K20 1/5

독일 뒤셀도르프 K20

Feb 18. 2026

위치: 독일 뒤셀도르프

가격: 5€ (학생할인)

방문일자: 2026년 2월 3일

독일 뒤셀도르프(Düsseldorf)의 K20은 노르트라인-베스트팔렌 미술관(Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen)의 주요 전시관 중 하나다. 20세기 서구 근대 미술의 핵심 컬렉션을 소장하고 있으며, 명칭인 'K20'은 '20세기 예술'(Kunst des 20. Jahrhunderts)을 의미한다.

전시관 및 건축

덴마크 건축가 팀인 디싱+웨이틀링(Dissing+Weitling)이 설계했으며, 매끄러운 곡선을 그리는 검은색 전면 화강암 벽이 건물의 상징이다.

인근의 'K21'(21세기 예술 중심)과 함께 노르트라인-베스트팔렌주를 대표하는 공공 미술관 시스템을 구축하고 있다.

주요 소장품

파울 클레(Paul Klee): 미술관 설립의 초석이 된 88점의 파울 클레 컬렉션이 유명하다.

파블로 피카소(Pablo Picasso), 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky), 앙리 마티스(Henri Matisse), 피에트 몬드리안(Piet Mondrian) 등의 대표작을 보유하고 있다.

잭슨 폴록(Jackson Pollock), 마크 로스코(Mark Rothko), 앤디 워홀(Andy Warhol) 등 미국 추상 표현주의와 팝아트 작품들도 전시한다.

K20의 와관

1층

현재를 향하여: 해방과 혁명(Towards the present: Liberation & revolution)

검은색 물감 방울 일련의 삼각형 그리고 움직이는 이미지들: 제2차 세계대전 이후 예술은 모더니즘의 관념과 제약으로부터 자유로워졌다 회화와 조각 사이의 경계가 허물어졌고 '열린 작품'(Open work)이라는 개념이 등장했다 이러한 변화는 예술가들이 다양한 매체를 넘나들며 작업하고 예술 경험 속으로 관객을 적극적으로 끌어들이도록 영감을 주었다 보고 지각하는 행위는 예술이 수용되는 방식의 중심이 되었다 예술 작품은 어떤 반응을 불러일으킬 수 있는가 예술 작품 앞에 있는 현재의 경험은 무엇을 의미하는가 이러한 경험은 시간이 지남에 따라 어떻게 변하는가 예술가들은 관객의 감각적 신체적 지각을 높이기 위해 도전했다 나중에 인간의 몸 자체가 특히 1960년대 이후의 퍼포먼스와 비디오 아트 영역에서 예술의 매체가 되었다 이러한 변화는 예술이 경계를 알지 못하는 새로운 시대인 혁명적 해방의 시작을 알렸다

브리지트 라일리(Bridget Riley) - 《컬러의 화살 (벽화) [마파]》(Bolt of colour (Wall painting) [Marfa], 2017), 흑연 및 아크릴

〈컬러의 화살 (벽화) [마파]〉의 세부

제니 홀저(Jenny Holzer) - 《수직》(Vertical, 2016), 청색 녹색 적색 다이오드 LED 스테인리스 스틸 하우징

텍스트: 〈진리〉(Truisms, 1977–79) 〈아르노〉(Arno, 1996)

게르하르트 리히터(Gerhard Richter) - 《벽》(Mauer, 1994), 캔버스에 유채

빅토리아 폰 플레밍(Viktoria von Flemming)이 『노르트라인-베스트팔렌 미술관의 친구들』을 통해 기증했다 2019년

마크 로스코(Mark Rothko) - 《무제 (어두운 청색 속의 세 개의 검은색)》(Untitled (Three blacks in dark blue), 1960), 캔버스에 유채

앤디 워홀(Andy Warhol) - 《한 여성의 자살》(A woman's suicide, 1962), 리넨에 실크스크린 잉크 및 연필

도널드 저드(Donald Judd) - 《무제》(Untitled, 1966/1988), 아연 도금 강철 및 브러시 처리된 표면의 압출 사각 알루미늄 합금 튜브 청색 래커

라시드 아라인(Rasheed Araeen) - 《8bs》(8bs, 1970/2015), 나무에 아크릴

마사 로슬러(Martha Rosler) - 《주방의 기호학》(Semiotics of the kitchen, 1975), 단일 채널 비디오 흑백 오디오

케네스 놀랜드(Kenneth Noland) - 《만개》(Bloom, 1960), 캔버스에 아크릴

케네스 놀랜드(Kenneth Noland) - 《그네》(Swing, 1964), 캔버스에 아크릴

로버트 마더웰(Robert Motherwell) - 《플라톤의 동굴에서》(In Plato's cave, 1973), 캔버스에 아크릴

어두운 흑회색 회화은 얇게 유약을 바른 것부터 거의 완전히 불투명한 것까지 다양한 붓질을 통한 제스처적 접근 방식을 드러낸다 이 질감 있는 표면과 극명하게 대조되는 정확하게 윤곽이 그려진 사각형은 어둡고 동굴 같은 회화 공간의 창처럼 나타난다 1967년 그의 《오픈》(Open) 연작과 함께 시작된 《플라톤의 동굴에서》(In Plato's cave)에서 로버트 마더웰(Robert Motherwell)은 미술사에서 창 모티브의 상징적 의미를 탐구했다 이 제목은 또한 그리스 철학자가 동굴 안에 쇠사슬로 묶여 등 뒤에 있는 물체의 그림자만을 볼 수 있는 사람들을 묘사한 플라톤(Plato)의 '동굴의 비유'를 참조하며 그들은 이 그림자를 유일한 현실로 인식한다

헬렌 프랑켄탈러(Helen Frankenthaler) - 《십자가》(Cross, 1978), 캔버스에 아크릴

헬렌 프랑켄탈러(Helen Frankenthaler)는 미국 '추상 표현주의'(Abstract Expressionism)의 핵심 인물이다 1950년대 초에 그녀는 '소크 스테인'(Soak stain) 기술을 개발했다 커다란 도구를 사용하여 프랑켄탈러는 고도로 희석된 유채 물감을 준비되지 않은 캔버스 위에 뿌렸다 그녀는 바닥에 캔버스를 놓고 사방에서 추상화 작업을 할 수 있도록 했다 모리스 루이스(Morris Louis)와 케네스 놀랜드(Kenneth Noland) 같은 워싱턴 컬러 스쿨 화가들은 나중에 그들의 회화를 위해 이 기술을 채택했다 1978년에 프랑켄탈러는 그녀의 과정을 명확하게 보여주는 회화 《십자가》(Cross)를 제작했다 프랑켄탈러가 물감을 긁어내어 십자가 형태를 만드는 동안 액체 상태의 빨간색 주황색 흰색 아크릴이 캔버스 위에서 섞여 생성의 흔적을 눈에 띄게 만드는 추상적인 이미지를 남겼다

다라 번바움(Dara Birnbaum) - 《기술적 변형: 원더우먼》(Technology transformation: wonder woman, 1978), 단채널 비디오, 컬러, 오디오(스테레오), 베타캠 SP, 디지털화

1946년 미국 뉴욕 출생

5분 38초

리 본테쿠(Lee Bontecou) - 《무제》(Untitled, 1959-1960), 용접된 강철, 캔버스

1931년 미국 로드아일랜드주 프로비던스 출생, 2022년 미국 플로리다주 사망

리 본테쿠는 추상 표현주의 이후 미술을 시작한 미국 조각가 제1세대에 속한다 1959년에 브론즈와 석고로 된 구상 조각에 집중한 후 그녀는 강철 와이어 산업용 캔버스로 만든 벽 부조 형태를 개발하기 시작했다 리 본테쿠는 불규칙하고 구부러진 강철 보강재를 용접하여 구조물을 만들고 그 위에 패브릭을 늘려 어두운 배경을 노출시키는 폐쇄된 공간을 만들었다 항공 분야의 기술적 구조물에 대한 함축적 의미는 신체 개구부 동굴 둥근 빈 공간과 같은 유기적 형태의 연상과 결합된다 직사각형 평면에서 돌출된 부조 앞에 서면 일상적인 재료로 번안된 것처럼 보이며 실제 공간으로 확장되는 듯한 추상 표현주의 회화의 선과 공간적 요소가 떠오른다

이사 겐츠켄(Isa Genzken) - 《청-녹-황색 타원 '조마'》(Blau-grün-gelbes ellipsoid 'joma', 1981), 나무, 래커

1948년 독일 바트 올데슬로 출생

미니멀리즘 구조와 개념적 접근이 지배하던 오랜 기간이 지난 후 새로운 세대의 예술가들은 더욱 개인적인 표현 형식을 찾기 시작했고 재료의 구현을 다시금 주장했다 이사 겐츠켄의 조각이 탄생한 것은 1981년의 이러한 포스트 미니멀리즘 분위기 속에서였다 쉽게 이해할 수 있는 전체적인 형태 경제적인 재료 사용 공간으로 뻗어 나가는 형태는 1960년대와 1970년대 조각에 대한 아이디어를 이어간다 그녀는 당시 자주 사용되었던 절제된 격자 구조를 공간적 상황을 정의하고 관람객의 움직임을 결정하는 단일한 객체로 대체했다 정교하게 병치된 둥근 모양과 뾰족한 가장자리 그리고 그녀의 색상 사용은 클래식한 조각 작품의 가능성을 시험하고 조각을 눈을 위한 축제로 변모시킨다

모리스 루이스(Morris Louis) - 《감마 감마》(Gamma gamma, 1959-1960), 캔버스에 아크릴 수지(마그나)

1912년 미국 메릴랜드(Maryland)주 볼티모어 출생, 1962년 미국 워싱턴 D.C. 사망

존 맥크라켄(John McCracken) - 《파일럿》(Pilot, 1989), 폴리에스테르 수지, 유리섬유, 합판

1934년 미국 캘리포니아주 버클리 출생, 2011년 미국 뉴욕 사망

잭슨 폴록(Jackson Pollock) - 《번호 32, 1950》(Number 32, 1950, 1950), 캔버스에 에나멜 페인트(듀코)

1912년 미국 와이오밍주 코디 출생, 1956년 미국 뉴욕 사망

《번호 32, 1950》은 잭슨 폴록의 대형 벽화 같은 회화 중 하나로 그는 이 작품에서 자신의 회화적 방법인 '드리핑'(Dripping)을 기념비화했다 이 그림의 효과는 검은색 페인트와 밑칠을 하지 않은 지지체 사이의 대등한 상호작용에서 비롯된다 예술가는 바닥에 평평하게 놓인 캔버스 전체에 리듬감 있는 동작으로 유동적인 페인트를 도포했는데 이때 페인팅 스틱을 사용하거나 페인트를 붓고 뿌리고 떨어뜨리는 방식을 사용했다 폴록은 아마도 캔버스의 여러 중심에 페인트를 떨어뜨리는 것부터 시작했을 것이다 색의 고리들이 촘촘하게 얽힌 망이 그림의 표면 전체에 퍼져 있어 구성적 중심을 식별하는 것이 불가능하며 그림이 가장자리 너머로 계속 이어진다고 상상하기 쉽다 미국 추상 표현주의의 가장 급진적인 회화적 발명 중 하나를 대표하는 이 작품은 고전적인 구성을 거부한다

앤 트루잇(Anne Truitt) - 《기억된 바다》(Remembered sea, 1974), 나무에 아크릴

1921년 미국 메릴랜드주 볼티모어 출생, 2004년 미국 워싱턴 D.C. 사망

로이 리히텐슈타인(Roy Lichtenstein) - 《큰 그림 제6호》(Big painting no. 6, 1965), 캔버스에 유채 및 마그나

1923년 미국 뉴욕 출생, 1997년 미국 뉴욕 사망

이 작품은 직관적인 회화라는 아이디어와 추상 표현주의가 찬양하는 천재 예술가 숭배에 대한 아이러니한 팝아트적 논평이다 1940년대와 1950년대의 화가들이 붓의 움직임과 재료에 의존하여 회화적 요소를 발전시켰다면 1960년대에는 이러한 회화적 스타일의 표현력이 점점 더 세밀한 조사를 받게 되었다 1965-66년의 《붓자국》(Brushstroke) 시리즈에서 로이 리히텐슈타인은 검은색 윤곽선과 명확하게 정의된 선으로 고정된 역동적인 붓자국을 보여준다 회화적인 질감 대신 이 표현은 날카로운 가장자리 섞이지 않은 색상 매끄러운 페인트 도포 벤데이 점(Ben-Day dots)을 사용한 선들을 보여준다 이처럼 그림은 인쇄된 만화를 모방하는 동시에 역동적인 붓자국이 지나간 시대의 회화 스타일에 대한 상표처럼 작용하게 한다

카르멘 헤레라(Carmen Herrera) - 《약간의 청색 약간의 백색》(Some blue some white, 1992), 캔버스에 아크릴

카르멘 헤레라(Carmen Herrera) - 《알프스》(Alpes, 2015), 캔버스에 아크릴, 2부작

1915년 쿠바 하바나 출생, 2022년 미국 뉴욕 사망

카르멘 헤레라는 미국 기하학적 추상의 선구자이다 그녀의 색면 회화는 1929년과 1948-1953년 파리에 머무는 동안 발견한 유럽의 아방가르드와 밀접한 관련이 있다 1954년부터 예술가는 뉴욕에 거주하며 많은 유명한 미국 색면 화가들의 바로 옆집에서 살았다 그녀가 파리에서 본 예술의 인상을 처리한 후 그녀는 자신만의 독특한 근본적인 기하학 스타일을 발전시켰다 그녀의 형태와 구조는 표면을 강조하고 그림의 경계와 상호작용하며 그녀의 회화가 가진 객체와 같은 성격을 강화한다 작품 《알프스》(Alpes)는 측면에도 색이 칠해진 두 개의 캔버스로 구성되어 있다 두 부분은 네 개의 동일한 크기의 삼각형으로 구성된 동일한 회화적 전략을 따른다 삼각형의 배색은 규칙적인 회화 구조에 대한 우리의 인식과 놀라운 유희를 만들어낸다

조안 조나스(Joan Jonas) - 《왼쪽 쪽 오른쪽 쪽》(Left side right side, 1972), 단채널 비디오, 흑백, 오디오

1936년 미국 뉴욕 출생

8분 50초

로제마리 트로켈(Rosemarie Trockel) - 《원시적 장면 4》(Scène primitive 4, 2006), 울(녹색), 나무

로제마리 트로켈(Rosemarie Trockel) - 《반죽된 흑연》(Pasted graphite, 2006), 울(검정), 나무

1980년대 중반 로제마리 트로켈(Rosemarie Trockel)은 그녀의 니트 그림으로 국제 미술계에 상당한 파장을 일으켰다 작가의 재료 선택과 기법은 주로 문학과 일상적 맥락 내에서 여성의 노동과 연결되어 왔다 이러한 것들을 예술 작품 제작에 사용함으로써 작가는 남성 중심의 미술계에서 여성의 역할에 의문을 제기했다 트로켈의 초기 니트 그림들은 기계로 만들어졌다 《반죽된 흑연》(Pasted graphite)은 작가의 첫 번째 수작업 니트 그림 중 하나다 캔버스에 사용되는 스트레처 프레임이나 보호 프레임을 연상시키는 나무 판재들은 회화의 관행을 언급한다 정사각형 형식과 검은색 표면은 이 그림을 단색화 전통 안에 확고히 자리 잡게 한다 니트 표면의 미세한 불규칙성은 작가가 물감을 바르는 독특한 방식을 가진 것에 대한 아이러니한 논평처럼 보인다

2층

Kabinett

1933: 급변하는 결정적 사건들의 해

노르트라인-베스트팔렌 미술관은 2019년에 구입한 20점 이상의 파울 클레(Paul Klee) 드로잉을 처음으로 선보인다. 이 작품들은 1933년 뒤셀도르프에서 제작되었다.

그해에는 역사적 사건들이 쉴 새 없이 몰아쳤다. 1933년 1월 30일, 아돌프 히틀러가 국가 수상으로 임명되었다. 4월 21일, 클레는 뒤셀도르프 미술 아카데미의 교수직에서 즉시 정직당했다. 12월 24일, 클레는 뒤셀도르프를 떠나 스위스 베른으로 이주했다. 그의 아내 릴리 클레는 이미 나흘 전에 뒤셀도르프를 떠난 상태였고, 아들 펠릭스 클레는 독일에 남았다. 12월 31일, 클레는 뒤셀도르프 아카데미에서 공식적으로 해임되었다.

이 해 전반에 걸쳐 클레는 나치 혁명과 관련된 다양한 주제를 드로잉에 담아내며 자신의 경험을 투영했다. 일부 드로잉은 교육 및 동물 조련이라는 주제를 다루고 있으며, 다른 작품들은 더욱 노골적으로 처형 장면을 묘사하기도 한다. 이 작품들을 하나로 묶어주는 것은 펜과 잉크로 표현된 작업 방식과 클레 특유의 유난히 불안정한 선이다. 일상적인 모티프를 병치시킨 클레만의 독특한 스타일이 이 드로잉들에 깊은 정치적 차원을 부여하고 있다.

파울 클레(Paul Klee)

1879년 스위스 베른 근처 뮌헨부흐제 출생, 1940년 스위스 로카르노-무랄토 사망

종이에 연필 크레용 또는 잉크 카드보드에 접착제로 고정 카드보드 하단 테두리에 잉크 사용

〈꿈꾸는 여인〉(Eine Träumende / A woman dreaming, 1933)

〈다산 찬양〉(Lob der Fruchtbarkeit / Praise of fertility, 1933)

〈총격전〉(Schiesserei / Gunfight, 1933)

〈희귀 동물의 훈련〉(Dressur seltener Tiere / Training of rare animals, 1933)

〈에르빈의 방치된 형제〉(ERWINS verwahrloster Bruder / Erwin's scruffy brother, 1933)

〈액자용 머리〉(Kopf zum einrahmen / Head for framing, 1933)

〈서툰 드럼 연주자〉(Schlechter Trommler / Bad drummer, 1933)

〈가짜 유명인들〉(vermeintliche Grössen / Supposed celebrities, 1933)

〈처형될 예정〉(hinzurichten / To be executed, 1933)

〈가련한 사람들!〉(die Armen! / Poor things!, 1933)

〈벌써 뻣뻣해진!〉(schon steif! / Already stiff!, 1933)

〈각성〉(Erwachen / Awakening, 1933)

〈아직 꿈인가?〉(Ist es noch Traum? / Is it still a dream?, 1933)

〈십자가에서의 연습〉(Übungen am Kreuz / Practice at the cross, 1933)

〈변발을 한 남자〉(man mit Zopf / Man with plait, 1933)

파울 클레(Paul Klee)

1879년 스위스 베른 근처 뮌헨부흐제 출생, 1940년 스위스 로카르노-무랄토 사망

종이에 연필 크레용 또는 잉크 카드보드에 접착제로 고정 카드보드 하단 테두리에 잉크 사용

〈제10대 카를과 세례 요한〉(Karl der X-te und Johannes d. Täufer, 1933)

〈출연 번호 "엔텐바흐교"〉(Dressurnummer „Entenbachbrücke“, 1933)

〈노파〉(Alte Frau, 1933)

〈조련〉(Dressur, 1933)

〈영적인 것과 세속적인 것〉(Geistlich und weltlich, 1933)

〈등 누드〉(Rückenakt, 1933)

〈와인을 마시는 제자와 스승〉(Schüler und Meister beim Wein, 1933)

〈참회하는〉(büssend, 1933)

〈그것이 오는 것을 보다〉(sieht es kommen, 1933)

1933년 나치가 권력을 장악한 후, 현대 미술은 점점 더 거센 비판에 직면했다. 파울 클레(Paul Klee)의 작품 또한 공격의 대상이 되었다. 1937년 독일의 공공 미술 소장품에 대한 '정화 작업'이 시작되면서, 그의 작품 100점 이상이 압수되었고, 1937년 7월부터 시작된 악명 높은 《퇴폐 미술》(Entartete Kunst) 전시회에는 12점 이상의 작품이 전시되었다. 또한 빌 그로만(Will Grohmann)이 1934년에 출간하고 1935년에 압수당했던 저서 『파울 클레: 1921-1930년의 드로잉』(Paul Klee: Handzeichnungen 1921–1930)도 함께 전시되었다. 이 책의 작품 목록에는 현재 노르트라인-베스트팔렌 미술관이 소장하고 있는 16점의 종이 작품이 포함되어 있다.

정보없음

"일본을 떠나 미국으로 갔을 때, 나는 아무것도 가져가지 않았습니다. 그것은 단지 내 주변에 있는 것들이었습니다." — 사이토 다카코(Takako Saito), 2009년

빛과 공간의 새로운 발견

이 전시장에는 미술관 소장품 중 주요 사진 작품들이 전시되어 있다. 사진 작품은 1999년에 처음으로 미술관에 도입되었으며, 오늘날 소장품에는 국제적인 작가들의 작품 수백 점이 포함되어 있다.

베른트와 힐라 베허(Bernd und Hilla Becher)는 1969년부터 제작한 《익명의 조각》(Anonyme Skulpturen)이라는 흑백 사진들을 통해 산업 발전의 지나간 순간들을 기록한다. 폐쇄되거나 용도가 변경되어 사라진 장소들은 과거의 침묵하는 증언자로 등장한다. 안드레아스 거스키(Andreas Gursky)의 수정되지 않은 사진은 일본의 중성미자 검출기 '카미오칸데'의 내부를 보여준다. 칸디다 회퍼(Candida Höfer)는 어떠한 인위적인 개입도 거부하고 오로지 현존하는 빛만을 사용하여 문화적 공간의 독특한 아우라를 체감하게 한다. 마르타 보토(Martha Boto)는 1960년대 초반 키네틱 아트의 선구자로 평가받는다. 이곳에 소개된 사진작가들처럼 그녀도 빛을 매체로 탐구했으며, 자신의 아이디어를 구현하기 위해 인상적인 아날로그 빛 기계를 제작했다.