크 로스코 작품 세계
마크 로스코의 작품 세계는 단순한 추상이 아니라 철저한 감정과 영혼의 탐구입니다. 그의 작품은 시각적인 형태보다 감정과 존재의 본질을 탐구하는 데 집중했습니다. 그는 단순한 색의 배치가 아니라, 색과 색 사이의 관계, 깊이, 그리고 그것이 불러일으키는 감정에 주목했습니다.
그의 대표적인 작품들은 대개 세로로 긴 캔버스 위에 두세 개의 부드럽게 겹쳐진 색면을 배치하는 방식으로 구성됩니다. 이러한 방식은 단순해 보이지만, 실제로는 치밀한 색의 중첩과 경계를 흐리게 하는 기법이 사용되어, 색이 캔버스 위에서 부유하는 듯한 효과를 창출합니다.
로스코는 특정한 기법을 사용하여 색을 여러 층으로 쌓아 올리면서, 색 자체가 빛을 내는 듯한 효과를 창출했습니다. 이는 단순한 회화가 아니라, 하나의 감각적 경험으로서 작동하는 예술이었습니다.
Mark Rothko, Untitled {Brown on Red}, 1964, oil on canvas, 90" × 69" (228.6 cm × 175.3 cm)그의 초기 색면 회화는 강렬한 색조를 띠었으나, 시간이 지나면서 점점 더 어두운 색조로 변화했습니다. 이러한 변화는 그의 내면적 고통과 철학적 성찰이 반영된 것으로 해석되기도 합니다. 특히 1950년대 이후의 작품들은 붉은색과 검은색을 중심으로 한 극단적인 대비를 보이며, 존재의 심연과 인간의 실존적 불안을 시각적으로 표현하는 데 집중했습니다.
로스코는 회화가 단순한 장식이 아니라, 깊은 감정적 울림을 줄 수 있어야 한다고 믿었습니다. 그는 그림을 전시할 때 특정한 조명과 배치를 신경 썼으며, 관객이 자신의 작품과 대면하면서 일종의 몰입적인 경험을 하도록 유도했습니다.
Rothko Chapel특히, 텍사스 휴스턴의 로스코 채플(Rothko Chapel)은 그의 작품 세계를 온전히 체험할 수 있도록 설계된 공간으로, 그는 이를 통해 예술이 성스러운 경험을 제공할 수 있음을 보여주고자 했습니다. 이곳에는 그의 대형 캔버스 작품들이 설치되어 있으며, 작품 자체가 하나의 명상적인 경험을 유도하는 구조를 갖추고 있습니다. 실제로도 초교파 예배당으로 사용 중입니다. 언젠가 꼭 가보고 싶은 곳입니다.
이러한 공간적 연출은 로스코가 예술을 통해 인간 내면의 가장 깊은 곳을 탐색하고, 그것이 정신적, 감정적 치유로 연결될 수 있음을 시사하는 중요한 요소입니다.
3. 그림에 담긴 치유적 요소
로스코의 그림을 보고 있으면 이상한 기분이 듭니다. 아무것도 없는 것 같으면서도, 뭔가 가득 차 있는 느낌이죠. 이건 단순한 색의 문제가 아닙니다.
그의 작품은 단순한 시각적 경험이 아니라, 관객과 감정적으로 교감하는 일종의 심리 실험입니다. 그는 캔버스를 단순한 '그림'이 아니라, 감정을 담아두는 일종의 '공간'으로 사용했어요. 그래서 그의 그림 앞에서는 우리가 억눌러온 감정들이 떠오르기도 하고, 설명할 수 없는 울컥함이 몰려오기도 합니다.
로스코는 관객이 그림을 단순히 감상하는 것이 아니라, 그림 안으로 들어오길 원했습니다. 그는 자신의 작품을 전시할 때도 특정한 조명을 사용하고, 그림을 낮게 걸어서 마치 관객이 그 안으로 빨려 들어가는 듯한 느낌을 받도록 연출했어요.
그는 우리가 예술을 '보는 것'이 아니라 '경험하는 것'이어야 한다고 믿었습니다. 그래서 그의 그림 앞에서 어떤 사람들은 황홀경을 느끼고, 어떤 사람들은 깊은 슬픔에 빠집니다. 로스코의 작품은 관객의 감정을 증폭시키는 거대한 스피커 같은 역할을 하는 거죠.
이러한 의미에서 그의 작품들은 심리학적, 정서적 치유의 관점에서 매우 중요한 가치를 지닙니다. 단순한 색의 조합을 넘어, 인간의 깊은 감정과 무의식을 자극하는 힘을 지니고 있죠.
그는 관객이 자신의 그림 앞에서 정서적 반응을 경험할 수 있도록 의도적으로 색을 배열하였으며, 많은 사람들에게 명상과 같은 효과를 불러일으킵니다. 심리상담과 심리치료에서 로스코의 그림은 감정적 개방을 돕는 도구로 활용될 수 있습니다.
그의 작품 앞에 서면, 관객은 자신도 모르게 내면의 감정을 들여다보게 되고, 억눌려 있던 감정이 떠오를 수도 있습니다. 이는 미술 치료에서 중요한 요소로 작용하며, 감정의 흐름을 촉진하고 내면의 균형을 찾는 데 기여할 수 있습니다.
마크 로스코는 "예술은 인간의 영혼을 위한 것이다"라고 말했으며, 그의 작품은 오늘날에도 여전히 많은 이들에게 깊은 위로와 성찰을 제공하는 역할을 하고 있습니다. 그의 그림은 우리에게 존재의 의미를 질문하게 하고, 보다 깊은 감정의 심도를 경험하게 합니다.
단순한 색의 조합을 넘어, 그의 작품은 관객의 내면을 어루만지고, 감정을 환기시키며, 궁극적으로는 치유의 공간을 제공합니다. 이러한 점에서 로스코의 예술은 현대인들에게 있어 단순한 미술 작품을 넘어, 정신적 피난처가 될 수도 있는 것입니다.
4. 로스코는 무엇을 말하려 했을까?
로스코는 생전에 이런 말을 했습니다. "예술은 인간의 영혼을 위한 것이다." 그리고 그는 그것을 증명해 보였습니다. 그의 그림은 우리가 예술을 단순히 '보는 것'이 아니라, '경험하는 것'이어야 한다는 사실을 보여줍니다.
그의 작품 앞에서 우리는 말로 설명할 수 없는 감정들을 느낍니다. 그리고 그 감정이 무엇이든, 그것을 느끼는 순간 우리는 더 깊이, 더 솔직하게 자기 자신과 마주하게 됩니다.
로스코는 단순한 화가가 아니라, 인간 존재의 본질을 탐구한 캔버스 위의 철학자였습니다. 그의 그림은 우리에게 이렇게 속삭이고 있습니다.
"자, 이제 모든 소음을 지우고, 너 자신과 마주할 시간이다."
우리는 그 앞에서 말 없이 서 있기만 해도 충분합니다.
