Finding your documentary ph...

Magnum Photos - Theory & Practice

Oct 13. 2017

이 글은 Magnum Photos 사이트에 올라오는 글 중 개인적으로 흥미롭거나 아카이브 할만한 글들을 번역해 놓은 것입니다. 상업적 용도가 아니며 개인적인 취미/학습 활동을 위한 것으로 의역/오역이 있으니 관심 있으신 분들은 참조용으로만 부탁드립니다. (오역에 대한 지적은 언제든 환영합니다.)

개인적으로 사진에 대한 흥미가 시작되었던 부분도 바로 다큐멘터리 사진과 포토저널리즘이었습니다. 옛날에는 두꺼운 포토저널리즘 책을 끼고 앉아 열심히 읽기도 했던 기억이 나네요.

아래 내용 중 Pinckers의 작업이 조금 더 우리에게 익숙한 전통적인 의미의 다큐멘터리에 가깝다면, Depoorter의 작업은 그 범위가 조금 더 확장된 것이 아닐까 합니다. 다만 제가 아는 바로만 보자면 지금은 워낙 다양하고, 방대하면서도 또 소소한 디테일에 집중하는 다양한 작업들이 있어서 Depoorter의 작업이 아주 특이하지는 않은 것 같습니다. (잠시 샛길로 빠져 보자면 Depoorter의 작업을 보다가 자나 로마노바라는 러시아 작가의 <Waiting>이라는 사진집이 떠 올랐습니다. 출산을 앞둔 40여 커플을 사진에 담았는데, 사람들이 가장 편안하게 느끼는 순간, 아침에 잠자리에서 일어나기 전 잠자는 모습들을 약 6년 간에 걸쳐 담았습니다. 관심 있는 분들은 찾아보세요. 서촌의 아름다운 사진 책방 <이라선>에 가셔도 보실 수 있을 겁니다.)

아래에서 또 한 가지 와 닿았던 건 '거리 사진을 찍는 것이 마치 사람들의 사진을 훔치는 것처럼' 느껴졌다는 부분입니다. 저도 나름대로 거리 사진을 찍는 것을 하나의 지향점으로 삼고 있기는 하지만 '그 안의 사람들'을 담겠다는 의미보다는 '그 시공간 자체'를 담겠다는 의미가 더 강합니다. 그래서 거리 사진에서 '그 안의 사람들'을 주요 타깃으로 강조하는 작업을 보면 조금 불편하게 느껴질 때도 있습니다. 물론 이는 사람들마다 취향의 차이이니 옳고 그름의 문제는 아니지만요.

최근 번역이 조금 뜸했는데 앞으로는 더 종종 올려 보겠습니다.

Finding Your Documentary Photography Style

Max Pinckers From the series Lotus, in collaboration with Quinten De Bruyn. 2011. © Max Pinckers | Magnum Photos

Aside from mastering the basic technical skills, the biggest challenge an aspiring documentary photographer faces when starting out in the practice is forging a style of their own. One common mistake is to rely too heavily on the work of more established photographers for inspiration. “Keep true to yourself,” was the most memorable piece of advice given to Bieke Depoorter, who became a full Magnum member in 2016, from the older, more established Magnum members.

기초적인 기술들을 마스터하는 것을 제하면, 장차 다큐멘터리 사진가가 되고자 하는 사람들이 실습을 시작할 때 겪게 되는 가장 큰 도전은 자신만의 스타일을 구축하는 것이다. 흔한 실수 중 하나는 영감을 얻기 위해 이미 고유의 스타일을 확립한 기존 사진가들의 작업에 너무 많이 의존하는 것이다. “스스로에게 진실함을 유지해야 한다.”는 말은 2016년에 정식 매그넘 회원이 된 Bieke Depoorter에게 기존 매그넘 멤버들이 해 주었던 조언 중 가장 기억에 남는 것이었다.

Speaking at a Magnum Photos Now event at the Barbican in London, Bieke Depoorter, and Magnum nominee Max Pinckers discussed how they had both developed their different documentary styles. One approach was borne out of theory, while the other manifested from the photographer’s personal feelings and emotions.

런던 바비칸의 Magnum Photos Now 이벤트에서 열린 대담에서 Bieke Depoorter와 매그넘 회원 후보인 Max Pinckers는 그들이 어떻게 자신만의 다큐멘터리 스타일을 발전시켜 왔는지에 대해 이야기했다. 한 가지 접근법은 이론에 기반한 것인 반면 또 다른 접근법은 사진가 개인의 느낌과 감정을 분명하게 표현하는데 기반한 것이다.

Max Pinckers From the series Lotus, in collaboration with Quinten De Bruyn. 2011. © Max Pinckers | Magnum Photos

A Theoretical Approach

[이론적 접근]

Max Pinckers developed his documentary photography style whilst studying at the Royal Academy of Fine Arts in Ghent, Belgium, where his thinking began to develop around questions of authenticity. “I’ve always been questioning, as a maker or as a photographer, the relationship with the subject matter and the images produced, and how far can they actually convey a form of truth,” he said.

Max Pinckers는 벨기에 겐트의 왕립 미술학교에서 공부하는 동안 그만의 다큐멘터리 사진 스타일을 발전시켰는데, 그곳에서 그는 (이미지의) 진실성에 관한 질문(questions of authenticity)에 대한 고민을 확장해 나가기 시작했다. “전 제작자로서 그리고 사진가로서 주제와 이미지의 관계에 대해 항상 의문을 가져왔습니다. 그리고 그 둘(주제와 이미지)이 실제로 어느 정도나 진실(의 한 형태)을 전달할 수 있을지에 대해서도요.”라고 그는 말했다.

“Can you take a picture of something, or someone, or an event and bring it back home and expect people to understand what you photographed? This led me to try to make a documentary about something you can’t actually see, which you can’t point your camera at and press the button, because, if I was able to do that, I would be able to photograph a thought or an idea or a concept – something that is in the air.”

“당신은 어떤 것, 어떤 사람 또는 한 사건을 사진 찍은 후에 그걸 집으로 가져와 사람들이 당신이 찍은 것이 무엇인지 이해하기를 기대할 수 있나요? 이 질문은 제가 당신이 실제로 볼 수 없고, 카메라를 들이대고 셔터를 누를 수 없는 어떤 것에 관한 다큐멘터리를 시도하도록 이끌었습니다. 왜냐하면 제가 만약 그렇게 할 수 있다면 전 저 공기 중에 떠 있는 어떤 것 - (예를 들면) 생각이나 아이디어 또는 개념을 사진에 담을 수 있게 되기 때문이죠.”

Max Pinckers From the series Lotus, in collaboration with Quinten De Bruyn. 2011. © Max Pinckers | Magnum Photos License |

Working in collaboration with visual artist Quinten De Bruyn, Pinckers travelled to Thailand to document the famous transgender community there. Having grown up in Southeast Asia, he was familiar with this part of the world. As a student of photography, he wanted to use the setting as not only a subject matter, but a vehicle to explore the very medium of photojournalism itself.

비주얼 아티스트인 Quinten De Bruyn과 협동 작업을 하면서, Pinckers는 태국의 유명한 트랜스젠더 커뮤니티를 담기 위해 태국으로 갔다. 동남아시에서 자란 그는 이쪽 세상의 문화에 익숙했다. 사진을 배우는 학생으로서 그는 이러한 설정(the setting)을 중심이 되는 주제로서 뿐만 아니라 바로 포토저널리즘 자체의 표현 수단을 탐구하는 수단으로써 사용하기를 원했다.

“What we were really interested in was the kind of thought behind why certain aesthetics are applied in documentary photography or photojournalism. What are the motivations behind making certain aesthetic choices when you’re actually there to report on a certain subject matter? Why do documentary images need to be pretty or beautiful or nice to look at? Even if the subject matter might be completely in conflict with this aesthetic? We chose Thailand’s Ladyboys because they have also gone through some kind of transformation; they have plastic surgery and turn from looking like a man to looking like a woman. You walk through the streets and sometimes you’re not quite sure if you are looking at a man or a woman. This is interesting because that’s exactly what we wanted to convey with our images as well: the viewer questions the authenticity of what they are looking at.”

“저희가 진짜 관심 있었던 것은 다큐멘터리 사진이나 포토저널리즘에 어떤 특정한 종류의 미학이 적용되는 까닭이 무엇인지였습니다. 당신이 어떤 주제를 기록하려 할 때 특정한 미학적 선택을 하게 만드는 동기는 무엇일까요? 왜 다큐멘터리 사진들이 예쁘거나 아름답게, 또는 보기 좋게 보여야 할 필요가 있을까요? 설령 사진의 주제가 이러한 미학(적 관점)과 완전히 충돌하는 경우라 해도 말이죠. 저희는 태국의 Ladyboys(성전환자, 여장남자 등등)를 촬영하기로 했는데, 왜냐하면 그들 또한 어떠한 변화들을 겪어 왔기 때문입니다; 그들은 성형 수술을 받았고 남성 같은 외모에서 여성 같은 외모로 바뀌었죠. 당신이 그 (태국의 성전환자들로 유명한) 거리를 걷게 된다면 때때로 당신이 지금 남성을 보고 있는지 또는 여성을 보고 있는지 분명하지 않을 겁니다. 이점이 흥미로운데, 왜냐하면 그것이 정확히 저희가 이미지를 통해 전달하기 원했던 것이기 때문입니다: 관객들이 자신들이 바라보고 있는 것의 신빙성을 의심하는 것이죠.”

Max Pinckers From the series Lotus, in collaboration with Quinten De Bruyn. 2011. © Max Pinckers | Magnum Photos License |

Working together, the pair came up with a workflow, whereby one of them would set up the lighting while the other would shift furniture in order to create a good composition, creating a very controlled photographic environment for theatrical lighting. Then, they would wait for people to get used to the set-up and become more relaxed. “All of a sudden, they started chatting to each other or would get up to go to the bathroom and then we would take the picture right at the moment when something spontaneous happened. We wanted to to achieve this very stylized, theatrical photographic aesthetic but at the same time capture something that we might not be able to direct or stage.”

함께 일하면서 Pinckers와 Bruyn은 일종의 작업 흐름을 찾아냈다. 둘 중 한 명이 조명을 설치하는 동안 다른 한 명은 적절한 구도를 만들기 위해 가구를 옮길 수 있다. 이는 극장 조명을 위해 완벽히 통제된 사진 촬영 환경을 만든다. 그리고 그들은 사람들이 현장에 조금 더 익숙해지고 더 편안 해질 때까지 기다렸다. “갑자기 사람들이 서로 이야기를 하기 시작했고 또는 화장실에 가기 위해 일어설 수 있었습니다. 그리고 저희는 무언가 자연스러운 것이 일어나는 바로 그때 사진을 찍었습니다. 우리는 이처럼 매우 정형화되고 과장된 사진적 미학을 성취하기를 원했어요. 하지만 또 동시에 우리가 지시하거나 연출할 수 없는 어떤 것을 잡아 내기를 원했죠.”

This led to another project that also captured not only a physical subject but asked questions about photographic theory and authenticity. Pinckers wanted to document the way Bollywood film is so ubiquitous in Indian culture. “Of course you can do this by taking posters of Bollywood movies or maybe go to film sets and take some pictures of actors or directors and try and explain that this is a very important part of the society,” he said, but “your images aren’t telling it on their own.” Instead, the photographer began to set up equipment in the streets of Bombay and asked people in the street to be his “actors” – they instantly knew what to do. “The fact that these people just willingly jumped in front of my camera and pretended to act shows exactly how powerful this cinema fantasy is for them. That’s another strategy that I developed in order to achieve what I was trying to say, but it’s still a documentary for me.”

(그리고) 이 작업은 물리적인 피사체뿐만 아니라 사진 이론과 (사진의) 신뢰성에 관해 질문하는 또 다른 프로젝트로 이어졌다. Pinckers는 Bollywood 영화가 인도 문화에서 어떻게 그렇게 도처에 존재하는지에 관한 것을 기록하고 싶어 했다. “물론 당신은 인도 영화들 포스터들을 찍어서 이 작업을 할 수도 있어요. 또는 영화 촬영장에 가서 배우들과 감독들의 사진을 조금 찍고 인도 영화가 그 사회의 매우 중요한 부분이라고 설명할 수도 있죠.” Pinckers가 말했다. 하지만 “당신의 사진들은 이러한 사실들을 사진 그 자체로써는 말하지 못합니다.” 대신에 Pinckers는 봄베이 길거리에 영화 세트를 설치하고 지나가는 사람들에게 그의 “배우”가 되어 달라고 요청했습니다 - 사람들은 무엇을 해야 하는지를 바로 깨달았다. “사람들이 즉석에서 제 카메라 앞에 서서 마치 연기를 하는 것처럼 행동했다는 사실은 이러한 영화적 환상이 인도 사람들에게 얼마나 강력한 것인지를 정확히 보여 줍니다. 이러한 방법(접근법)은 제가 말하려고 하는 것을 얻기 위해 개발한 또 다른 전략입니다. 하지만 이것은 여전히 저를 위한 다큐멘터리죠.”

Bieke Depoorter Ou Menya. Russia. 2009. © Bieke Depoorter | Magnum Photos

Feeling your way

당신만의 길을 느껴보아라

Magnum member Bieke Depoorter, who also studied photography the Royal Academy in Ghent, developed her documentary style in an almost opposite way to Pinckers. Rather than starting with photographic theory, Depoorter’s documentary approach developed intuitively. Having grown up not being exposed to much art or photography – Depoorter’s first visit to a museum happened while she was at photography school – she had very little in terms of a visual references to work from, so Depoorter found her way based on what felt right for her.

역시 겐트의 왕립 미술학교에서 사진을 공부한 매그넘 회원 Bieke Depoorter는 Pinckers와는 거의 정반대의 방식으로 그녀의 다큐멘터리 사진 스타일을 발전시켰다. 사진 이론을 파고드는 대신, Depoorter의 다큐멘터리 접근법은 직관적으로 발전해 나갔다. 예술이나 사진을 많이 접하면서 자라지 않은 Depoorter의 첫 박물관 방문은 그녀가 사진을 배우고 있을 때였다. 그녀에게는 참고할만한 기존의 작품(작업)들이 거의 없었기 때문에 Depoorter는 그녀에게 적합하다고 느껴지는 것에 의지하여 자신만의 방식을 찾아갔다.

In 2009 Bieke Depoorter travelled through Russia, photographing people in whose homes she had spent a single night, for her graduating project Ou Menya, which won several prizes, including the Magnum Expression Award, and led to a book, published by Lannoo in 2011.

2009년에 그녀는 러시아를 여행했는데, 그녀의 졸업 프로젝트인 Ou Menya를 위해 그녀가 (여행 중) 하룻밤을 묶었던 집의 사람들을 사진에 담았다. 이 프로젝트는 매그넘 Expression Award를 포함하여 여러 개의 상을 탔고, 2011년 Lannoo 출판사에서 책으로도 출간되었다.

Bieke Depoorter Ou Menya. Russia. 2009. © Bieke Depoorter | Magnum Photos

“I wanted to travel on the trans-Siberian train and stop in small villages and photograph there,” said Depoorter, speaking at the Magnum Photos Now event. “I didn’t have money for hotels and in the places that I wanted to visit there were often no hotels, so I asked the first girl that I met in Moscow who spoke English to write me a letter that said ‘I’m looking for a place to sleep’ so that I could find a place at night. The first night, I ended up in small village and it was getting dark so I showed the letter to people to find a place and some people took me in. It was an eye-opener because I took pictures and finally I felt comfortable with photography.”

“저는 시베리아 횡단 열차를 타고 여행하면서 작은 마을들에서 내려 그곳들을 사진에 담기를 원했어요.”라고 Magnum Photos Now 이벤트에서 Depoorter가 말했다. “전 호텔에 숙박할 돈도 없었고 또 제가 가고자 했던 곳들에는 대부분 호텔이 없었습니다. 그래서 전 영어를 할 줄 알았던, 제가 모스크바에서 만났던 첫 번째 소녀에게 ‘전 잘 곳을 찾고 있어요’라는 편지를 (러시아어로) 써 달라고 부탁했어요. 그래서 제가 하룻밤 묶을 곳을 찾을 수 있도록 말이죠. 첫 번째 날 밤에 제가 어떤 작은 마을에 멈추었을 때 이미 (밖이) 어두워지고 있었죠. 그래서 전 잘 곳을 찾기 위해 사람들에게 편지를 보여 줬고 어떤 사람들이 절 집안으로 들여보내 주었죠. 이건 제게 놀라운 경험 (eye-opener)이었기 때문에 그때를 사진에 담았고, 마침내 사진 찍는 것을 편안하게 느끼게 되었습니다.”

Previous to this point, Depoorter struggled to find her niche, and tried her hand at street photography, which she never felt truly comfortable with. “I was always trying to be a street photographer but I felt like I was stealing people’s pictures, in a way. When I was staying the night people really opened up for a few hours and I could take pictures of very intimate moments. I thought that maybe I should do it every night and focus on the intimacy of families and see what happens during my trips.”

이러한 (시베리아) 작업 전에 그녀는 자신만의 역할을 찾기 위해 분투 중이었고, 거리 사진을 찍으려고 시도해 보았다. 하지만 그녀는 거리 사진 작업을 진정으로 편안하게 느끼지 못했다. “전 언제나 거리 사진가가 되려고 노력하고 있었죠. 하지만 그건 어떤 면에서 보면 마치 제가 사람들의 사진을 훔치는 것처럼 느껴졌어요. 러시아 여행 첫날밤(the night)을 보냈을 때, 그 사람들은 몇 시간 동안 정말 열린 마음으로 대해 주었고, 전 매우 친밀한 순간들을 사진에 담을 수 있었습니다. 그때 전 어쩌면 제가 매일 저녁 이런 작업을 하고, 가족들의 친밀한 순간에 집중하면서 제 여행 동안 일어날 일들을 봐야겠다고 생각했습니다.”

While she may not have found her feet as a street photographer, following her intuition led Bieke Depoorter to cultivate her forte in creating exceptionally intimate portraits. The photographer also developed her particular passion for the twilight hours; spending the evening with her host, she’d usually have found a comfortable intimacy by bedtime and often took portraits of her subjects as they got ready to go to sleep.

그녀가 거리 사진가로서 자신의 능력을 발휘하지 못했을지는 모르지만, 자신의 영감을 따라갔던 작업은 Depoorter가 매우 사적인 포트레이트 사진을 만들어내는 그녀의 강점을 더 기를 수 있도록 이끌었다. 그녀는 또한 황혼의 순간에 대한 그녀의 독특한 열정을 더욱 확장시켰다; (그녀가 묶었던 집의) 주인들과 함께 저녁 시간을 보내면서 그녀는 잠자리에 들 때까지 편안하면서도 친밀한 순간들을 느꼈고, 그들이 잘 준비가 되었을 때 포트레이트 사진들을 자주 찍었다.

“The moment before people go to sleep is very intense and that’s something that I like to capture. I think outside we sometimes pretend to be someone else or someone we want to be and once you are home I have the feeling that people are more real, they don’t pretend anymore. The moment that we go to sleep is really a moment for yourself and you’re in your own thoughts and your own mind and that’s something that I really like to be with and to capture.”

“사람들이 잠자리에 들기 직전의 순간들은 매우 강렬해요. 그리고 그것이 바로 제가 찍고 싶어 하는 것이에요. 저는 우리가 밖에 있을 때에는 때때로 다른 사람 또는 우리가 되고 싶은 누군가인것처럼 행동한다고 생각해요. (하지만) 집에 있을 때면 전 사람들이 더 진실된 것처럼 느껴져요. 그들이 더 이상 어떤 척을 하지 않는 거죠. 우리가 잠자리에 들려하는 바로 그 순간은 진정으로 당신을 위한 순간이고 (그때) 당신은 진정 자기 자신으로 있게 됩니다. 그때가 바로 제가 함께 있으면서 사진에 담고 싶어 하는 것이에요.”

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