17-2. 냉철한 관찰, 따뜻한 공감
에드가 드가 & 메리 카사트
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Oct 5. 2025
누군가의 못난이 발을 보고 가슴 뭉클하신 적 있으신가요? 여기 두 발레리나의 발을 좀 보시죠? 그녀들의 고운 자태 뒤에 숨은 엄청난 노력과 좌절감, 환희, 슬픔 등 인간의 감정을 고스란히 받아 낸 영광의 발입니다.
발레를 소재로 한 다큐에서 한 가지 독특한 점이 눈에 띄었습니다. 무용수들의 거친 호흡소리, 등줄기에 흐르는 땀, 아름다운 선을 만들기 위해 자신의 한계를 시험해 보는 '젊음'의 열기로 가득한 연습장. 이들에게 크고 작은 부상은 늘 선물처럼 따라다닙니다. 그런 그들을 위해 얼음통이 항상 연습실 벽 하나를 두고 준비되어 있었습니다. 잦은 부상에 그만두고 싶은 마음도 굴뚝같을 텐데 말입니다. 부상당한 왼쪽발을 자가치료하듯 달래고 있는 한 무용수에게 리포터가 묻습니다.
"왜 이걸 계속하세요?"
"그냥~ 좋아서요."
이 한마디를 남기고 자신의 자리로 돌아간 그녀는 언제 그랬냐는 듯 다시 활짝 웃습니다. 곱씹어 볼수록 이보다 더 멋진 대답은 없을 것 같습니다.
The Marriage of Catherine de Medici(1519-98)& Henri II(1519-59),1533/Daily Mail발레는 '젊음의 예술'이라고 합니다. 13세기 이탈리아 르네상스 시대의 궁정 연회에서 시작된 무용 예술이지요. '발레 (Ballet)'라는 용어는 '춤을 추다'를 의미하는 이탈리아어 'Ballare'에서 유래했고요. 1533년 카트린 드 메디치(Catherine de Medici, 1519-98)가 프랑스 앙리 2세(Henri II, 1519-59)와 결혼하면서 프랑스 왕궁에 소개되었습니다. 이 시기에 현재 사용되는 '발레'라는 용어가 생겨났고요. 프랑스 궁중 발레는 루이 14세 시대에 크게 발전하였습니다. 발레 애호가였던 그는 1661년 왕립무용학교( Academie Royale de Dance)를 설립하여 발레 발전에 기여했습니다. 이 왕립무용학교는 현재 파리오페라발레단의 전신입니다.
뉴스1발레리나 강수진(1967- )과 김주원(1977~ )은 모두 한국 발레계의 중요한 인물로, 뛰어난 경력과 재능을 지녔습니다. 두 사람 모두 발레계의 아카데미상으로 불리는 권위 있는 러시아 '브누아 드 라당스(Benois de la Danse)' 최고 여성 무용수상을 수상했고요. (강수진 , 1999년/김주원, 2006년).
Benois de la Danse/Igor Ustinov브누아 드 라당스( Benois de la Danse)는 1991년 러시아 모스크바에서 국제무용협회( International Dance Association)에 의해 설립된 세계적으로 권위 있는 발레상입니다. 매년 4월 말, 발레의 대가 알렉상드르 브누아( Alexandre Benois, 1870-1960)의 생일을 기념해 시상됩니다. 'Benois'(브누아)는 프랑스 출신으로 러시아에서 예술가 가문을 일군 브누아 가문의 이름을 따온 고유명사입니다.
탱고 추는 발레리나/국민일보두 사람 모두 어린 시절 해외로 유학을 떠나 발레 교육을 받았습니다. 돌아와 국립발레단과 깊은 인연을 맺었고요. 강수진은 2015년에 한국 국립발레단 단장직을 수락하였고, 김주원은 국립발레단 수석 무용수를 역임했습니다. 두 사람 모두 한국 발레의 위상을 높이고 대중화에 기여한 인물들입니다. 강수진은 2000년대 한국 발레 르네상스를 이끈 주역 중 한 명으로 꼽히며. 김주원 또한 국내 발레 대중화에 기여한 간판스타입니다. 두 사람 모두 매일 새벽에 일어나 개인 연습과 트레이닝을 하고 밤늦게까지 연습실에 머무는 등 지독한 연습량과 성실함으로 알려져 있습니다.
강수진은 주로 독일 슈투트가르트 발레단에서 30년간 수석 무용수로 활동하며 경력을 쌓았습니다. 은퇴 후 국립발레단 예술감독으로서 후배 양성과 한국 발레의 방향을 제시하는 데 중요한 역할을 담당하고 있습니다. 반면 김주원은 국립발레단에서 오랜 기간 활동했으며, 2012년 은퇴 이후 뮤지컬, 오페라, 연극, 한국무용, 방송 등 다방면에서 활동하며 발레를 대중화하는데 기여했습니다.
서론이 너무 길었습니다. 오늘은 미국출신 인상주의 화가 메리 카사트( Mary Cassatt, 1844-1926)와 그녀의 멘토 역할을 했던 에드가 드가(Edgar Degas, 1834-1917)의 작품을 살펴봅니다.
에드가 드가( Edgar Degas, 1834-1917)는 주로 발레 댄서들의 모습을 담는 것으로 유명한 화가입니다. 그의 작품 중 절반 이상이 댄서를 묘사하고 있습니다. 그는 인상주의의 창시자 중 한 명으로 여겨지지만, 스스로는 이 용어를 거부하고 사실주의자로 불리기를 선호했습니다. 또한, 많은 인상주의 화가들과 달리 야외에서 그림을 그리지 않았습니다. 그는 전통적인 아카데미 미술과 20세기 초 급진적인 운동 사이의 간극을 연결한 유일한 인상주의 화가입니다. 드가는 또한 훌륭한 소묘가였습니다. 특히 댄서들과 목욕하는 여성 누드에서 움직임을 묘사하는 데 뛰어났습니다. 그의 초상화는 심리적 복잡성과 인간 고립의 묘사로 주목받았고요.
파리의 부유한 은행가 가문의 장남으로 태어난 드가는 라틴어, 그리스어, 고대사 등 고전 교육을 받았습니다. 엄격한 아카데미 훈련과 고전 서양 미술 연구를 통해 잘 준비된 화가이기도 하지요. 들라크루아와 앵그르의 작품을 특히 좋아했습니다. 앵그르의 드로잉 3점, 유화 20점, 초상화 4점 등을 소장할 정도로 고전적인 화가이기도 했습니다.
드가는 유화, 파스텔, 과슈, 에칭, 석판화, 모노타이프, 왁스 모델링, 사진 등 다양한 매체를 실험했습니다. 일본 미술, 특히 우키요에 판화에 깊은 관심을 보였습니다. 그는 일본 판화의 혁신적인 구도, 틀을 잡는 방식, 비대칭 구도 등을 자신의 작품에 적용했습니다.
메리 카사트(Mary Cassatt,1844-1926)는 미국의 대표적인 인상주의 여성 화가입니다. 19세기 당시 여성이 화가가 되는 것이 드물고 어려웠던 시대에 활동했습니다. 주류 남성 예술가들의 시선이 아닌 여성의 시선으로 여성을 바라보고 독립적인 여성상을 그림으로 표현하고자 했습니다.
그녀는 미국 태생이지만 생애의 대부분을 프랑스 파리에서 활동했습니다. 카사트는 1844년 펜실베이니아주 애러게니 시(현재 피츠버그의 일부)의 유복한 중산층 가정에서 태어났습니다. 덕분에 어린 시절 유럽 여행을 통해 예술 문화를 자주 접할 수 있었습니다. 15세에 펜실베이니아 미술 아카데미에서 그림 공부를 시작했지만, 남성 중심적인 학교 분위기와 느린 수업 방식에 회의를 느껴 2년 만에 중도 포기하고 22세에 파리로 떠났습니다.
1865년 유럽으로 첫 여행을 떠나 파리, 로마, 마드리드 등지에서 4년간 머물며 공부했습니다. 파리에서 당시 여성은 공립 예술 학교에 다닐 수 없었기 때문에 , 그녀는 장-레오 제롬( Jean-Leon Gerome)과 같은 유명 화가들에게 개인 교습을 받고 루브르 박물관에서 거장들의 작품을 필사하며 회화의 기본기를 익혔습니다.
1870년 프랑스-프로이센 전쟁으로 잠시 미국에 돌아갔다가 1871년 다시 프랑스로 돌아와 런던, 파리, 토리노를 여행하고 코레조, 루벤스 등의 작품을 연구하며 빛과 색채에 대한 감각을 발전시켰습니다. 1877년 살롱에 제출했던 두 작품이 거절당하자, 에드가 드가 ( Edgar Degas)의 권유로 인상파에 합류하게 됩니다. 1880년과 1881년에 인상파 전시회에 작품을 전시했으며 1886년까지 활동 멤버로 남았습니다. 카사트는 '인상파 미술가들과 공식적으로 함께 한 유일한 미국인'이 되었고, 드가는 그녀의 주요 멘토로서 파스텔 기법과 에칭 등 많은 것을 가르쳐주며 작품 발전에 큰 영향을 미쳤습니다.
카사트(Cassatt)는 주로 여성과 아이들의 모습을 그림에 담았습니다. 특히 모성과 육아의 일상적인 모습을 따뜻하고 자연스럽게 표현했습니다. 이는 전통적인 성모자상과 달리 19세기 현실 여성들의 삶에 초점을 맞춘 것입니다. 그녀의 작품은 여성이라는 이유로 제한되었던 공간적 영역(가정, 극장, 오페라 등)을 주로 다루었지만, 남성의 시선이 아닌 여성의 시선으로 새로운 여성상을 제시하고자 했습니다. 그녀는 인상주의의 밝은 색채와 자유로운 터치를 사용했으며 , 1890년 일본 판화 전시회 방문 이후 일본 판화의 영향을 받아 구도와 시점에 변화를 주며 판화 작품 제작에도 뛰어났습니다. 말년에는 시력 악화로 1914년부터 그림 작업을 중단했으며, 1926년 프랑스에서 사망했습니다.
Louisine Havemeyer :Collector,Suffragist, Benefactor/AlyssaJ Cori카사트(Cassatt)는 여성 참정권 운동을 지지했습니다. 여성 참정권 기금 마련을 위한 전시회에 작품을 선보이기도 했고요. 또한 그녀는 미국의 예술 수집가들에게 조언하여 미국에 인상주의 미술품이 많이 수집되도록 중요한 역할을 했습니다. 특히 루이지네 하비마이어( Louisine Havemeyer,1855-1929)의 컬렉션 형성에 크게 기여했습니다. 그녀는 미국의 저명한 미술품 수집가, 페미니스트, 그리고 자선사업가입니다. 카사트의 도움을 받아 프랑스 인상파 화가들을 후원하는 최초의 미국인 중 한 명이고요. 그녀는 남편과 함께 광범위한 예술 작품을 수집했고, 특히 프랑스 인상주의 작품들이 많았습니다. 클로드 모네의 작품을 구매한 최초의 미국인 중 한 명이고요. 인상주의 작품이 프랑스 파리 못지않게 미국에 많은 이유이기도 합니다.
https://www.youtube.com/watch?v=FW89GBURYcI
19세기 프랑스의 왁스 문화부터 알고 가시죠. 주로 실링 왁스( sealing wax)와 헤어스타일링 제품, 그리고 패션과 예술 분야에서 찾아볼 수 있습니다. 실링 왁스는 문서 봉인에 사용되었습니다. 헤어스타일링 왁스는 컬을 고정하는 데 쓰였고요. 또한 19세기 유럽에서 생산된 왁스 프린트 직물이 아프리카 문화적 정체성을 형성하는 데 영향을 미치기도 했습니다.
Sealing wax on letters/w ikipedia실링 왁스( sealing wax)는 약 16세기부터 봉투를 밀봉하는 데 사용되었습니다. 특히 과거 유럽에서는 편지를 밀봉하고 발신자의 신원을 증명하며 보안 및 장식의 목적으로 활발하게 사용되었습니다. 실링은 편지나 문서의 개봉 여부를 확인하고, 발신인의 신원을 확인하며, 장식적인 요소로 활용되었습니다. 실링 재료는 왁스가 가장 유명했지만, 과거에는 촛농이나 역청 등도 사용되었습니다.
문서를 작성한 뒤 촛농을 붓고 가문의 문장이 새겨진 인장 등으로 찍어서 봉인하는 방식이었습니다. 촛농 씰을 떼지 않으면 편지를 볼 수 없었습니다. 씰을 조심히 뜨어내더라도 원 상태로 복구하거나 다시 붙일 수 없고요. 이 씰은 "아직 아무도 편지를 열지 않았다"는 보안 증표가 되었습니다. 오늘날에는 실링이 주로 장식용이나 취미 목적으로 많이 이용됩니다. 고풍스러운 모양 때문에 청첩장 봉인. 선물 포장, 다이어리 꾸미기 등에 쓰입니다.
1900's French Wax Girl Mannequin Head Bust Doll Flapper Display/Ruby Lane19세기 여성들은 머리를 컬링 한 후 컬의 모양과 웨이브를 고정하기 위해 "포마드(pomade)"또는 "포마툼(Pommatum)이라고 불리는 제품을 사용했습니다. 이 제품은 왁스 성분을 포함하여 머리카락의 스타일을 유지하는 데 도움을 주었습니다.
Eugene Atget, Boulevard de Strasbourg/The Metropolitan Museum of Art19세기 중반, 네덜란드 사람들은 인도네시아 자바(Java)의 전통 직물인 바틱( Batik)을 모방하여 왁스 프린트 천을 대량 생산했습니다. 이 유럽산 왁스 프린트 직물은 19세기에서 20세기까지 아프리카 왁스라는 문화적 정체성을 갖게 되었으며, 특히 서아프리카에 보급되었습니다. 이는 유럽 식민주의자들이 동아시아 시장에 판로를 찾던 과정에서 발생한 현상입니다.
https://www.youtube.com/watch?v=aiddPFl2X2M
바틱( Batik)은 인도네시아의 전통 직물로, 자바 섬 ( Java Island)에서 시작된 왁스 저항 염색 기법을 사용하여 만들어집니다. 이 기법은 밀랍을 사용하여 천의 특정 부분을 염색되지 않도록 막아 복잡하고 정교한 패턴을 표현하는 방식입니다. 바틱이라는 단어는 '점이나 얼룩이 있는 천'을 의미하는 자바어'암바틱(Ambatik)'에서 유래했습니다. 혹은 '넓다'는 뜻의 '암바(amba)'와 '점을 찍다'는 뜻의 '마틱(matik)'의 합성어로, '넓은 면에 점을 찍는다'는 의미로 해석되기도 합니다.
기원전 4세기 이집트에서 미라를 감싼 천에 밀랍을 입히던 방식과 유사한 기술을 사용했습니다. 중국 당나라와 인도, 일본 등 아시아 여러 지역에서도 유사한 기술이 사용되었고요. 초기 바틱은 왕실의 삶의 철학을 담은 모티브로 인해 궁궐에서만 사용되었으나 점차 궁궐 주변으로 퍼져나가며 대중화되었습니다. 2009년 10월 2일 , 유네스코는 바틱을 인류 무형문화유산으로 지정했습니다.
Batik/Textile Mentor바틱 문양을 천 위에 그려 기본적인 형태를 구성합니다. 특정 부분을 염색하지 않기 위해 뜨거운 왁스를 사용하여 천에 패턴을 그립니다. 왁스로 덮이지 않은 부분만 염색되며, 다양한 색을 표현하기 위해 여러 번 염색을 반복합니다. 연한 색부터 염색을 시작하고요. 염색이 끝난 후, 뜨거운 물이나 화학약품으로 왁스를 제거하여 최종 문양이 나타나게 됩니다.
아프리카 왁스 프린트 직물/123RF왁스는 예술 분야에서도 활용되었는데, 2003년부터 2019년까지 우르스 피셔( Urs Fischer,1973- )와 같은 작가들은 양초 방식을 도입하거나 왁스 인형을 등장시키는 방식으로 왁스 조각의 새로운 가능성을 시험해 보기도 했습니다. 이처럼 19세기 프랑스를 포함한 유럽에서 왁스가 다양한 용도로 사용되며 문화적, 사회적 영향을 미쳤습니다.
Artist Urs Fischer Creates Wax Candle of Museum Founder Dasha Zhukova/Galerie MagazineUntitled( Rape of the Sabine Women),2011
우르스 피셔(Urs Fischer,1973- , 스위스 태생의 현대 시각 예술가)가 베니스 비엔날레에서 선보인 작품입니다. 16세기 대리석 조각을 실제 크기로 밀랍으로 재현하고, 전시 기간 내내 촛불처럼 녹아내리는 퍼포먼스를 보여줍니다. 그의 왁스 조각 작품들은 전시 기간 동안 점진적으로 소각 분해되어 점차 추상적 형태로 변해 가는 '무상성( memento mori)'과 '변화'를 주제로 삼습니다.
https://www.youtube.com/watch?v=LCXtBpP20SY
The Little Fourteen-Year-Old Dancer,1880/wikipedia에드가 드가 ( Edgar Degas, 1834-1917)의 < 14살의 어린 무희 The Little Fourteen-Year-Old Dancer>(1880) 조각 작품입니다. 드가는 이 작품을 완성하기 위해 거의 2년 동안 공을 들였습니다. 1881년 제6회 인상파 전시회에서 처음 공개되었습니다. 발레 세계의 이면을 드러내어 큰 논란이 되기도 했던 작품이고요. 원본 왁스 작품은 현재 워싱턴 D.C. 국립미술관에 소장되어 있습니다.
이 작품은 파리 오페라 발레단의 어린 학생인 마리 반 구템( Marie van Goethem)을 모델로 하며, 드가가 생전에 대중에게 유일하게 전시했던 조각입니다. 원래 왁스 모델로 제작되었으나 , 드가 사후인 1922년부터 청동으로 주조되어 전 세계 주요 미술관에 소장되어 있습니다. 그는 움직이는 인체의 형상과 역동성을 포착하는 데 깊은 관심을 보였습니다. 특히 무용수들의 예상치 못한 자세와 균형을 유지하기 위한 어색한 움직임을 사실적으로 묘사하고자 했고요. 이러한 예술적 철학은 그의 조각 작품에도 그대로 반영되어, 이상화된 형태보다는 대상의 진실된 모습을 담아내려 노력했습니다.
드가는 평생 동안 발레 무용수들을 그림과 조각의 주요 주제로 삼았습니다. 그는 파리 오페라를 자주 방문하여 무용수들의 움직임과 연습 과정을 관찰했습니다. 무대 위의 화려함뿐만 아니라 무대 뒤의 고된 훈련과 일상적인 모습을 잡아 내는 데 몰두했습니다. 이러한 관심은 <14세 소녀 무용수>에서 절정에 달하는데, 단순한 발레 공연의 아름다움을 넘어 어린 무용수의 삶과 노동을 담아냈습니다.
이 작품의 모델인 마리 반 구템은 1865년 파리 몽마르트의 벨기에 이민자 가정에서 태어났습니다. 그녀는 파리 오페라 발레 학교의 학생이었습니다. 당시 '레프티 라( petits rats)로 불리던 어린 무용수들은 대부분 경제적으로 취약한 배경을 가지고 있었습니다. 드가는 마리의 꾸밈없고 순수한 모습을 통해 당시 발레 무용수들이 겪었던 사회적 현실을 작품에 담았습니다.
드가가 1880년경 왁스로 제작한 원작이 가장 큰 특징입니다. 원작은 왁스 몸체에 점토, 나무, 금속, 밧줄 등 다양한 내부 지지대를 사용하여 구조적 안정성을 확보했습니다. 특히 드가는 실제 사람의 머리카락을 사용해 머리를 만들고 새틴 리본으로 장식했으며 , 거즈나 툴 소재의 실제 튜튜( tutu)와 천 발레 슈즈를 입혀 극도의 사실감을 부여했습니다. 이러한 혼합 매체 사용은 당시로서는 파격적인 시도였습니다.
조각상의 무용수는 팔을 뒤로 하고 손을 깍지 낀 채 당당하고 거의 도전적인 자세로 서 있습니다 이 자세는 마치 공연을 시작하기 전의 긴장감과 집중을 보여주는 듯합니다. 반면 턱을 치켜들고 반쯤 눈을 감은 어린 무용수의 얼굴은 고집스러워 보이는 동시에 미묘한 사춘기 소녀의 표정을 담고 있습니다. 보는 이로 하여금 어떤 불편한 현실감을 느끼게도 하고요.
그는 발레 무용수를 이상화된 아름다움으로 표현하는 대신, 그들의 거친 현실과 개별적인 특징을 가감 없이 드러냈습니다. 실제 의상과 머리카락을 사용함으로써 조각상은 생명력을 얻었고요.
Little Dancer of Fourteen Years/The New Yorker대부분의 비평적 반응은 부정적이었습니다. 비평가들은 이 조각상을 "기형적인", "혐오스러운", 또는 "추한"것으로 묘사했습니다. 어린 소녀를 "원숭이"나 "동물"에 비유하기도 했고요. 드가가 무용수의 몸과 얼굴 특징을 이상화하지 않고 있는 그대로 표현하고 실제 의상을 입힌 것에 대해 많은 이들이 불쾌감을 드러냈습니다 이러한 반응은 당시의 전통적인 미적 기준과 사회적 편견을 반영하는 것이었습니다.
이 작품이 불러일으킨 논란의 배경에는 19세기 후반 파리 사회의 계급과 젠더에 대한 복잡한 인식이 깔려 있었습니다. 당시 발레 무용수, 특히 어린 소녀들은 종종 빈곤에 시달렸으며, 무대 뒤에서는 부유한 후원자들에게 성적으로 착취당하는 경우가 많았습니다. 드가는 이러한 사회적 현실을 가감 없이 드러냈고, 이는 당대의 편견과 위선을 건드려 불쾌감을 유발했던 것입니다.
드가는 1917년 사망할 때까지 자신의 조각 작품 대부분을 스튜디오에 보관했습니다. 생전에는 <14세 소녀 무용수> 외에는 조각을 전시하지 않았습니다. 드가 사후, 그의 상속인들은 원본 왁스 조각을 보존하고 그의 조각 유산을 대중에게 공개하기 위해 1922년부터 청동 주조를 결정했습니다.
워싱턴 D.C. 미술관청동 주조는 원본 왁스 모델의 세부적인 질감과 사실적인 특징을 최대한 보존하고자 했습니다. 주조된 청동상 역시 원본의 혼합 매체적 특성을 살려, 실제 튜튜와 새틴 리본이 재현되었습니다. 약 74개의 청동 주조본이 제작되어 전 세계 주요 미술관에 배포되었습니다.
프랑스 파리의 오르세 미술관( Musee d'Orsay), 영국 런던의 테이트 모던( Tate Modern), 미국 워싱턴 D.C. 의 국립미술관(National Gallery of Art), 뉴욕 메트로폴리탄 미술관( Metropolitan Museum of Art), 보스턴 미술(Museum of Fine Arts Boston 등이 대표적입니다. 이러한 광범위한 배포 덕분에 이 작품은 드가의 가장 잘 알려지고 찬사를 받는 작품 중 하나가 되었습니다
Meredith by Simone Leigh/Baltimore Museum of Art이 작품의 사실주의와 혼합 매체 사용은 현대 예술의 재해석과 참조를 통해 지속적으로 논의되고 있습니다. 예를 들어. 시몬 리 (Simone Leigh 1967~ )의 <메레디스 Meredith>는 드가의 이 작품을 재해석한 현대 미술 작품입니다.
https://www.youtube.com/watch?v=7CqWCMmb2g0
The Star by Edgar Degas,1878/Artchive
드가의 < The Star>(1878)는 무대 위 한 명의 발레리나를 그린 작품으로, 그녀의 공연과 밝게 빛나는 무대 조명이 특징입니다. '사실주의자' 또는 '독립적인 화가'로 불리길 원했던 에드가 드가의 대표작 중 하나이고, 파스텔화입니다. 오르세 미술관 2층에 파스텔 화들 사이에 전시되어 있습니다. 그는 1870년경부터 발레리나와 관련된 주제를 그리기 시작했습니다. 이러한 그림들은 대중과 구매자들에게 인기가 많았고요.
그림 속 발레리나는 한 발로 우아하게 균형을 잡고 서 있습니다. 목을 길게 빼고 눈을 감은 채 붉어진 뺨을 보여주고요. 그녀의 흰 드레스에는 꽃이 장식되어 있고, 목의 리본이 흘러내리며, 머리에는 왕관을 쓰고 있습니다. 드가는 무용수가 무대 위에서 아름답게 표현되는 순간을 빠르게 잡아내어, 우아함과 화려함을 매력 있게 표현합니다.
이 작품은 화려한 무대 뒤에 숨겨진 19세기 파리 발레계의 현실을 드러냅니다. 발레리나는 마치 하늘로 승천하는 별처럼 보이지만 그림 왼쪽 커튼 뒤에는 어둡고 위협적인 검은 인물이 서 있습니다. 이 인물들은 어린 무용수의 후원자들로, 당시 발레리나들은 가난한 노동자 계층 출신으로 부유한 고객들과의 만남이 종종 매춘으로 이어지기도 했습니다. 검은 양복을 입은 남성은 무용수의 경제적 상황과 대조를 이루며, 그의 존재는 무용수가 돈에 의해 거래되는 시대의 현실을 폭로합니다. 드가는 이러한 어두운 단면을 화폭에 담아 있는 그대로의 모습을 전달하려 했습니다.
무용수는 캔버스 한쪽에 배치되어 있고, 빈 무대 공간이 넓게 남아 있어 긴장감을 조성합니다. 이러한 비대칭적인 구도는 드가가 일본 미술에 관심을 가졌던 영향으로 보입니다. 주로 파스텔로 그려졌으며, 드가는 파스텔의 색채가 오래 지속될 수 있는 특별한 접착 방법을 사용했습니다. 이러한 기법은 발레의 역동적인 모습과 환상적인 공연 분위기를 생생하게 전달해 줍니다.
The Ballet Class by Edgar Degas,1874/Smarthistory에드가 드가 ( Edgar Degas, 1834-1917)의 <발레 수업 The Ballet Class>(1874)은 유화 작품으로 발레 수업이 끝나갈 무렵의 발레리나들과 발레 마스터 쥘 페로( Jules Perrot, 1810-1892)를 묘사하고 있습니다. 이 작품은 파리의 오르세 미술관( Musee d'Orsay)에 소장되어 있고요.
이 작품은 작곡가 장 -밥티스트 포레( Jean-Baptiste Faure)의 의뢰로 제작되었습니다. 드가는 무대 위 화려한 공연보다는 무용수들의 연습 장면이나 쉬는 모습 등 무대 뒤의 일상적인 순간들을 주로 그렸습니다. 이 그림은 드가의 가장 야심 찬 무용 주제 작품 중 하나로 평가받으며, 파리의 옛 오페라 극장 연습실을 배경으로 합니다.
detail/Art in Context그림 중앙에는 백발의 발레 마스터 쥘 페로가 젊은 무용수들에게 개인 레슨을 하고 있습니다. 페로는 1830년대와 1840년대에 러시아와 프랑스에서 발레의 선구자이자 낭만 발레 황금기의 전설적인 무용수이자 안무가였습니다. 이 작품이 그려질 당시 페로는 64세 정도였으며, 파리 오페라 극장과의 계약이 갱신되지 않아 수석 발레리나들을 개인적으로 지도하고 있었습니다. 드가는 페로의 의상, 자세, 외모, 옷에 비치는 빛과 그림자를 세심하게 묘사했습니다.
무용수들은 방 안에서 느슨하게 연결된 선을 이루며 앉거나 서 있습니다. 일부는 다른 무용수의 춤을 지켜보고, 다른 일부는 서로 이야기하거나 옷을 만지고 있습니다. 이들의 벌거벗은 등, 가슴, 팔, 다리, 어깨뼈 등은 노출된 신체를 강조하며, 목에 두른 검은 목줄은 무용수들의 하얀 피부를 더욱 부각합니다. 그림 속 무용수들은 지루하거나 지쳐 보이는 모습으로, 발레의 고된 직업적 특성을 드러냅니다.
그림에는 뒤 벽에 서서 연습 중인 아이들을 지켜보는 엄마들의 모습도 보입니다. 등을 긁고 있는 소녀의 모습도 인상적이고요. 드가는 인체의 움직임과 균형을 정확하게 표현하기 위해 그 소녀의 포즈를 반복적으로 연구한 것으로 알려져 있습니다. 이러한 디테일은 드가가 철저한 계산과 예비 스케치를 바탕으로 이 작품을 제작했음을 알 수 있습니다. 드가는 무용수들의 자세를 관찰을 통해 그렸지만, 상상력을 동원하여 포즈를 조정한 사실주의적인 접근 방식도 사용했습니다.
드가는 사진술의 영향을 받아 과감한 구도와 잘린 듯한 인물 배치를 통해 즉각성과 사실감을 부여했습니다. 이러한 기법은 보는 이로 하여금 마치 현장을 직접 목격하는 듯한 느낌을 주어, 관객을 무용수들의 세계로 초대합니다.
https://www.youtube.com/watch?v=NigP3DjV3NY
A Woman Ironing, 1873/ The Metropolitan Museum of Art에드가 드가(Edgar Degas, 1834-1917)의 <다림질하는 여인 A Woman Ironing>(1873)은 파리의 일상과 노동 계급 여성의 삶을 사실적으로 묘사한 작품입니다. 이 그림은 드가가 세탁부와 다림질하는 여인들을 주제로 그린 여러 작품 중 하나입니다.
드가는 인상주의 화가들과 교류했지만, 인상파의 주된 관심사인 빛과 색채의 변화보다는 인물의 움직임과 일상적인 순간을 포착하는 데 더 집중했습니다. 그는 1860년대 후반부터 세탁부와 다림질하는 여인들의 모습을 그리기 시작했는데, 이는 당시 파리 거리에서 흔히 볼 수 있는 평범한 여성들의 삶의 모습이었습니다.
한 여인이 셔츠를 다림질하는 모습을 담고 있습니다. 이 작품은 구성의 세 가지 버전 중 첫 번째에 해당합니다. 특히 극적인 키아로스쿠로( Chiaroscuro) 기법이 특징입니다. 여인은 빛나는 하얀 배경에 실루엣처럼 비치며, 다림질하는 옷은 인상주의적인 방식으로 표현되어 다리미의 움직임을 멈춘 듯한 느낌을 줍니다. 셔츠들이 그녀의 머리 위로 걸려 있고, 창문에서 들어오는 안정적인 하얀빛이 벽과 테이블 위로 쏟아져 들어옵니다.
Laundry Girls Ironing( 1884) by Edgar Degas/Artchive당시 세탁부들의 삶은 매우 고되고 비참했습니다. 그들은 살인적인 온도와 독한 표백제로 가득 찬 열악한 환경에서 새벽부터 밤늦게까지 일해야 했습니다. 그녀들이 몰려오는 졸음을 쫓기 위해 와인 병으로 자연스럽게 손이 가는 모습도 볼 수 있습니다. 이들은 대부분 시골에서 온 젊은 여성들이었습니다. 부르주아들의 옷이 화려해질수록 세탁부들의 노동의 강도는 점점 무거워졌습니다. 때로 남성들의 시선은 종종 그들의 흐트러진 옷매무새에 머물렀으며, 심지어 매춘의 대상으로 여기기도 했습니다.
드가는 이러한 노동자들의 일상을 무심하게 그렸지만, 그의 작품은 비난이나 미화 없이 현실을 냉정하게 담아내고 있어 더욱 깊은 울림을 줍니다. 그는 경마장의 말이나 무용수들처럼 다림질하는 여인들을 단순히 그리기 위한 대상으로 여겼지만, 이러한 객관적인 시선이 오히려 현실을 더욱 적나라하게 보여주는 결과를 낳았습니다.
(피카소의 '다림질하는 여인'과 비교해 보시죠.)
Woman ironing by Pablo Picasso(1881-1973), 1904,/ Guggenheim Museumhttps://www.youtube.com/watch?v=h7_anwoCTBs
The Child's Bath,1893/wikipedia메리 카사트( Mary Cassatt, 1844-1926)의 <어린이 목욕 The Child's Bath)(1893) 작품입니다. 유화작품으로 목욕과 모성애를 다룬 그녀의 지속적인 관심을 보여주는 작품입니다. 시카고 미술관에 소장되어 있고요. 1910년에 미술관에서 구매한 이후 가장 인기 있는 작품 중 하나가 되었습니다.
작품은 어머니가 어린아이의 발을 씻기는 일상적인 모습을 담고 있습니다. 세밀하고 감성적인 관찰과 사실적인 묘사를 통해 모녀간의 친밀함을 잘 표현한 작품입니다. 특별하지 않음으로써 특별해 보이는 그런 작품이지요.
카사트의 <어린이 목욕>은 화면의 각도가 독특합니다, 이는 위에서 내려다보는 듯한 시점으로 관람자의 시선을 두 인물에게 집중시킵니다. 이러한 원근법은 장식적인 목적을 넘어 심리적인 거리를 만들어내지만, 물에 비친 얼굴은 목욕 행위에 집중하게 만듭니다.
작품의 구성은 배경의 패턴이 있는 부분과 인물의 분홍색 및 흰색 부분으로 나뉩니다. 카사트는 꽃무의 벽지와 어머니의 줄무늬 드레스와 같은 풍부한 패턴을 사용하여 아이의 평범한 몸통을 더욱 돋보이게 합니다. 물에 어른거리는 어머니와 아이의 얼굴은 거의 맞닿아 있어 친밀한 순간을 강조하고요. 카사트는 인물의 제스처와 기하학적 조화를 통해 응집력 있는 구성을 만들어냈습니다. 어머니 드레스의 줄무늬는 그녀의 곧은 팔과 아이의 선형적인 팔다리와 일치하며, 인물들의 타원형 머리 모양은 아래 세면대의 모양과 닮아 있습니다.
<어린이 목욕>의 주제와 독특한 시점은 일본 판화와 에드가 드가( Edgar Degas)의 작품에서 영감을 받았습니다. 카사트는 1890년 파리 보자르 아카데미에서 전시된 일본 우키요에 목판화에 깊은 인상을 받았습니다. 특히 기타가와 우타마로 ( Kitagawa Utamaro)의 <욕조에서 아기를 씻기는 여인>과 같은 작품에서 모자 관계의 친밀함과 공감 표현에 영감을 받았습니다. 그녀는 일본 미술의 단순함과 명료함, 그리고 색상 사용 기법에 매료되었고요.
Marry Cassattos, 1890-91, drypoint etching and aquatint The Bath/Metropolitan Museum of Art(right)
카사트( Cassatt)와 드가(Degas)는 모두 목욕하는 인물과 그들을 바라보는 시점에 관심이 많았지만, 조금 차이가 있습니다. 드가가 누드 여성 인물을 고립시켜 친밀함을 드러내는 경향이 있었던 반면, 카사트의 작품에서는 누드 어린이가 성인 보호자와 함께 등장하여 둘 사이의 친밀함을 강조합니다. 드가가 엿보는 듯한 효과를 위해 높은 시점을 사용한 반면, 카사트는 인물의 견고함과의 대조를 통해 관객의 주의를 주로 모자간의 행동에 집중시켰습니다.
Edgar Degas, After the Bath, Woman Drying Herself,1890-95, National Gallery, London/wikipedia
Racehorses at Longchamp(1873-1875) by Edgar Degas/Artchive지도삽입 Longchamp
Longchamp/wikipedia에드가 드가(Edgar Degas, 1834-1917)의 <롱샹 경마장의 경주마 Racehorses at Longchamp>(1873-1875) 작품입니다. 유화로 그려진 작품으로, 인상주의 운동의 비전가였던 드가가 경마의 역동적인 세계에 예술적 초점을 맞춘 작품입니다.
드가는 경마에 대한 깊은 관심을 가지고 있었으며, 파리 외곽의 경마장에서 많은 시간을 보내며 관람객으로 참석했습니다. 경마는 당시 상류층을 위한 사치스러운 스포츠였습니다. 드가는 1862년부터 롱샹 경마장의 기수, 말, 그리고 멋지게 차려입은 관중들의 모습을 화폭에 담기 시작했습니다. 이 시기부터 드가는 경마를 새로운 그림의 주제로 적극적으로 받아들이며 움직임과 속도감을 연구하는 기회로 삼았습니다.
<롱샹 경마장의 경주마>는 인상주의적인 스타일로 제작되었습니다. 이 그림은 출발을 준비하며 풀밭에 모여 있는 기수들과 말들의 모습을 보여줍니다. 인물 묘사를 볼 까요. 그림 속 기수들은 에메랄드 그린, 연한 분홍, 소르베 레드, 베이비 블루, 블러드 레드 등 다채로운 색상의 폴로셔츠를 입고 있습니다. 이들은 크림색 승마 바지와 무릎까지 오는 가족 승마 부츠를 착용하고 있습니다. 이따금씩만 착용하는 값비싼 품목에 투자할 정도의 여유가 있는 부유한 개인임을 드러내 주는 부분입니다. 그림 중앙에는 노란 모자를 쓴 남자가 가장 선명하게 묘사되어 있으며, 그의 말과 함께 시선을 사로잡습니다.
Before the Race/wikipedia그림에서 짙은 갈색의 말들이 서로 가까이 서 있는 모습이 묘사되어 있습니다. 드가는 말의 강한 형태와 부드러운 곡선을 섬세하게 그려냈는데, 이는 그가 누드 여성의 신체에 대한 감탄과 유사한 표현 방식을 보여줍니다.
드가는 관람자의 시선을 중앙에 있는 노란 모자를 쓴 남자에게 집중시킵니다. 그림 속 캐릭터들은 쉽게 구별할 수 있지만, 다른 일부 요소들은 세밀한 묘사 없이 서로 혼합되어 있습니다. 그림 중앙 근처에 있는 양복을 입은 남자는 관람자가 아닌 드가 자신을 나타내는 것으로 보입니다. 그는 롱샹 경마장에서 벌어지는 상류층의 모습을 관찰하고 분석하는 역할을 오랫동안 했기 때문이죠.
Racehorses at Longchamp by Degas,1871/Flickr
Little Girl in a Blue Armchair by Mary Cassatt,1878/wikipeida메리 카사트(Mary Cassatt,1844-1926)의 <푸른 팔걸이의자에 앉은 소녀 Little Girl in a Blue Armchair>(1878)는 인상주의 회화로, 넓고 편안한 푸른색 의자에 앉아 있는 어린 소녀의 모습을 담고 있습니다. 이 작품은 당시 어린이 초상화의 전통에서 벗어난 급진적인 이미지로 평가받았습니다. 유화 작품으로 현재 미국 국립미술관에 소장되어 있습니다. 이 작품은 카사트가 에드가 드가( Edgar Degas)의 도움을 받아 완성한 것으로 알려져 있으며, 카사트의 첫 인상주의 전시회 출품작 중 하나입니다.
푸른색 팔걸이의자에 비스듬히 앉아 있는 소녀와 그녀 옆 의자에 잠들어 있는 강아지를 묘사하고 있습니다. 소녀는 커다란 팔걸이의자에 기대어 다리를 벌리고 팔꿈치를 뒤로 젖힌 채 늘어져 있습니다. 아이의 다소 심드렁한 표정만 보아도 주변 상황이 상상이 됩니다. 모델 서는 일에 슬슬 짜증이 난 게지요. 이러한 자세는 당시 어린이를 "숙녀처럼"보이게 하려는 초상화의 관습에서 벗어나, 어린아이의 자연스러운 모습을 있는 그대로 묘사한 작품입니다.
detail/Arte e dettagli nell'Arte카사트의 그림은 일본 판화의 영향을 받아 구도적으로 독특한 특징을 보입니다. 그녀는 일본 미술처럼 인물과 배경을 과감하게 잘라내어 화면 구도를 비대칭적으로 배치했습니다. 특히 그림 가장자리의 이미지를 자르는 방식으로 깊이감을 표현했습니다. 이러한 기법은 당시 파리 예술계에서 유행했던 일본주의 ( Japonisme)의 영향을 보여줍니다.
소녀 옆 팔걸이의자에는 잠든 강아지가 있습니다. 이 강아지는 브뤼셀 그리펀 종으로, 드가가 카사트에게 선물한 강아지 '밥티스트'로 알려져 있습니다. 원래 이 강아지는 그림의 바닥에 그려졌으나, 이후 카사트가 소녀 옆의 의자로 옮겼습니다.
에드가 드가는 이 작품의 구도에 대한 조언을 제공했습니다. 실제로 그림의 배경 일부를 직접 작업했고요. 드가는 방의 공간을 확장하고, 대각선 구도를 도입했으며, 벽 구석에 굵게 문지른 흔적을 남기는 등 자신만의 기법을 사용했습니다. 드가는 또한 이 그림의 모델이 된 소녀(친구의 딸)를 모델로 소개하기도 했습니다.
이 작품은 1878년 파리 세계 박람회(Exposition Universelle) 미국 섹션에 출품되었으나 거부되었습니다. 카사트는 이 거부에 크게 분노했으며, 이는 그녀가 아카데미의 엄격한 심사 시스템에 반대하는 인상주의 화가들과 교류하는 계기가 되었습니다. 이후 이 작품은 1879년 파리에서 열린 제4회 인상주의 전시회에 < Portrait de petite fille>라는 제목으로 전시됩니다.
in a Cafe/wikipedia에드가 드가(Edgar Degas, 1834-1917)의 <카페에서 In a Cafe>(1875-76) 작품입니다. 1893년 런던에서 전시될 때 <압생트 L'Absinthe>라는 제목으로 바뀌어 현재는 이 이름으로 더 잘 알려진 유화 작품입니다. 오르세 미술관에 소장되어 있고요. 파리 급성장 시기의 사회적 고립을 나타내는 작품입니다.
이 작품은 파리 오페라 극장 근처의 카페 드 라 누벨 아텐( Cage de la Nouvelle-Athenes)을 배경으로, 여배우 엘렌 앙드레( Ellen Andree)와 화가 마르슬랭 데부탱( Marcellin Desboutin)이 모델로 등장합니다. 드가는 이 작품을 통해 당시 파리 사회의 현대적인 삶의 단면과 사람들의 고립감을 표현했습니다.
그림에는 카페에 나란히 앉아 압생트를 마시는 한 여성과 남성이 묘사되어 있습니다. 그들은 모두 무기력하고 외로워 보입니다. 모자를 쓴 남성은 캔버스 가장자리 밖으로 시선을 돌리고 있고, 유행하는 드레스와 모자를 착용한 여성은 멍하니 아래쪽을 바라보고 있습니다. 여성 앞 테이블에는 압생트가 담긴 유리잔이 놓여 있습니다. 남성은 파이프를 물고 있고요. 이들은 무미건조한 표정과 함께 고립감에 잠겨 있습니다. 삶의 지루하고 무의미하다는 듯이 말입니다.
L;Absinthe/123RF드가는 이 작품을 통해 알코올 중독의 위험을 경고하려 했다기보다는 , 근대적인 삶의 단면을 있는 그대로 드러내려 했습니다. 그러나 동시에 이 그림은 압생트의 위험성을 고발하는 것으로도 볼 수 있습니다. 1893년 런던 전시 당시 영국 비평가들은 작품 속 인물들을 타락하고 무례하다고 여겼습니다. 이 작품을 압생트와 프랑스인에 대한 경고로 받아들이기도 했고요.
드가는 이 작품에서 의도적으로 중심에서 벗어난 구도를 사용하여 인물들을 고립시켰습니다. 빈 공간을 통해 공허함을 강조했고요. 이러한 구도는 일본 판화의 영향을 받은 것으로 보이며, 관람객들의 알코올 중독에 빠진 두 인물의 은밀한 순간을 엿보는 듯한 느낌을 주어 심리적 상태를 강조합니다. 회색과 갈색 톤의 색상 팔레트는 침체된 공기와 멜랑콜리를 암시하며, 인물 뒤 거울에 비친 흐릿한 그림자는 그들의 어두운 심상을 표현합니다.
이 그림은 현장의 카페에서 그려진 것이 아니라 드가의 스튜디오에서 모델을 세워 신중하게 연출된 것입니다. 드가는 모델의 명예를 실추시킬까 염려하여, 그들이 실제로 알코올 중독자가 아니라고 공개적으로 밝히기도 했습니다. 이처럼 드가는 실제와 같은 효과를 위해 세밀하게 연출된 현실적인 묘사를 추구했습니다.
에두아르 마네의 <플럼 브랜디 Plum Brandy>(1877) 작품과 비교해 보시죠. 유화작품으로, 카페에 홀로 앉아 있는 여인을 묘사하며 고독과 도시 생활의 단면을 담고 있습니다. 이 작품에서 여성은 우울하기보다는 몽환적인 모습입니다. 현재 워싱턴 D.C. 의 국립미술관에 소장되어 있습니다.
Plum Brandy by Edouard Manet,1877/wikipediahttps://www.youtube.com/watch?v=-A4WC1C2EMo
https://www.youtube.com/watch?v=EtTGyLsR7lk
Paris파리 오페라 극장(Palais Garnier)은 1861년부터 1875년까지 나폴레옹 3세의 명령에 의해 파리 9구에 지어진 오페라 극장입니다. 이 극장은 건축가 샤를 가르니에 (Cjrles Garnier, 1825-1898)가 설계했으며, 그의 이름을 따 '파레 가르니에'또는 '가르니에 궁전'으로 불리게 되었습니다. 초기에는 파리 오페라 ( Opera de Paris)로 불렸으나 , 1989년 바스티유 오페라 극장이 완공되면서 '오페라 가르니에'라는 이름이 널리 사용되었습니다.
파리 오페라 극장은 네오 바로크 또는 신바로크 양식의 건축물로, 그 시대의 건축학적 걸작 중 하나로 평가됩니다. 샤를 가르니에는 당시 유행하던 그리스풍 고전주의를 타파하고 화려한 새로운 양식을 창조하고자 했습니다. 그는 외제니 황후에게 이 건축 양식을 "나폴레옹 3세 스타일"이라고 설명했으며, 이는 바로크, 팔라디오의 고전주의, 르네상스 건축 요소들이 혼합된 매우 절충적인 스타일이었습니다.
파리 오페라 극장 Palais Garnier/ The Paris Pass외관은 수많은 조각상과 금칠한 장식으로 매우 화려합니다. 17가지의 다양한 건축 재료가 사용되었고요. 파사드에는 그리스 신화 속 신들을 묘사한 정교한 다색 대리석 조각과 기둥, 호화로운 조각상들이 배열되어 있습니다. 건물 정면의 파사드 꼭대기에는 샤를 -알퐁스 귀메리( Charles-Alphonse Gumery)의 금동 조각상 "조화Harmony"와 "시 Poem"가 1869년에 설치되었습니다. 또한 지붕 위에는 음악의 신 아폴로 조각상도 있습니다. 건물 앞면에는 수많은 음악가들의 조각상이 자리 잡고 있습니다. 샤를 드미리의 '춤'과 같은 유명한 조각상들도 외부에 전시되어 있습니다.
detail/ Opera national de Paris내부장식은 외부보다 더욱 화려하며, 다양한 색채의 고급 대리석을 사용하여 세계에서 가장 아름다운 극장 중 하나로 꼽힙니다. 내부를 연극적 효과를 의해 다양한 색상을 사용하고, 대리석, 석재, 반암, 금박을 입힌 청동 등 다채로운 장식으로 치장했습니다. 베르사유 궁전의 거울의 방보다도 화려하다는 평을 받는 대연회장'그랑 푸아예 Grand Foyer"가 대표적입니다. 샹들리에의 무게만 6톤에 달하며, 천장에는 마르크 샤갈( Marc Chagall)이 그린 대작'꿈의 꽃다발'이 있습니다. 극장의 중앙 홀은 높이가 30m에 달하며, 빨강, 노랑, 그린, 화이트, 그레이, 바이올렛, 핑크 등 다양한 색상의 대리석으로 장식되어 있습니다. 특히 극장의 계단은 화려함의 극치로, 마치 그 자체로 연극 무대처럼 디자인되어 있습니다.
Grand Foyer/ Theatre in Paris파리 오페라 극장은 나폴레옹 3세의 대대적인 파리 도시 계획(오스만 재개발)의 일환으로 건설되었습니다. 1858년 1월 14일, 당시 오페라 극장이었던 살레 르 팔레티어( Salle Le Peletier)에서 나폴레옹 3세에 대한 암살 시도가 발생하면서, 국가 원수를 위한 더 안전한 출입구와 시설이 갖춰진 새로운 오페라 하우스의 필요성이 부각되었습니다. 1860년데 건축 설계 공모전이 열렸고, 171명의 응모자 중 당시 35세의 무명 건축가 샤를 가르니에의 설계안이 채택되었습니다. 1861년 7월 2일 공사가 시작되었으나, 지하수 문제와 프랑스-프로이센 전쟁( 1870-1871)으로 인해 공사가 중단되기도 했습니다. 이 전쟁으로 인해 건물 일부는 식량 창고와 병원으로 사용되기도 했습니다. 극장은 최종적으로 1875년 1월 5일에 개장했습니다.
파리 오페라 극장은 설립 이후 파리 시민들에게 오페라와 발레의 주요 공연장 역할을 해왔습니다. 1989년 바스티유 오페라 극장이 완공되면서 파리 오페라 발레단은 주로 오페라 가르니에에서 발레 공연을 하고, 파리 국립 오페라단은 바스티유 오페라에서 주로 오페라 작품을 공연하고 있습니다.
The Phantom of the Opera/Ticmate이 극장에서는 장 밥티스트 륄리(Jean Baptiste Lully,1632-1687), 장 필립 라모(Jean-Philippe Rameau, 1683-1764), 크리스토프 빌리발트 글루크(Christoph Willibald Gluck, 1714-1787)의 오페라가 공연되어 프랑스 오페라 발전에 크게 기여했습니다. 지금까지 오페라 600편 이상, 발레 300편 이상이 공연되었습니다. 특히 가스통 르루( Gaston Louis Alfred Leroux,1868-1927)의 1910년 소설'오페라의 유령 The Phantom of the Opera'의 배경이 되었습니다.
in the Loge by Mary Cassatt, 1878/wikipeida메리 카사트의 <관람석에서, in the Loge>(1878) 작품입니다. 이 그림은 오페라 극장 특별석에 앉아 오페라글라스를 통해 무언가를 응시하는 부르주아 여성을 보여줍니다. 그런 그녀에게 관심 있어 보이는 한 남성이 그녀를 바라보고 있네요. 여성의 복장과 부채는 그녀의 상류층 지위를 명확히 드러냅니다. 카사트는 이 그림을 통해 관객과 배우, 그리과 관객과 관객 사이의 시선 교환이라는 복합적인 사회적 장면을 표현했습니다. 그녀는 보는 행위 자체를 탐구하며, 관찰자와 관찰 대상, 관객과 공연 사이의 전통 적인 경계를 허뭅니다.
카사트의 <관람석에서 in the Loge>는 인상주의 화풍의 특징을 잘 보여줍니다. 동시대 사회를 관찰하고 비판하는 도구로도 사용되었고요. 특히 이 그림은 '보고, 보여지는 '이라는 당시 극장의 사회적 의례를 비꼬는 듯한 느낌을 줍니다. 연극 막간에 극장의 사회적 분위기를 살피는 여인의 모습을 담고 있고요.
카사트( Cassatt, 1844-1926)는 드가(Degas, 1834-1917)나 르누아르( Renoir, 1841-1919)처럼 눈길이 자연스럽게 가는 부분, 즉 앉아 있는 사람의 얼굴에 다른 부분보다 더 선명하게 초점을 맞추었습니다. 이 작품은 카사트의 초기 작품 중 하나로, 그녀의 섬세하고 예민한 관찰력과 사실적인 묘사가 특징입니다. 1879년 열린 인상주의자들의 제4회 전시회에 <라 로주 La Loge>라는 제목으로 출품되었습니다. 평론가들로부터 카사트의 색감이 지나치게 화사하다는 평을 받기도 했고요.(동료화가 르느아르의 작품과 비교해 보시죠.)
The Theatre Box: La Loge by Pierre -Auguste Renoir,1874, courtauld Gallery, London/wikipediahttps://www.youtube.com/watch?v=HVuyK_vIMfc
Woman with a Pearl Necklace by Mary Cassatt, 1879/wikipedia메리 카사트의 <진주 목걸이를 한 여인 Woman with a Pearl Mecklace >(1879)은 유화 작품입니다. 파리 오페라 하우스의 발코니에 앉아 있는 여인을 묘사하고 있습니다. 이 작품은 필라델피아 미술관에 소장되어 있습니다. 메리 카사트가 파리에서 활동하던 시기에 제작된 유화입니다.
그림에서 여성은 커다란 거울 앞에 앉아 있습니다. 거울에는 극장 내부와 화려한 샹들리에가 반사되어 비칩니다. 이 거울은 극장 장면과 여성의 시점을 동시에 보여주며, 카사트가 극장 환경을 넓고 개방적으로 표현하기 위해 사용한 기법입니다. 거울에 비친 장면을 깊은 공간감을 제공하고요.
이 작품의 모델은 메리 카사트의 여동생 리디아로 알려져 있습니다. 리디아는 카사트의 다른 여러 작품에서 모델로 등장했습니다. <진주 목걸이를 한 여인>은 1879년 제4회 인상파 전시회에서 긍정적인 평가를 받았습니다. 당시 카사트의 작품은 모네, 피사로 등의 풍경화나 카유보트 등의 정밀한 초상화와 큰 대조를 이루며 돋보였습니다. 이 작품은 1880년 제5회, 1881년 제6회, 그리고 1886년의 제8회 마지막 인상파 전시회에서도 소개되었습니다.
At the Milliner's by Edgar Degas/The Metropolitan Museum of Art"가장 우아하고 품격 있는 파리의 전문 여성 인력들"
-(드가가 생각하는 모자 제조업자들)-
"모자 상점 앞에서 황홀경이 빠지는 사람
-폴 고갱의 드가에 대한 표현 중-
에드가 드가의 <모자 상점에서 At the Milliner's>(1882-1885)는 19세기 후반 파리의 모자 가게를 배경으로 여성들의 일상을 담아낸 작품입니다. 드가는 모자 상점을 주요 주제로 삼아 당시 사회에서 중요했던 모자 제작자들의 예술성을 강조하고, 추상적인 요소를 탐구하는 후기 스타일을 보여줍니다.
'밀리너 milliner'로 불리던 모자 제작자들의 작업 공간을 배경으로 합니다. 드가는 1880년대에 모자 가게를 주제로 최소 15점 이상의 작품을 그렸을 정도로 이 주제에 깊은 관심을 보였습니다. 이 그림은 모자 가게 내부에 세 두 여성을 묘사하며, 인상주의 작품의 특징인 친밀하고 자연스러운 분위기를 자아냅니다. 드가의 후기 작품 특징인 풍부하고 따뜻한 색상 팔레트와 추상적인 표현을 잘 보여주고요.
The Milliners by Edgar Degas/Saint Louis Art Museum작품 속에서 왼쪽 모자 제작자의 빨간 드레스, 의자의 주황색, 조수의 붉은 갈색 옷, 그리고 두 여성의 구릿빛 머리카락이 모두 어우러져 색채의 조화를 이룹니다. 드가는 이 시기에 추상화의 가능성을 탐구했습니다. 여성들의 형태를 뒷벽을 배경으로 한 평면적인 색채 덩어리로 표현하여 공간감을 최소화했습니다. 생루이 미술관에서 이 그림을 X-레이 촬영한 결과, 드가가 원래 모자 제작자의 흰색 앞치마에 장식적인 세부 묘사를 추가했다가 나중에 이를 덧칠하여 더욱 일반적인 색채 덩어리를 만들었음이 밝혀졌습니다. 이는 그의 추상화에 대한 관심을 더욱 뒷받침해 줍니다.
드가는 작품을 통해 20세기 초 파리 모자 제작 업계의 예술성을 증명하고자 했습니다. 그는 넓은 챙의 밀짚모자에 타조 깃털을 부착하는 모자 제작자의 섬세한 집중력을 강조하여 그들의 장인 정신을 부각했습니다. 이 시기는 파리 모자 산업이 절정기였다고 합니다. 파리는 당시에 세계 패션의 중심지였고 약 1000명의 모자 제작자들이 활동하고 있었습니다.
The Millinery shop by Edgar Degas/The Metropolitan Museum of Arthttps://www.youtube.com/watch?v=S7sYaTBfzdI
https://www.youtube.com/watch?v=7AKZewCxldE
https://www.youtube.com/watch?v=Zj2B8XcX_u4
