소리의 해방
바레즈의 음악 세계
Edgard Varèse (1883–1965)20세기 전반의 음악은, 조성 체계의 해체와 음열 기법의 도입을 비롯한 다양한 실험적 시도를 통해 전통적 형식에서 벗어나려는 노력을 지속해왔다. 그러나 바레즈(Edgard Varèse, 1883–1965)의 음악적 탐구는 단순한 양식적 변용을 넘어, 음악 개념의 패러다임 자체를 해체하고 새롭게 정초하는 작업이었다. 바레즈는 음악을 소리의 조직화 과정으로 간주하며, 기존의 조성적 질서에 종속된 음악적 문법이 아닌, 음향의 물리적 배치와 상호작용을 통해 형성되는 새로운 구조적 질서를 탐색했다.
그의 사상은 세 가지 주요 개념: 조직된 소리(Organized Sound), 공간적 음악(Spatial Music), 전자음악(Electronic Music)으로 집약될 수 있다. 이러한 개념들은 음악을 감각적 경험의 매개체가 아닌, 과학과 기술, 그리고 수학적 원리와 결합된 총체적 예술-과학으로 이해하는 방식을 보여준다.
바레즈의 "조직된 소리" 개념은 음악을 시간적 질서로 바라보는 기존 패러다임을 해체하고, 소리 자체의 본질적 속성과 그것들의 상호작용에 의해 형성되는 동적 체계로서 음악을 정의하려는 시도이다. 전통적인 서양 음악에서 형식은 선율적 진행과 화성적 관계를 통해 구축되는 경향이 강했다. 그러나 바레즈는 이를 거부하고, 음향의 물리적 배치와 질감의 변형에 의해 형성이 결정되는 음악적 구조를 탐구했다. 그의 대표작 Ionisation(1931)은 이 개념을 구체적으로 구현한 작품이다.
이 작품은 전통적 조성 체계를 배제하고, 순수한 타악기와 전자적 음향만을 사용하여 음악적 질서를 구축하며, 화성적 논리에 의해 전개되는 것이 아니라, 서로 다른 음향적 요소들의 질료적 변형에 의해 조직된다. 이는 음악적 형식을 "과정의 결과"로 간주하는 바레즈의 철학을 반영한다. 바레즈는 음악적 질서를 음향의 구체적 물질성에 기반하여 구축해야 한다고 주장했으며, 이는 20세기 후반 이후 현대음악 음향 연구 및 전자음악에서의 스펙트럴 음악(spectral music), 미시음악(microsound), 필드 레코딩(field recording) 등의 발전에 영향을 미쳤다.
바레즈의 "공간적 음악(spatial music)" 개념은 음악을 단순한 시간적 예술이 아닌, 공간 속에서 물리적으로 배치되는 입체적 존재(spatialized entity)로 이해하는 방식을 의미한다. 전통적 음악 이론에서 음향은 수직적(화성적) 및 수평적(선율적) 관계로만 분석되었으나, 바레즈는 소리가 물리적 공간 속에서 이동하고 변형되는 방식을 탐색하며, 음악을 3차원적 음향 구조로 바라보았다.
슈톡하우젠 역시 음향의 배치와 이동을 음악적 구성 요소로 활용했지만, 두 작곡가의 접근 방식에는 근본적인 차이가 존재한다. 바레즈는 소리 덩어리의 물리적 배치와 이동을 탐구했으며, 슈톡하우젠은 음향을 공간 내에서 정밀하게 제어하고 조직하는 방식을 실험했다. 다시 말해, 바레즈의 공간적 음악은 소리 자체가 공간 속에서 움직이는 물리적 개념을 중심으로 하고, 슈톡하우젠의 공간음악은 청취자의 공간적 인식을 음악의 주요 요소로 활용하는 방식을 채택했다.
이 개념은 그의 작품 Poème Électronique(1958)에서 본격적으로 실현되었다. 이 작품은 425개의 개별 스피커를 활용하여, 음향이 실제 물리적 공간 속에서 이동하는 효과를 구현하는 최초의 실험 중 하나였다.
그의 공간적 음악 개념은 기존의 점진적 선율 진행을 해체하고, 음향의 이동성과 상호작용에 의해 형성되는 새로운 구조적 관계를 탐구하는 방식을 제안했다. 오늘날 사운드 인스톨레이션, 오디오의 공간화 등은 바레즈가 개척한 공간적 음악 개념에 뿌리를 두고 있다.
바레즈는 기존의 악기들이 음악적 표현을 제한한다고 보았으며, 전자적 매체가 이러한 한계를 해소할 수 있는 가능성을 제공한다고 확신했다. 그는 1934년, 전자음악의 선구자인 테레민(Theremin)과 협력하여 작품 Écuatorial을 위해 특수 제작된 전자악기를 활용했다. 1954년에는 프랑스 국영방송의 전자음악 스튜디오에서 본격적인 전자음악 작업을 수행하며 작품 Déserts를 제작했다. 그는 전자음악이 평균율 체계를 넘어선 새로운 음향 조직의 가능성을 제공할 수 있다고 보았으며, 이를 통해 기존의 서양 음악적 패러다임을 근본적으로 전환할 수 있다고 주장했다. 바레즈의 전자음악 철학은 기계가 단순한 소리 재현 도구가 아니라, 새로운 음악적 언어를 창조하는 도구가 될 수 있음을 선구적 정신을 기반으로 직관적으로 예견했다.
바레즈의 음악적 사유는 단순한 형식적 혁신이나 도구적 확장의 문제가 아니라, 음악 자체의 존재론적 본질을 해체하고 재구성하려는 근본적인 인식론적 전환을 의미한다. 그의 철학에서 음악은 더 이상 선율적 논리와 조성적 질서에 의해 구축되는 내러티브적 구조가 아니며, 음향 그 자체가 지성을 내포한 독립적 실체로 작동하는 하나의 존재론적 사건으로 정의된다. 즉, 바레즈에게 있어 음악은 시간의 흐름 속에서 완결성을 지닌 객체가 아니라, 공간과 물리적 힘의 상호작용 속에서 끊임없이 생성되는 과정적 실체이다.
그는 음악적 형식을 미리 존재하는 이념적 질서가 아니라, 소리 덩어리간의 힘의 관계에 의해 역동적으로 형성되는 결정적 구조로 바라보았다. 이는 고전적 형식주의와 대비되는 패러다임의 도입을 의미하며, 음악을 구성하는 개별 요소들이 자율적 실체로 존재하면서도, 동시에 전체 구조의 긴장과 균형 속에서 변형되는 다층적 관계망을 형성하는 방식을 탐구했다.
바레즈는 음악이 기존의 선형적 시간성에서 벗어나, 물리적 공간성 속에서 조직될 수 있어야 한다고 주장했으며, 이를 통해 그는 음악을 "시간의 예술"이라는 전통적 개념에서 해방시키고, 음향이 공간 속에서 물리적으로 배치되고 이동하는 존재 방식으로 경험될 수 있는 가능성을 열어두었다. 이러한 사고방식은 단순한 공간적 배치를 넘어, 음악을 물리적, 심리적, 그리고 감각적으로 경험되는 총체적 사건으로 이해하는 방식으로 나아갔다. 그의 공간적 음악 개념은 음향이 단순히 전달되는 것이 아니라, 공간 자체가 소리를 매개하고 변형하며, 소리 또한 공간의 물성을 변형시키는 동역학적 관계를 형성한다는 점을 강조했다. 이는 현대 서라운드 음향, 사운드 디자인, 오디오 합성 등의 발전과 연결되며, 음악이 단순한 청각적 경험을 넘어 물리적 현실의 변형으로 작동할 수 있음을 시사한다.
바레즈가 남긴 가장 중요한 철학적 유산은 바로 음악을 실체화된 소리로 이해하는 방식이 아니라, 소리의 조직을 통해 세계와의 관계를 재구성하는 행위로 이해하는 방식에 있다. 그에게 있어 작곡이란 단순한 창작 행위가 아니라, 음악을 통해 새로운 존재 방식을 탐색하고, 소리가 인간과 환경, 기술과 공간 속에서 어떻게 관계 맺을 수 있는지를 실험하는 과정이었다. 이는 단순한 스타일적 혁신이 아니라, 음악을 구성하는 기본 단위와 그것들이 형성하는 총체적 질서의 개념을 근본적으로 재구성하는 철학적 개입이었다.
바레즈의 사유는 여전히 현대 음악과 사운드 연구의 중심에서 작동하고 있으며, 그의 철학적 유산은 21세기 음악이 나아갈 방향을 탐색하는 데 있어 중요한 좌표를 남긴다.
