서양 음악이론 아는 척 하기 (2편)
12음 기법의 혁명
바흐가 마련한 평균율의 균등한 토대 위에서, 낭만 후기 작곡가들은 조성의 위계를 점차 모호하게 만들었다. 이러한 조성 붕괴의 흐름은 아르놀트 쇤베르크(Arnold Schönberg)에 의해 계승되었으며, 그는 12음 기법(Twelve-Tone Technique, Dodecaphony)을 통해 음악을 구조적, 수학적 문제로 전환하였다. 이 기법은 전통적 배음 위계에 기반한 조성적 안정성을 제거하고, 모든 음을 동등하게 취급하는 인위적이고 구조적인 질서를 제시하였다.
무조의 탄생: 표현주의의 요구
19세기 말, 바그너의 반음계적 접근으로 인해 전통적 조성은 중심을 잃어가고 있었다. 20세기 초, 쇤베르크를 필두로 한 제2 빈 학파는 이를 무조(Atonality)로 발전시켰다. 1907년경부터 그는 조성의 중심음인 토닉을 의도적으로 회피하며 작곡을 시작하였다. 이는 낭만주의 표현주의의 미학과 맞닿아 있었는데, 전통적 조성의 안정성과 예측 가능성은 인간 내면의 복잡한 심리, 불안과 무의식, 광기 등을 표현하는 데 제약이 되었기 때문이다. 무조는 단순히 조성이 없는 상태를 의미하는 것이 아니라, 근음 중심의 위계 자체가 존재하지 않는 음악을 뜻하며, 이는 음악적 질서를 배음 위계에서 떼어내는 첫 단계였다.
1908년에서 1923년 사이의 쇤베르크 작품, 예를 들어 현악 4중주 2번 4악장이나 오페라 "기대"(Erwartung)는 자유로운 무조 시기로 분류된다. 이 시기에는 조성 규칙이 해체되면서 표현의 자유가 확대되었지만, 동시에 구조적 한계가 드러났다. 전통적 조성에서는 화음과 선율이 토닉을 중심으로 긴장과 해소를 반복하며, 청자는 긴 악곡의 흐름을 자연스럽게 인식할 수 있었다. 도미넌트 화음의 토닉 해결, 장조와 단조의 위계, 일정한 화성적, 선율적 규칙은 곡 전체를 유기적으로 연결하는 역할을 했다. 그러나 자유로운 무조에서는 이러한 예측 가능한 구조가 사라지므로, 화음과 음의 연결에서 일정한 질서를 유지하기 어렵고, 긴 악곡의 흐름을 청각적으로 따라가기 힘들다. 그 결과 청자는 음악을 단편적이고 분절된 인상으로 받아들이기 쉽고, 실제로 이 시기 작품들은 비교적 짧거나 외적 구조, 예를 들어 가사에 의존하는 경향을 보였다.
이러한 한계를 극복하기 위해 쇤베르크는 12개의 반음을 균등하게 배열하고 이를 체계적으로 활용하는 12음 기법을 고안하였다. 이 방법은 전통 조성 위계 대신 인위적이고 구조적인 질서를 창조하며, 배음 위계와 조성적 기능에 의존하지 않고 음악을 조직할 수 있는 새로운 방식을 제시하였다. 12음 기법은 단순한 작곡 기법을 넘어, 음악을 구조적, 수학적 문제로 인식하고 조직하는 현대 음악 사고의 기틀을 마련하였다.
쇤베르크의 12음 기법
1923년, 쇤베르크는 12음 기법을 공식적으로 발표하며 현대 음악이론에서 인위적 구조 원리를 확립하였다. 이 기법은 바흐가 마련한 평균율의 균등한 음들을 바탕으로, 조성적 기능을 제거하고 12개의 반음을 체계적으로 조직하는 방법을 제시하였다.
12음 기법의 핵심은 음렬(Reihe, Tone Row)이다. 음렬은 옥타브 내 12개 반음을 한 번씩만 사용하여 배열한 순서로, 이를 구성하는 가장 중요한 원리는 12개의 음이 모두 동등하게 사용되어 특정 음이 반복되거나 강조되어 근음처럼 인식되지 않도록 하는 것이다. 즉, 어떠한 음도 위계적 중심성을 갖지 않게 하여, 전통 조성에서 나타나는 음정의 위계를 완전히 배제한다.
쇤베르크 - Suite, op.25에 사용된 음렬. 반음계 순서와 쇤베르크가 선택한 음렬, 그리고 실제 곡에서 사용 방법 순이다.음렬은 악곡 전체의 선율과 화성을 파생시키는 기본 구조로 기능하며, 작곡가는 이를 통해 조성이 없는 상태에서도 음악적 일관성과 통일성을 확보할 수 있었다. 다시 말해, 12음 기법은 조성 체계가 사라진 상황에서 음악을 체계적으로 조직하는 해결책을 제공하였다.
음렬의 4가지 형태: 수학적 대칭성
쇤베르크는 음렬에 수학적 대칭성과 변주 가능성을 부여하였다. 기본 음렬(P, Prime) 외에도 세 가지 변형을 만들 수 있으며, 각 형태는 12개의 반음 위에서 시작할 수 있어 이론적으로 총 48개의 음렬 형태가 존재한다. 원형(P)은 처음 선택한 12음의 순서를 그대로 사용하여 음악적 기본 구조를 제공한다. 전위형(I, Inversion, Umkehrung)은 음정 간격을 역방향으로 뒤집어 음정 관계의 대칭적 변화를 만들어내고, 역행형(R, Retrograde, Krebs)은 원형을 끝에서부터 읽어 시간적 흐름을 반전시킨다. 마지막으로 역행 전위형(RI, Retrograde Inversion, Krebsumkehrung)은 전위형을 끝에서부터 읽어 음정과 시간 관계를 동시에 변형한다.
쇤베르크 - Variations for Orchestra, op.31에서 사용된 4가지 음렬 형태작곡가는 이 음렬을 선율적으로 사용하거나 화음처럼 겹쳐 사용하면서 악곡 전체의 구조와 화성적 밀도를 조직한다. 음렬의 대칭성과 변주 가능성은 작품에 복잡하면서도 일관된 통일성을 부여하며, 음악적 사고를 이전의 감각적 접근에서 벗어나 논리적, 구조적 사고로 전환시킨다.
음렬의 4가지 형태와 그것들의 12가지 변형. P1은 P음렬의 모든 음이 반음 위로 올라간 형태.12음 기법의 철학적 의미
12음 기법이 현대 음악이론에 끼친 근본적인 영향은 전통 조성에서 배음이 부여하던 자연적 위계를 철저히 부정하고, 모든 음을 평등하게 다루는 인공적 질서를 창조했다는 점에 있다. 전통 조성 시스템은 배음의 저차 배음(2, 3, 4, 5, 6차)이 만들어내는 협화적인 음정 관계, 즉 옥타브, 완전 5도, 완전 4도, 장3도, 단3도를 바탕으로 안정적인 위계를 형성하였다. 이 체계에서는 특정 음과 화음이 중심성을 가지며, 긴장과 해소의 패턴이 자연스럽게 음악의 구조를 이끌었다.
반면 12음 기법에서는 이러한 자연적 위계가 제거된다. 12개의 반음은 모두 동등하게 사용되며, 어떤 음도 강조되거나 중심음을 형성하지 않는다. 모든 음정은 음렬 내의 구조적 관계로 정의되며, 전통적으로 불협화음으로 간주되던 음정조차 다른 음정과 동등한 구조적 지위를 가진다. 쇤베르크는 이를 불협화음의 해방(Emancipation of Dissonance)이라고 명명했으며, 불협화음은 더 이상 토닉으로 해결되어야 하는 긴장이 아니라, 그 자체로 음악적 색채와 구조를 이루는 요소가 된다.
작곡가는 이러한 음렬을 바탕으로 선율과 화성을 조직하며, 음악을 감각적 경험이 아니라 논리적 구조의 산물로 다루었다. 12음 기법은 작품의 통일성과 일관성을 음렬의 구조에서 확보하게 했으며, 음악적 가치는 청각적 아름다움보다는 구조적 완결성과 논리적 정합성에서 판단되었다. 결과적으로 12음 기법은 20세기 음악에서 구조적 사고와 음악적 이성주의를 대표하는 핵심적 흐름으로 자리 잡았고, 이후 현대 서구 아방가르드 음악에 지대한 영향을 미쳤다.
총렬주의로의 확장
베베른과 음렬의 구조적 정교화 및 밀도
쇤베르크가 음정에 적용한 음렬 원리는 20세기 중반 그의 후대 작곡가들에게 계승되며 한층 극단적으로 확장되었다. 그중 안톤 베베른(Anton Webern)은 12음 기법을 더욱 정교하게 다듬고 구조적 밀도를 극대화하였다.
베베른은 음렬 자체를 대칭적으로 설계하여(현악 4중주, op.28의 바흐 모티프), 예를 들어 원형 음렬(P)과 역행 전위형(RI)이 동일한 구조를 이루도록 함으로써 음렬의 내적 대칭성을 강조했다. 이러한 방식은 음렬이 짧은 부분으로 나뉘더라도 각 부분이 독립적으로 또 다른 대칭적 관계를 유지하게 하여, 악곡 전체의 구조적 통일성과 정밀함을 높였다.
베베른 - 현악 4중주, op.28에서 사용된 대칭적 음렬. B-A-C-H로 시작하여 바흐 모티프라고 불린다.또한 그는 음악을 극도로 농축하고 축소하는 점묘주의(Pointillism)적 기법을 활용하였다. 하나의 음렬을 여러 악기에 짧게 나누어 연주하도록 배치함으로써, 개별 음이 독립적이고 분리된 상태로 조직되게 했다. 이로써 청자는 분절적 움직임 속에서 음향적 질감의 희박함과 동시에 섬세한 구조적 관계를 경험하게 된다.
베베른 - 콘체르토, op.24에서 사용된 음렬. 첫 3음이 각각 원형, 역행 전위형, 전위형, 역행으로 이루어져 있다.
위 음렬이 여러 악기들에 의해 각각 3음 씩 연주된다.총렬주의로의 급진적 확장
1940년대 말부터 1950년대 초, 피에르 불레즈(Pierre Boulez)와 칼하인츠 슈톡하우젠(Karlheinz Stockhausen)은 쇤베르크의 12음 기법을 한층 확장하여 총렬주의(Total Serialism)를 발전시켰다. 이들은 음렬의 원리를 음정뿐 아니라 리듬, 강세, 셈여림, 음색 등 음악의 모든 매개변수에 적용하였다. 즉, 각각의 요소가 독립적으로 규칙을 따르면서 동시에 전체 구조 속에서 통합적으로 조직되도록 한 것이다.
음정, 리듬, 셈여림, 강세가 각각 12개로 나뉘어져 독립적인 열을 형성한다.이를 통해 하나의 음렬만 선택해도 악곡의 모든 세부 사항, 즉 리듬, 셈여림, 강세, 음색이 구조적으로 결정되도록 설계할 수 있었다. 이러한 방식은 작곡가의 주관적 선택을 최소화하고, 음악 전체를 수학적, 구조적 규칙에 따라 통제하는 것을 목표로 했다. 결과적으로 총렬주의는 우연이나 즉흥성이 배제된, 철저히 계획된 구조적 필연성을 추구하는 음악으로 나타났다.
총렬주의는 음악적 구조를 극도로 조직화함으로써 이론적 완결성을 달성했지만, 청자가 직접 인지하기에는 매우 복잡하고 이해하기 어려운 소리로 나타나는 경우가 많았다. 인간의 청각 시스템은 모든 음정, 리듬, 셈여림, 음색의 독립적 규칙을 동시에 처리하기 어렵기 때문에, 음악은 종종 무작위적이거나 청감적으로 무질서하게 느껴졌다. 작곡가의 의도와 청자의 경험 사이에는 큰 격차가 발생하였다.
이러한 극단적인 조직화에 대한 반작용으로, 1950년대 후반 이후 존 케이지(John Cage)의 우연성 음악(Aleatoric Music)과 미니멀리즘(Minimalism)이 등장하였다. 이들 음악은 총렬주의가 추구한 모든 요소의 통제를 포기하거나, 단순한 패턴의 반복과 우연적 요소를 활용하여 새로운 음악적 질서를 탐색하였다. 총렬주의가 모든 것을 통제하려 한 것과 달리, 우연성 음악은 모든 통제를 포기하는 접근을 보여주며 극명한 대조를 이루었다.
12음 기법의 구조적 유산과 새로운 전환점
12음 기법과 총렬주의는 현대 음악이론에서 인위적이고 수학적인 구조가 음악의 근본 원리가 될 수 있음을 보여주었다. 이 과정에서 조성에서 비롯된 배음적 위계는 완전히 제거되었고, 바흐가 마련한 평균율의 균등성은 음악을 구조적, 수학적 문제로 전환하는 기초로 활용되었다. 이러한 변화는 수백 년 동안 유지되어 온 자연적 음정 질서와 조성 중심의 서양 음악 패러다임을 종식시키는 계기가 되었으며, 쇤베르크와 그의 계열 작곡가들은 음악에서 자연적 감각보다 논리적, 이성적 구조가 중심이 될 수 있음을 입증함으로써 현대 음악에서 구조적 사고와 인위적 질서의 출현을 결정적으로 이끌었다.
한편, 12음 기법이 조성적 위계를 제거하는 전략이었다면, 올리비에 메시앙(Olivier Messiaen)은 12음의 수학적 균등성과 배음에 기반한 음색적 친화성을 동시에 활용하여 새로운 음악적 질서를 창출하였다. 그는 상반된 요소를 역설적으로 통합하면서 독창적인 구조적 언어를 개발했고, 이러한 접근은 이후 스펙트럴 음악에서 음색과 배음 구조를 중심으로 음악을 조직하는 토대가 되었다.