K20 4/5
독일 뒤셀도르프 K20
위치: 독일 뒤셀도르프
가격: 5€ (학생할인)
방문일자: 2026년 2월 3일
특별전시 Queere Moderne 1900 bis 1950
퀴어 모더니즘 1900-1950
《퀴어 모더니즘 1900-1950》은 20세기 전반기 퀴어 예술가들이 현대 미술에 기여한 획기적인 공헌을 기리는 유럽 최초의 포괄적인 전시다. 욕망, 성별, 성적 지향, 그리고 자기 재현의 정치학을 작업의 중심에 두었던 당대의 대안적인 역사를 들려준다.
전시는 8개의 장으로 나뉘어 유럽 전역의 도시, 미국, 그리고 글로벌 교류를 통해 나타나기 시작한 국제적인 퀴어 예술가 네트워크를 탐구한다. 비록 예술적 아방가르드와 밀접하게 연결되어 있었음에도 불구하고, 퀴어적 관점은 역사적 정전에서 오랫동안 소외되어 왔다.
성적 지향과 퀴어 라이프스타일에 관한 수많은 진술은 식민지 권력 역학의 맥락 내에서 모더니즘을 비판적으로 검토해야 한다는 과제를 던져준다. 자료가 침묵하는 부분은 자료가 명시적으로 말해주는 것보다 때로는 더 많은 것을 드러낸다. 이러한 기록의 공백은 특히 특권층 사회 계층이나 '글로벌 사우스'(Global South) 출신이 아닌 퀴어 공동체, 그리고 다중적인 형태의 차별에 직면한 개인들에게서 두드러진다. 많은 퀴어 예술가들 또한 사회적으로 순응하는 삶을 살았으며, 이른바 '편의치사' 결혼을 하기도 했다.
전시 전체는 현대 미술사의 관습에 대한 새로운 관점을 제공하며, 작품에 내포된 문제들과 예술가들의 삶이 오늘날에도 여전히 역사적, 사회적, 정치적으로 유효함을 강조한다.
I. 프롤로그 (Prologue)
이미 19세기 후반부터 일부 예술가들은 전통적인 성 역할과 규범을 거부하고 종종 동성 파트너십을 맺으며 살았다. 여성들은 처음으로 교육에 접근할 수 있게 되었고, 자신감 있게 경력을 쌓으며 공적 삶에서 가시성을 확보했다. 프랑스 화가 로자 보뇌르(Rosa Bonheur)와 같은 예술가들은 작업하는 동안 남성복을 입을 수 있는 허가를 받기도 했다.
퀴어 주제 또한 시각 예술과 문학에서 점차 표현을 찾았으나, 검열이나 외설죄로 인한 체포 위협 때문에 종종 가명으로 발표되었다. 세기 전환기 무렵에는 퀴어와 트랜스 서사를 표현하려는 필요성에 대한 문화적 인식이 커지면서 해방적인 초상화들이 등장했다.
보뇌르는 19세기의 가장 성공적인 화가 중 한 명이 되었으며, 특히 탁월한 동물 묘사로 유명했다. 그녀가 사망한 후, 파트너인 안나 클룸케(Anna Klumpke)는 1908년에 보뇌르의 『자동 전기』(Auto-biography)를 출간했는데, 이는 초기 퀴어 라이프에 대해 공개적으로 접근 가능한 기록 중 하나이다.
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안나 클룸케(Anna Klumke)가 1898년 '비 토메리'(By-Thomery)의 '비 성'(Château de By)에 있는 화실에서 로자 보뇌르(Rosa Bonheur)의 초상화를 그리는 모습. 이 화실은 로자 보뇌르(Rosa Bonheur)가 안나 클룸케(Anna Klumke)를 위해 지은 공간이다.
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안나 클룸케(Anna Klumke)와 로자 보뇌르(Rosa Bonheur), '비 성'(Château de By), '비 토메리'(By-Thomery), 1898년경.
보뇌르(Rosa Bonheur)는 원래 가난하지만 자유로운 예술가 집안에서 태어났다. 그녀는 파트너인 발명가 나탈리 미카스(Nathalie Micas)와 그녀가 사망할 때까지 함께 살았다. 나중에 그녀는 젊은 미국 화가 안나 클룸케(Anna Klumke)와 관계를 시작했으며, 보뇌르(Rosa Bonheur)는 이를 "두 영혼의 신성한 결혼"이라고 표현했다.
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1857년 5월 12일, 파리에서 작업 중 남성복을 착용하기 위해 로자 보뇌르에게 발급된 허가증
보뇌르(Rosa Bonheur)는 사실적이고 현대적인 동물 묘사로 국제적인 명성을 얻었다. 도축장 같은 곳에서 동물의 해부학을 공부하기 위해 그녀는 남장 허가(permission de travestissement)를 신청했다.
우하단:
"내가 남자였다면 그녀와 결혼했을 것이고, 아무도 그런 어리석은 이야기들을 지어낼 수 없었을 것이다." - 로자 보뇌르(Rosa Bonheur)가 그녀의 오랜 동반자 나탈리 미카스(Nathalie Micas)에 대해 한 말.
안나 클룸케(Anna Klumke)의 저서 『로자 보뇌르: 그녀의 삶, 그녀의 작품』(Rosa Bonheur: Sa vie, son oeuvre, 1908)에 수록된 '로자 보뇌르의 유언'(Testament von Rosa Bonheur), 435-436쪽.
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암사자 파트마 옆에 누워 있는 로자 보뇌르, 1889년경
파벨 첼리체프(Pavel Tchelitchew) - 《무제(앉아 있는 남자, 다중 이미지)》(Untitled (Seated Man, Multiple Images), 1927), 캔버스에 유채와 커피 가루
1898년 두브로브카, 러시아 - 1957년 그로타페라타, 이탈리아
파벨 첼리체프의 작업은 신낭만주의를 포함한 아방가르드 스타일 사이를 자유롭게 오갔다. 그는 불모의 모더니즘에 대해 깊은 회의감을 가졌다. 큐보-미래주의에 기초한 《무제(앉아 있는 남자)》는 세 가지 연속적인 움직임과 원근법의 단계에서 나타나는 얼굴을 제시하는데, 여기서는 다중적이고 유동적인 정체성의 표현으로 나타난다. 이 장면은 동일한 인물들의 포옹으로도 읽힐 수 있으며, 동성애와 나르시시즘을 연결 지은 프로이트(Sigmund Freud)의 이론을 상기시킨다.
에두아르 뒤뷔프(Édouard Dubufe) - 《황소와 함께 있는 화가 로자 보뇌르의 초상》(Portrait du peintre Rosa Bonheur aux côtés d'un bovidé, 1857), 캔버스에 유채
1819년 파리, 프랑스 - 1883년 베르사유, 프랑스
피터 A. 줄레이 & 아들(Peter A. Juley & Son), 사진사 - 리치먼드 바테(Richmond Barthé), 직물 위에 흑백 습작 인화
흑인 미국인 예술가 리치먼드 바테(Richmond Barthé)는 할렘 르네상스로 알려진 문학 및 예술 운동의 일원이었으며, 흑인 남성 신체가 자신의 동성애를 협상하는 장이 되는 조각들을 제작했다.
거트루드 "마" 레이니(Gertrude "Ma" Rainey) - 〈증명해 봐 블루스〉(Prove It On Me blues, 1928), 노래
1886년 콜럼버스, 조지아, 미국 - 1939년 로마, 조지아, 미국
II. 모던 아르카디아 (Modern Arcadia)
남성 간의 동성애가 범죄로 규정되고 여성 간의 동성애가 사회적으로 금기시되던 시절, 모더니즘 예술가들은 퀴어의 삶과 정체성을 표현하기 위해 수많은 대안적인 시각 언어와 코드를 찾아냈다.
글린 워렌 필폿(Glyn Warren Philpot), 데임 에델 워커(Dame Ethel Walker), 루트비히 폰 호프만(Ludwig von Hofmann), 그리고 리치먼드 바테(Richmond Barthé)와 같은 예술가들은 동성애적 욕망을 표현하는 위장의 한 형태로 익숙한 신화적 주제를 활용했다.
제1차 세계 대전이 시작될 무렵, 필폿은 환상적인 수중 세계에 잠긴 동화 같은 퀴어 인물들을 창조했다. 예술가 리치먼드 바테는 뉴욕의 흑인 문화 주역들의 운동인 할렘 르네상스의 일원이었다. 그는 연극적이고 학술적인 전통 속에서 조각을 제작하며 사회적 해방, 흑인 정체성, 그리고 동성애의 문제를 다루었다.
바테의 《검은 비너스》(Black Venus, 1929)와 로테 라저슈타인(Lotte Laserstein)이 그녀의 연인과 함께 그린 친밀한 이중 초상화는 지그문트 프로이트(Sigmund Freud)가 해석한 나르시시스 신화와 맞닿아 있다. 즉, 자아의 거울에 비친 동일한 존재에 대한 욕망으로 이해되는 동성애에 대한 현대적 이미지를 보여준다.
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1946년에서 1949년 사이의 글래디스 벤틀리
흑인 미국인 블루스 가수이자 드래그 엔터테이너인 글래디스 벤틀리(Gladys Bentley)는 1920년대 할렘 르네상스 기간 동안 뉴욕의 여러 퀴어 클럽에서 공연했다. 그녀는 도발적인 가사와 자신의 레즈비언 섹슈얼리티를 공개적으로 표현하는 것으로 유명했다.
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1923년경의 거트루드 "마" 레이니, 1923년경
마 레이니(Ma Rainey)는 가장 영향력 있는 흑인 미국인 블루스 가수 중 한 명이었다. 그녀는 1925년 시카고에서 이른바 레즈비언 파티를 열었다는 혐의로 경찰에 체포되었다. 그녀는 자신의 성 정체성에 대한 소문에 〈Prove It on Me Blues〉(1928)라는 곡으로 화답했다.
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흑인 미국인 예술가이자 작가, 공연가인 리처드 브루스 뉴전트(Richard Bruce Nugent)는 할렘 르네상스의 핵심 인물 중 한 명이었다. 그는 리치먼드 바테(Richmond Barthé), 랭스턴 휴스(Langston Hughes), 알랭 로크(Alain Locke) 등과 같은 예술가, 작가, 철학자들과 호모에로틱한 우정을 유지했다.
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웹스터 홀(Webster Hall)은 해밀턴 로지(Hamilton Lodge)와 더불어 뉴욕 그리니치 빌리지에서 퀴어 커뮤니티의 역사적으로 중요한 장소 중 하나였으며, 이곳에서 1910년대와 1920년대에 첫 드래그 볼(drag balls)이 열렸다. 이곳은 사람들이 드래그 차림으로 공개적으로 나타날 수 있었던 몇 안 되는 행사 중 하나였다.
데임 에델 워커(Dame Ethel Walker) - 《장식: 나우시카의 소풍》(Decoration: The Excursion of Nausicaa, 1920), 캔버스에 유채
1861년 에든버러, 영국 - 1951년 런던, 영국
에델 워커는 헌신적인 페미니스트였으며, 남성 중심의 미술계에서 명성을 얻은 최초의 영국 여성 화가 중 한 명이었다. 이 그림은 호머(Homer)의 『오디세이아』(Odyssey) 중 한 에피소드를 가져왔다. 젊은 공주 나우시카가 동료들을 이끌고 강어귀로 가서 옷을 세탁하다가 난파당한 오디세우스를 만나는 장면이다. 신화에 대한 전통적인 묘사와 달리, 워커의 풍경에서 오디세우스는 중심 무대를 차지하지 않고 캔버스의 가장자리에 희미하게만 나타난다. 대신 이 그림은 유토피아적이고 동성애적인 여성 공동체를 찬미한다.
루트비히 폰 호프만(Ludwig von Hofmann) - 《샘》(Die Quelle, 1913), 캔버스에 유채
1861년 다름슈타트, 독일 - 1945년 필니츠, 독일
루트비히 폰 호프만은 화가이자 그래픽 아티스트, 삽화가였으며 베를린 분리파의 멤버였다. 이탈리아 여행은 그의 고전주의적-상징주의적 이미지 이상을 형성했다. 그의 작품들은 종종 젊음, 아름다움, 조화로 가득 찬 아르카디아적 풍경, 고대에서 영감을 받은 누드, 그리고 장면들을 묘사한다. 그의 인물들은 자주 중성적이고 천상적이며, 신체에 대한 영적인 이상에 전념하는 것처럼 보인다. 토마스 만(Thomas Mann)은 1914년에 《샘》을 구입했다. 이 동성애적 그림은 이후 그가 캘리포니아와 스위스에서 망명 생활을 하는 동안 그와 동행했으며, 그의 서재에 걸려 있었다.
글린 워렌 필폿(Glyn Warren Philpot) - 《페넬로페》(Penelope, 1923), 캔버스에 유채
1884년 런던, 영국 - 1937년 런던, 영국
1911년 내셔널 포트레이트 갤러리의 창립 멤버였던 글린 워렌 필폿은 고전주의와 상징주의 양식을 현대적인 감수성과 결합했다. 작품 《페넬로페》는 기다리는 아내라는 오디세우스의 신화를 차용하고 있지만, 작가는 이 장면을 퀴어한 욕망의 도발적인 tableau로 연출했다. 중성적인 페넬로페는 동성애적으로 연출된 남성 인물들에 둘러싸여 있다. 그녀를 향해 있는 완전히 벌거벗은 한 인물은 그녀의 등 뒤에서 외설적인 몸짓을 하고 있다. 이 그림은 고대 서사와의 급진적인 단절을 보여준다.
헨리 스콧 툭(Henry Scott Tuke) - 《비평가들》(The critics, 1927년), 보드에 유채
1858년 요크, 영국 - 1929년 팰머스, 영국
헨리 스콧 툭(Henry Scott Tuke)은 빅토리아 시대 후기와 에드워드 시대의 영국 화가였다. 그는 빛나는 인상주의 색채의 동성애적 목욕 및 해변 장면으로 유명했으며, 이는 그를 초기 퀴어 현대 미술 발전의 핵심 인물로 만들었다. 《비평가들》(The critics)은 해변에서 목욕하는 사람을 관찰하는 두 명의 젊은 남성을 묘사하며, 이 장면은 욕망을 암시하는 친밀하고 일상적인 배열 속에서 전개된다. 아이러니한 제목은 아마도 그림의 동성애적 함의에 대한 보수적인 비평가들의 무시하는 태도를 암시하는 것 같다.
로테 라저슈타인(Lotte Laserstein) - 《나와 나의 모델》(I and my model, 1929/1930년), 캔버스에 유채
1898년 프로이시슈홀란트(현 파스텡크, 폴란드) - 1993년 칼마르, 스웨덴
로테 라저슈타인(Lotte Laserstein)은 '신즉물주의'(New Objectivity)의 대표적인 예술가였다. 『뉘른베르크 법』(Nuremberg Laws)과 그에 따른 반유대주의적 위협의 맥락에서 그녀는 1937년 스웨덴으로 이주했다. 이 그림은 작업복을 입고 팔레트와 붓을 든 그녀를 보여주며, 그녀의 연인이자 선호하는 모델인 트라우테 로제(Traute Rose)가 그녀의 어깨너머로 다정하고 신뢰 어린 눈빛으로 바라보고 있다. 두 여성은 동등하게 보이며 서로를 거울처럼 비춘다. 라저슈타인(Lotte Laserstein)은 예술가와 모델의 전통적인 역할과 위계를 깨뜨린다. 즉, 여성이 창조자이며 모델은 능동적으로 참여한다.
에델 워커 여사(Dame Ethel Walker) - 《휴식 중인 두 모델》(Two models resting, 1939년), 캔버스에 유채
1861년 에든버러, 영국 - 1951년 런던, 영국
리치먼드 바테(Richmond Barthé) - 《판》(Faun, 1942년), 대리석 받침대 위 브론즈
1901년 베이 세인트루이스, 미국 - 1989년 패서디나, 미국
《판》(Faun)은 바슬라프 니진스키(Vaslav Nijinsky)의 파격적이고 스캔들을 일으킨 발레 《목신의 오후》(The afternoon of a faun, 1912)에서 영감을 받았을 수 있다. 니진스키(Vaslav Nijinsky)의 내성적이고 관능적인 춤은 퀴어 상징주의로 가득 차 있었다. 이 신화적인 흉상의 모델은 아마도 바테(Richmond Barthé)의 친구이자 세네갈 출신의 무용수 페랄 벵가(Féral Benga)(1906-1957)였을 것이며, 그는 조세핀 베이커(Josephine Baker)(1906-1975)와 함께 파리 카바레 무대의 컬트적인 인물이었다.
리치먼드 바테(Richmond Barthé) - 《검은 나르키소스》(Black narcissus, 1929년), 브론즈
리처드 브루스 뉴전트(Richard Bruce Nugent) - 〈그림자〉(Shadow)
실루엣
달의 얼굴 위에
나다.
빛 속의 어두운 그림자.
실루엣이 나다
달의 얼굴 위에
색도 없고
선명한 밝기도 없지만
그 모든 것보다 더 분명하게 정의된
왜냐하면
나는 어둡고,
달의 얼굴 위에 검으니까.
그림자가 나다
빛 속에서 자라나며,
이해받지 못하는
낮이 그러하듯,
하지만 더 쉽게 보이는
왜냐하면
나는 빛 속의 그림자니까.
리처드 브루스 뉴전트(Richard Bruce Nugent)의 1925년 시는 랭스턴 휴즈(Langston Hughes)의 권유로 잡지 『어포튜니티』(Opportunity)에 처음 발표되었다.
III. 사피크 모더니즘 (Sapphic Modernism)
현대 사회에서 '사피크'(sapphic)라는 용어는 고대 레스보스섬의 시인 사포(Sappho)를 지칭하며 레즈비언의 욕망과 동의어가 되었다.
1920년대와 1930년대에는 많은 대도시에서 퀴어 하위문화가 번창했다. 파리에서는 경제적으로 독립적인 미국 여성 그룹이 친밀한 우정을 특징으로 하는 초국가적 네트워크를 형성했다. 가장 영향력 있는 문학 및 예술 살롱은 시인 나탈리 바니(Natalie Barney), 거트루드 스타인(Gertrude Stein), 앨리스 B. 토클라스(Alice B. Toklas)뿐만 아니라 서점 주인인 아드리엔 모니에(Adrienne Monnier)와 실비아 비치(Sylvia Beach)가 주최했다. 콜레트(Colette), 브라이어(Bryher), 자넷 플래너(Janet Flanner), 주나 반스(Djuna Barnes), 지젤 프로인트(Gisèle Freund)와 같은 사피크 모더니즘 장면의 많은 핵심 인물들이 파블로 피카소(Pablo Picasso)와 제임스 조이스(James Joyce)와 함께 이곳에서 어울렸다.
로메인 브룩스(Romaine Brooks)는 나탈리 바니(Natalie Barney)와 같은 그녀의 연인들과 영국 예술가 글룩(Gluck, 본명 Hannah Gluck), 클로드 카훈(Claude Cahun), 마르셀 무어(Marcel Moore), 말로 모스(Marlow Moss)와 같은 동료 창작자들의 수많은 초상화와 누드화를 그렸다. 글룩(Gluck)은 성 중립적인 이름을 채택하고 젠더퀴어 표현을 했다. 화가 마리 로랑생(Marie Laurencin)은 여성이 자연 및 동물과 로맨틱하게 결합하여 퀴어 동반자로 묘사되는 풍경화를 그렸다.
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1937년 파리 오데옹 거리 15번지에 자신이 열었던 서점 '라 메종 데 자미 데 리브르' 앞에 서 있는 아드리엔 모니에
이 서점은 전쟁 사이 기간 동안 "사픽 모더니즘" 커뮤니티의 핵심적인 만남의 장소가 되었다.
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1919년 파리에 영어 대여 도서관이자 서점인 '셰익스피어 앤드 컴퍼니'를 연 실비아 비치.
그녀는 아드리엔 모니에(Adrienne Monnier)의 오랜 파트너였으며, 아방가르드의 저명한 모임 장소를 운영했다. 그녀는 제임스 조이스(James Joyce)의 소설 『율리시스』(Ulysses)를 처음으로 출판했다.
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나탈리 바니가 1929년에 그린 지도는 1910년부터 1930년 사이 파리 자코브 거리 20번지에 있는 그녀의 '아마존의 살롱'(Salon de l'Amazone)에서 이루어진 만남과 우정의 흔적을 보여준다. 이 살롱은 레즈비언 하위문화의 중심지이자 여성 예술가, 작가, 무용수들의 번성하는 커뮤니티였다.
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미국 화가 로메인 브룩스(Romaine Brooks)는 현대 레즈비언 예술사에서 아이코닉한 인물이 된 여성 연인들의 초상화를 그렸다. 그녀는 1915년에 파트너인 나탈리 바니(Natalie Barney)를 만났으며, 그들은 1935년 이 사진이 찍힐 당시를 포함해 거의 50년 동안 함께했다.
마리 로랑생(Marie Laurencin) - 《스페인 무용수들》(Spanish dancers, 1920/1921년), 캔버스에 유채
1883년 파리, 프랑스 - 1956년 파리, 프랑스
마리 로랑생(Marie Laurencin)은 대안적인 여성적 현대성과 여성적 친밀감을 찬양하는 독립적이고 서정적인 회화 스타일과 시각 언어를 개발했다. 《스페인 무용수들》(Spanish dancers)과 같은 작품은 사피크 문화에 대한 헌사다. 이 그림은 제1차 세계대전 당시 그녀의 스페인 망명 시절을 기억하며 제작되었다. 1912년 로랑생(Marie Laurencin)은 시인 기욤 아폴리네르(Guillaume Apollinaire)와 결별했다. 이 작품은 아마도 그녀가 당시의 파트너인 독일 화가 오토 폰 베첸(Otto von Wätjen)과 함께 살았던 뒤셀도르프 시절에 만들어진 것으로 보인다. 남성들과의 관계에도 불구하고, 그녀는 패션 디자이너 니콜 그루(Nicole Groult)와 같은 여성들과 공개적으로 낭만적인 관계를 맺으며 살았다.
로메인 브룩스(Romaine Brooks) - 《슬픈 베누스》(The weeping venus, 1917년), 캔버스에 유채
1874년 로마, 이탈리아 - 1970년 니스, 프랑스
1911년 로메인 브룩스(Romaine Brooks)는 러시아 무용수이자 안무가인 이다 루빈슈타인(Ida Rubinstein)을 만났고, 그녀는 브룩스의 연인이 되었으며 1914년 헤어진 후에도 그녀가 가장 선호하는 모델로 남았다. 브룩스(Romaine Brooks)가 썼듯이, 《슬픈 베누스》(The weeping venus)는 제1차 세계대전의 참상에 대한 반응으로 제작되었다. "그녀의 연약하고 양성적인 아름다움을 지닌 이다 루빈슈타인(Ida Rubinstein)이 아니라면 누가 친숙한 신들의 사라짐을 암시할 수 있겠는가?" 루빈슈타인(Ida Rubinstein)은 아방가르드의 아이콘으로 간주되었으며 그녀의 급진적으로 현대적인 춤 스타일로 찬사를 받았다. 유대인이었던 그녀는 나치를 피해 1940년 영국으로 탈출해야 했던 반면, 브룩스(Romaine Brooks)는 베니토 무솔리니(Benito Mussolini)의 파시스트 정권 이데올로기에 대해 어느 정도 공감을 공유했다.
로메인 브룩스(Romaine Brooks) - 《마르케사 루이자 카사티의 초상》(Portrait of the Marchesa Casati, 1920년경), 캔버스에 유채
1874년 로마, 이탈리아 - 1970년 니스, 프랑스
마르케사 루이자 카사티(Marchesa Luisa Casati)(1881-1957)의 상징주의 초상화는 브룩스(Romaine Brooks)가 자신의 사교계 인물들을 그린 수많은 초상화 중 하나로, 이 작품들은 종종 성적 정체성에 대한 미묘한 코드를 담고 있다. 브룩스(Romaine Brooks)는 카사티(Luisa Casati)를 아마도 카프리섬에 있는 것으로 보이는 바위 동굴 형성물 앞에 그렸다. 편심적인 외모와 사치스러운 의상으로 유명했던 벨 에포크(Belle Époque)의 아이콘이자 수많은 예술가의 뮤즈였던 그녀는 자신을 살아있는 예술 작품으로 끊임없이 연출했다.
로메인 브룩스(Romaine Brooks) - 《자화상》(Self-portrait, 1912년경), 캔버스에 유채
마리 로랑생(Marie Laurencin) - 《젊은 여인들》(Young women, 1910년), 캔버스에 유채
1883년 파리, 프랑스 - 1956년 파리, 프랑스
마리 로랑생(Marie Laurencin) - 《개와 함께 있는 여인(초상)》(La Femme au chien (portrait), 1924), 캔버스에 유채
1883년 파리, 프랑스 - 1956년 파리, 프랑스
세르게이 디아길레프 발레단(Théâtre Serge de Diaghilev) - 《레 비슈》(Les Biches, 1924)
암사슴들(Die Hindinnen / The Hinds). 페이지 번호 없음, 슬립케이스에 담긴 두 권의 커다란 소프트커버 북.
마리 로랑생(Marie Laurencin) - 『사포의 시』(Poèmes de Sapho, 1950)
1883년 파리, 프랑스 - 1956년 파리, 프랑스
에디트 드 보몽(Edith de Beaumont) 번역, 마리 로랑생(Marie Laurencin) 삽화
마리 로랑생(Marie Laurencin)의 가장 이른 판화들은 1904년에서 1914년 사이에 제작되었다. 1920년 이후 그녀의 삽화본들—특히 소위 '아티스트 북'(livres d'artistes)이라 불리는 것들—은 그녀의 그래픽 작품 중 약 3분의 2를 차지한다. 이러한 맥락에서 그녀는 당대의 주요 출판업자 및 인쇄업자들과 협업했다. 『사포의 시』(Poèmes de Sapho)는 그녀의 초기 판화 작품인 〈빌리티스의 노래〉(Chanson de Bilitis, 1904)와 마찬가지로 레스보스의 고대 서정시인 사포를 묘사한다. 여기서 사포는 로랑생 특유의 인물상인 '젊은 여성'(jeune fille)의 모습으로, '사포적 사랑'(sapphic love)의 아이콘으로 표현된다.
맨 레이(Man Ray) - 《앨리스 B. 토클라스와 거트루드 스타인》(Alice B. Toklas and Gertrude Stein, 1922), 텍스타일에 젤라틴 실버 프린트
맨 레이(Man Ray)가 1922년에 찍은 이 사진은 미국 작가이자 예술품 수집가이며 예술 후원자인 거트루드 스타인(Gertrude Stein)과 그녀의 파트너인 작가 앨리스 B. 토클라스(Alice B. Toklas)를 보여준다. 파리의 플뢰뤼스 가 27번지에 있던 그들의 살롱은 문학 및 예술 아방가르드를 위한 가장 영향력 있는 모임 장소 중 하나였다.
IV. 초현실적 세계 (SURREAL WORLDS)
모더니즘 작품에서는 양성성(androgyny)과 반음양(hermaphroditism, 오늘날에는 간성/intersexuality으로 대체됨)과 같은 주제들이 널리 탐구되었다.
1920년대에 시작된 초현실주의 운동은 예술과 문학을 통해 사회적 규범에 의문을 제기하고 기성의 세계관에 도전했다. 해방적인 성적 접근에도 불구하고, 초현실주의는 여성 신체에 대한 남성적 욕망의 무의식적 투영을 재현하기도 했다. 노르트라인-베스트팔렌 미술관 소장품 중 초현실주의자들의 작품들은 이러한 표현적 레퍼토리를 증명하며, 예를 들어 르네 마그리트(René Magritte)의 1928년작 《거대한 날들》(Les jours gigantesques)에 나타난 폭력적인 장면이 그러하다. 양성성은 종종 인체의 이상화되고 탈성애화된 표현을 통해 묘사되었다.
토옌(Toyen), 레오노르 피니(Leonor Fini), 이델 콜쿤(Ithell Colquhoun), 게르다 베게너(Gerda Wegener), 밀레나 파블로비치-바릴리(Milena Pavlović-Barilli)와 같은 예술가들은 지배적인 관습을 넘어선 퀴어 정체성의 비전을 제시했다. 그들의 작품은 환상적인 시나리오 안에서 현대적인 젠더 유토피아와 친밀함 및 친숙함의 대안적 모델을 묘사한다.
좌상단:
밀레나 파블로비치-바릴리(Milena Pavlović-Barilli)는 벨그라드와 뮌헨에서 미술을 공부하던 중 당대 잡지와 번창하던 아르데코 미학에서 영감을 얻었다. 1928년에 그녀는 당당한 공연으로 유럽 전역의 젠더와 문화적 규범에 도전했던 블랙 아이콘 조세핀 베이커(Josephine Baker)의 그림을 그렸다.
우상단:
"나는 나를 현상이나 비정상으로 간주하는 속물들의 편견에 맞서 싸우고 있다. 지금의 나는 다른 여성들과 다름없는 지극히 평범한 여성이다."
릴리 엘베(Lili Elbe)가 1931년 6월 15일 독일 친구에게 보낸 서신 중. 『남자가 여자가 되다: 성전환의 진정한 기록』(Man into Woman: An Authentic Record of a Change of Sex), 런던: Jarrolds, 1933, 277쪽.
좌하단:
릴리 엘베(Lili Elbe)의 일대기를 다룬 독일어판 『사람이 성을 바꾸다』(A Person Changes Gender)는 1931년 덴마크에서 『Fra Mand til Kvinde』(Man into Woman, 1933)라는 제목으로 처음 출판되었다. 이 현대적인 저작은 엘베(Lili Elbe)의 전환 과정을 서술하며 현대적 성 정체성에 대한 희귀한 (자)기록을 제공한다.
우하단:
덴마크 화가 릴리 엘베(Lili Elbe)는 성확정 수술을 받은 최초의 인물 중 한 명으로, 수술은 1930년 베를린의 마그누스 히르슈펠트 성과학 연구소(Magnus Hirschfeld's Institute for Sexual Science)와 드레스덴의 시립 여성 클리닉에서 진행되었다. 그녀는 파리에서 여성으로 공개적으로 살았으며 그녀의 아내인 화가 게르다 베게너(Gerda Wegener)의 모델이 되었다.
최하단:
프리다 칼로(Frida Kahlo)의 《물이 내게 준 것》(What the Water Gave Me, 1938)은 물에 비친 시각적 회고록이다. 불타는 마천루와 두 명의 여성 연인은 칼로(Frida Kahlo)의 정치적 견해와 유동적인 성 정체성을 암시한다. 그녀가 여성들과 맺은 친밀한 관계 중에는 1939년 파리에서 만난 조세핀 베이커(Josephine Baker)도 포함되어 있었을 가능성이 있다.
레오노르 피니(Leonor Fini) - 《이방인들》(Les Étrangères, 1968), 캔버스에 유채
1908년 부에노스아이레스, 아르헨티나 - 1996년 파리, 프랑스
이델 콜쿤(Ithell Colquhoun) - 《그리스도의 탄생》(Nativity, 1929), 캔버스에 유채
1906년 실롱, 인도 - 1988년 라모나, 영국
이델 콜쿤(Ithell Colquhoun)은 자신의 초현실주의 작업에 비의적(esoteric) 전통을 결합한 화가이자 시인, 작가였다. 그녀의 《그리스도의 탄생》(Nativity) 모티프 각색은 전통적인 묘사에 의문을 제기하며 신성 모독적으로 보인다. 아기 예수가 그림의 하단 가장자리에 희미하게 나타나는 동안, 성가족은 중앙에 두드러지게 보여지는데, 가슴을 드러내고 눈에 띄게 양성구유적인 특징을 가진 모습이다. 영적인 마돈나 대신, 마리아는 자신감 있게 우리를 응시한다.
이델 콜쿤(Ithell Colquhoun) - 《켈프 채취》(Kelp Gathering, 1949), 캔버스에 유채와 왁스
1906년 실롱, 인도 - 1988년 라모나, 영국
르네 마그리트(René Magritte) - 《거대한 나날들》(Les jours gigantesques, 1928), 캔버스에 유채
1898년 레신, 에노, 벨기에 - 1967년 브뤼셀, 벨기에
레오노르 피니(Leonor Fini) - 《여성 초상 n. 9 / 앉아 있는 여인의 초상》(Portrait féminin n. 9 / Ritratto di signora seduta, 1936), 캔버스에 유채
1908년 부에노스아이레스, 아르헨티나 - 1996년 파리, 프랑스
막스 에른스트(Max Ernst) - 《사랑의 카르마뇰》(La carmagnole de l'amour, 1926), 캔버스에 유채와 드로잉
1891년 브륄, 독일 - 1976년 파리, 프랑스
밀레나 파블로비치-바릴리(Milena Pavlović-Barili) - 《여성 누드와 용이 있는 환상적 구성》(Fantastična kompozicija sa ženskim aktom I zmajem, 1936), 캔버스에 유채
1909년 포자레바츠, 세르비아 - 1945년 뉴욕, 미국
리하르트 오스발트(Richard Oswald), 마그누스 히르슈펠트(Magnus Hirschfeld) - 《다른 이들과는 다르게》(Anders als die Andern, 1918/1919), 디지털 비디오로 전송된 흑백 영화, 52분
1880년 빈, 오스트리아 - 1963년 뒤셀도르프, 독일(오스발트) / 1868년 콜베르크, 폴란드 - 1935년 니스, 프랑스(히르슈펠트)
게르다 베게너(Gerda Wegener) - 《깃털 부채를 든 릴리》(Lili with a Feather Fan, 1920), 캔버스에 유채
1886년 함멜레우, 덴마크 - 1940년 프레데릭스베르, 덴마크
게르다 베게너(Gerda Wegener)는 아르데코풍의 삽화와 여성 초상화로 이름을 알렸다. 그녀의 주요 모델은 그녀의 파트너인 릴리 엘베(Lili Elbe)였다. 릴리 엘베는 1930/31년 독일에서 성별 확정 수술을 받은 것으로 알려진 최초의 트랜스 여성 중 한 명이다. 1920년대에도 베게너는 벨 에포크의 퇴폐적인 스타일로 릴리를 무대에 세웠는데, 이는 일종의 '역사적 드래그'(historical drag)로서 릴리에게 낭만적인 이세계성을 부여하고 자기 발명의 측면을 강조했다.
게르다 베게너(Gerda Wegener) - 《모자를 쓴 두 명의 요부 – 친구와 함께 있는 릴리》(Two Coquettes with Hats – Lili with friend, 1920년경), 캔버스에 유채
1886년 함멜레우, 덴마크 - 1940년 프레데릭스베르, 덴마크
막스 에른스트(Max Ernst) - 《흔들리는 여인》(La femme chancelante, 1923), 캔버스에 유채
1891년 브륄, 독일 - 1976년 파리, 프랑스
밀레나 파블로비치-바릴리(Milena Pavlović-Barili) - 《인형》(Lutka, 1936), 캔버스에 유채
1909년 포자레바츠, 세르비아 - 1945년 뉴욕, 미국
밀레나 파블로비치-바릴리(Milena Pavlović-Barili) - 《검은 팔이 있는 수수께끼 같은 구성》(Enigmatska kompozicija sa crnom rukom, 1932), 캔버스에 유채
1909년 포자레바츠, 세르비아 - 1945년 뉴욕, 미국
세르비아의 화가이자 시인, 패션 일러스트레이터이자 의상 디자이너인 밀레나 파블로비치-바릴리(Milena Pavlović-Barili)는 파리 초현실주의 서클에서 높은 평가를 받았다. 폴 발레리(Paul Valéry)는 "밀레나, 당신은 내가 글을 쓰는 것보다 그림을 더 잘 그리는군요."라고 언급했다. 스페인, 로마, 파리, 런던을 거쳐 그녀는 1939년 뉴욕으로 이주했다. 《검은 팔이 있는 토르소》(Torso with Black Arm)는 젠더 정체성의 구축을 가리키는 자동화된 양성구유의 신체를 묘사한다. 검은 손은 창조적 힘의 양가적인 상징으로 나타난다.
레오노르 피니(Leonor Fini) - 《코트와 세르지오가 있는 자화상》(Autoportrait avec Kot et Sergio (Kot Jelenski et Sergio Gajardo), 1952), 패널에 유채
1908년 부에노스아이레스, 아르헨티나 - 1996년 파리, 프랑스
두 명의 연인과의 삼각관계 속에서, 레오노르 피니(Leonor Fini)는 막연한 초록색을 배경으로 양성구유의 카리스마를 지닌 자신의 모습을 담아냈다. 왼쪽에는 폴란드의 지식인 콘스탄티(코트) 옐렌스키(Konstanty (Kot) Jeleński)가, 오른쪽에는 1952년 안치오에서 만난 20세의 칠레인 세르지오 가야르도(Sergio Gajardo)가 있다. 제2차 세계대전 이후, 피니는 퀴어 남성들과 장기적인 '메나주 아 트루아'(ménage à trois) 생활을 하며 성별, 성적 지향, 부르주아적 규범의 경직된 정의를 거부하는 대안적인 가정과 감정의 세계를 구축했다.
파벨 첼리체프(Pavel Tchelitchew) - 《암탉과 남자》(The Hen and the Man, 1934), 캔버스에 유채
1898년 두브로브카, 러시아 - 1957년 그로타페라타, 이탈리아
첼리체프(Pavel Tchelitchew)의 전기 작가 링컨 커스틴(Lincoln Kirstin)은 당시 그의 파트너였던 미국인 피아니스트 앨런 터너(Allen Tanner)가 튀니지에 머물 때 한 암탉이 다른 암탉들에게 잔인하게 공격당하는 것을 목격했다고 전한다. 《암탉과 남자》(The Hen and the Man)에서 첼리체프는 이 사건의 반향을 그렸다. "야상곡풍의 풍경이 거대한 새를 감싸고 있으며, 그 새는 인광을 내뿜는 수동적인 악몽 속에서 반듯이 누워 있는 벌거벗은 청년을 기세등등하게 바라보고 있다. 번개에 휩싸인 황홀경에 빠진 가금류는 묵시록 속에서 전율한다."라고 커스틴은 1994년에 썼다.
파벨 첼리체프(Pavel Tchelitchew) - 《내부 풍경》(Interior Landscape, 1947년경), 캔버스에 유채
1898년 두브로브카, 러시아 - 1957년 그로타페라타, 이탈리아
파벨 첼리체프(Pavel Tchelitchew)의 인광을 발하는 1940년대의 《내부 풍경》(Interior Landscape) 회화들은 미생물학과 원자 물리학에 대한 그의 관심에서 비롯되었다. 히로시마 사건 이후, 이 작품들은 핵 위협의 알레고리적 표현으로 이해되기에 이르렀다. 장기, 혈관, 신경계가 그 안에서 하나의 내부 지형으로 펼쳐진다. 이러한 초현대적인 'X선 회화'는 인간 신체의 신경 지점까지 꿰뚫어 볼 뿐만 아니라 개인적인 차원 내에서 그 경계를 해체하는 시각을 보여준다. 신체에 대한 해부학적 노출에도 불구하고, 첼리체프의 육체적 이미지들은 예상치 못한 매력을 유지하고 있다.
장 콕토(Jean Cocteau) - 《시인의 피》(Le Sang d'un poète, 1930), 디지털 비디오로 전송된 흑백 영화
1889년 메종라피트, 프랑스 - 1963년 밀리라포레, 프랑스
장 콕토(Jean Cocteau)는 문학, 시, 음악, 발레, 영화를 아우르는 퀴어 네트워크 내에서 활동했다. 그의 오르페우스 3부작 중 첫 번째 작품인 《시인의 피》(Le Sang d'un poète)는 호모에로틱한 이미지로 가득 차 있다. 시인은 거울을 통해 초현실적인 평행 세계로 들어가며, 그곳에서 자신의 공포와 욕망에 직면한다. 이 영화 클립에서 그는 열쇠구멍을 통해 성별이 모호한 인물(드래그 아티스트 바베트(Barbette)가 연기함)을 바라본다. 공포에 질린 시인은 상징적으로 자살을 선택하며 이를 변형의 행위로 수행한다.
