K20 3/5
독일 뒤셀도르프 K20
위치: 독일 뒤셀도르프
가격: 5€ (학생할인)
방문일자: 2026년 2월 3일
2층
13-19번 방
요셉 보이스, 샬로트 포제넨스케
1968년 운동의 맥락에서 요셉 보이스(Joseph Beuys)와 샬로트 포제넨스케(Charlotte Posenenske)는 서로 다른 방식으로 예술의 사회적 기능에 대한 질문을 던졌다.
뒤셀도르프에서 활동한 액션 아티스트 보이스(Beuys)는 '사회적 조각'(Social Sculpture)으로 알려진 예술의 확장된 개념을 발전시켰다. 그는 창조적인 행동이 더 나은 사회에 기여할 수 있다고 믿었으며, 자신의 작업을 통해 이러한 잠재력에 대한 인식을 높이고자 했다.
프랑크푸르트 암 마인에서 포제넨스케(Posenenske)는 단순하고 산업적으로 복제 가능하며 재배열할 수 있는 작품을 만들었다. 그녀의 민주적인 예술 접근 방식은 모든 사람이 사물을 수정하고 공간을 변경하도록 초대했다. 그녀는 예술적 실천에 환멸을 느끼고 1968년에 예술 활동을 중단한 후 사회학을 공부하고 사회 복지 사업에 전념했다.
그들의 뚜렷한 참여적 접근 방식을 통해 보이스(Beuys)와 포제넨스케(Posenenske)는 우리가 예술에 대해 생각하는 방식을 영원히 바꾸어 놓았다.
샬로트 포제넨스케(Charlotte Posenenske) - 《사각 파이프 시리즈 D》(Series D Square Tubes (Vierkantrohre Serie D Quadratrohr), 1967-2021), 용융 아연 도금 강판, 나사
1930년 비스바덴, 독일 - 1985년 프랑크푸르트 암 마인, 독일
환기구를 닮은 《시리즈 D》(Series D)는 다양한 방식으로 결합할 수 있는 6개의 아연 도금 강판 모듈로 구성된다. 샬로트 포제넨스케(Charlotte Posenenske)는 자신의 작품 '소비자'들을 초대하여 각자의 취향에 따라 서로 다른 부품을 조립하게 함으로써 그들이 공동 저자로서 행동하게 한다. "나는 이러한 변화를 소비자에게 맡기며, 소비자는 생산 과정에 지속적으로 포함된다." (1968) 포제넨스케(Posenenske)는 자신의 예술적 실천을 협력적인 작업 과정으로 의식적으로 전환함으로써 자신의 예술이 가진 해방적이고 민주적인 잠재력을 강조했다.
요셉 보이스(Joseph Beuys) - 《팔라초 레갈레》(Royal Palace (Palazzo Regale), 1985), 오브제가 비치된 두 개의 황동 및 유리 진열대, 광택제를 바르고 금가루를 입힌 일곱 개의 황동판
1921년 크레펠트, 독일 - 1986년 뒤셀도르프, 독일
요셉 보이스(Joseph Beuys)는 1985년 나폴리에서 자신의 마지막 주요 설치 작품인 《팔라초 레갈레》(Palazzo Regale)를 제작했다. 이 빛나는 금빛 '왕궁' 안에서 모든 것은 엄숙하고 품격 있는 것으로 변모한 듯 보인다. 벽에 걸린 불투명한 거울처럼 작동하는 황동판으로 둘러싸인 이 작품에는 작가의 퍼포먼스 또는 '액션'에서 나온 오브제와 여러 유물들이 담긴 두 개의 진열대가 있다. 첫 번째 진열대에는 작가 베아트릭스 자센(Beatrix Sassen)의 조각된 머리 캐스트와 보이스(Beuys)가 1969년 자신의 액션 《티투스/이피게니》(Titus/Iphigenie)에서 입었던 스라소니 털 코트가 결합되어 '신체'가 암시되어 있다. 이 머리(자센의 조각을 바탕으로 함)는 가끔 프랑스 혁명의 가치관을 위해 싸웠던 하라인 지역의 남작을 상기시키는 역할을 했다. 보이스(Beuys)는 또한 1971년 뒤셀도르프 예술 아카데미의 엄격한 입학 정책에 대한 자신의 승리를 알리기 위해 소라 껍질을 불기도 했다. 두 번째 진열대에는 보이스(Beuys)가 1978년 고인이 된 예술가 조지 마키우나스(George Maciunas)를 기리는 퍼포먼스에서 메고 있던 배낭이 있다. 구리, 펠트 및 기타 재료로 만들어진 구조물과 오브제는 에너지의 흐름과 저장을 연상시키며, 미라화된 음식 조각들은 부장품과 닮아 있다. 그것들은 또한 우리가 죽음으로 건너갈 때의 하이킹 식량과 힌트를 연상시킨다. 작가는 이미 많이 아픈 상태에서 자신에게 중요했던 사물들을 통해 자신의 존재를 소환하는 방법으로 마치 무덤 방처럼 보이는 이 공간을 만들었다.
샬로트 포제넨스케(Charlotte Posenenske) - 《대각선 접기 (왼쪽)》(Diagonal Folds (left) (Diagonale Faltung (links)), 1966), 알루미늄 판 위에 회색 스프레이 페인트(유산 관리국의 인증서가 있는 승인된 재구성)
1930년 비스바덴, 독일 - 1985년 프랑크푸르트 암 마인, 독일
《조각적 그림》(Sculptural Pictures)은 3차원적이라는 점에서 샬로트 포제넨스케(Charlotte Posenenske)의 발전 과정에서 전환점이 된다. 그녀는 첫 번째 부조를 위해 두꺼운 종이를 접어 주름이 벽에서 방 안으로 솟아오르게 했다. 초기 《분사된 그림》(Sprayed Pictures)에서와 마찬가지로 그녀는 스프레이 건으로 색상 그라데이션을 적용하기도 했다. 그녀는 곧 판금으로 접고, 불룩하게 만들고, 계단 모양을 만들기 시작했다. 이것들은 그녀의 나중 작품인 《시리즈 A》(Series A), 《B》(B), 《C》(C)의 발판이 되었다. 1966년에 포제넨스케(Posenenske)는 이러한 부조들이 "자동차 차체 부품, 광고판, 경고 표지판과 같이 유사한 기술을 사용하여 제작된 우리 기술 환경의 사물들과 닮았다"고 말했다.
요셉 보이스(Joseph Beuys) - 《20세기의 끝》(The End of the 20th Century (Das Ende des 20. Jahrhunderts), 1983), 원뿔형으로 깎인 5개의 현무암, 노란색 왁스 크레용으로 표시된 숫자와 십자가, 펠트, 점토
1921년 크레펠트, 독일 - 1986년 뒤셀도르프, 독일
요셉 보이스(Joseph Beuys)는 1982년 카셀 도큐멘타를 위해 《7000그루의 참나무》(7000 Eichen (7000 Oaks))라는 작품을 제작했는데, 이 작품에서 그는 전시장 앞에 7000개의 현무암 덩어리를 쌓아 올렸다. 이것들은 새로 심은 참나무와 함께 배치될 예정이었다. 그러나 1983년에 보이스(Beuys)는 이 현무암 덩어리 중 65개를 뒤셀도르프로 가져와 연상적인 설치 작품을 만드는 데 사용했다. 작품 《20세기의 끝》(Das Ende des 20. Jahrhunderts (The End of the 20th Century))을 구성하는 5개의 현무암 덩어리는 처리되지 않은 상태다. 각 암석에서 원뿔 모양의 조각 하나만 깎아내어 펠트와 점토로 감싼 후 다시 제자리에 넣었다. 물체가 형성되고 손상된 방식은 자연에서의 인간의 개입을 가시화한다. 상처는 이 치유 과정에 의해 진정되지만 되돌려지지는 않는다. 방에 흩어져 있는 이 암석들은 자연에 대한 우리의 대우를 상기시키는 기념비로서 작용하는 침울한 이미지를 형성한다.
샬로트 포제넨스케(Charlotte Posenenske) - 《시리즈 B 부조》(Series B Relief (Serie B Relief), 1967-2021), 판금, 오목하게 굽은 곡면, 무광 RAL 블루 스프레이
1930년 비스바덴, 독일 - 1985년 프랑크푸르트 암 마인, 독일
유일한 작품인 《조각적 그림》(Sculptural Pictures)과 달리, 《시리즈 A》(Series A), 《시리즈 B》(Series B), 《시리즈 C》(Series C)의 한정판 부조는 예술 작품에 대한 우리의 지배적인 기대를 좌절시킨다. 표준화된 RAL 색상과 검정색으로 칠해진 그들의 요소들은 기계로 제작되며 물결, 계단 또는 접힘의 무한히 확장 가능한 패턴으로 배열될 수 있다. 그것들은 나사와 장착 장치가 보이도록 의식적으로 설계되었다. 무제한의 복제 가능성과 유쾌한 결합의 원칙을 통해 샬로트 포제넨스케(Charlotte Posenenske)는 유일하고 변하지 않는 예술 작품이라는 아이디어를 거부할 뿐만 아니라, 그녀의 예술이 미술 시장의 경제적 이해관계를 우회하도록 한다.
예술의 정치적 힘은 무엇인가?
1960년경 세계는 심오한 변화를 겪었다. 콩고는 1960년에 독립을 선언했고, 1961년에는 베를린 장벽 건설이 시작되었으며, 1963년에는 마틴 루터 킹 주니어(Martin Luther King Jr.)가 유명한 "나에게는 꿈이 있습니다"(I Have a Dream) 연설을 했고, 1969년에는 아폴로 11호 프로그램이 처음으로 인간을 달에 착륙시켰다.
예술은 이러한 사회적 변화를 반영했다. 예술은 전쟁, 자본주의, 대중 매체의 영향과 같은 문제를 다루는 수정과 비판의 수단이 되었다. 이러한 변화에도 불구하고 예술은 명확한 메시지나 진실을 전달하기를 거부함으로써 수수께끼 같은 성격을 유지했다. 대신 예술은 성찰을 유도하고 이러한 변화가 사회에 미치는 영향에 의문을 제기하고자 했다.
여성 해방 운동의 부상과 함께 앨리스 닐(Alice Neel)의 작업은 더 큰 주목을 받았다. 뉴욕에서 가난하게 살았음에도 불구하고 그녀는 자신의 경험을 일상의 가혹한 현실을 묘사하는 그림으로 승화시켰다. 독특한 여성의 시선으로 닐(Neel)은 특히 여성을 묘사하는 데 집중했다. 1970년대에 그녀는 페미니스트의 아이콘이자 유명한 예술가가 되었다.
앨리스 닐(Alice Neel) - 《위대한 사회》(The Great Society, 1965), 캔버스에 유채
1900년 메리언 스퀘어, 펜실베이니아, 미국 - 1984년 뉴욕, 미국
앨리스 닐(Alice Neel)은 미국 사실주의의 핵심적인 대표자다. 그녀는 주로 초상화 작업을 했다. 《위대한 사회》(The Great Society)는 그녀의 작품 중 드문 익명의 다인물 회화 중 하나다. 닐(Neel)은 어퍼 웨스트 사이드에 있는 그녀의 집에서 멀지 않은 브로드웨이의 저가 카페인 스탠리스 카페테리아(Stanley's Cafeteria)에서 커피 한 잔을 앞에 두고 있는 낙담한 노인 집단을 묘사한다. 사회에 대해 언급하자면, 제목은 빈곤과 싸우는 60년대 미국 정부의 개혁 프로그램을 의미한다. 공공장소에서의 사적인 장면은 어떠한 정치적 개혁 노력도 영향을 미칠 수 없는 사회에 형성되는 황량한 상태를 보여준다. 《위대한 사회》(The Great Society)는 닐(Neel)이 특정 사회 정치적 시대정신에 대한 자신의 주관적인 견해를 시각화한 탁월한 그림이다.
로버트 라우센버그(Robert Rauschenberg) - 《인용》(Quote, 1964), 캔버스에 유채와 실크스크린 잉크
1925년 포트아서, 텍사스, 미국 - 2008년 캡티바 아일랜드, 플로리다, 미국
온 카와라(On Kawara) - 《1996년 11월 3일, 〈오늘〉 연작(1966-2013) 중》(NOV.3,1996 from the Today Series (1966-2013), 1996), 캔버스에 아크릴(그날의 신문 스크랩이 포함된 판지 상자 포함)
1932년 카리야, 아이치현, 일본 - 2014년 뉴욕, 미국
온 카와라(On Kawara) - 《1997년 3월 25일, 〈오늘〉 연작(1966-2013) 중》(MAR.25,1997 from the Today Series (1966-2013), 1997), 캔버스에 아크릴(그날의 신문 스크랩이 포함된 판지 상자 포함)
앤디 워홀(Andy Warhol) - 《크게 찢어진 캠벨 수프 캔(검은콩)》(Big Torn Campbell's Soup Can (Black Bean), 1962), 캔버스에 아크릴
1928년 피츠버그, 펜실베이니아, 미국 - 1987년 뉴욕, 미국
제니 홀저(Jenny Holzer) - 《큰 오른손》(Large Right Hand, 2007), 리넨에 유채
1950년 갤리폴리스, 오하이오, 미국
2000년대 초반 미국이 주도한 이라크와 아프가니스탄 군사 작전 이후, 제니 홀저(Jenny Holzer)는 정보공개법(Freedom of Information Act)에 따라 NSA, CIA, FBI와 같은 기관이 대중에게 공개한 수천 건의 정부 문서를 조사했다. 이 문서들은 전쟁에 앞서 이루어진 심의, 국가가 승인한 고문에 대한 정당성, 고문당한 이들에게 가해진 폭력 등을 상세히 담고 있다. 이 페이지들을 실크스크린으로 캔버스에 옮기고 금속 박을 덧입히는 제작 방식은 역사를 기록한 회화와 같은 느낌을 주며, 너무 쉽게 잊히거나 억압될 수 있는 사건들에 영속성을 부여한다. 이러한 제작 방식은 프로세스 아트와 미니멀리즘 예술가들의 작업을 떠올리게 하는 한편, 앤디 워홀(Andy Warhol)의 무심한 실크스크린 주제들을 상기시킨다. 동시에 이 문서들은 생생하고 휘발적이며 활동적인 느낌을 준다. 그것들은 과거의 사건들을 안전하게 안착시키지 않은 채 그 자체로 증언하며, 그들이 기록하고 폭로하는 역사는 현재 진행형이다.
콘라트 클라페크(Konrad Klapheck) - 《잊혀진 영웅들》(Vergessene Helden, 1965), 캔버스에 유채
1935년 뒤셀도르프, 독일 - 2023년 뒤셀도르프, 독일
콘라트 클라페크(Konrad Klapheck)의 회화 《잊혀진 영웅들》(Vergessene Helden)은 비록 당시 그가 화가로서의 경력을 끝낼 의도가 전혀 없었음에도 불구하고 그의 이른바 '마지막' 작품들 중 하나에 속한다. 1965년에 제작된 이 작품은 삶의 덧없음을 상기시키는 주제인 '메멘토 모리'(Memento Mori) 연작의 일부다. 이 작은 그림에서 클라페크는 열려 있는 자전거 벨을 통해 종종 묘사되는 단순화된 다섯 개의 자전거 벨이 끝도 없이 이어진 듯한 벽면의 옴폭한 공간(niches) 안에서 흉상 같은 형태 위에 놓여 있는 모습을 보여준다. 《잊혀진 영웅들》(Vergessene Helden)이라는 제목과 차가운 색조는 묘지나 납골당을 연상시킨다. 클라페크의 작업에서 자전거 벨은 상징적으로 구조화된 공동체의 일부로서의 사람들을 나타내며, 인간의 삶을 개성과 질서의 혼합으로 이해하는 그의 관점을 반영한다.
피에트 몬드리안, 리지아 파페, 카르멘 헤레라
세 예술가는 세계의 서로 다른 장소에서 살았다. 그럼에도 불구하고 단순한 형태와 절제된 색채에 대한 열정이 이들을 결속시켰다. 이들은 예리한 분석과 길들여지지 않은 급진성으로 '구체 예술'(Konkrete Kunst)에서 '신구체 예술'(Neo-Konkrete Kunst)로 이어지는 흐름에 영향을 주었다. 이들의 예술적 접근 방식에서 공통점과 차이점은 무엇인가?
피에트 몬드리안(Piet Mondrian)은 네덜란드에서 태어난 이미지 분석가였다. 1920년대부터 그는 엄격하게 격자화된 선, 빨강·노랑·파랑의 세 가지 원색, 그리고 흰색과 검은색으로만 화면을 구성했다.
리지아 파페(Lygia Pape)는 브라질에 거주하며 관객을 능동적으로 참여시킴으로써 몬드리안의 아이디어를 확장했다. 그녀는 1950년대 말부터 시각, 감정, 촉각, 미각을 예술 작품 탄생의 중요한 순간으로 선언했다.
카르멘 헤레라(Carmen Herrera) 역시 자신의 작업을 가능한 한 단순하게 유지했다. 1960년대부터 그녀는 《구조》(Estructuras)를 통해 두 삼각형 형태 사이의 빈 공간을 탐구했다. 이처럼 쿠바에서 건축을 공부한 건축가는 구체 예술에 공간적인 고찰을 접목했다.
리지아 파페(Lygia Pape) - 《회화》(Pintura, 1953), 캔버스에 유채
1927년 노바 프리부르구, 리우데자네이루, 브라질 - 2004년 리우데자네이루, 브라질
리지아 파페(Lygia Pape)는 20세기 후반 브라질 예술의 핵심 인물이었다. 그녀는 '구루푸 프렌치'(Grupo Frente) 콜렉티브(1954-56)에서 활동했으며, 이후 '신구체 운동'(Neoconcretismo 1959-1961)의 창립 멤버가 되었다. 《회화》(Pintura)는 작가의 초기 예술적 시작을 알리는 단 네 점의 유화 중 하나로, 그녀는 여기서 추상적인 시각 언어를 개발하고 색채를 시각적, 감각적 표현 수단으로 사용했다. 제툴리우 바르가스(Getúlio Vargas)의 독재(1937-45)와 군사 독재(1964-85)라는 두 번의 독재 기간 사이, 그리고 문화적, 경제적 현대화 단계에서 파페는 기하학적 추상에 대한 독자적인 이해를 발전시켰으며, 이는 구체 구성주의 예술의 급진적인 재개념화로 이어졌다. 이 작품이 제작된 해에 상파울루 비엔날레(2nd Biennial in Sao Paulo)에 전시되었다.
피에트 몬드리안(Piet Mondrian) - 《직선들로 이루어진 리듬》(Rhythmus aus geraden Linien, 1937/1942), 캔버스에 유채
1872년 아메르스포르트, 네덜란드 - 1944년 뉴욕, 미국
카르멘 헤레라(Carmen Herrera) - 《붉은 구조》(Estructura Roja, 1966/2012), 합판에 자동차용 도료
1915년 아바나, 쿠바 - 2022년 뉴욕, 미국
피에트 몬드리안(Piet Mondrian) - 《뉴욕 시티 I》(New York City I, 1941), 캔버스에 유채와 종이
1872년 아메르스포르트, 네덜란드 - 1944년 뉴욕, 미국
《뉴욕 시티》(New York City) 연작에서 피에트 몬드리안(Piet Mondrian)은 초기 작업의 엄격한 구성을 유색 스트라이프의 활기찬 리듬으로 대체했다. 작가는 1938년 정치적 상황과 자유 예술에 대한 박해로 인해 파리를 떠나 런던을 거쳐 1940년 뉴욕으로 이주했다. 이미 몇 년 전인 1932년에 화가는 형태의 경계선으로서 검은 선을 사용하는 인식에 반대하는 작업을 시작했었다. 따라서 그는 선을 이중으로 만들고 그것들을 유색 스트라이프(색 띠)로 변환함으로써 선에 더 많은 독립성을 부여했다. 그의 뉴욕 작업에서 몬드리안은 화면 전체를 덮는 자율적이고 구성적인 리듬을 만들어냈으며, 이를 통해 형상과 배경 사이의 관계를 해체했다.
리지아 파페(Lygia Pape) - 《창조의 서》(Livro da criação, 1959/60/2022), 판지(전시용 복제품)
1927년 노바 프리부르구, 리우데자네이루, 브라질 - 2004년 리우데자네이루, 브라질
자유를 향한 탐색과 갈망
1950년경, 회화는 개인적인 예술적 실험으로 진화했다. 예술가들은 획기적인 몸짓의 추상화와 전신을 활용한 작업을 통해 재현 가능한 영역을 관통했다. 그들의 비구상적 이미지는 회화를 모든 제약에서 해방하고 상처를 드러냈으며, 예술의 새로운 자유에 대한 비전을 상징했다.
마리아 헬레나 비에이라 다 실바(Maria Helena Vieira da Silva)는 선과 획의 미로 속에서 파리 대도시의 속도감을 포착하려 했다. 헬렌 프랑켄탈러(Helen Frankenthaler)는 자신의 뉴욕 작업실에서 회화 과정의 흔적을 캔버스 위에 그대로 남겨두었다. 한국 전쟁(1950-1953)을 겪은 박서보(Park Seo-Bo)는 자신의 《묘법》(Écriture) 연작을 발전시켜 아직 마르지 않은 물감 위에 눈에 보이는 흔적들을 새겨넣었다.
유럽과 미국에서 이 시대의 이미지들은 제2차 세계 대전의 개인적, 집단적 경험을 처리하는 데 기여했다. 또한 이들은 급변하는 1950년대 세계에서 개인의 역할에 대한 질문을 던졌다.
박서보(Park Seo-Bo) - 《묘법 No. 11-77》(Écriture No. 11-77, 1977), 캔버스에 연필과 유채
1931년 예천군, 경상북도, 한국 - 2023년 서울, 한국
박서보(Park Seo-Bo)는 한국의 단색 회화 운동인 '단색화'(Dansaekhwa)의 가장 중요한 대표자 중 한 명이다. 1970년대에 이 그룹은 아시아 철학 및 서예의 전통을 검토함으로써 유럽과 북미의 추상 회화에 대응했다. 박서보는 자신의 추상 회화를 '묘법'(Écriture, 프랑스어로 '쓰기' 또는 '서체'를 의미)이라고 부르는데, 여기서 그는 아직 마르지 않은 유연한 물감 층에 연필로 반복적이고 약간 원을 그리는 듯한 움직임을 사용하여 그림을 그린다. 선과 기호가 교차하고 그 위에 다시 칠해진다. 그의 회화는 고도로 집중된 작업 과정을 드러내며, 작가의 말처럼 '정신적 수양을 위한 도구'(tool for spiritual development)다.
헬렌 프랑켄탈러(Helen Frankenthaler) - 《시게이트》(Seagate, 1976), 캔버스에 아크릴
1928년 뉴욕, 미국 - 2011년 대리언, 커네티컷, 미국
알베르토 자코메티(Alberto Giacometti) - 《서 있는 누드》(Nu debout (Standing Nude), 1958), 캔버스에 유채
1901년 보르고노보 임 베르겔(그라우뷘덴주), 스위스 - 1966년 쿠어, 스위스
알베르토 자코메티(Alberto Giacometti) - 《앉아 있는 아네트》(Annette assise (Annette, Seated), 1957), 캔버스에 유채
이 회화에서는 회색 선으로 윤곽을 잡은 의자에 앉아 있는 여성의 누드 형상을 식별할 수 있다. 모델은 1949년 자코메티(Alberto Giacometti)와 결혼한 아네트 암(Annette Arm)이었다. 이 작품에서 그녀의 몸은 무게감이 없고 실체가 없는 것처럼 보인다. 수많은 붓질은 예술가의 점진적인 접근 방식이나 형상의 과정적 출현, 혹은 두 가지 모두를 나타낸다. 형상은 통일된 공간적 인상이 부족한 회색의 연속체에 싸여 있다. 대신, 각각의 모티프에 의해 공간이 생성되고 추상적이고 실존적인 의미의 주제가 된다. 검은 선으로 스케치된 매달린 프레임은 우리의 시선을 형상으로 유도하여 평면의 무한함 속에 보호 구역을 만드는 동시에 고전적인 회화 모티프의 역할도 한다. 회색은 후광이나 '아우라'(Aura)처럼 몸을 감싸고 있다.
마리아 헬레나 비에이라 다 실바(Maria Helena Vieira da Silva) - 《지상철》(Le métro aérien (The Overhead Railway), 1955), 캔버스에 유채
1908년 리스본, 포르투갈 - 1992년 파리, 프랑스
이 작품은 '노르트라인-베스트팔렌 주립 미술관'(Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen)의 초대 관장인 베르너 슈말렌바흐(Werner Schmalenbach)가 구입한 첫 번째 회화다. 마리아 헬레나 비에이라 다 실바(Maria Helena Vieira da Silva)는 1950년대와 1960년대 프랑스 전후 추상 회화의 가장 저명한 여성 대표자로 간주되었다. 그녀는 자신의 그림에서 구상적인 것과 비구상적인 것, '몸짓 추상'(Gestural painting)을 결합하고자 노력했다. 물감을 칠할 때의 역동적인 선과 불규칙성은 페인팅 과정을 가시화한다. 선들은 일종의 그물망을 형성하고 서로 다른 소실점을 통해 투시도적 공간의 인상을 만들어내며, 도시 풍경을 연상시키는 운동선과 궤도, 현대적 교통수단을 암시한다. 이러한 풍경은 북적이는 철도역과 지하철역을 닮아 비에이라 다 실바(Maria Helena Vieira da Silva)를 그녀가 스스로 부르기를 좋아했던 "도시 여인"으로 만들었다.
루치오 폰타나(Lucio Fontana) - 《공간 개념, 49 B 3》(Concetto spaziale, 49 B 3 (Spatial Concept, 49 B 3), 1949), 캔버스 위 종이, 구멍
1899년 로사리오 데 산타페, 아르헨티나 - 1968년 코마비오(바레세), 이탈리아
이브 클랭(Yves Klein) - 《모노골드, MG 11》(Monogold, MG 11, 1961), 나무 위 금박
1928년 니스, 프랑스 - 1962년 파리, 프랑스
프란츠 클라인(Franz Kline) - 《무제》(Ohne Titel (Untitled), 1957), 캔버스에 유채
1910년 윌크스배리, 펜실베이니아, 미국 - 1962년 뉴욕, 미국
오직 경이로운 것만이 아름답다(Nur das Wunderbare ist schön)
1924년 작가 앙드레 브르통(André Breton)은 파리에서 자신의 첫 번째 『초현실주의 선언』(Manifeste du Surréalisme)을 집필했다. 이 획기적인 에세이에서 그는 꿈의 세계와 현실 사이의 경계가 허물어져 관습적인 현실 너머의 통합된 상태로 합쳐지는 미래를 구상했다.
'초현실주의'(Surrealism)의 아이디어는 신비로운 형상, 유동적인 형태, 끝없이 펼쳐진 풍경 속에서 예술적 표현을 찾았다. 1928년 파리의 원래 그룹은 해체되었지만, '초현실주의'(Surrealism)의 본질은 세계적인 운동으로 진화했다.
1938년 카이로의 '아르 에 리베르테'(Art et Liberté (Art & Freedom)) 그룹은 초현실주의 운동에 동참했다. 그들은 자신들의 선언문인 『퇴폐 미술 만세』(Long Live "Degenerate Art")에서 나치와 파시스트 정권의 현대 미술 탄압과 파괴를 규탄했다. 프랑스에서 기원한 '초현실주의'(Surrealism)는 이집트와 그 너머로 영향력을 확장하며 예술적 표현과 정치적 요구를 엮어냈다.
푸아드 카멜(Fouad Kamel) - 《무제》(Untitled, 1940년경), 카드보드 위 종이에 유채와 파스텔
1919년 베니수에프, 이집트 - 1973년 카이로, 이집트
화가이자 시인, 삽화가인 푸아드 카멜(Fouad Kamel)은 그룹 '아르 에 리베르테'(Art et Liberté)의 창립 멤버 중 한 명이었다. 1938년 카이로에서 남녀 언론인, 예술가, 작가, 법조인들이 결합했다. 그들은 전체주의 정권에 의해 박해받고 망명을 강요당한 유럽의 모든 예술가들의 편에 섰다. 1940년 카멜(Fouad Kamel)은 절망적인 상황에서의 고통과 생존을 위한 은유로 이 여성상을 그렸다. 화면의 가장자리에 의한 신체의 압박과 대조적인 청색 및 적색 톤은 신체적 긴장과 정신적 스트레스를 시각화한다. 구와 식물에 대한 형상의 관계만이 변화, 성장, 생명을 신호한다.
르네 마그리트(René Magritte) - 《빈 가면》(Le masque vide (The Empty Mask), 1928), 캔버스에 유채
1898년 레신, 에노, 벨기에 - 1967년 브뤼셀, 벨기에
이미지 대신 '하늘'(Ciel)을 뜻하는 "ciel", '인체(혹은 숲)'(Corps humain (ou forêt))를 뜻하는 "corps humain (ou forêt)", '커튼'(Rideau)을 뜻하는 "rideau", '건물 정면'(Façade de maison)을 뜻하는 "façade de maison"이라는 프랑스어 단어들이 보인다. 르네 마그리트(René Magritte)는 패널화가 표면 위의 사물을 충실히 재현해야 한다는 기대에 도전한다. 그는 말이나 그림이 이미지로서의 세계에 대해 동일한 정보를 제공할 수 있는지에 대한 의문을 제기한다. 말이나 그림 모두 실제나 그에 대한 우리의 생각에 대해 결정적인 것을 말해줄 수 없는 것처럼 보인다. 우리가 보는 것은 구경꾼과 사물 사이에 끼어들어 질문을 던지는 형판일 뿐이다. 《빈 가면》(Le masque vide)에서 마그리트(René Magritte)는 기호학 및 예술 이론적 질문을 실험하면서, 이미지가 그 자체의 기호들로 이루어진 독자적인 질서 체계라는 자신의 확신을 표현하기 위해 회화적 요소를 사용했다.
비브케 지암(Wiebke Siem) - 《무제》(Ohne Titel (Untitled), 2007), 발포 플라스틱, 정장 옷감
1954년 킬, 독일
하산 엘 텔미사니(Hassan El-Telmisani) - 《무제》(Untitled, 1946), 캔버스에 유채(양면)
1923년 카이로, 이집트 - 1987년 카이로, 이집트
제2차 세계 대전의 사건들에 대한 반응으로 하산 엘 텔미사니는 꿈과 사고의 세계를 묘사하는 데 전념했다. 그의 작품은 이집트에서의 전쟁의 영향을 반영한다. 1940년대에 이집트 북서부는 독일군과 이탈리아군의 전장이 되었다. 영국군은 1946년까지 이집트에 머물렀다. 양면으로 칠해진 캔버스 위에 엘 텔미사니는 척박하고 황량한 풍경 속에 파편화된 신체들을 묘사한다. 그림의 경계선이 신체의 윤곽과 교차한다. 인물들은 거대하고 수의에 싸여 있으며 고독하다. 그림의 한쪽 면에서 얼굴은 거의 읽을 수 없는 시계로 대체되어 있는데, 이는 시간의 자비에 맡겨진 존재를 상징한다.
마요(앙투안 말리아라키스)(Mayo (Antoine Malliarakis)) - 《지팡이질》(Coups de bâtons, 1937), 캔버스에 유채
1905년 포트사이드, 이집트 - 1990년 센포르, 프랑스
마요는 1905년 이집트에서 태어났다. 1920년대부터 그는 주로 파리에서 살았다. 카이로에서 그는 1933년, 1937년, 그리고 1938년부터 1941년까지 머물렀다. 이곳에서 그는 초현실주의 예술의 원칙을 발전시키고 민족주의와 식민주의에 반대하여 싸운 예술가 그룹 '예술과 자유'(Art et Liberté)와 함께 전시를 했다. 이 회화에서 다수의 초현실주의 인물들이 싸움을 벌이고 있다. 그들의 신체는 화면 전체에 격자 같은 것을 형성하는 대립하는 대각선들로 이루어진 구성 안에 삽입되어, 정원 식당의 전원적인 풍경이 더 이상 도달할 수 없는 곳처럼 보이게 한다. 마요는 여기서 카이로의 시위 현장에서 본 관찰 내용을 처리했다. 식당 손님들과 침입자들을 더 이상 구별할 수 없다는 사실은 당시 이집트의 정치적 상황을 반영한다.
이브 탕기(Yves Tanguy) - 《부재한 여인》(Dame à l'absence, 1942), 캔버스에 유채
1900년 파리, 프랑스 - 1955년 우드버리, 코네티컷, 미국
초현실주의의 유명한 화가들과 작가들의 주변에서 이브 탕기는 1920년대 파리에서 자신만의 독특한 이미지 세계를 발전시켰다. 고전적인 회화 방식과 색조 변화를 통해 그는 광활한 풍경의 공간을 열어준다. 정의하기 어려운 형태, 증식물, 뼈와 같은 요소들, 바위와 탑 모양의 형태들이 특징 없는 평면을 차지하고 깊은 곳까지 층층이 쌓여 있다. 1942년의 이 그림의 전경에는 수수께끼 같은 형상이 서 있다. 그 윤곽은 돌에서 형성되거나 껍질을 벗어던진 여성의 형상을 연상시킨다. 모든 형태는 명확한 식별을 거부한다. 그것들은 전이, 생성, 변화 또는 소멸의 과정에 있는 것처럼 보이며, 모든 과정은 화석화라는 관념과 연결되어 있는 듯하다.
리하르트 욀체(Richard Oelze) - 《매일의 고난》(Tägliche Drangsale, 1934), 캔버스에 유채
1900년 마그데부르크, 독일 - 1980년 하멜른 근처 포스테홀츠, 독일
이브 탕기(Yves Tanguy) - 《어두운 정원》(Le jardin sombre, 1928), 캔버스에 유채
1900년 파리, 프랑스 - 1955년 우드버리, 코네티컷, 미국
루이스 부르주아(Louise Bourgeois) - 《바록》(Baroque, 1970), 대리석, 원목 받침대
1911년 파리, 프랑스 - 2010년 뉴욕, 미국
1967년부터 루이스 부르주아는 뉴욕에서 이탈리아의 피에트라산타를 정기적으로 여행했다. 도시 근처에서는 화이트 카라라 대리석이 채굴되는데, 이는 이미 유명한 바로크 조각가 잔 로렌초 베르니니를 매료시켰던 것이다. 부르주아는 현지 작업장들을 방문하여 청동 주조소와 대리석 채석장에서 작업했다. 그렇게 해서 부르주아는 천연의 저항력이 강한 재료인 대리석에 집중하기 시작했다. 그전까지 그녀는 주로 나무, 석고, 라텍스 또는 청동으로 작업했다. 《바록》은 17세기 바로크 조각에 대한 오마주다. 부드럽고 유기적인 형태들이 서로 엉켜 복잡한 곡선과 나선형의 단위를 형성한다. 이 조각은 커다란 상징적 표현력을 지니며 가족, 모성, 사랑, 증오와 같이 부르주아의 작품에서 반복되는 모티프를 참조한다. 대리석 블록의 표면은 거칠게 깎여 있다. 패턴처럼 수천 개의 끌 자국이 조각의 몸체 전체에 퍼져 있다.
세상이 조각날 때
1908년 파리에서 입체주의가 탄생했다. 창시자는 예술가 조르주 브라크와 파블로 피카소였다. 그런데 입체주의란 사실 무엇을 의미할까? 이 용어는 기하학에서 유래했으며 '입방체'(Kubus)라는 단어에서 따온 것이다.
입체주의는 사물을 묘사하는 방식에 혁명을 일으켰다. 브라크와 피카소는 각진 모서리와 파편화된 형태로 풍경, 정물, 초상화를 그렸다. 그들은 이러한 수단을 사용하여 사물을 모든 방향으로 펼쳐 보였다. 그들은 더 이상 전경과 배경을 구분하지 않고 실제와는 다른 효과를 얻었다. 중요한 모델은 아프리카의 조각품이었다. 영화와 사진 또한 이 운동에 영향을 미쳤다.
1911년에 분석적 입체주의는 정점에 도달했다. 그 후 이 운동은 계속 발전했다. 이제 예술가들은 신문 조각이나 벽지도 함께 작업했다. 이 방향은 종합적 입체주의라고 불렸다. 오늘날까지 입체주의의 영향, 특히 콜라주 기법에 대한 영향은 꺾이지 않고 이어지고 있다.
파블로 피카소(Pablo Picasso) - 《기타》(La guitare, 1913), 캔버스에 유채
1881년 말라가, 스페인 - 1973년 무쟁, 프랑스
후안 그리스(Juan Gris) - 《과일 그릇과 신문이 있는 정물》(Nature morte au compotier et journal, 1916), 목판에 유채
1887년 마드리드, 스페인 - 1927년 불로뉴비양쿠르, 프랑스
조르주 브라크(Georges Braque) - 《과일 그릇, 병, 만돌린이 있는 정물》(Nature morte au compotier, bouteille et mandoline, 1930), 캔버스에 유채
1882년 아르장퇴유쉬르센, 프랑스 - 1963년 파리, 프랑스
후안 그리스(Juan Gris) - 《정물(바이올린과 잉크병)》(Nature morte (Violon et encrier), 1913), 캔버스에 유채
1887년 마드리드, 스페인 - 1927년 불로뉴쉬르센, 프랑스
루이즈 네벨슨(Louise Nevelson) - 《무제》(Untitled, 1957), 카드보드에 물감, 종이, 비닐을 씌운 시트 쿠션과 나무 콜라주
1899년 키이우, 우크라이나 (구 러시아 제국) - 1988년 뉴욕, 미국
파블로 피카소(Pablo Picasso) - 《병과 잔이 있는 정물》(Nature morte, bouteille et verre, 1913), 콜라주, 목탄, 캔버스에 유채
1881년 말라가, 스페인 - 1973년 무쟁, 프랑스
파블로 피카소(Pablo Picasso)는 동료 화가 조르주 브라크(Georges Braque)의 실험을 본 후에 1912년 5월에 첫 콜라주를 제작했다. 1913년의 이 작품은 벽지 조각, 신문 스크랩, 색지 조각뿐만 아니라 목탄, 연필, 물감으로 구성되어 있다. 글쓰기, 패턴, 윤곽선을 번갈아 사용하며 피카소(Picasso)는 대상을 재현하는 동시에 표면을 강조하고 공간적 상황을 이해할 수 있게 만드는 예술적 요소들로 유희를 보여준다. 와인병은 글씨를 통해 암시되는 반면에 테이블은 연필로 그려져 있다. 벽지는 정물의 배경을 제공한다. 왼쪽에서는 신문 『르 피가로』 (Le Figaro)의 이름을 나타내는 글자 'LE'를 읽을 수 있다. 런던 테이트 갤러리(Tate Gallery)가 소장하고 있는 피카소(Picasso)의 유사한 작품은 1883년 5월 26일 자 동일한 1면의 오른쪽 상단 부분을 보여준다.
조르주 브라크(Georges Braque) - 《하프와 바이올린이 있는 정물》(Nature morte, harpe et violon, 1911), 캔버스에 유채
1882년 아르장퇴유쉬르센, 프랑스 - 1963년 파리, 프랑스
조르주 브라크(Georges Braque)는 피카소(Picasso)도 머물고 있던 세레(Céret)에서 1911년 가을에 이 정물을 제작했다. 두 예술가는 그림에 '실제'(real) 타이포그래피라는 새로운 요소를 통합하기 시작했다. 신문 『르 탕』 (Le Temps)을 가리키는 글자 'EMPS'(temps는 프랑스어로 '시간'을 뜻하기도 함)가 여기에서 명확하게 보인다. 빠진 글자 'T'는 그림의 회화적 요소 전반에 걸친 파편화로 인한 것이다. 이 정물화는 사물의 형태가 리드미컬한 선과 면의 구조로 분해되는 '분석적 입체주의'(Analytical Cubism) 단계를 나타낸다. 비록 관찰에서 유래했지만, 그것들은 순수하게 형식적인 요소처럼 보인다. 바이올린의 소용돌이 장식과 하프의 넥만이 더 명확하게 정의된다. 전체적으로 이 파편들은 삼각형 형태를 묘사하고 보고 기억한 것의 모든 파편을 통합하는 구성적 리듬을 형성한다.
조르주 브라크(Georges Braque) - 《나무들》(Arbres, 1908), 캔버스에 유채
1882년 아르장퇴유쉬르센, 프랑스 - 1963년 파리, 프랑스
조르주 브라크(Georges Braque) - 《아틀리에 II》(L'atelier II, 1949), 캔버스에 유채
1882년 아르장퇴유쉬르센, 프랑스 - 1963년 파리, 프랑스
노아 에슈콜(Noa Eshkol) - 《노란 나무》(Yellow Tree, 1998), 울, 면, 다마스크, 퍼칼, 폴리아미드
1924년 키부츠 데가니아 벳, 이스라엘 - 2007년 홀론, 이스라엘
안무가, 무용가, 그리고 섬유 예술가인 노아 에슈콜(Noa Eshkol)은 종종 발견된 천들로 콜라주 된 주로 대형의 다채로운 '벽 카펫'(Wall Carpets)(Wandteppiche)을 공동으로 제작했다. 그것들은 1973년 '욤 키푸르 전쟁'(Yom Kippur War) 중에 그녀가 무용 연습을 계속할 수 없었을 때 제작되었으며 새로운 예술적 표현 형식을 발견했다. 《노란 나무》(Yellow Tree)는 색상과 형태의 변주로 나무를 생생하게 묘사하는 일련의 작품들에 속한다. 작품들은 천 조각의 반복적인 구조, 대칭적인 리듬, 소용돌이 또는 원호로 정의된다. 비록 에슈콜(Eshkol)이 그녀의 무용과 벽 카펫을 서로 분리하여 유지하고자 했지만, '움직임'(movement)은 두 분야 모두에서 결정적인 특징이었다.
페르낭 레제, 파블로 피카소, 피터 우카
세 명의 예술가는 각자의 독특한 스타일로 초상화 장르를 새롭게 정의했다.
파블로 피카소(Pablo Picasso)는 마리 테레즈 발터(Marie-Thérèse Walter), 도라 마르(Dora Maar), 자클린 로크(Jacqueline Roque)와 같은 여성들에게서 영감을 얻었다. 그들은 그의 회화에서 주요 주제가 되었다. 1906년 파리에서 시작하여, 그는 그들의 얼굴과 몸을 기하학적인 형태로 변형시켰다. 그의 해체된 초상화는 그를—그의 모델들과는 달리—세계적으로 유명하게 만들었다. 페르낭 레제(Fernand Léger)는 다른 길을 추구했다. 그의 곡예사들과 노동자들은 평온함과 균형을 구현한다. 1920년 파리에서 시작하여, 그는 사회적 차이를 초월하고 현대 생활, 대도시, 그리고 유망한 미래를 상징하는 인류의 보편적인 이미지를 창조했다. 약 100년 후, 피터 우카(Peter Uka)는 쾰른 스튜디오에서 우리 시대의 사람들을 포착하는 데 전념한다. 꿈, 인상, 그리고 1970년대 나이지리아의 기억에서 끌어내어, 그는 유화로 지속적인 이미지를 만들어낸다.
그들의 다양한 스타일에도 불구하고, 그들은 공통된 접근 방식을 공유했다. 그들의 그림은 상상력의 산물이다. 실물 모델을 보고 그리기보다, 그들은 회상과 기억으로부터 창조했다.
페르낭 레제(Fernand Léger) - 《아담과 이브》(Adam et Eve, 1935-1939), 캔버스에 유채
1881년 아르장탕(노르망디), 프랑스 - 1955년 지프쉬르이베트(센에우아즈), 프랑스
파블로 피카소(Pablo Picasso) - 《거울 앞의 여인(웅크린 여인)》(Femme au miroir (Femme accroupie), 1937), 캔버스에 유채
1881년 말라가, 스페인 - 1973년 무쟁, 프랑스
파블로 피카소(Pablo Picasso)는 1937년 2월 16일에 《거울 앞의 여인》(Femme au miroir)을 그렸다. 당시에 그는 파리 남동쪽 르 트랑블레 쉬르 몰드르(Le Tremblay-sur-Mauldre)에 있는 시골집에서 마리 테레즈 발터(Marie-Thérèse Walter) 및 그들의 딸과 함께 주말을 보내고 있었다. 몇 주 후인 1937년 4월 26일에 나치 독일 공군 '콘도르 군단'(Condor Legion)과 파시스트 이탈리아 '공군 군단'(Aviazione Legionaria)의 폭격으로 바스크 지방의 마을 게르니카(Guernica)가 파괴되었다. 수백 명의 민간인이 공격으로 사망했다. 즉각적인 대응으로 피카소(Picasso)는 기념비적인 반전 회화인 《게르니카》(Guernica)를 위한 연구에 착수했다. 1939년에 《거울 앞의 여인》(Femme au miroir)은 파리의 폴 로젠버그(Paul Rosenberg) 갤러리에서 처음으로 전시되었다. 제2차 세계대전 중에는 미국의 프랑스 회화 순회 전시에 포함되었다. 이후에 뉴욕, 샌프란시스코, 필라델피아, 보스턴에서 열린 그룹전에서 소개되었다. 베르너 슈말렌바흐(Werner Schmalenbach)는 1966년에 갤러리스트 로젠버그(Rosenberg)로부터 노르트라인-베스트팔렌 미술관(Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen)을 위해 이 그림을 구입했다.
피터 우카(Peter Uka) - 《평화 기원》(Peace Invocation, 2023), 캔버스에 유채
1975년 베누에, 나이지리아
페르낭 레제(Fernand Léger) - 《형태의 대비》(Contraste de formes, 1914), 캔버스에 유채
1881년 아르장탕(노르망디), 프랑스 - 1955년 지프쉬르이베트(센에오아즈), 프랑스
페르낭 레제(Fernand Léger) - 《꽃을 든 여인》(Femme tenant des fleurs, 1922), 캔버스에 유채
1881년 아르장탕(노르망디), 프랑스 - 1955년 지프쉬르이베트(센에오아즈), 프랑스
