다니엘 뷔렌의 줄무늬 작품 읽는 법

‘반듯하다’, ‘가지런하다’, ‘가짓수가 많다’, ‘벽에 꽉 차있다’, ‘자를 대고 그렸나?’, ‘촌스럽다’, ‘힙하다’, ‘그냥 줄무늬일 뿐이다’, ‘나도 그리겠다….’

다니엘 뷔렌, <회화의 벽>, 1966-1977. ⓒDaniel Buren (출처: 구겐하임 미술관)

프랑스의 현대미술가 다니엘 뷔렌(Daniel Buren, 1938-)은 ‘줄무늬 예술가’로 불린다. ‘줄무늬’는 우리에게 여러 감정을 불러일으키는데, 뷔렌의 작품은 말 그대로 ‘아는 만큼 보이는’ 것들이어서 그의 작업이 어떤 의미를 지니는지 함께 살펴보고자 한다. 뷔렌의 작업을 해석하는 키워드를 알고 나면 그의 줄무늬 작품이 다르게 보일 것이다. 그가 활동을 시작했던 1960년대 프랑스로 가서 작품을 함께 감상해보자.

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‘인 시튜(In-situ)’의 의미

프랑스 출신의 다니엘 뷔렌은 1960년대 초부터 예술이 사회에 개입하는 방식을 고민해온 작가이다. 사회 전반적으로 저항 의식이 고조되었던 당시 분위기 속에서 미술의 개념과 제도를 비판하며 활동을 시작했다.

다니엘 뷔렌, <두 개의 고원(Les Deux Plateaux)>, 1986. ⓒDaniel Buren

뷔렌은 자신의 모든 작업을 ‘인 시튜(In-situ)’로 명명한다. ‘인 시튜’는 본래 고고학 분야에서 사용되는 용어인데, 발굴된 유물을 과거 유적지에서처럼 원형 그대로 보여주는 방식을 의미한다. “본래의 자리에”, “원래의 자리에”라는 뜻으로 풀이할 수 있다. 뷔렌은 이 용어를 가져와 자신의 작품이 설치되는 공간 자체를 작품으로 수용한다는 의미로 사용한다. 그의 의도는 작품 자체만 보는 것이 아니라, 작품을 접하는 장소를 새롭게 인식하게 만드는 것이었다.

뷔렌이 이런 생각을 갖게 된 이유는 ‘모더니즘 미술’이 널리 퍼져있었기 때문일 것이다. 모더니즘 미술에서 중요한 개념은 ‘화이트 큐브’인데, 뷔렌은 화이트 큐브로 대표되는 모더니즘 미술을 비판하고자 했다.

* 잠깐! 화이트 큐브(White Cube)란?

: 뉴욕현대미술관(MoMA)를 비롯한 대부분 유명 미술관들은 ‘화이트 큐브’를 표방하고 있다. 1976년 미술비평가 브라이언 오 도허티가 흰 벽을 사용한 전시방식인 화이트 큐브 개념을 구체화한 것을 계기로 이것이 모더니즘 미술의 대표적인 전시 공간 모델이 되었다. 밝은 단색의 벽면에 작품을 띄엄띄엄 배치한 화이트 큐브는 작품 그 자체에만 집중하게 만들어 미술 전시 공간의 가장 이상적인 형태로 여겨진다.

뉴욕현대미술관 설치 전경, 1970. (출처: MoMA)

모더니즘 미술에서는 작품이 사회와 분리돼 독자적으로 존재한다는 개념을 내세운다. 화이트 큐브에 들어가면 관람자는 소멸되고 비로소 미술관 공간만이 유일해지는 것처럼, 미술관 안에 놓인 예술 작품은 ‘미적인 것’이라는 하나의 목적만을 위해 존재하게 된다. 즉, 예술과 일상의 경계를 구분 짓고 관람 경험을 일정한 방향으로 규정해버리는 것이다.

모더니즘 미술을 비판하고자 했던 다니엘 뷔렌은 주변 환경을 읽는 시각적 도구로서 줄무늬를 사용한다. 그는 줄무늬를 통해 작품이 놓인 장소 주변에 있는 요소들을 개입시킴으로써 화면을 둘러싸고 있는 환경에 집중하게 만드는데, 관람객들은 자신만의 새로운 방식으로 주변을 해석하게 된다.