<루이비통> 4장: 루이비통 아트 콜라보 (5)

장인정신을 기반한 공예와 예술적 기술의 결합을 보여준 해: 2021

2021년의 Louis Vuitton Artycapucines는 단순히 예술가의 이미지를 가방 위에 옮겨놓은 협업이 아니었다. 이 해의 프로젝트는 특히 분명한 방향성을 보여준다. 루이비통은 더 이상 회화의 표면을 장식적으로 차용하는 데 머물지 않고, 각 작가가 오랫동안 구축해 온 고유한 매체 언어와 물질 감각, 그리고 조형적 사고 자체를 Capucines라는 오브제 안으로 번역하고자 했다. Gregor Hildebrandt의 자기 테이프, Donna Huanca의 신체적 흔적과 질감, Huang Yuxing의 환상적 풍경, Vik Muniz의 이미지 재구성, Paola Pivi의 초현실적 유머, Zeng Fanzhi의 밀도 높은 회화적 표면은 모두 서로 다른 방식으로 가방의 구조와 표면, 장식과 촉각성 안에 스며들었다. 그 결과 2021년의 Artycapucines는 ‘예술을 입힌 가방’이라기보다, 각 작가의 세계가 장인적 공예를 통해 다시 태어난 이동 가능한 조각 혹은 소장 가능한 동시대 미술의 한 형식에 가까워졌다.

Gregor Hildebrandt (출처: 하퍼스 바자)

베를린에서 주로 활동하는 그레고르 힐데브란트 Gregor Hildebrandt (1974, 독일 바트호넨)는 음악 매체를 시각 예술로 번역하는 독특한 작업으로 알려져 있다. 그는 카세트테이프, 비디오테이프, 레코드판과 같은 아날로그 매체를 캔버스나 설치 작업의 재료로 사용한다. 테이프를 풀어 화면에 붙이거나 레코드판을 반복 배열하는 방식은 추상 회화와 조각의 경계를 동시에 탐구한다. 그의 작업은 특히 음악이라는 시간 기반 예술을 물질적 형태로 전환하는 실험이라는 점에서 주목받아 왔다. 이러한 작업 방식은 자연스럽게 패션 하우스가 운영하는 공간에서도 주목받게 된다. 힐데브란트의 작품은 종종 럭셔리 브랜드의 건축적 공간 안에서 설치 작품 형태로 등장하며, 브랜드 공간을 단순한 판매 장소가 아니라 문화적 경험의 장소로 전환시키는 역할을 한다.

Retail, Chanel Soho New York (2010)

특히 Chanel의 매장 프로젝트에서 그의 작업은 중요한 사례로 언급된다. 샤넬은 세계 주요 도시의 플래그십 부티크를 단순한 리테일 공간이 아니라 “문화적 살롱”에 가까운 장소로 구성해 왔다. 힐데브란트의 작품이 이 공간에 설치될 때, 그의 테이프 작업은 패션과 음악, 기억이라는 서로 다른 문화적 층위를 하나의 환경으로 결합시킨다. 매장의 벽면이나 공간 구조 속에 배치된 그의 작품은 장식적 오브제가 아니라 시간과 기억을 응축한 조형적 표면으로 기능하며, 패션 하우스가 구축하려는 문화적 서사를 강화한다. 이러한 협업은 힐데브란트의 작업이 단순한 미술관 전시에 머무르지 않고, 브랜드가 구축한 문화적 공간 속에서 새로운 의미를 획득할 수 있음을 보여준다. 그의 작업은 특정한 음악이나 시대를 직접적으로 묘사하지 않는다. 대신, 이미 사라져 가는 매체—카세트테이프와 바이닐—을 통해 기억의 잔향과 시간의 물질성을 환기한다. 이는 브랜드가 구축하는 역사와도 묘하게 공명한다. 럭셔리 하우스 역시 제품을 통해 시간이 축적된 기억과 헤리티지를 전달하기 때문이다. 그의 작업은 Kunstmuseum Bonn, Hamburger Bahnhof 등 독일 주요 기관에서 전시되었으며, 유럽 컬렉터 시장에서 지속적이며 안정적인 수요를 형성하고 있다.

Louis Vuitton: Carte Blanche III (출처: Curatedition)

루이비통 Artycapucines 협업에서 힐데브란트는 카세트테이프의 자기 테이프 소재를 활용한 패턴을 가방 구조에 적용했다. 이는 그의 작업 핵심인 “음악의 물질화”를 패션 오브제로 번역한 사례다. 루이비통이 그를 선택한 이유는 단순한 이미지 협업이 아니라 물질적 재료와 구조를 변형하는 조형 언어가 Capucines의 장인 기술과 잘 결합될 수 있었기 때문이다. 루이비통 협업 이전 힐데브란트는 유럽 미술 시장에서 중견 작가(mid-career artist)로 안정적인 위치를 확보하고 있었으며, 협업 이후에는 패션과 디자인 컬렉터층까지 관심이 확대되며 국제적 인지도 역시 높아졌다.

Donna Huanca Debuts Texture-filled Louis Vuitton Artycapucines (출처: Whitewall)

도나 후앙카 Donna Huanca(1980, 미국 시카고)는 퍼포먼스, 회화, 설치가 결합된 몰입형 전시로 알려진 작가다. 볼리비아계 미국인인 그녀는 Houston, Texas에서 성장했으며 Skowhegan School of Painting & Sculpture 등에서 교육을 받았다. 후앙카의 작업은 신체, 피부, 색채, 공간을 결합하는 방식으로 진행된다. 모델의 몸에 페인트를 칠한 뒤 그 신체를 퍼포먼스와 설치 속에 배치하는 방식은 몸과 회화의 경계를 흐리는 작업으로 평가된다. 그녀의 작업은 Marciano Art Foundation, Yuz Museum, Zabludowicz Collection 등 주요 기관에서 전시되었으며 국제 미술계에서 빠르게 주목받았다. 경매 시장에서 그녀의 작품은 약 20만 달러 수준까지 거래되며 신흥 시장 작가로서 상승세를 보이고 있다.

PAC | Donna Huanca transforma la Capilla de Afuera del CAAC con Mina de Aura

후앙카의 Artycapucines 가방은 그녀의 대표 회화 작품 “Cara de Fuego”와 “Muyal Jol”에서 가져온 이미지를 기반으로 만들어졌다. 이 두 회화는 그녀가 2018년 Belvedere Museum에서 선보인 퍼포먼스·설치 작업 “Piedra Quemada”에서 등장했던 바디 페인팅 이미지에서 출발한 것이다. 즉, 가방 표면에 등장하는 색과 형상은 단순한 회화적 패턴이 아니라 실제 인간의 몸 위에서 만들어졌던 퍼포먼스의 흔적을 다시 번역한 것이다. Louis Vuitton의 장인들은 이 이미지를 가방 표면에 구현하기 위해 여러 단계의 공정을 사용했다. 먼저 작품 이미지를 화이트 레더 위에 3D 프린트로 옮기고, 그 위에 세 가지 방식의 자수(embroidery)를 더해 표면의 입체감을 강조했다. 이후 일부 영역에는 수작업 페인팅(hand-painting)을 적용하여 색채와 질감을 더욱 복잡하게 만들었다. 이 과정을 통해 가방의 표면은 평면적인 프린트가 아니라 촉각적 층위가 겹쳐진 하나의 회화적 표면으로 완성되었다. 색채 역시 후앙카 작업의 핵심 요소를 반영한다. 가방에는 그녀의 작품에서 자주 등장하는 강렬한 코발트 블루와 세룰리언 블루가 흐르는 듯한 형태로 사용되었는데, 이는 피부 위에 안료가 흐르는 바디페인팅의 움직임을 연상시키는 색채 구조다. 또 하나 흥미로운 요소는 가방의 금속 하드웨어다. 손잡이를 연결하는 금속 링은 일반적인 가방 부속이 아니라 신체 피어싱(body piercing)을 연상시키는 형태로 디자인되었다. 금속이라는 재료는 후앙카의 조각 작업에서 반복적으로 등장하는 요소이며, 여기서는 인간의 몸과 장식 사이의 관계를 상징적으로 표현한다.

Donna Huanca Debuts Texture-filled Louis Vuitton Artycapucines (출처: Whitewall)

이러한 방식으로 후앙카는 자신의 작업 세계를 가방이라는 작은 규모의 오브제 안에 압축했다. 그녀에게 이 가방은 단순한 패션 제품이 아니라 여러 작업의 기억과 감각을 콜라주한 하나의 오브제다. 실제로 작가는 이 가방을 “과거 작품들의 이미지와 질감이 다시 등장하는 콜라주”라고 설명한다. 결국 후앙카의 Artycapucines 작업은 패션과 미술의 협업이 단순히 이미지를 차용하는 수준에 머무르지 않을 수 있음을 보여준다. 그녀는 자신의 퍼포먼스와 바디페인팅에서 출발한 감각적 경험을 가방이라는 물질적 구조로 번역하며, 몸, 장식, 보호라는 인간적 경험을 하나의 이동 가능한 조각으로 재구성했다.

Donna Huanca의 Space K 전시 일부 (출처: Ocula)

특히 후앙카는 한국에서도 중요한 전시를 가진 작가다. 서울 Space K에서 열린 대형 개인전은 그녀의 몰입형 설치 작업을 국내 컬렉터들에게 소개한 중요한 계기였다. 이 전시는 한국 미술계와 럭셔리 소비층 모두에게 그녀의 작업을 인지시키는 역할을 했으며, 이러한 배경은 루이비통 협업 작품이 한국 시장에서도 친숙하게 받아들여질 수 있는 이유 중 하나로 볼 수 있다.

Almine Rech now represents Huang Yuxing (출처: Galleriesnow)

후앙 유씽 Huang Yuxing(1975, 중국 베이징)은 중국 동시대 회화에서 가장 독특한 색채 감각을 가진 작가 중 한 명으로 평가된다. 그는 베이징 중앙미술학원(CAFA)에서 수학했으며, 자연 풍경과 추상적 색채를 결합한 회화로 국제 미술계에서 주목받았다. 그의 작품은 강렬한 네온색과 유동적인 형태를 통해 자연 풍경을 환상적인 시각 언어로 재해석한다.

HUANG YUXING (B. 1975), Seven Treasure Pines (출처: Christie's)

경매 시장에서 유씽의 작품은 최근 몇 년 사이 급격히 상승했다. 이 6인 가운데 가장 가파른 상승을 보여준 작가 중 하나이다. 대표작 “Seven Treasure Pines” 시리즈는 2021년 홍콩 Christie’s 경매에서 약 800만 홍콩달러 이상에 거래되며 중국 동시대 회화 시장에서 중요한 위치를 차지했다. 아트넷 (Artnet)에서는 작가의 작품을 찾는 컬렉터들이 2020에서 2021년 사이 폭발적으로 상승했다고 분석했다. 따라서 유씽은 2021년 루이비통과 협업 당시 이미 급상승 중인 중국 초현대 회화 시장의 핵심 스타였고, 협업 이후에도 그 위치를 굳건하게 유지하고 있다고 볼 수 있다. 상승의 직접적 원인이 루이비통에 있다고 할 수는 없지만, 이미 뜨거웠던 작가의 작품에 대한 관심이 루이비통 이라는 럭셔리 브랜드와 Artycapucines를 하면서 두배로 강력해졌다고 볼 수 있다.

The art bag: Louis Vuitton's Arty-Capucines (출처: SpeakART)

소더비에 따르면 유씽의 Artycapucines는 그가 특별히 변형한 《The Colossus Hidden Deep in the Hills》 작품을 기반으로 작업했다. 흰 회색 가죽 위에 풍경 윤곽을 먼저 프린트하고, 녹색 실 자수로 원근을 더했으며, 무지개처럼 솟는 산에는 터프팅 (tufting) 자수를 적용해 움직임과 질감을 만들었다. 우연한 물감의 흐름은 푸른 진주 장식으로 강조되었으며, 유동적인 색채 패턴이 결합되면서 가방은 마치 산수화처럼 보이게끔 동양적미의 가치를 더욱 상승시킨다. 루이비통은 유씽을 통해 아시아 동시대 회화의 성장하는 시장을 반영하고자 했다.

Vik Muniz on Turning Trash Into Art (출처: The New York Times)

브라질 작가 빅 무니즈 Vik Muniz(1961, 브라질 상파울루)는 일상적인 재료로 이미지를 재구성하는 작업으로 세계적으로 유명하다. 그는 초콜릿, 설탕, 쓰레기, 실, 먼지 등 다양한 재료를 사용해 이미지를 만든 뒤 이를 사진으로 기록하는 방식으로 작업한다.

The Sugar Children (출처: Artnet)

공개된 경매 기록을 기반으로 그의 최고가 작품은 Christie’s 기준 《The Sugar Children: Valentina, the Fastest; Jacynthe Loves Orange Juice; Big James Sweats Buckets; Lil' Calist Can't Swim; Valicia Bathes in Sunday Clothes; Ten Ten's Weed Necklace》 293,000달러다. 그는 이미 2021년 이전부터 MoMA, Tate Modern, Guggenheim Museum 등 주요 국제 기관에서의 전시, 다큐멘터리 《Waste Land》등으로 안정적인 작품 활동을 하고 있었으며, 경매 시장에도 작품이 많이 나와 가격도 이미 많이 알려진 작가였다.

Vik Muniz x Artycapucines (출처: Harper's Bazaar Arabia)

루이비통 협업에서 그는 2019년 그의 작품 시리즈 중 《Quasi Tutto》에서 출발하였다. 가방 외부에는 밝은 색의 종이 오브제 72개가 무작위로 놓인 것처럼 보이는데, 이것은 3D 세리그래피와 실크스크린 프린트, 그리고 루이비통 아틀리에의 가죽 자투리를 활용한 마르케트리로 구현되었다. 마지막으로 일부 요소는 3D 프린트 후 실제로 핀 고정되었으며 복잡한 이미지 콜라주 구조를 Capucines 가방 디자인에 적용했다. 이는 무니즈의 작업에서 반복되는 “이미지의 재구성” 개념을 패션 오브제로 번역한 사례다. 그는 일상에서 잘 마주할 수 있는 재료를 이미지로 바꾸는 작가였고, 루이비통은 그 능력을 가죽과 장인의 수공예와 더해 단순한 색채 효과를 넘어선 이미지의 구성 원리를 가방 표면에 노출하는 방식을 보여준 사례이다.

Paola PIVI - Artist (출처: Perrotin)

세계적인 갤러리 Perrotin과 AGWA는 이탈리아 작가 파올로 피비 Paola Pivi(1971)를 현실과 환상의 경계를 흔들고, 동물과 사물을 초현실적 상황에 배치하는 작가로 설명한다 그녀는 비행기를 거꾸로 뒤집어 설치하거나 형광색 털을 입힌 곰 조각을 제작하는 등 비현실적 상황을 조형적으로 구현하는 작업을 하는 작가다. 예기치 않은 장소에 놓인 사물 같은 대표작들은 모두 “익숙한 세계가 조금만 어긋나도 얼마나 낯설어지는가”를 보여준다.

Paola Pivi (B. 1971), Untitled (Donkey) (출처: Christie's)

1999년 베니스 비엔날레에서 황금사자상을 받은 그녀의 작품은 이미 Venice Biennale, Guggenheim Museum 등 주요 기관에서 전시되었으며 Christie's 경매에서 그녀의 최고가 작품은《Untitled (Donkey)》 로 227,000달러에 낙찰되었다. 그녀의 경우는 시장 가격보다 전시 현장성과 시각적 파급력이 더 큰 작가라고 보는 것이 맞다.

One cup of cappuccino then I go | Paola PIVI (2007) (출처: PERROTIN)

피비의 Artycapucines는 그녀의 2007년 작업 《One Cup of Cappuccino Then I Go》에서 영감을 받았다. 소더비는 이를 “복잡하고 고난도의 가죽 마르케트리 걸작”이라고 설명하며, 30개가 넘는 컵과 소서, 25개가 넘는 금박 처리된 금빛 램스킨으로 만들어진 카푸치노 거품이 각각 별도 부품으로 삽입되었다고 전했다.

Paola Pivi Artycapucines (출처: Sandra's Closet)

루이비통은 그녀를 협업함으로써, 피비 특유의 유머, 스케일의 전도, 일상의 비현실화를 가방에 옮기고자 했으며, 위트있는 종합 공예 작품으로 탄생시켰다.

Zeng Fanzhi: The Early Years (출처: Gagosian Quarterly)

경매 회사들과 세계적인 갤러리 Hauser and Wirth에서도 말하듯 중국 작가 쩡 판쯔 Zeng Fanzhi (1964, 우한)는 중국 동시대 미술 시장에서 가장 중요한 작가 중 한 명이다. 그의 대표 시리즈인 Mask Series는 중국 사회의 변화와 개인 정체성을 탐구하는 작업으로 알려져 있다. 그는 서구 회화 전통과 중국의 사회 변화, 내면적 불안과 표면적 위장을 함께 다루는 작가이다.

Zeng Fanzhi 曾梵志 | Last Supper (2002) (출처: Cosmopolitan Gallery)

2013년 Sotheby’s Hong Kong에서 《The Last Supper》가 약 2300만 달러에 거래되며 당시 아시아 동시대 미술 최고가를 기록하며 중국 동시대 미술 시장 역사에서 하나의 전환점으로 기록된다. 「The Last Supper」의 기록적인 낙찰은 하나의 경매 사건을 넘어, 동시대 중국 미술의 국제적 위상과 아시아 미술 시장의 성장, 그리고 예술이 시대의 정치적 변화를 어떻게 이미지로 기록하는지를 보여주는 상징적 순간으로 남게 되었다.

Last Supper by Leonardo da Vinci (출처: Wiki)

화면의 구도는 레오나르도 다 빈치의 원작과 유사하지만, 예수와 제자들의 모습 대신 중국의 문화대혁명 시기 홍위병(Red Guards)을 연상시키는 인물들이 식탁에 둘러앉아 있다. 인물들은 모두 동일한 붉은 스카프를 두르고 있으며, 얼굴에는 작가의 대표적 모티프인 마스크(mask)가 씌워져 있다. 이 마스크는 1990년대 중국 동시대 미술을 대표하는 판쯔의 “Mask Series”에서 반복적으로 등장하는 상징이다. 작가는 급격한 경제 성장과 사회 변화 속에서 개인이 느끼는 불안과 위선을 이 마스크를 통해 표현했다. 표면적으로는 집단적 이상과 낙관적 미래를 말하지만, 그 뒤에는 감춰진 욕망과 경쟁이 존재한다는 것이다.「The Last Supper」에서도 이러한 긴장은 분명하게 드러난다. 화면 속 인물들은 모두 같은 복장을 하고 있지만, 유다의 위치에 해당하는 인물만이 붉은 스카프 대신 노란 넥타이를 착용하고 있다. 이 작은 차이는 중국이 사회주의 체제에서 시장경제로 이동하던 시대적 변화를 상징하는 장치로 해석된다. 붉은 스카프가 혁명과 집단 이념을 의미한다면, 넥타이는 자본주의적 성공과 개인적 욕망을 상징한다.

Collections | Search | Zeng Fanzhi: The Mask Series (출처: Asia Art Archive)

즉 이 작품은 단순한 종교 이미지의 패러디가 아니라, 이념과 자본이 충돌하던 중국 현대사의 한 장면을 은유적으로 보여주는 회화다. 서구 종교 회화의 상징을 차용하면서 중국의 정치·사회적 맥락을 결합했다는 점에서, 이 작품은 글로벌 미술사 속에서 중국 동시대 미술의 위치를 상징적으로 드러내는 사례로 평가된다. 경매 시장에서도 이러한 의미는 매우 중요하게 작용했다. 2000년대 후반부터 중국 동시대 미술은 국제 컬렉터들의 관심을 받기 시작했지만, 여전히 시장의 중심은 뉴욕과 런던이었다. 그러나 「The Last Supper」의 기록적인 낙찰은 홍콩을 중심으로 형성되던 아시아 미술 시장의 성장을 상징적으로 보여주는 사건이었다.

Zeng Fanzhi: The Artist Behind the Mask | Contemporary Art (출처: Sotheby's)

이 작품의 낙찰가는 단순히 한 작가의 성공을 의미하지 않았다. 그것은 중국 동시대 미술이 더 이상 주변 시장이 아니라 글로벌 미술 시장의 핵심 영역으로 진입했음을 보여주는 신호였다. 동시에 작가 역시 이 시점에서 이미 국제 미술계에서 확고한 위치를 가진 작가임을 증명하게 된다. 즉, Artycapucines 협업 이전부터 이미 완전히 확립된 국제 블루칩 작가였다.

A LIMITED EDITION ARTYCAPUCINES MM BY ZENG FANZHI, LOUIS VUITTON, 2022 (출처: Christie's)

판쯔의 Artycapucines는 그가 2017년에 다시 그린 반 고흐 자화상 해석을 기반으로 하였다. 이 이미지를 가방으로 옮기기 위해 3명의 장인이 10일간 패턴 작업을 했고, 42가지 색의 실과 70만 땀 이상의 자수로 3차원적 표면을 만들었다. 플랩 역시 전체 자수 표면과 정확히 맞도록 추가 인쇄가 적용되었다. 판쯔의 회화는 붓질 자체가 심리와 구조를 드러내는 표면인데, 루이비통은 그 밀도 높은 회화성을 자수와 공예로 물질화할 수 있었기 때문에 선택한 것이다. 협업 후에도 그의 미술시장 위상은 본질적으로 달라지지 않았지만, 달라진 것이 있다면, 그 거대한 회화적 권위가 럭셔리 오브제 안으로 번역될 수 있다는 점을 보여주었다.

Louis Vuitton: Carte Blanche III (출처: Curatedition)

이처럼 2021년 Artycapucines는 루이비통이 예술 협업을 어떻게 이해하는지를 다시 한번 선명하게 보여준다. 여기서 중요한 것은 유명 작가의 이름값이 아니다. 더 본질적인 것은 각 작가가 다뤄온 재료와 이미지, 시간성과 신체성, 기억과 환상의 언어를 루이비통의 공예 기술이 어떻게 새롭게 해석하고 물질화했는가에 있다. 그래서 이 프로젝트는 패션과 예술의 경계를 흐리는 데서 멈추지 않고, 럭셔리 하우스가 동시대 미술의 언어를 얼마나 정교하게 수용하고 확장할 수 있는지를 증명하는 장이 된다. 2021년의 Artycapucines는 결국 하나의 명확한 사실을 말해준다. 오늘날 루이비통이 추구하는 럭셔리는 더 이상 단순한 소비재의 생산이 아니라, 예술적 상상력과 장인적 기술, 그리고 문화적 권위를 결합해 새로운 소유의 형식을 제안하는 일이라는 점이다.