<루이비통> 4장: 루이비통 아트 콜라보 (6)

손에 들린 작은 미술관, 2022년 Artycapucines

2022년 에디션은 이 프로젝트가 지닌 특징을 특히 선명하게 보여주는 사례다. 참여 작가들의 스펙트럼은 매우 넓다. 프랑스 개념미술의 대표 작가인 다니엘 뷰렌 Daniel Buren부터 한국 단색화를 세계 미술사 속에 자리 잡게 만든 박서보 Park Seo-Bo, 뉴욕 기반 건축가이자 럭셔리 브랜드 공간 디자인의 상징적 인물인 피터 마리노 Peter Marino, 공공 조각 프로젝트로 널리 알려진 우고 론디노네 Ugo Rondinone, 그리고 빠르게 주목받고 있는 젊은 작가인 케네디 얀코 Kennedy Yanko와 아멜리 베르트랑 Amélie Bertrand까지, 서로 다른 세대와 장르의 작가들이 한 프로젝트 안에 모여 있다.

Amélie Bertrand Captures the Feeling of Déjà Vu with Louis Vuitton and Artycapucines (출처: Whitewall)

프랑스 작가 아멜리 베르트랑 Amélie Bertrand (b. 1985)은 파리를 기반으로 활동하며 현대 회화에서 가상적 풍경과 인공적인 빛의 감각을 탐구하는 작가로 알려져 있다. 그녀는 École des Beaux-Arts de Marseille에서 수학한 뒤, 디지털 환경과 심리적 공간을 결합한 독특한 회화 언어로 빠르게 주목받기 시작했다. 베르트랑의 작품에는 종종 네온처럼 강렬한 색채와 매끈한 표면, 현실과 꿈 사이에 있는 듯한 풍경이 등장한다. 자연 풍경을 사실적으로 묘사하기보다는, 디지털 시대의 시각 경험이 만들어낸 인공적인 자연을 구축한다는 점이 특징이다.

Amélie Bertrand Artycapucines (출처: Sotheby's)

Amélie Bertrand Artycapucines (출처: Sotheby's)

작가의 Capucines는 겉보기에는 비교적 단순한 색면 구조처럼 보이지만, 실제로는 여러 층의 페인트와 특수 코팅을 통해 만들어진 복합적인 표면 구조를 가지고 있다. 루이비통 장인들은 가죽 위에 다층의 색채를 적용하고 그 위에 발광 안료(phosphorescent pigment)를 포함한 코팅을 더해, 빛을 받은 뒤 어두운 환경에서 은은하게 빛나는 효과를 구현했다. 이러한 인광(phosphorescent) 효과는 베르트랑의 회화에서 자주 등장하는 인공적인 빛과 디지털적 풍경의 분위기를 오브제 위에서 재현하기 위한 장치다.

Amélie Bertrand Artycapucines (출처: Sotheby's)

가방의 색채 구성 역시 작가의 회화적 특징을 반영한다. 베르트랑은 실제 자연 풍경을 묘사하기보다는 디지털 환경에서 경험하는 가상의 풍경을 회화로 재구성하는 작가로 알려져 있는데, Capucines에서도 이러한 감각이 유지된다. 표면에는 형광에 가까운 핑크, 그린, 블루 등의 강렬한 색면이 사용되며, 매끈하게 마감된 표면은 마치 컴퓨터 그래픽으로 렌더링 된 이미지처럼 인공적인 질감을 만들어낸다. 또한 이 가방은 빛의 변화에 따라 시각적 인상이 달라지는 구조를 갖는다. 낮에는 강렬한 색면과 광택이 강조되지만, 어두운 환경에서는 인광 코팅이 빛을 발하며 마치 네온사인처럼 은은하게 발광하는 효과가 나타난다. 이는 현실과 가상공간 사이의 감각적 긴장을 작은 오브제 안에 압축한 결과로 이해할 수 있다. 그녀의 Artycapucines는 그녀의 회화에서 핵심적인 요소인 인공적 빛과 디지털적 풍경의 감각을 가죽 공예로 번역한 작업이라고 볼 수 있다.

Daniel Buren in Pistoia (출처: VINO&BEYOND)

다니엘 뷰렌 Daniel Buren(b. 1938)은 프랑스 개념미술의 대표적 인물로, 폭 8.7cm의 반복되는 스트라이프 패턴을 통해 미술과 공간의 관계를 탐구해 온 작가다. 1960년대부터 그는 작품이 놓이는 장소 자체를 작품의 일부로 간주하는 in situ 작업을 발전시켰으며, 이는 이후 현대 설치미술에 큰 영향을 주었다. 1986년 베니스 비엔날레 프랑스관 황금사자상을 수상했고, 파리 팔레 로열의 공공 설치 작품 《Les Deux Plateaux》는 그의 대표적 작업으로 꼽힌다.

Murs de peintures (출처: Paris Musées)

경매 시장에서도 뷰렌은 확고한 위치를 차지하고 있다. 그의 작품 《Peinture aux formes indéfinies》(1966)는 약 217만 달러에 거래되며 작가 경매 최고가를 기록했다. 이는 2022년 Artycapucines 협업 이전부터 그가 이미 미술사적으로 제도화된 블루칩 작가였음을 보여준다. 루이비통은 뷰렌의 시그니처인 흑백 스트라이프와 trompe-l’oeil 효과를 적용하여 카푸신 가방에 접목시켰다.

Louis Vuitton Artycapucines (출처: Muse Magazine)

가방의 구조와 패턴이 서로 겹쳐 보이도록 설계되어, 실제보다 입체적으로 보이는 시각적 착시를 만든다. 이는 뷰렌이 평생 탐구해 온 “공간 속에서의 시각 구조”를 작은 오브제 위에 재현한 사례라 할 수 있다. 협업 이전과 이후를 비교하면, 뷰렌의 시장 위치는 크게 변하지 않았다. 그는 이미 미술관, 공공 프로젝트, 경매 시장 모두에서 확립된 작가였기 때문이다. Artycapucines 협업은 그의 경매 가격을 변화시켰다기보다, 그의 미학이 패션 오브제에서도 설득력 있게 작동한다는 사실을 보여준 사건으로 보는 것이 더 정확하다.

peter marino receives THE DESIGN PRIZE 2021 (출처: designboom | architecture & design magazine)

피터 마리노 Peter Marino(b. 1949)는 뉴욕 기반의 건축가이자 디자이너로, 샤넬·디올·루이비통 등 글로벌 럭셔리 브랜드의 건축과 공간 디자인을 설계한 인물이다. 그는 코넬대학교에서 건축을 공부했으며, 이후 미술·건축·디자인을 결합한 독특한 작업 세계를 구축했다. 마리노의 작업은 종종 가구, 조각, 무라노 유리, 브론즈 오브제까지 확장되며 건축과 미술 사이의 경계를 흐린다. 경매 시장에서 그의 디자인 작품은 약 13만 달러 수준의 기록을 가지고 있다. 이는 순수미술 작가들과는 다른 시장 구조를 보여주는데, 마리노의 영향력은 경매 시장보다 건축과 럭셔리 브랜드 공간 디자인에서 훨씬 크게 나타난다.

Peter Marino Architect • Chanel Seoul 청담 샤넬 매장 (출처: Peter Marino Architect)

특히 그는 샤넬과 루이비통을 비롯한 주요 럭셔리 브랜드의 플래그십 스토어 디자인을 통해 브랜드의 시각적 정체성을 공간으로 구현해 온 인물이다. 한국에서도 그의 작업을 확인할 수 있는데, 청담동에 위치한 샤넬 플래그십 스토어 역시 피터 마리노가 설계한 공간으로 알려져 있다. 이 매장은 단순한 매장이 아니라 예술 작품과 디자인 가구가 함께 배치된 갤러리형 공간으로 구성되어 있으며, 럭셔리 브랜드 매장이 하나의 문화적 공간이 될 수 있음을 보여주는 사례로 자주 언급된다.

What V Want: Louis Vuitton's Artycapucines Bag by Peter Marino (출처: V Magazine)

루이비통이 그를 Artycapucines에 초대한 이유도 여기에 있다. 마리노는 오랫동안 럭셔리 브랜드 공간을 설계해 온 인물이며, 브랜드의 시각적 세계관을 건축적으로 구현해 온 인물이기 때문이다. 특히 우리나라의 청담 샤넬 매장도 그의 손길로 완성된 공간이다. 그의 Capucines 디자인은 검은 가죽 위에 금속 스터드가 반복되는 구조를 갖고 있으며, 이는 그의 건축과 가구 디자인에서 자주 등장하는 장식적 구조를 반영한다. 제작 방식이 공예적으로 상당히 복잡하다. 금속 스터드는 각각 정밀하게 배치되고 고정되어야 하며, 가죽 표면을 손상시키지 않으면서도 견고한 구조를 유지해야 한다. 이 과정은 단순한 장식 공정을 넘어, 가죽 공예와 금속 세공이 동시에 결합된 작업에 가깝다. 이는 루이비통 장인들이 기존의 가방 제작 기술을 확장해, 건축적 오브제를 구현해야 했음을 보여준다. 회화적 언어나 색채 중심의 작업이 아닌, 구조·재료·장식이라는 건축의 언어가 럭셔리 오브제로 전환될 수 있음을 보여준 사례를 마리노가 대표적으로 보여주었다.

박서보 (출처: 연합뉴스)

박서보(1931–2023)는 한국 단색화(Dansaekhwa)를 대표하는 작가로, 반복적 선과 물질적 행위를 통해 회화의 본질을 탐구해 온 인물이다. 그는 홍익대학교에서 미술을 공부했으며, 1970년대부터 시작된 《묘법(Ecriture)》 연작을 통해 국제 미술계에서 중요한 위치를 차지했다. 이 작업은 캔버스 위에 연필이나 도구로 반복적으로 선을 긋고 물감을 밀어 넣는 과정을 통해 만들어지며, 작가에게 있어 회화는 수행과 명상의 과정으로 이해된다. 이러한 방식은 동양적 사유와 서구 추상의 형식을 결합한 것으로 평가되며, 2010년대 이후 단색화가 국제 미술시장과 미술관 전시에서 재평가되면서 그의 작업 역시 세계적으로 널리 알려지게 되었다.

경매 시장에서도 박서보는 강한 위치를 차지하고 있다. 그의 작품 《Ecriture No.214-85》는 약 410만 달러에 거래되며 작가 경매 최고가 기록을 세웠다. 이는 한국 단색화가 국제 미술시장에 본격적으로 소개된 이후 나타난 결과로, 박서보가 단색화 작가 가운데서도 가장 안정적인 시장을 형성한 인물 가운데 하나임을 보여준다.

박서보 작품가격 TOP10]단색화 밀리언 달러 작가...347억 낙찰총액 4위 (출처: newsis)

박서보는 Artycapucines에서 《묘법》을 질감이 살아 있는 가죽 표면으로 번역했다. 반복적인 선의 구조와 미묘한 표면의 흔적을 가죽 공예로 재현함으로써, 단색화의 물질적 특성을 Capucines라는 오브제 위에 옮긴 것이다. 이후 루이비통은 2024년 이후에도 《묘법》 이미지를 활용한 다양한 제품 협업을 진행했으며, 이 제품들은 출시 직후 빠르게 판매되며 큰 관심을 받았다. 이는 단색화의 미학이 동시대 럭셔리 소비문화와도 공명할 수 있음을 보여준 사례로 해석된다.

박서보와 루이비통 [더 하이엔드] (출처: 중앙일보)

협업 이전에도 박서보는 이미 한국 현대미술을 대표하는 블루칩 작가로서 국제 미술관 전시와 주요 갤러리를 통해 확고한 위치를 확보하고 있었다. Artycapucines 협업 이후 그의 시장 가격이나 제도권 위상이 급격히 변화했다고 보기는 어렵지만, 이 프로젝트는 한국 단색화의 미학이 글로벌 럭셔리 브랜드의 맥락 속에서 다시 해석되고 대중에게 확장된 사례라는 점에서 의미를 가진다. 루이비통이 박서보를 선택한 이유는 단순한 지역적 대표성 때문만은 아니다. 《묘법》 연작은 반복적인 행위와 시간의 축적을 통해 완성되는 작업으로, 이는 장인들의 손작업을 기반으로 하는 루이비통의 공예 전통과 깊은 공명을 이룬다. 결국 루이비통은 박서보의 회화를 단순한 이미지가 아니라 반복과 시간, 장인적 행위라는 구조 자체를 오브제 위에 번역하려 했던 것이다. 이러한 점에서 박서보와 루이비통의 협업은 회화의 물질성과 럭셔리 공예의 철학이 만나는 상징적인 사례로 이해할 수 있다.

Seven Magic Mountains (출처: Max Tour)

우고 론디노네 Ugo Rondinone(b. 1964)는 스위스 출신 작가로, 뉴욕을 기반으로 활동하며 조각·회화·설치·텍스트 작업을 넘나드는 작업을 펼쳐왔다. 그의 작품은 자연과 인간의 감정, 시간의 흐름을 탐구하는 시적인 분위기를 특징으로 한다. 특히 그의 무지개 조각, 광대 조각, 텍스트 조각 등은 현대미술에서 널리 알려진 작품들이다. 론디노네는 미술관 전시뿐 아니라 대형 공공 조각 프로젝트로도 널리 알려져 있는데, 미국 네바다 사막에 설치된 거대한 컬러 스톤 조각 《Seven Magic Mountains》는 라스베이거스를 방문하는 사람들이 반드시 들르는 장소 가운데 하나로 자리 잡았다. 이 작품은 현대미술이 관광 경험과 공공 공간 속에서 어떻게 새로운 상징이 될 수 있는지를 보여주는 사례로 자주 언급된다.

Ugo Rondinone 20th (출처: Phillip's)

론디노네의 작품 《A Day Like This Made of Nothing and Nothing Else》는 약 113만 달러에 거래되며 작가 최고가 기록을 세우며 경매에서도 꾸준히 수요가 많은 작가이다. 이는 그가 이미 국제 미술계에서 확고한 위치를 갖고 있음을 보여준다. 한국 미술 시장에서도 론디노네의 작품은 비교적 높은 인지도를 가지고 있다. 그의 강렬한 색채와 상징적인 조형 언어는 국내 컬렉터들 사이에서도 꾸준한 관심을 받아왔으며, 주요 국제 갤러리와 아트페어를 통해 한국 컬렉터들에게도 널리 소개되었다. 서울에서는 한남동 패션파이브 앞과 탈리다쿰 매장에서도 론디노네의 작품을 볼 수 있다.

The 2022 Artycapucines Collection Sees Six Unique Reinventions (출처: Haute Living)

루이비통은 그의 Capucines 디자인에서 다색의 비즈와 하를리퀸 패턴을 활용했다. 이는 론디노네의 작업에서 반복적으로 등장하는 무지개와 광대 이미지에서 영감을 받은 것이다. 색채가 만들어내는 감정적 대비와 반복적 패턴은 그의 작업에서 중요한 요소이며, Capucines에서도 이러한 시각적 리듬이 강조되었다. 이 협업은 그의 조각적 색채 언어가 패션 오브제로 확장될 수 있음을 보여주는 사례로 평가된다. Artycapucines 협업을 통해 그의 시각 언어가 패션 오브제라는 새로운 매체로 확장될 수 있음이 확인되었다는 점에서 의미가 있다.

Kennedy Yanko (출처: Sotheby's)

케네디 얀코 Kennedy Yanko(b. 1988)는 미국 브루클린 기반의 조각가로, 산업 폐기 금속과 페인트 스킨(paint skins)을 결합한 추상 조각으로 알려져 있다. 그녀는 샌프란시스코 아트 인스티튜트에서 공부했으며, 회화와 조각 사이의 경계를 탐구하는 작업을 지속해 왔다. 그녀의 작업 중 페인트를 두껍게 굳힌 뒤 이를 벗겨내 금속 구조에 결합하는 방식은 유동성과 구조의 긴장 관계를 보여준다.

Louis Vuitton's Artycapucines Stun at Paris+, and Other News (출처: SURFACE)

얀코의 Capucines에서 가장 핵심적인 특징은 ‘페인트 스킨(paint skin)’ 효과의 구현이다. 실제 그녀의 작업에서 페인트는 캔버스 위에 머무르지 않고, 두껍게 쌓인 뒤 굳어져 하나의 독립적인 물질처럼 다뤄진다. 루이비통은 이 특성을 가방에 적용하기 위해 3D 프린팅과 몰딩 기술을 활용해 유기적으로 흐르는 듯한 표면 구조를 제작했다. 이 표면은 마치 녹아내리거나 흘러내리는 페인트처럼 보이지만, 실제로는 정밀하게 설계된 구조물이다. 이와 동시에 가방에는 금속 구조(metal framework)가 결합된다. 얀코의 조각이 산업 폐기 금속과 유동적인 페인트 표면의 대비를 통해 완성되듯, Capucines에서도 부드럽고 유기적인 형태와 단단한 금속적 요소가 공존하는 구조가 유지된다. 이러한 대비는 그녀의 작업에서 중요한 개념인 유동성(fluidity)과 구조(structure)의 긴장 관계를 그대로 반영한다.

Kennedy Yanko (출처: Rubell Museum)

색채 또한 중요한 요소다. 가방 표면에는 강렬하고 대비적인 색조가 사용되며, 이는 그녀의 페인트 작업에서 나타나는 색의 물질성을 시각적으로 재현한다. 단순한 컬러 적용이 아니라, 색 자체가 하나의 물질처럼 느껴지도록 설계되어 있다는 점이 특징이다. 또한 이 가방은 Capucines의 전통적인 형태를 유지하면서도, 표면 위에 추가된 구조물이 입체적으로 돌출되며 기존 가방의 실루엣을 확장시키는 효과를 만든다. 이는 단순한 장식이 아니라, 가방을 하나의 조각 오브제로 인식하게 만드는 장치다. 제작 공정 역시 일반적인 가방과는 다르다. 루이비통 장인들은 가죽 위에 직접 작업하는 것이 아니라, 별도로 제작된 입체 구조를 가방에 결합하는 방식을 사용해야 했다. 이는 공예적 정밀성과 동시에 조각적 완성도를 요구하는 작업으로, Artycapucines 프로젝트가 단순한 표면 디자인을 넘어선다는 점을 잘 보여준다. 결과적으로 얀코의 Artycapucines는 단순히 작가의 이미지를 적용한 협업이 아니라, 조각의 물질성과 구조를 가방이라는 스케일로 축소하고 재구성한 작업이다.

Louis Vuitton Launches the Fourth Edition of Artycapucines (출처: The Impression)

2022년 Artycapucines 협업을 살펴보면 이 프로젝트가 단순한 패션 협업이 아니라는 사실이 더욱 분명해진다. 참여 작가들은 각기 다른 미술사적 위치에 있으며, 그에 따라 협업이 갖는 의미 역시 서로 다르게 나타난다. 예를 들어 다니엘 뷰런이나 박서보와 같은 작가들은 이미 미술관 전시와 경매 시장, 공공 프로젝트를 통해 확고한 위치를 확보한 인물들이다. 이들에게 Artycapucines 협업은 시장에서의 상승을 위한 계기라기보다, 자신의 미학이 새로운 매체에서도 작동할 수 있음을 보여주는 실험에 가깝다. 그들의 작업 언어는 Capucines라는 작은 오브제 위에서도 여전히 강력하게 작동하며, 이는 현대미술의 개념이 특정 매체에 종속되지 않는다는 사실을 보여준다.

반면 케니 얀코나 아멜리 베르트랑과 같은 작가들에게 이 프로젝트는 보다 직접적인 의미를 갖는다. 이들은 이미 미술계에서 주목받기 시작한 작가들이지만, Artycapucines 협업을 통해 패션과 디자인, 그리고 더 넓은 대중에게 이름을 알릴 수 있는 기회를 얻게 되었다. 이러한 점에서 이 프로젝트는 미술계 내부와 외부를 연결하는 하나의 플랫폼으로 기능한다. 또 하나 중요한 점은 이 협업이 반복적으로 강조하는 가치다. 바로 장인적 제작 과정과 예술적 개념 사이의 연결이다. 작가의 아이디어가 실제 가방으로 구현되기까지는 수많은 공정이 필요하다. 발광하는 표면을 구현하거나, 회화의 질감을 가죽 위에 재현하거나, 조각적 구조를 작은 오브제 안에 구현하는 과정은 모두 장인들의 정교한 기술을 요구한다. 이 과정에서 예술의 개념과 공예의 기술은 서로를 보완하며 하나의 결과물을 만들어낸다.

작가의 시각 언어와 장인의 기술, 그리고 브랜드의 역사적 전통이 함께 결합된 하나의 문화적 오브제가 된다.

이러한 점에서 Artycapucines는 단순히 예술을 활용한 제품 라인이 아니라, 21세기 럭셔리 브랜드가 예술을 통해 자신들의 문화적 정체성을 확장하는 방식을 보여주는 중요한 실험이라고 할 수 있다.