17. '일상'의 이름으로
헤라르트 테르 보르흐 & 피터르 더 호흐
by
Sep 8. 2025
네덜란드의 델프트 도자기는 17세기부터 제작되기 시작했습니다. 흰색 바탕에 청색 그림이나 문양이 특징인 주석 유약 도자기입니다. 주석 유약 도자기는 납 유약에 주석을 첨가하여 불투명한 흰색 코팅을 한 도자기를 의미합니다. 이 유약은 고대 근동에서 알려져 중요하게 사용되다가 유럽으로 전파되었습니다.
Delftware/Pinterest특히 17세기 초 네덜란드 동인도 회사가 중국 도자기를 수입하면서 도자기 무역이 활발해졌습니다. 당시 네덜란드의 부유한 사람들은 중국에서 온 파란색 도자기에 매료되었습니다. 네덜란드 동인도회사는 1602년에 설립되었고, 델프트는 이 회사의 여섯 거점 중 하나였습니다. 델프트 도공들은 동양의 청화백자에 영감을 받아 델프트웨어를 만들게 되었습니다. 17세기말에는 중국 도자기를 완벽하게 모방한 청화 주석 유약을 바른 청화 델프트 도자기가 생산되었습니다. 델프트 지방은 델프트 블루의 큰 인기로 인해 네덜란드 무역의 중심지가 되었습니다.
Delft/KIMSUZI.com
Delftware/iStock도자기에 채색된 은은하면서도 깔끔한 청색은 '델프트 블루'라고 불립니다. 유럽에서 흰 도자기를 꾸밀 때 사용하는 청색 안료의 이름이기도 한 델프트 블루는 , 청금석으로 만든 울트라마린과 유사하며 최고급 대우를 받았습니다. 델프트 도자기는 미니멀하고 유머러스한 느낌이 특징입니다. 네덜란드 고유의 전통과 해학을 담고 있고요.
Gettyimages
18th century Delfware, the plate at left with a Japanse scene/wikipedia수납장이나 벽난로 위를 장식하는 청화백자 양식의 도자기, 또는 화덕 주위를 장식하는 청화백자 색의 타일 등 다양한 형태로 네덜란드 장르화에서 찾아볼 수 있습니다. 이러한 델프트웨어는 중국과 일본에서 수입한 고가의 청화백자를 모방하여 네덜란드에서 제작된 비교적 저렴한 상품이었습니다.(현재는 다릅니다.) 대부분 그릇 및에는 ' Delft'라는 글씨체가 새겨져 있습니다. 델프트웨어 제작 과정은 로열 델프트 공장에서 단계별로 전시되어 있어 도자기 제조 과정을 한눈에 볼 수 있습니다.
https://www.youtube.com/watch?v=m-Wt51ScnNo
오늘은 네덜란드 황금기 회화를 대표하는 화가들로, 헤라르트 테르 보르흐( Gerard ter Borch the Younger, 1617-1681)와 피터르 데 호흐( Pieter de Hooch, 1629-1684)의 작품을 살펴볼까 합니다.
그들의 작품은 당대 사회의 면모를 보여주면서도 각기 다른 독특한 예술적 특징을 지니고 있습니다. 두 화가 모두 중산층의 일상적인 삶과 실내 풍경을 주로 그렸습니다. 이들은 평범한 사람들의 일상적인 활동과 상호작용을 표현하면서 당시 네덜란드 사회의 가치와 도덕을 반영했습니다.
테르 보르흐( ter Borch the Younger, 1617-1681)는 주로 차분한 실내 장면을 그렸고, 데 호흐( de Hooch, 1629-1684) 또한 가정의 실내와 안뜰 풍경을 전문적으로 다루었습니다. 두 화가 모두 옷감의 질감, 가구, 그리고 인물들의 표정 등 세부적인 요소들을 매우 정교하게 묘사하는 데 뛰어난 기술을 보였습니다. 테르 보르흐(ter Borch)는 특히 새틴 드레스의 표현으로 유명했습니다. 데 호흐(de Hooch)는 빛이 닿는 다양한 표면의 아름다움을 즐겨 재현했고요.
두 화가 모두 그림에 깊이감과 분위기를 더하기 위해 빛을 능숙하게 활용했습니다. 데 호흐(de Hooch, 1629-1684))는 빛과 그림자의 강한 대비를 통해 공간의 기하학적 구조를 강조했습니다. 테르 보르흐(ter Borch, 1617-1681)의 작품 또한 미묘하게 조절된 조명이 특징이고요. 두 화가 모두 작품 속에 서사적 요소를 포함하여 관람자가 그림 속 이야기에 몰입하게 합니다. 데 호흐( de Hooch)의 경우 솔직한 접근 방식으로 당시의 도덕적 가치를 표현하기도 했고요.
차이점으로, 테르 보르흐(ter Borch the Younger, 1617-1681)는 주로 상류층의 우아한 인물들을 , 특히 여성을 주요 소재로 삼아 그들의 복잡한 심리적 상태와 사회적 상호작용을 통해 미묘한 심리적 메시지를 전달하는 경향이 강했습니다. 그는 인물 그룹 자체에 더 집중하여, 공간의 복잡성보다는 인물 간의 관계와 그들이 만들어내는 분위기에 중점을 두었습니다. 주로 차분하고 섬세한 색조를 사용하여 고요하고 정제된 분위기를 연출했습니다.
반면 데 호흐( de Hooch, 1629-1684)는 중산층 가정의 여성과 아이들의 일상적인 모습을 주로 그렸습니다. 그는 '두르키르키예 (doorkijkje)'또는 '투시 문 (see-througy-doorway)'기법을 개발하여 그림 속에 여러 개의 문이나 창문을 통해 외부 세계를 보여주며 공간적 깊이와 확장된 서술방식을 제공했습니다. 초기 작품의 어두운 갈색과 노란색 위주의 작품들이 델프트 시기에 들어 밝고 화사한 색채를 사용하여 햇볕이 드는 실내와 안뜰 묘사를 했고요.
헤라르트 테르 보르흐(Gerard ter Borch the Younger, 1617-1681)는 네덜란드 오버레이설(Overijssel) 지방의 즈볼레(Zwolle)에서 태어났습니다. 그의 아버지 Gerard ter Borch the Elder 또한 예술가였고요.
그는 1632년에 암스테르담에 있었고, 1634년에는 하를렘에서 Pieter de Molijn의 제자로 공부했습니다. 1635년에 영국을 방문했고, 1640년에는 로마를 방문했습니다. 그는 외교적 참여도 했습니다. 1646년부터 2-3년간 베스트팔렌의 뮌스터에서 평화 회의에 참석했습니다.
마드리드에 머무는 동안 필립 4세로부터 고용과 기사 작위를 받았습니다. 1650년 말에 고국으로 돌아왔고, 1655년에는 데벤터르(Deventer)에 정착했습니다. 말년의 그는 데벤터르(Deventer)에서 시의회 의원이 되었으며, 1681년에 그곳에서 사망했습니다.
그는 동료 네덜란드 화가인 Gabriel Metsu(1629-1667), Gerrit Dou(1613-1675), Eglon van der Neer(1634-1703), 그리고 Johannes Vermeer(1632-1675) 에게 영향을 미쳤습니다. 특히 Vermeer와 Pieter de Hooch(1629-1684)와 같은 당대 다른 예술가들에게 영향을 주었습니다.
pinterest피터 데 호흐(Pieter de Hooch, 1629-1684)는 로테르담 출신입니다. 그의 아버지는"마스터 벽돌공"으로 묘사될 정도로 숙련된 장인이었고요. 다섯 자녀 중 장남입니다. 그는 Haarlem에서 풍경화가 Nicolaes Berchem밑에서 미술을 공부했습니다. 1652년에 Delft로 이주했으며, 1654년에 Delft에서 Jannetje van der Burch와 결혼하여 7명의 자녀를 두었습니다.
데 호흐(de Hooch)의 초기 작품은 주로 마구간이나 선술집에서 군인과 농민을 묘사하는 데 중점을 두었습니다. 그는 이 장면들을 빛, 색상, 그리고 원근법에 대한 숙달을 연마하는 데 사용했습니다. 1650년대 중반에 가족을 꾸린 후, 그는 초점을 가정집 풍경으로 옮겼습니다. 이 그림들은 종종 후대 <진주 귀고리를 한 소녀>로 유명해진 요하네스 페르메이르(Johannes Vermeer)의 작품들과 유사하게 섬세한 빛 처리를 보여주었으며, 주제와 구성도 비슷한 점이 많았습니다.
The Swearing of the Oath of Ratification of the Treaty of Munster,1648/Art UK1
<뮌서터 조약 비준 선서 The Swearing of the Oath of Ratification of the Treaty of Munster >(1648)은 네덜란드 화가 헤라르트 테르 보르흐( Gerard ter Borch the Younger, 1617-1681)가 1648년 제작한 유화 작품입니다. 이 작품은 유럽 정치사의 중요한 순간인 네덜란드의 독립을 공식적으로 인정한 조약의 비준을 기록하고 있습니다.
바로크 양식으로 그려졌습니다. 이 그림의 크기는 45.4*58.5cm이고요. 현재 영국 런던의 내셔널 갤러리 소장품으로 2000년부터 암스테르담 국립 미술관에 대여되어 전시되고 있습니다. 이 그림은 네덜란드와 스페인 간 80년간 지속된 전쟁을 끝내는 평화 조약의 비준을 묘사합니다.
테르 보르흐의 이 작품은 1648년 5월 15일 뮌스터에서 발생한 사건, 즉 1648년 1월 30일 뮌스터에서 체결된 조약의 비준 선서식을 묘사합니다. 작가 본인이 스페인 수석 협상가인 페냐란다 백작의 수행원으로서 선서식을 직접 목격했습니다. 그림은 뮌스터 시청의 회의실에서 진행되는 장면을 담고 있으며, 77명의 인물을 미세한 디테일로 사실적으로 묘사했습니다. 그림 중앙의 테이블 뒤에는 6명의 네덜란드 대표가 앉아 있고, 오른쪽에 2명의 스페인 대표, 그리고 그 뒤에 프랑스 대표가 서 있습니다. 이들 대표는 모두 오른손을 들어 선서를 하는 모습입니다. 그림의 왼쪽 가장자리에는 작가 자신의 자화상이 포함되어 있습니다.
그는 실제 사건을 바탕으로 현장의 사실성을 강조하기 위해 노력했습니다. 정오의 빛이 창문을 통해 들어오는 모습, 16세기식 벽면 목공에, 판사석 뒤편의 정교한 판넬 등 대강당의 세부적인 모습을 정확하게 묘사했습니다. 이러한 사실적인 세부 묘사는 그림의 진실성을 보장했습니다. 또한 , 참석자들의 비대칭적인 배치와 화가의 중심에서 벗어난 시점을 경직될 수 있는 공식적인 장면을 더욱 인간적으로 만듭니다.
Banquet of the Amsterdam Civic Guard in Celebration of the Peace of Munster, 1648.6.18/wikipedia
뮌스터 조약에 대한 다른 동시대의 그림들은 다양한 접근 방식을 보여줍니다. 예를 들어, 바르톨로메우스 판 데르 헬스트( Bartholomeus van der Helst,1613-1670)는 암스테르담에서 열린 평화 축하연 중 하나인 1648년 6월 18일의 만찬을 중심으로 민병대 단체 초상화를 그렸습니다. 이 작품은 풍요로운 식탁, 활기찬 인물들, 그리고 밝은 색채를 통해 평화와 번영의 메시지를 전달합니다.
테르 보르흐의 작품은 다른 작품들과 달리 특정 지도자가 그림을 지배하지 않으며, 특정 정치적 또는 종교적 입장이 우세하지 않습니다. 그림 중앙에 있는 샹들리에 앞의 성모 마리아 조각상은 당파적인 이미지가 아니라, 네덜란드인과 스페인인. 개신교도와 가톨릭교도 모두에게 빛을 비추는 보편적인 축복의 의미를 갖습니다. 두 진영은 서로 크게 구별되지 않으며, 스페인 대표들의 화려한 복장도 네덜란드 복장과 어우러지도록 절제되어 있습니다.
또한 , 테르 보르흐는 실제와는 달리 두 진영이 동시에 선서하는 모습을 묘사하여, 기록에 자주 언급된 실질적인 차이점을 부각하지 않고 동등하게 다루었습니다. 이는 조약의 성공과 유럽 전체의 영구적인 평화에 대한 공동의 관심으로 이상적인 연대를 이룬 개인들의 모습을 보여줍니다. 이 공정한 묘사는 이질적인 자유로운 양심의 중요성을 시사하며, 테르 보르흐의 지역적이고 당파적이기보다는 국제적이고 보편적이었음을 보여줍니다.
The Courtyard of a House in Delft,1658/National Gallery, London이 그림은 젊은 하녀가 어린 소녀의 손을 잡고 있는 조용한 안뜰 장면을 묘사합니다. 그림은 두 부분으로 나뉘는데, 왼쪽에는 아치웨이를 통해 안뜰에서 통로와 집으로 이어지는 길이 있습니다. 아치웨이의 벽돌 세공과 안뜰의 타일 패턴과 같은 집의 질감과 세부 사항이 섬세하게 표현되어 있습니다. 아치웨이 위에는 델프트의 히에로니무스달 수도원 입구에 원래 있던 돌판이 있습니다. 이 돌판은 (네덜란드어로)"여기는 성 제롬의 계곡이며, 인내와 온유함을 추구하고 싶다면 오십시오, 우리는 높아지기 위해 먼저 낮아져야 합니다. 1614"라고 새겨져 있습니다.
피터 데 호흐(Pieter de Hooch, 1629-1684)의 'doorkijkje'또는 'see-through-doorway, 투시문) 기법은 그의 작품에서 이야기가 전개되는 공간을 한 방에서 다음 방으로, 또는 종종 인접한 거리까지 확장하는 독특한 회화 기법입니다. 이 기법은 일련의 열린 문이나 창문을 통해 그림 평면의 범위를 넓혀 더 복잡한 건축 공간을 만들고 서사적 범위를 확장하는 효과적인 방법으로 간주됩니다. 보는 이에게 내부 공간의 벽 너머에 있는 건축 세계를 엿볼 기회를 제공하여 당대 많은 예술가들에게 영감을 주었습니다. 그는 이 기법을 통해 사생활의 고요함과 질서를 공공 세계의 혼돈과 병치시켰고요.
이 기법은 그림에 깊이와 공간감을 부여하는 데 매우 효과적이었습니다. 여러 개의 열린 문이나 창문을 통해 다른 방이나 외부를 보여줌으로써, 그림을 단순한 2차원 평면을 넘어선 3차원적인 깊이를 가지게 됩니다. 관객이 그림 속 공간 너머의 이야기를 상상할 수 있도록 돕고요. 예를 들어, 문을 통해 보이는 거리 풍경은 가정의 평화로움과 외부 세계의 역동성을 동시에 보여줄 수 있습니다.
그는 열린 문과 창문을 통해 자연광이 실내로 스며들게 하여 빛과 그림자의 강한 대비를 만들어냈습니다. 이는 생활공간을 들여다보는 듯한 환상을 만들어내는 그의 뛰어난 조명 효과 처리에서 분명하게 드러납니다. 새로 독립한 네덜란드 사회가 가정과 가족을 도덕 교육의 근원으로 중요하게 여겼던 시기에 그의 그림은 이러한 가치를 섬세하게 반영했습니다. (비슷한 작품들입니다.)
A Woman Preparing Bread and Butter for a Boy, 1660-63/wikipedia이 그림 역시 왼쪽에는 거리로 이어지는 'doorkijkje'가 있어, 소년이 식사 후 갈 것으로 예상되는 학교를 엿볼 수 있게 합니다.
Interior with a Woman Weighing Gold Coin,1664/wikipedia이 작품에서 열린 문을 통해 다른 방과 닫힌 문이 보이며, 왼쪽에는 열린 창문이 그려져 있습니다.
The Paternal Admonition,1654-55/wikipeida<The Gallant Conversation: Known as The Paternal Admonition)> 은 1654년경 헤라르트 테르 보르흐( Gerard ter Borch the Younger, 1617-1681)가 그린 유화 작품입니다. 이 작품은 오랫동안 '부모의 훈계'로 알려졌으나, 현대 미술사학자들은 이를 '갈란트 컨버세이션', '기품 있는 대화'로 해석하고 있습니다. 이 그림은 캔버스에 유화로 그려졌으며, 암스테르담 국립미술관에 소장된 버전은 71cm*73cm 크기입니다. 베를린 회화 갤러리에도 작은 버전 ( 70cm*60cm)이 존재하며, 두 작품 모두 1654년경에 제작된 것으로 추정됩니다. 테르 보르흐는 이 작품의 여러 복제본을 만들었고, 다른 예술가들에 의해 최소 24개의 다른 버전이 제작될 정도로 인기가 많았습니다.
이 그림은 어둡게 빛나는 침실에서 세 명의 인물과 한 마리의 개를 묘사합니다. 중앙에는 서 있는 젊은 여인이 있는데, 그녀는 화려한 은색 새틴 드레스를 입고 뒷모습만 볼 수 있어 신비로운 분위기를 자아냅니다. 이 드레스는 그림의 주요 초점이며, 테르 보르흐(ter Borch)는 새틴 천의 빛나는 질감을 매우 사실적으로 묘사하는 데 뛰어난 재능을 보였습니다.
여인 맞은편에는 군복을 입은 남자가 의자에 앉아 손짓하며 젊은 여인에게 말을 건네고 있습니다. 그는 화려한 깃털 장식이 있는 모자를 무릎 위에 들고 있으며, 그의 복장은 부유함과 청결함을 나타냅니다. 두 사람 사이에는 나이 든 여인이 앉아 와인잔을 들고 아래를 내려다보며 대화에 무관심한 듯한 모습을 보입니다. 테이블 위에는 불타는 양초, 거울, 파우더 퍼프, 빗, 길게 늘어진 리본이 놓여 있어 이곳이 여인의 화장대임을 암시하며 전체적으로 여성스러운 우아함을 나타냅니다. 남자 의자 뒤편에는 꾀죄죄한 개 한 마리가 있고, 그림 뒤쪽으로는 큰 침대가 놓여있습니다.
이 작품은 심리적으로 복잡하며 본질적으로 모호하여 다양한 해석을 불러일으켰습니다. 초기 해석은 이 장면이 아버지가 딸의 잘못에 대해 훈계하고, 어머니는 옆에서 와인을 마시며 인내심 있게 앉아 있는 것으로 해석되었습니다. 독일의 작가 괴테(Goethe, 1749-1832)도 베를린에 전시된 복제본을 보고 이 해석을 지지했고요. 그러나 이 해석에는 여러 문제가 있었습니다. 예를 들어, 군인 복장을 한 남자가 딸의 아버지이자 나이 든 여인의 남편으로 보기에 너무 젊다는 점이죠.
현대 미술사학자들은 이 작품을 두 잠재적인 연인 간의 대화로 보았습니다. 이는 약혼에 대한 논의일 수도 있고, 더 나아가 매춘굴에서 고객이 매춘부에게 거래를 제안하는 장면일 수도 있다고 보았습니다. 베를린 회화 갤러리에 소장된 작은 버전이 복원되었을 때, 남자가 손가락 사이에 동전을 들고 있는 모습이 드러났습니다. 이는 공식적인 상황에서는 어색하므로 매춘 장면이라는 해석에 더 무게를 실어주었습니다. 그림 속의 다른 세부 사항들로 양쪽 해석 모두에 부합될 수도 있고요.
나이 든 여인은 소녀의 포주 또는 보살피는 어머니로 해석될 수 있습니다. 소녀의 화려한 드레스와 외모는 고객을 유혹하거나 남편을 얻기 위한 노력으로 볼 수 있고요. 개는 당시 많은 가정 장면에 묘사되곤 했지만, 여기서는 꾀죄죄한 잡종개로 그려져 국내 장면의 전형적인 모습과는 차이가 있습니다. 침대는 17세기에는 값비싼 가구로 가장 좋은 방에 전시되기도 했으므로, 반드시 매춘굴을 의미하는 것은 아니라고 보았습니다. 하지만 그림 뒤편에 크게 자리 잡은 침대는 은근한 관능성을 암시합니다. 테르 보르흐(ter Borch)는 이러한 세부 사항들을 모호하게 남겨두어 보는 이가 어떤 장면이 묘사되고 있는지 스스로 판단하도록 했습니다. 이러한 주제의 모호함과 미묘한 묘사 방식은 그의 뛰어난 서사적 재능을 보여줍니다.
Gallant Conversation; Know as 'The Paternal Admonition',1654/The World According to Act
A Woman Drinking with Two Men, National Gallery.London피터 데 호흐(Pieter de Hooch)의 작품입니다. 두 남자가 창문 옆 테이블에 앉아 있고, 하녀가 타오르는 숯을 가져오는 모습을 묘사합니다. 이들은 술을 마시며 대화하는 것처럼 보이며, 17세기 생활의 생생한 묘사를 통해 사회적 상호작용과 가정생활의 요소를 담아냅니다. 그림 속 한 인물은 등을 돌리고 있어 표정을 볼 수 없지만, 분위기로 보아 흥을 돋우며 노래를 부르는 것처럼 보입니다.
17세기 네덜란드 회화에서는 다양한 해석이 가능한 장면들이 특징입니다. 음악 모임에 대한 묘사는 특히 모호하여 순수한 오락을 표현하거나, 더 음란한 의미를 나타낼 수 있습니다. 드 호흐(de Hooch)는 흑백 바닥 타일을 사용하여 공간감을 조성하며, 인물, 가구, 벽, 창문이 관람자와 서로 어떤 관계에 있는지 이해하도록 돕습니다.
그림은 실내 건축 요소들이 먼저 그려진 다음 인물들이 추가된 것으로 보입니다. 하녀의 치마를 통해 보이는 바둑판무늬 바닥 타일이 이를 증명하며, 기술 사진에 따르면 이 하녀는 원래 왼쪽에 있던 남자와 대화화고 있는 모습입니다. 하녀와 매우 가깝게 서서 아마도 그녀에게 추파를 던지고 있었음을 알 수 있습니다. 주요 초점은 왼쪽의 여인이 들고 있는 와인잔으로, 인접한 창문에서 들어오는 빛을 받아 밝게 빛나고 있습니다. 테이블 뒤쪽 벽에는 네덜란드 지도가 걸려 있고요.
The Concert,1657/wikimedia commons헤라르트 테르 보르흐 (Gerard ter Borch the Younger,1617-1681)의 1657년 작품인 <콘서트: 가수와 테오르보 연주자, The Concert: Singer and Theorbo Player)>는 현재 파리 루브르 박물관에 소장되어 있는 유화 작품입니다. 이 작품은 17세기 네덜란드의 사회 및 문화적 삶의 한 단면을 보여주며 , 가정 내 음악 감상과 예술의 중요성을 암시합니다. 이 작품의 원본 크기는 47*44cm이며, 그림은 어스름한 실내를 배경으로 세 인물을 묘사하고 있습니다.
테이블에 서서 테오르보(류트의 일종)를 연주하는 여성은 어두운 갈색 가운을 입고 있습니다. 그녀의 흰 피부와 붉은 금발 머리카락이 빛을 받아 집중된 표정을 보여주고요. 테오르보 연주자 옆에 앉아 악보나 편지를 읽는 듯한 모습의 여성은 밝은 크림색 가운을 입고 음악에 몰두해 있습니다. 여성이 입고 있는 새틴 드레스의 질감이 유감없이 드러나 있고요. 두 여성 뒤에는 쟁반을 들고 서 있는 어린 소년이 있는데, 쟁반에는 유리잔과 다른 물건들이 놓여 있는 것으로 보입니다. 소년은 분홍빛이 도는 갈색 재킷과 어두운 색 바지를 입고 있어 장면에 생기를 더합니다.
그는 작품 속에 짙은 갈색, 크림색, 은은한 노란색의 차분한 색조를 사용하여 따뜻하고 친밀한 분위기를 만들어 냈습니다. 키아로스쿠로(명 암 대비) 기법을 사용하여 인물과 그들의 행동을 섬세하게 표현하며, 배경은 부드럽게 어두운 상태로 유지됩니다. 이러한 요소들은 평온하고 조화로운 음악적 순간을 연출하며, 가정의 고요한 분위기를 아름답게 담아냅니다.
Soldiers Playing Cards, 1657-1658/alamy피터르 드 호흐( Pieter de Hooch, 1629-1684)의 <카드 놀이하는 병사들>(1657-1658)은 일상생활에 대한 세밀한 관찰과 색상 및 빛의 숙련된 처리를 보여주는 바로크 양식의 유화입니다. 현재 개인 소장품으로 보관되어 있습니다.
.
드 호흐( de Hooch)는 이 작품에서 섬세하고 사실적인 예술적 스타일로 빛과 그림자 기법을 사용하여 깊이와 공간감을 부여합니다. 그림의 구성은 방의 건축 요소를 사용하여 병사들의 장면을 액자처럼 구성하는 것이 특징입니다. 열린 문을 통해 외부 풍경이 보여 깊이감과 원근감을 더합니다. 그림에 사용된 색상은 미묘하지만 효과적이며, 벽과 바닥의 갈색과 회색 톤은 병사들의 붉은색과 푸른색과 대비되어 그들의 존재감을 강조합니다. 드 호흐는 또한 빛을 사용하여 카드와 병사들의 손과 같은 특정 영역을 강조합니다. 17세기 유럽에서 발생한 30년 전쟁 중에 제작된 것으로 여겨집니다. 실제 모델을 사용하여 병사들을 그렸고요. 일부 비평가들은 이 그림이 베르메르의 <장교와 웃는 소녀>와 관련이 있다고 보았습니다. 드 호흐의 섬세한 빛 처리와 공간 및 형태의 심리적 분위기 표현에 대한 감각이 베르메르에게 영향을 미쳤을 수 있다고 보았고요.
Officer and Laughing Girl by Johannes Vermeer, 1657, 50.5*46cm17세기는 네덜란드가 경제적, 정치적, 문화적 면에서 '황금기( Golden Age)'라고 불리는 최고의 전성기를 누린 시기였습니다. 스페인으로부터 독립을 쟁취한 네덜란드는 자유도시국가들의 해상 무역을 통해 경제적 번영과 문화적 발전을 동시에 경험하였습니다. 이 시기 암스테르담은 세계 무역의 중심지이자 상업, 예술, 과학의 발전을 이끄는 중요한 도시로 자리매김했으며, 그 영향력은 유럽을 넘어 전 세계로 확산되었습니다. 이러한 사회적, 경제적 변화는 단순한 개인 간의 소통을 넘어선 강범위한 'Letter' 문화의 등장을 촉진하는 결정적인 배경이 되었습니다.
17세기 네덜란드의 경제는 무역과 상업을 중심으로 크게 발전했습니다. 특히 동인도 회사( VOC)와 서인도 회사 ( Dutch West India Company)를 통해 국제 무역을 지배하는 해상 무역 강국으로 부상했습니다. 암스테르담은 세계 최대의 항구 중 하나가 되었고, 다양한 상품이 이곳을 통해 유럽으로 유입되거나 다른 대륙으로 유출되었습니다. 1602년 설립된 암스테르담 증권거래소는 세계 최초의 공식 증권거래소로서 금융 중심지로서의 위상을 확립하며 네덜란드 경제에 막대한 유동성을 공급했습니다. 이러한 경제적 번영은 부와 권력이 왕족이나 귀족 계급이 아닌 일반 시민계급으로 환원되는 독특한 사회 구조를 만들었습니다. 부르주아 계층이 두터워지고 일반 시민들의 경제력이 향상되면서, 이들은 미술 시장의 주요 소비층으로 떠올라 자신들의 일상을 담은 작품들을 활발히 구매하였습니다.
종교적 영향 또한 큽니다. 17세기 네덜란드는 칼뱅주의를 국교로 삼았습니다. 칼뱅주의는 신앙을 통한 구원과 성서의 중요성을 강조하고, 예정설을 교리로 삼아 엄격한 도덕과 자기 규제를 중요하게 생각했습니다. 이러한 종교적 배경은 교회의 미술 후원을 감소시키는 결과를 낳았고, 대신 시민 계층이 그림의 주소비층으로 등장하며 일상생활을 소재로 한 풍속화와 정물화가 크게 발전하는 계기가 되었습니다.
The Milkmaid by Johannes Vermeer, 1657-1658/wikipeida베르메르(Johannes Vermeer)의 <우유 따르는 여인>처럼 단순한 일상을 숭고하게 묘사한 작품들은 칼뱅주의의 '일상 예찬'정신을 반영하며, 모든 직업이 신이 주신 은사라는 인식을 보여줍니다. 이는 네덜란드인들이 일상생활과 직업 노동에 적극적이고 성실한 태도를 가지게 된 배경이기도 합니다.
Man Writing a Letter by Gabriel Metsu, 1665-67개신교 목사들의 강연과 교육 혜택으로 인해 문맹률이 현저히 낮아졌습니다. 이는 편지 쓰기가 유행처럼 번지는 사회적 현상으로 이어졌지요. 인쇄술의 발달 또한 'Letter'문화 확산에 중요한 역할을 했습니다. 시사 정보가 자유롭게 유통되고 인쇄업이 융성한 곳이었으며, 엠블럼집과 같은 다양한 주제의 문헌들이 라틴어뿐만 아니라 자국어로도 출판되어 전 유럽으로 확산되었습니다. 이러한 환경은 지식의 자유로운 공유와 정보 네트워크의 발전을 촉진하여 네덜란드를 유럽의 정보 허브로 만들었습니다.
17세기 네덜란드에서 'Letter'라는 개념은 단순히 종이 위에 쓰인 문자나 서신을 넘어선 광범위한 의미를 지녔습니다. 이는 시각적 표현의 영역까지 확장되었으며, 커뮤니케이션의 중요한 매개체로서 기능했습니다. 해상 무역을 통해 형성된 개방적인 사회였고, 다른 유럽 국가들에 비해 타 문화권에 대한 이해가 폭넓었으며 국민 대부분이 하나 이상의 외국어를 구사하는 뛰어난 외국어 구사 능력을 지녔습니다. 이러한 특성은 효율적이고 다문화적인 서신 교류를 가능하게 했지요.
A Lady Receiving a Letter by Gabriel Metsu,1658/wikipedia서신의 물리적 형태는 주로 종이 위에 손으로 작성되었으며, 편지를 보호하기 위한 봉투가 사용되었습니다. 인장은 서신의 신뢰성을 높이는 중요한 수단이었고요. 요하네스 페르메르의 <창가에서 편지를 읽는 여자>와 같은 작품들은 서신을 읽는 여인의 모습을 통해 당시 서신 문화가 일상생활에 얼마나 깊이 스며들어 있었는지를 시각적으로 보여줍니다. 특히 동인도 회사( VOC)와 같은 대규모 상업 조직에서는 각지의 상관에서 작성되고 수집된 서신과 일지를 체계적으로 기록하고 보관하여 정세 파악과 무역 활동에 활용했습니다. 이러한 관행은 당시 네덜란드 발전된 행정 및 조직력을 나타내는 중요한 증거이기도 합니다.
예술가들에게 서신은 자신의 예술 활동, 작품 제작 및 판매 상황을 공유하는 중요한 수단이었습니다. 회화와 판화 등 예술 작품 속에서 편지는 일상생활의 중요한 소재로 빈번히 등장하며 당시 서신 문화의 보편성을 보여주었습니다. 렘브란트와 같은 화가들은 작품 주문 및 시장 상황에 대한 정보를 서신으로 주고받으며 미술 시장에서의 입지를 다졌습니다. 요하네스 베르메르의 작품에서 편지를 읽거나 쓰는 여성들이 자주 등장하는 것은 당시 서신이 일상생활의 중요한 부분이었음을 시각적으로 보여줍니다. 편지가 단순한 문서가 아닌 개인의 감정과 관계를 표현하는 중요한 매개체임을 상징하고요.
Elegant Lady writing a letter at her Desk with a dog beside her by Gabriel Metsu/Christie's17세기 네덜란드에서 'letter'문화는 여성의 사회적 역할과 참여를 확장시키는 데 기여했습니다. 미술 작품에서 여성이 편지를 읽거나 쓰는 모습은 당시 여성들이 일상생활, 경제 활동, 사회적 교류에서 서신을 활발히 활용했음을 보여줍니다. 차 문화의 확산과 함께 여성들이 서신을 통한 사회적 관계망에서 중요한 역할을 했다는 연구도 존재하고요. 문맹률이 낮아지면서 청년층과 심지어 하층민까지도 편지 쓰기에 참여하여 의사소통 능력을 향상하고 사회 통합에 기여하였습니다. 이러한 모습은 17세기 네덜란드의 장르화에서도 묘사되어, 'Letter'문화가 특정 계층에 국한되지 않고 사회 전반에 걸쳐 확산되었음을 알 수 있습니다. 당시 네덜란드 사회에서 편지 교환이 일상적일 뿐만 아니라, 개인의 내면과 사회적 관계를 상징적하는 중요한 문화적 현상이었음을 보여줍니다.
Curiosity,1660-62/wikimedia commons헤라르트 테르 보르흐( Gerard ter Borch)의 1660년작 <Curiosity>는 세 명의 여인이 등장하는 17세기 네덜란드 유화로, 고급스러운 실내 공간에서 편지를 쓰고 읽는 모습을 통해 호기심이라는 주제를 섬세하게 표현하고 있습니다. 이 작품은 특히 직물 표현의 뛰어난 묘사로 유명하며, 바로크 양식에 속합니다. 캔버스에 유화로 17세기 네덜란드 회화의 특징인 정밀한 묘사와 우아한 분위기를 보여줍니다.
pinterest호화로운 실내에 다양한 연령대의 세 여인을 배치하고 있습니다. 가장 나이 많은 여인은 편지를 쓰고 있고, 가장 어린 여인은 그녀의 어깨너머로 엿보고 있습니다. 세 번째 여인은 테르 보르흐의 작품에서 자주 나타나는 빛나는 새틴 드레스를 입고 있고요. 생각에 잠기거나 사랑에 빠진 듯한 표정을 하고 있습니다. 테르 보르흐의 이복 자매 중 한두 명이 이 그림의 모델이 되었을 가능성이 있으며, 여성에 대한 그의 공감 어린 시선이 작품에 반영되었습니다.
테르 보르흐(ter Borch)는 주제를 세련되고 우아하게 다루었습니다. 세부 묘사가 꼼꼼하기로 유명하고요. 특히 직물의 질감을 표현하는 그의 솜씨가 두드러지게 나타납니다. 그의 실내 그림들은 주변 이웃의 생활을 보여주는 사생활을 순간적으로 포착하고 있습니다. 그는 같은 구도를 반복적으로 사용하고 개별적인 모티프를 조합하고 변형하여 그림을 제작했습니다. 그는 인간의 영혼을 가장 미묘하게 탐구하는 예술가 중 한 명으로 평가받으며, 심리적 섬세함이 돋보이는 풍속화를 많이 그렸습니다.
A Lady Writing a Letter by Johannes Vermeer, 1665-6, 45*39.9cm/wikipedia
A Mother's Duty, 1658-1660/wikipedia피터르 드 호흐( Pieter de Hooch, 1629-1684)의 <어머니의 의무 A Mother's Duty>(1658-1660) 작품입니다. 현재 암스테르담의 국립미술관( Rijksmuseum)에 소장되어 있습니다. 작품 제목처럼 어머니가 아이의 머리에서 이를 잡아주는 모습을 담고 있는 실내 풍경화입니다. < 어머니가 아이의 머리에서 이를 잡아주는 실내 풍경 interior with a Mother delousing her child's hair>으로도 알려져 있습니다.
이 그림은 17세기 네덜란드 여성들이 수행해야 했던 모성적 의무를 나타내며, 이를 없애는 일이 당시 가정에서 흔한 일이었습니다. 네덜란드어로는 "Moedertaak"라고 불리며, 이는 "어머니의 과업"이라는 의미를 가지고 있습니다. 작품 속의 여인은 딸의 머리를 무릎에 얹고 조용히 앉아 있으며, 버터색 햇살이 그녀의 빳빳한 옷깃을 비추고 있습니다. 어머니의 보살핌을 자신만의 방식으로 표현한 작품입니다.
The Letter, 1660-65/wikipedia헤라르트 테르 보르흐( Gerard ter Borch the Younger, 1617-1681)의 < The Letter>는 1660년에서 1665년 사이에 제작된 유화 작품으로 , 17세기 네덜란드 장르 회화의 특징과 섬세한 심리 묘사를 보여줍니다. 이 작품은 네덜란드 왕실 컬렉션에 소장되어 있습니다. 그의 작품은 의상의 질감, 특히 새틴과 실크의 묘사에 많은 주의를 기울였습니다. 마치 주인공이 새틴 드레스 같다는 생각이 들 정도로 말입니다.
Woman Reading A Letter ,1660-65/Pinterest이 그림은 테이블 주위에 모인 두 명의 여성과 한 소년을 묘사합니다. 전경에는 작은 개가 잠들어 있는 의자가 놓여 있고요. 방의 배경은 어둡지만, 샹들리에가 반사를 통해 희미하게 보입니다.
오른쪽의 유행에 맞게 옷을 입고 편지를 읽는 여성은 강한 빛을 받고 있습니다. 주인공이라는 얘기죠. 그녀는 편지를 읽고 있으며, 중앙의 소년과 왼쪽에 앉아 편지를 쓰던 여성은 그녀의 반응을 주의 깊게 관찰합니다.
소년은 테르 보르흐의 이복동생인 모세스( Moses) 일 가능성이 높으며, 편지를 읽는 여성은 그의 이복 여동생인 게시나( Gesina)로, 자주 모델이 되었습니다. 테르 보르흐는 가족과 지인들을 모델로 자주 활용했습니다. 의자에 잠들어 있는 개 또한 테르 보르흐 자신의 개일 가능성이 있으며, 여러 그의 그림에 등장합니다. 개는 종종 충실함의 상징으로 해석되기도 합니다. 소년의 손에 들린 쟁반과 촛대, 왼쪽에 앉은 여성 옆 테이블 위의 잉크통, 그리고 어두운 배경 속 희미하게 묘사된 샹들리에와 같은 세부 사항도 눈에 들어옵니다.
<The Letter>는 네덜란드 파인스칠더( fijnschilders:정교한 화가들) 양식으로 그려졌습니다. 17세기 네덜란드 레이던을 중심으로 활동했던 화가들이 사용한 예술 양식입니다. 사실적인 재현과 극도의 세밀함, 그리고 매끄러운 표면처리를 특징으로 합니다. 테르 보르흐의 작품 속 주연 인물의 의상, 특히 푸른색과 노란색 의복의 금속성 광택이 돋보입니다. 드레스 하단의 수놓아진 테두리 같은 섬세한 표현은 당시로서는 거의 비교할 수 없는 수준입니다. 절제되고 차분한 분위기는 흩어진 빛으로 더욱 강조되며, 모든 것이 엄청난 정확성과 장인 정신을 발휘합니다.
Woman in Blue Reading a Letter by Johannes Vermeer,1663/wikimedia commons
Group Portrait of an Unknown Family or Company, 1658-1660/wikipeida<알려지지 않은 가족 또는 회사 단체 초상화>는 네덜란드 황금기 화가 피테르 데 호흐( Pieter de Hooch, 1629-1684)가 1658년부터 1960년 사이에 그린 캔버스 유화 작품입니다. 작품의 크기는 52.5cm*61cm입니다.
1908년 호프스테 데 흐루트( Hofstede de Groot)가 문서화한 바에 따르면, 이 그림은 안뜰에 모여 있는 세 명의 여성과 네 명의 남성을 묘사하고 있습니다. 안뜰 오른쪽에는 도시 벽이 있고, 다섯 번째 남자가 옆 정원을 통해 떠나고 있으며, 중간 거리에는 나무 문이 열려 있습니다.
주요 인물 중 세 명은 오른쪽 테이블에 앉아 있는데, 여기에는 흑색 옷과 검은 모자를 쓴 회색 수염의 노인과 흰 모자와 칼라를 한 두 명의 노년 여성이 포함됩니다. 테이블 위에는 포도와 복숭아가 담긴 접시가 놓여 있습니다. 타일 깔린 바닥에는 한 여성의 발치에 작은 개 한 마리가 반쯤 누워 있습니다.
왼쪽에는 한 남자와 여자가 오고 있는데, 남자는 검은색 옷을 입고 넓은 챙 모자를 쓰고 오른손을 허리에 얹고 있습니다. 여자는 금색 레이스로 장식된 붉은 페티코트, 브로케이드 상의, 검은 후두, 그리고 머리와 귀에 진주를 하고 있으며, 왼손에 복숭아를 들고 있습니다. 그림 중앙 뒤편에는 밝은 회색 더블렛과 승마 망토, 옅은 파란색 바지, 그리고 신발에 검은색과 흰색 장미 장식을 한 금발의 젊은 남자가 관람객을 바라보며 서 있습니다.
오른쪽의 나무 계단을 내려오는 또 다른 남자는 비슷한 복장이지만 더 단순한 옷차림입니다. 도시 벽에 자라는 덩굴 식물이 주변을 덮고 있으며, 그 왼쪽 울타리에는 만개한 장미 덤불이 있습니다. 배경에는 몇몇 박공지붕과 델프트의 니우에 케르크( Nieuwe Kerk) 탑이 보입니다. 그림의 조명은 균일하며, 디자인의 변경 흔적이 오른쪽 남자의 다리 오른쪽에 보이며, 오른쪽 노인은 원래 더 낮은 위치에 앉아 있었던 것으로 보입니다. 이 작품은 데 호흐의 초기 작품 중 하나로 평가됩니다.
https://www.youtube.com/watch?v=FtLwFrnsA2A
https://www.youtube.com/watch?app=desktop&v=9-Tu47lX_B0
