스토리텔링 공모전에 당선되는 비결 - 여섯 번째
6. 수정, 수정, 수정
The first draft of anything is shit.
작가라면 누구나 아는 헤밍웨이의 유명한 말입니다. 초고는 결코 최고의 원고가 아닙니다. 줄거리의 짜임새를 다듬고, 캐릭터 아크를 심화하며, 대사를 다듬는 데 초점을 맞춰 스토리를 여러 번 수정해야 합니다. 신뢰할 수 있는 동료나 멘토의 피드백을 참고하여 개선할 부분을 파악하는 것도 거쳐야 할 단계입니다.
수정 프로세스
1단계: 작품과 거리 두기
초고를 완성했다면, 이 시점에서 작품으로부터 약간의 거리를 두는 것이 매우 중요합니다. 몇 주 또는 한 달 정도의 휴식은 스토리에 새로운 시각과 관점을 가질 수 있도록 해주는 필수적인 과정입니다.
거리 두기의 장점:
객관적인 시각: 작품에 몰입해 있을 때는 작은 문제점이나 전체적인 구조의 약점을 발견하기 어려울 수 있습니다. 시간을 두면서 감정적인 애착이 줄어들고, 보다 객관적으로 작품의 강점과 약점을 분석할 수 있습니다.
아이디어 재충전: 무작정 수정 작업에 매달리기보다, 잠시 거리를 두는 것은 창의성의 원천을 다시 채울 수 있는 시간이 됩니다. 다른 작품을 즐기거나, 새로운 경험을 하면서 얻은 영감이 수정 작업에 긍정적인 영향을 미칠 수 있습니다.
작가로서의 성숙: 작품과 거리를 두는 과정은 성숙한 작가가 되기 위한 필수 과정입니다. 즉각적인 판단에 의존하기보다는, 시간을 두고 숙고해 보는 습관은 향후 보다 나은 작품을 만들 수 있는 기반이 됩니다.
휴식 기간 활용 방법:
다른 창작 활동: 시, 단편 소설, 그림 등 다른 형식의 창작 활동에 시간을 투자해 보세요. 새로운 분야를 탐구하는 것은 작가로서의 감성과 표현의 영역을 넓혀줍니다.
관련 작품 감상: 동일한 장르의 영화나 드라마를 보면서 스토리 구조, 캐릭터 개발, 대화의 묘미 등을 분석해 보세요. 다른 작품을 통해 스토리텔링의 다양한 기법을 배우고, 자신의 작품에 대한 비교 관점을 키울 수 있습니다.
완전히 다른 분야 탐구: 스토리텔링과는 전혀 관련 없는 일로 시간을 보내세요. 여행, 운동, 새로운 취미 활동 등은 정신적 여유를 만들어주고, 꽉 막힌 창의력의 흐름을 틔워줍니다.
팁:
휴식 기간을 단순히 "작업을 하지 않는" 시간으로 생각하지 마세요. 다양한 활동과 경험을 통해 자신을 작가로서 채워주는 시간이라고 인식하고, 이를 적극적으로 활용하세요.
2단계: 초안 전체 다시 읽기
휴식을 취한 후에, 가능하다면 한 번에 스토리 전체를 다시 읽으세요. 이때, 작가라는 신분을 잠시 내려놓고 마치 한 명의 청중인 것처럼 작품에 접근해 보세요. 읽으면서 바로 수정하려는 충동은 자제하는 것이 좋습니다. 대신, 전체적인 인상, 이해하기 어려운 부분, 지루하다고 느껴지거나 불필요한 부분, 흥미를 자극하는 부분 등을 차분히 메모해 두세요.
초안 재검토의 목표:
독자의 입장 이해: 작가가 아닌 청중의 관점에서 자신의 작품을 바라봄으로써, 일반적인 독자들이 어떻게 작품을 경험할지 보다 명확하게 이해할 수 있습니다.
전체적인 구조 파악: 개별 장면에 얽매이지 않고 작품의 전체적인 플롯 구조를 파악하세요. 서론, 전개, 결말의 균형이 잘 맞는지, 이야기의 흐름이 자연스러운지 등을 살펴보세요.
주제의 명확성: 작가가 전달하고자 하는 주제가 독자들에게 명확하게 전달될지 생각해 보세요. 핵심 주제가 플롯과 캐릭터의 행동을 통해 잘 드러나고 있는지 확인하세요.
감정적 연결 고찰: 어떤 장면이나 캐릭터가 여러분에게 강렬한 감정적 반응을 불러일으켰는지 생각해 보세요. 그 이유를 파악함으로써 관객을 감동시키는 요소를 보다 잘 이해할 수 있습니다.
메모 작성:
구체적인 페이지나 장면 언급: 문제가 있다고 느껴지는 부분을 언급할 때는 구체적인 페이지나 장면 번호를 같이 적어두세요. 나중에 해당 부분을 수정할 때 쉽게 찾을 수 있습니다.
"왜?" 질문하기: 단순히 "지루하다", 또는 "어렵다"라고 메모하기보다는 왜 그렇게 느꼈는지까지 생각해 보세요. 예를 들어, "이 장면의 목적이 무엇인지 잘 모르겠다" 또는 "이 캐릭터가 왜 이런 행동을 하는지 이해가 안 된다"와 같이 구체적으로 이유를 적으세요.
팁:
이 단계에서는 아직 구체적인 수정 작업에 착수하지 마세요. 초안에 대한 전체적인 인상과 감정을 솔직하게 메모하는 것에 집중하세요. 이를 바탕으로 다음 단계에서 어떤 부분에 초점을 두고 수정할지 전략을 세울 수 있습니다.
3단계: 구조적 문제점 해결
구조적인 수정 작업을 통해 스토리의 뼈대를 단단히 만드세요. 다음과 같은 질문들을 던져보세요.
플롯의 논리성: 줄거리가 논리적으로 잘 짜였는가? 이야기 속 앞뒤가 안 맞는 부분이나 플롯 홀(구멍)이 있는가?
페이싱의 적절성: 스토리 전체의 전개 속도가 적절한가? 지루하거나 너무 급하게 진행되는 부분은 없는가?
내러티브 구조의 효과성: 이야기의 긴장감이 점차 고조되어 효과적인 클라이맥스로 이어지는가?
보조 플롯의 통합성: 보조 플롯이 주요 줄거리와 자연스럽게 연결되어 있는가? 보조 플롯이 작품의 전체적인 스토리에 기여하고 있는가?
위 질문들에 대한 답을 찾는 과정에서 종종 대대적인 수정 작업이 필요할 수 있습니다. 장면을 다시 배열하거나, 일부분을 완전히 삭제하거나 추가하거나, 내러티브의 구조 자체를 바꿔야 할 수도 있습니다.
구조적 수정이 미치는 영향:
스토리의 구조를 수정하는 것은 작품 전체에 큰 영향을 미칩니다. 따라서, 구조 수정작업은 대화 다듬기나 개별 장면의 세세한 점을 수정하기 이전에 먼저 해결해야 합니다. 이는 다음과 같은 이유 때문입니다.
작품의 기반 형성: 구조는 스토리의 기반입니다. 구조가 잘 짜여 있을 때 그 위에 쌓이는 대화, 캐릭터, 개별 장면 등이 빛을 발하게 됩니다. 반대로, 구조적 문제점들은 아무리 부분적인 요소를 잘 다듬더라도 작품 전체를 무너뜨릴 수 있습니다.
수정 작업의 효율성: 세부적인 수정에 착수하기 전에 구조를 먼저 점검함으로써 시간과 노력을 절약할 수 있습니다. 예를 들어, 나중에 삭제해야 할 장면의 대화를 열심히 다듬는 것은 비효율적인 일입니다.
팁:
구조적 수정 작업은 쉽지 않으며, 여러 번의 시행착오를 거칠 수도 있습니다. 작가로서의 큰 그림을 그리는 능력이 요구됩니다. 하지만, 이 과정을 거치면서 여러분은 스토리텔링의 핵심 원리를 더욱 깊이 이해하고, 강력한 내러티브를 만들어내는 방법을 배울 수 있습니다.
4단계: 캐릭터와 대화 다듬기
구조적 문제점을 해결했다면, 이제 캐릭터와 대화에 초점을 맞춰 세부적인 수정 작업을 진행하세요. 주인공뿐만 아니라 주요 캐릭터들 각각에 대해 다음과 같은 질문들을 던져보세요:
캐릭터 아크의 명확성: 캐릭터에게 명확하고 설득력 있는 아크가 있는가? 이야기가 진행됨에 따라 캐릭터가 어떤 변화를 겪고, 어떻게 성장하는지 분명하게 드러나는가?
동기와 행동의 일관성: 캐릭터의 동기와 행동이 일관적이고 믿을 수 있는가? 인과관계가 분명하지 않거나, 설정된 성격과 어긋나는 행동은 없나?
대화를 통한 캐릭터성 표현: 대화가 캐릭터의 개성을 잘 반영하고 있는가? 스토리 전반에 걸쳐 대화 속에서 캐릭터의 변화나 성장 과정이 적절하게 드러나고 있는가?
대화는 간결하고, 목적이 분명해야 하며, 진정성을 느낄 수 있어야 합니다. 불필요하다고 느껴지거나 캐릭터 또는 줄거리에 기여하지 않는 모든 요소는 과감하게 삭제하세요.
대화 수정 시 고려 사항:
자연스러운 흐름: 실제로 사람들이 말하는 방식과 유사한 대화를 쓰도록 노력하세요. 지나치게 수식적이거나, 장황하고, 설명적인 대화는 피하세요.
서브텍스트의 활용: 등장인물이 실제로 말하는 것보다 더 많은 것을 암시하는 대화를 만드세요. 서브텍스트는 캐릭터의 내면을 드러내고 이야기에 깊이를 더합니다.
캐릭터의 목소리: 각 캐릭터의 독특한 목소리를 만들어내세요. 나이, 교육 수준, 사회적 지위, 배경 등에 따라 어휘, 문장 구조, 말투가 달라질 수 있습니다. 이러한 차별화는 캐릭터를 더욱 생동감 있게 만듭니다.
팁:
캐릭터와 대화는 밀접하게 연관되어 있습니다. 매력적인 캐릭터는 살아있는 대화를 만들어내고, 잘 짜인 대화는 캐릭터의 깊이를 증가시킵니다. 따라서, 캐릭터와 대화에 대한 수정 작업은 함께 진행되어야 합니다.
5단계: 장면 다듬기
각 장면을 개별적으로, 또한 전후의 장면들과의 연관성 속에서 살펴보세요. 모든 장면은 줄거리 전개, 캐릭터 묘사, 주제 심화 등의 목적을 가지고 있어야 합니다. 다음과 같은 질문이 도움이 될 수 있습니다.
장면의 필연성: 이 장면은 꼭 필요한가? 어떠한 이유 때문에 존재해야 하는가?
전체 내러티브에 기여하는 바: 이 장면은 전체 이야기에 어떤 영향을 미치고 어떤 기여를 하는가?
다른 장면과의 통합 가능성: 다른 장면과 합쳐서 더 큰 효과를 낼 수는 없는가?
장면 간 전환의 매끄러움: 각 장면이 다음 장면과 자연스럽게 연결되어 있는가? 흐름을 끊지 않으면서 내러티브의 추진력과 응집력이 유지되고 있는가?
장면 수정 시 고려 사항:
장면의 시작과 끝: 각 장면이 강력한 시작과 끝을 가지도록 하세요. 장면의 첫 부분은 독자의 관심을 끌고, 마지막 부분은 다음 장면으로 부드럽게 이어질 수 있게 해야 합니다.
긴장감 조성: 갈등과 긴장감은 이야기를 흥미롭게 이끄는 원동력입니다. 액션이 없더라도 작은 갈등이나 난관을 설정함으로써 각 장면에 긴장감을 불어넣을 수 있습니다.
감각적 묘사: 시각, 청각, 후각, 미각, 촉각 등의 감각적 묘사를 통해 독자를 이야기 속으로 깊이 끌어들이세요. 생생한 이미지는 장면을 더욱 몰입감 있게 만듭니다.
장면의 길이: 장면이 너무 길거나 짧지 않도록 하세요. 독자가 지루해하거나, 이야기 진행이 너무 급하게 느껴질 수 있습니다. 적절한 길이를 찾는 것은 리듬감을 유지하는 데 중요합니다.
팁:
잘 짜인 개별 장면들은 힘 있는 내러티브에 필수적입니다. 각 장면을 하나의 작은 이야기로 생각하고, 그 자체로도 흥미롭고 독자를 사로잡는 힘이 있도록 만들어 보세요.
6단계: 피드백 활용하기
여러분이 최선을 다해 스토리를 수정했다면, 이제는 신뢰할 수 있는 사람들에게 피드백을 요청할 차례입니다. 스토리 작성의 원리를 이해하고 건설적인 비판을 제공해 줄 수 있는 동료, 멘토를 찾아보세요. 피드백을 받을 때는 열린 자세를 유지하되, 여러분의 작품에 대한 비전과 부합되는 조언인지 판단할 수 있는 안목도 필요합니다.
적합한 피드백 제공자의 조건:
스토리에 대한 지식: 여러분이 쓰고 있는 스토리 장르와 스타일에 대한 이해가 있는 사람들의 피드백이 더 도움이 될 것입니다.
건설적인 비판: 단순한 비난이나 피상적인 칭찬이 아닌, 작품의 개선점을 찾아주는 비판이 필요합니다. 좋은 피드백은 구체적이고, 이론에 기반하며, 실행 가능한 조언을 제공합니다.
신뢰와 존중: 여러분의 의견을 신뢰하고 존중할 수 있는 사람들에게 피드백을 요청하세요. 이는 상호 간에 건설적인 비평 분위기를 조성하는 데 중요합니다.
피드백을 효과적으로 받아들이는 방법:
열린 마음: 피드백에 열린 자세로 임하세요. 단순히 칭찬을 받는 것에 그치지 말고, 작품의 개선점을 찾는 것에 초점을 두세요.
주요 패턴 파악: 개인의 주관적인 선호보다는 여러 사람이 공통적으로 지적하는 주제나 문제점에 집중하세요. 반복적으로 언급되는 이슈는 여러분의 작품이 개선해야 할 영역일 가능성이 높습니다.
감정적 반응 조절: 모든 비평이 여러분의 작품에 반드시 적용되어야 하는 것은 아닙니다. 비평적인 부분에 감정적으로 반응하기보다는, 현명하게 그 속에서 유용한 조언을 걸러내는 자세가 필요합니다.
피드백 요청 시 유의점:
구체적인 질문: 단순히 "내 작품 어때?"라고 묻기보다, "플롯 진행이 자연스러운지", "캐릭터 발전이 설득력 있는지" 등 구체적인 질문을 하세요. 이를 통해 보다 실질적이고 도움이 되는 피드백을 얻을 수 있습니다.
작품 이해를 위한 충분한 시간 제공: 피드백을 요청한 후에는 상대방이 스토리를 읽고 소화할 수 있는 충분한 시간을 주세요. 피드백의 질은 상대방이 작품에 대해 얼마나 깊이 이해하고 있는지에 크게 영향을 받습니다.
팁:
피드백은 여러분의 창의성을 제한하기 위해 존재하는 것이 아닙니다. 피드백은 작품의 잠재력을 극대화하고, 독자들에게 보다 강력한 경험을 제공하기 위한 하나의 도구입니다. 여러분의 작품이 성장할 수 있도록 피드백을 적극적으로 활용하세요.
7단계: 피드백 반영하기
받은 피드백을 주의 깊게 살펴보고 어떤 조언을 여러분의 작품에 반영할지 신중히 결정하세요. 이 과정은 구조적인 조정, 캐릭터의 미세한 조정, 또는 통찰력 있는 피드백을 바탕으로 한 대화나 장면의 다듬기 등과 같이, 수정 과정 이전 단계로 돌아갈 수도 있습니다.
피드백 선별하기:
비판적인 시선 유지: 모든 조언이 여러분의 스토리에 반드시 적합한 것은 아닙니다. 여러분의 판단력을 발휘하여, 어떤 피드백이 여러분의 비전과 부합하며 작품의 수준을 높여줄 수 있는지 결정하세요.
주요 패턴 파악: 여러 사람이 공통적으로 지적하는 문제점이나 개선이 필요한 부분에 집중하세요. 반복적으로 언급되는 이슈는 보다 면밀한 자기 검토의 대상이 될 수 있습니다.
장점 인식: 피드백은 약점을 지적하는 것만이 아닙니다. 잘된 부분을 구체적으로 언급해 주는 피드백 제공자도 있을 것입니다. 이는 여러분의 작가로서의 자신감을 북돋울 수 있으며, 강점을 더욱 강화할 수 있도록 도움을 줍니다.
피드백 반영 시 고려 사항:
작품의 전체성: 개별적인 피드백을 반영할 때는 항상 작품 전체의 구성과 전후 맥락을 염두에 두세요. 한 부분의 변경이 다른 부분에 미치는 영향을 고려해서 수정 사항을 결정해야 합니다.
작가의 목소리: 피드백을 참고하여 작품을 개선하는 것은 중요하지만, 여러분만의 독특한 작가적 목소리가 사라지지 않도록 주의를 기울이세요.
단계별 접근: 구조적 문제점 우선 해결: 대화의 디테일이나 개별 장면의 수정에 착수하기 전에 구조적인 문제점을 먼저 해결하세요. 플롯의 흐름, 캐릭터 성장 곡선과 같은 근본적인 요소가 잘 맞아떨어져야 합니다.
팁:
피드백은 여러분의 창의성을 제한하기 위해 존재하는 것이 아닙니다. 피드백은 작품의 잠재력을 극대화하고, 독자들에게 보다 강력한 경험을 제공하기 위한 하나의 도구입니다. 현명한 판단력을 가지고 피드백을 활용함으로써 여러분은 작가로서 성장하고 더 나은 작품을 만들어낼 수 있습니다.
8단계: 필요한 만큼 반복하기
스토리 수정은 한 번에 끝나는 일이 아닙니다. 여러분의 작품이 최적의 상태에 도달할 때까지 여러 차례의 수정 작업을 거치게 될 것입니다. 초고를 완성할 때마다 명확성, 감정적 울림, 독자를 사로잡는 내러티브에 초점을 맞춰 작품을 다듬고 개선해 나가세요.
반복적인 수정의 중요성:
작가적 시각의 성숙: 수정 작업을 반복할수록 여러분의 작가적 시각은 성숙해집니다. 작품에 대한 객관성이 높아지고, 플롯 구성, 캐릭터 개발, 대화의 표현 등 다양한 스토리텔링 기술의 활용 능력이 발전합니다.
작품의 잠재력 극대화: 초고는 하나의 '원석'과 같습니다. 수정 작업을 통해 이 원석이 다듬어지고, 빛을 발하는 보석으로 변화합니다. 여러 차례의 수정을 거치는 과정을 통해 작품은 최고의 잠재력에 도달할 수 있습니다.
독자의 관점 이해: 수정 작업을 계속할수록, 여러분은 작가의 관점뿐만 아니라, 독자가 작품을 어떻게 받아들일지에 대한 이해도가 높아집니다. 이를 통해 보다 효과적으로 독자와 소통하고 감동을 전달할 수 있는 작품으로 발전시킬 수 있습니다.
수정 단계에서의 전략:
초고 간 간격: 한 번의 수정 작업을 마치면, 일정 기간 작품으로부터 거리를 두세요. 시간이 지난 후에 다시 보면 새로운 문제점을 발견하거나 더 나은 아이디어가 떠오를 수 있습니다.
목표 설정: 각 수정 단계에서 가장 집중적으로 다듬을 부분에 대한 목표를 세우세요. 예를 들어, 한 차례의 수정 작업은 주로 '캐릭터 심화'에 초점을 맞출 수도 있습니다.
다각도 피드백: 수정 과정의 각 단계에서 가능하다면 다른 사람들로부터 피드백을 받으세요. 혼자 작업할 때는 보지 못했던 문제점을 발견하는 데 도움이 됩니다.
팁:
완벽주의의 함정: "완벽한" 스토리를 추구하려다가 진척이 없어지는 경우도 있습니다. 어느 정도의 시점에서는 과감하게 마무리를 짓고, 그 결과물을 바탕으로 다음 단계로 나아가는 것이 중요합니다.
창의성을 향한 지속적인 여정: 스토리 수정은 결승선이 있는 과정이 아닙니다. 끊임없이 배우고, 자신을 발전시켜 나가는 작가의 지속적인 여정이라고 생각하세요.
수정이야말로 진정한 스토리 작업의 핵심
스토리 작업의 많은 부분이 수정 단계에서 이루어진다는 것을 명심하세요. 수정은 여러분의 이야기를 다듬고, 캐릭터의 깊이를 더하며, 스토리가 청중에게 강한 울림을 줄 수 있도록 하는 기회입니다. 체계적이고 세부적인 방법론을 가지고 수정 작업에 임한다면, 점진적으로 스토리의 품질을 높여나갈 수 있습니다. 그 결과, 청중을 사로잡는 세련된 내러티브가 탄생할 것이며, 그 작품은 페이지 위에서, 화면 위에서 생동감 있게 펼쳐질 준비가 될 것입니다.
수정 단계에서 기억할 점:
진화의 과정: 수정은 단순히 오류를 고치고 문장을 윤색하는 것 이상의 의미를 가집니다. 여러분의 작품이 최고의 잠재력에 도달하기 위해 거쳐가는 진화의 과정입니다.
열정과 인내의 중요성: 수정 작업은 때로 지치고 긴 과정이 될 수 있습니다. 하지만 여러분이 가진 열정과 인내가 작품을 빛나게 할 원동력이 됩니다.
창의성과 구조의 조화: 창의성과 구조적인 측면은 스토리에서 상호보완적으로 작용합니다. 자유로운 아이디어 탐구와 체계적인 구성력, 이 두 가지의 균형이 훌륭한 작품을 탄생시킵니다.
학습의 여정: 수정 단계는 작가로서의 끊임없는 학습의 여정입니다. 피드백을 받아들이고, 다양한 작품을 분석하고, 자신만의 수정 방법론을 발전시켜 나가는 노력이 여러분을 성장시킬 것입니다.
스토리 수정은 도전적인 과정이지만, 한편으론 매우 보람찬 작업입니다. 스스로의 작품을 한 단계 더 높은 수준으로 발전시키는 만족감은 다른 무엇과도 대체할 수 없습니다. 열정을 가지고 수정 작업에 임한다면, 여러분은 작가로서 크게 성장할 수 있으며, 독자와 관객의 마음을 움직이는 힘 있는 작품을 창조할 수 있을 것입니다.
