백-4, 19세기 문예사조 20세기 미술사 정리
유익한 19세기 20세기 문예사조 요약정리
· 19세기의 문예사조 역사를 이해하면 근현대 문화사의 많은 것을 이해하게 됩니다.
19세기 초 유럽은 정치적 영역뿐만 아니라 문화적 영역에서도 혁명을 목격했습니다. 오랫동안 널리 퍼져 있던 계몽주의 신념에 도전하게 된 낭만주의 (1800-1850)라는 새로운 문화 운동의 출현을 보았습니다. 계몽주의는 뉴턴이 물리적 세계에 대한 보편적인 법칙을 발견한 것처럼 철학자들 (볼테르, 루소)이 사회와 인간 행동에 적용되는 보편적인 법칙을 찾았던 18세기의 지적 운동이었습니다. 이 탐구에서 그들은 미신과 비이성주의에 대한 전통적인 기독교의 강조를 거부하면서 과학적 추론, 합리주의, 자유, 관용과 진보에 큰 중점을 두었습니다.
고갱이 고흐를 그린 그림..(고흐는 이 그림을 싫어하였다.)
1. 낭만주의: 낭만주의는 특히 예술과 문학에서 감정과 개성의 자유로운 표현을 옹호하며 나타났습니다. 낭만주의 시인 윌리엄 워즈워스, 블레이크, 키츠, 콜리지와 바이런(영국)과 프랑스 출신의 빅토르 위고(초기 생애)와 샤토브리앙과 같은 소수의 소설가, 존 콘스터블, JWM 터너, 카스파 프리드리히와 같은 화가와 베토벤과 슈베르트 같은 음악가들은 그들의 예술에서 열정, 개성, 감정 표현과 자발성을 강조했습니다. 그들은 여러 가지 점에서 계몽주의 신념을 거부했습니다.
첫째, 그들은 철학자들이 감정이 이성적 사고에 장애물이라고 느꼈기 때문에 계몽주의가 감정에 대한 제한을 거부했습니다. 낭만주의자들은 반대로 인간의 감정을 고양시켰고 과학적 합리성과 이성이 창의성을 무너뜨렸다고 주장했습니다. 윌리엄 블레이크는 그의 시 '밀턴'에서 독자에게 "베이컨, 로크, 뉴턴을 버리고" 자신을 "상상력"으로 옷을 입으라고 요구하는 과학적 추론에 대한 경멸을 표현했습니다.
둘째, 그들은 계몽주의 전통이 과도한 지성주의와 분석을 거부했습니다. 인간을 본질로 회복시키기 위해서는 과도한 지성화의 횡포로부터 해방되어야 한다고 주장하면서. 따라서 콜리지는 감정을 진실로 향하는 관문으로 간주하면서 "깊은 생각은 깊은 감정을 가진 사람에 의해서만" 달성될 수 있다고 주장했습니다.
셋째, 그들은 또한 계몽주의가 강조한 질서, 규칙 및 명확성을 거부했는데, 이로 인해 문학은 예를 들어, 렌메르시에가 설정한 비극에 대한 26가지 규칙과 그리스-로마 신화의 고전적 주제만을 묘사하는 시각 예술 세트에 따라 쓰여졌습니다. 따라서 문학에서 프랑스 신고전주의 비극과 영국 영웅 커플과 같은 형식적인 고전 문학 양식의 거부를 보고 영웅주의를 강조한 기사도적 모험의 중세 로맨스 이야기와 발라드를 선호했습니다. 그림에서 고전 신화적 주제들이 중세 주제, 영웅적이고 기이한 주제들을 선호하는 것을 볼 수 있었습니다. JMW 터너와 J. 콘스터블이 자연에서 영감을 받은 경외심, 아랍의 삶과 혁명 정치를 묘사한 유진 들라크루아 그림의 모험적인 주제를 묘사하기 위해 명암에 극적인 강조를 둔 풍경화입니다.
네 번째로 하나의 감정의 격발과 연결된 것은 계몽주의가 묘사한 인간들이 공유하는 보편적인 법칙들/특성들에 대한 강조보다는, 개성과 인간의 다양성에 대한 큰 강조였습니다. 그래서 낭만주의자들은 모두 베토벤의 격정적인 음악에서 언급된 것처럼, 그들의 내적인 열정을 표현하려고 노력했습니다. 마빈 페리는 문화의 표준화에 반대하는 낭만주의자들이 다양한 모국어들, 노래들, 신화들, 전설들을 부활시켜서 사람들의 고대 문화적 표현들의 다양성을 존중한다고 말합니다.
낭만주의는 또한 자연에 대한 숭배로 특징지어졌습니다. 낭만주의자들은 자연을 살아있고 신으로 가득 차 있을 뿐만 아니라 영감의 원천으로 여겼습니다. 이러한 숭배는 자연이 법에 의해 지배되는 생명이 없는 기계라는 계몽주의 관점과 산업혁명이 유럽의 자연 경관에 파괴되고 있는 대혼란에 대한 반응으로 나타났습니다.
윌리엄 블레이크와 같은 영국의 낭만주의 시인들은 영국 풍경에 점철된 "어두운 사탄 공장"을 애도했습니다. 시인 윌리엄 워즈워스는 예를 들어 "수선화"에서 자연으로부터 거대한 영감을 끌어냈고, "돌려진 테이블"에서 그는 자연을 책보다는 지식으로 가는 문으로 보았습니다. 자연에 대한 이러한 열정은 존 콘스터블과 JWM 터너와 같은 영국 화가들의 풍경화에서 주목받았습니다. 낭만주의자들은 또한 신이 자연에 보편적이고 자연과의 교감을 통해 그를 실현할 수 있다는 믿음을 선호하며, 신이 세상의 고독한 관찰자라는 계몽주의 개념을 거부했습니다. 마지막으로 낭만주의는 또한 계몽주의에 의해 미신으로 거부되었던 중세로부터 영감을 끌어냈습니다. 혁명이 증가하는 상황에서 낭만주의는 중세를 기사도적이고 영웅적인 행위의 시기이자 유럽이 통합되었던 조화의 시기로 돌아 보았습니다. 지적 수준에서 낭만주의는 본질적으로 사건과 인과 관계에 대한 과학적 확실성에 카스트 데뷔를 한 데이비드 흄의 회의론에서 표현되었고, 모든 지식은 경험에서 나온다는 것을 옹호했습니다. 페리에 따르면 낭만주의는 모더니즘 운동(20세기 초)과 같은 후기 운동에 영향을 미친 표현의 자유를 육성하면서 유럽 문화에 지속적인 영향을 미쳤고, 모더니즘 운동(20세기 초)과 언어의 부활을 통해 민족주의를 육성하고, 산업 자본주의를 공격하며 인도주의를 육성했습니다.
2. 사실주의: (1850-60년대) 1850년대까지 유럽에서 낭만주의의 지나친 감상주의에 대한 반작용과 과학의 진보와 가속화되는 산업 혁명의 반영으로서 많은 문화 운동이 나타났습니다. 예술과 문학에서 사실주의, 철학에서 - 실증주의, 지적 영역에서 - 다윈주의, 마르크스주의 그리고 자유주의의 출현을 보았습니다. 사실주의는 과도한 감상주의에 반대하여 나타났고, 내면의 자아에 초점을 맞추고, 낭만주의를 전형화한 목가적인 중세 과거의 묘사에 반대하여 나타났습니다.
사실주의자들은 현실에 가까운 현재를 감상성 없이 과학적인 방식으로 묘사하는 것을 목표로 했습니다. 그들은 만연한 사회적 조건과 일상 생활의 세부 사항과 같은 현대적 주제에 집중했습니다. 마빈 페리는 그들이 사람들이 어떻게 보이고, 일하고, 행동하는지를 임상적인 냉담함으로 분석했다고 말합니다. 따라서 예술에서 예술가 구스타브 쿠르베가 "살아있는 예술", 즉 서민/장면 노동자, 경작하는 소작농, 목욕장, 매장 등을 그리는 것을 선호하는 자연적이고 역사적인 주제들의 거부를 보았습니다. 구스타브 쿠르베, 카밀 코로, 샤르댕과 같은 현실주의 화가들은 쿠르베의 '오르낭의 매장'과 함께 천을 줍는 사람, 매춘부, 소작농, 거지 등의 수많은 장면을 그렸는데, 이는 매우 유명한 작품입니다. 문학에서 소설은 낭만주의자들이 선호했던 시와는 대조적으로 표현의 주요 매개체로 등장했습니다. 작가들은 사회적 학대와 인간의 행동과 삶의 추잡한 측면들과 같은 주제들을 다루었습니다. 그래서 영국에서 찰스 디킨스와 같은 소설가들이 올리버 트위스트와 하드 타임즈에서 영국 산업 노동의 도시의 추잡함과 난폭함을 다루는 것을 보았습니다. 소설가 윌리엄 태커레이는 사회적 결함과 가식적인 런던 사회를 묘사했습니다. 산업화에 직면하여 감소하는 영국의 시골 생활에 대한 주제는 조지 엘리엇의 '플로스 위의 방앗간'에서 볼 수 있듯이 영국에서도 인기가 있었습니다. 러시아에서는 니콜라이 고골이 농노의 부당함을 묘사했고, 레오 톨스토이의 '전쟁과 평화'는 러시아 귀족의 전망과 나폴레옹 침략의 비극을 묘사했습니다. 프랑스에서는 극작가 빅토르 위고가 그의 소설 레미제라블에서 가난한 사람들의 투쟁을 묘사했고, 오노레 드 발자크는 사회경제적 힘이 인간의 행동에 어떻게 영향을 미치는지 묘사했습니다.
3. 자연주의: 문학의 현실주의에서 진화하여 작가들이 인간의 행동과 사회적 환경 사이의 인과 관계를 증명하려고 노력하는 자연주의라고 알려진 운동의 성장을 보았습니다. 이 운동은 19세기 말까지 과학에 부착된 증가하는 명성 때문에 성장했습니다. 문학에서 개별 인물들은 그들의 환경의 무력한 산물로 보였습니다. 따라서 작가 에밀 졸라는 다윈이 인간의 신체적 발전을 위해 그랬던 것처럼 그의 소설에서 인간 발전의 법칙을 찾았습니다. 그는 빈민가, 매춘부, 광산 마을 등을 샅샅이 뒤지며 그의 소설 독일에서 볼 수 있듯이 사람들이 환경에 의해 어떻게 조건이 갖추어졌는지 조사했습니다. 노르웨이 극작가 헨리크 입센은 인형의 집과 같은 작품에서 부르주아들의 야망과 관계를 비슷한 정밀도로 조사했습니다. 예술에서 이 자연주의는 귀스타브 쿠르베와 테오도르 루소와 같은 화가들이 그들의 환경에 미치는 영향을 포착하기 위해 그들의 공통적인 주제를 스튜디오가 아닌 야외에서 그리기 시작했습니다.
고흐의 자화상과 그의 작품들 <별이 빛나는 밤에>
4. 인상주의: (1860년대 후반-1880) 미술의 자연주의는 인상주의에 바짝 따라 현대 미술의 시작을 알리는 인상주의가 뒤따랐는데, 이는 그것이 르네상스에서 바로 사실주의로 사용되고 받아들여진 그림의 양식/규칙에 도전한 첫 움직임이었기 때문입니다. 인상주의자들은 에두아르 마네, 클로드 모네, 오귀스트 르누아르, 카밀 피사로와 같은 프랑스 예술가들의 모임으로 1860년대 후반부터 1880년까지 전통적인 주제, 구도, 붓놀림, 색상 및 그림자로 결정적인 단절을 시작했습니다. 예술계의 혁명가들로 보이는 그들은 움직임, 빛 및 색상이 특정한 순간에 눈에 어떻게 나타나는지를 포착하는 것을 목표로 삼았습니다. 주제 면에서 그들은 풍경화, 현대 생활 철도, 대로, 사람들 등 사실주의적인 주제의 그림을 이어갔습니다. 그러나 에두아르 마네의 '풀밭에서의 점심'과 같은 일부 작품은 풀밭에서 나체의 여성이 두 명의 완전한 옷차림의 남성과 무심하게 앉아 있었기 때문에 혁명적으로 보였습니다. 그러나 그들의 가장 혁명적인 휴식은 스타일에 있었습니다. 그들은 야외에서 그림을 그리고 자연 환경에서 생명, 빛, 자연 및 사람들을 포착함으로써 스튜디오 내에서 그림을 그리는 전통적인 방법을 거부했습니다. 그들은 르네상스 선형 원근법, 선 및 3차원을 거부했고 윤곽 없이 색상이 서로 합쳐지는 것을 보았습니다. (c) 그들은 순수하게 밝은 색상을 사용했고 (낭만 화가들이 그랬던 것처럼) 색상을 혼합하고 검은색 또는 갈색 그림자를 사용하는 현대적인 관습을 거부했습니다. (d) 야외에서 그림을 그리면서 그들은 부드러운 필치의 르네상스 전통에 반하여 성급하게 조피한 회화 기법을 발전시켰습니다. 그들의 혁명적인 성격 때문에 그들의 작품은 파리의 살롱에서 받아들여지지 않았고 따라서 살롱 데 거부당(거부된 화가들을 위한)에 전시되었습니다. 모네는 그의 수련 연작으로 끝날 때까지 자연에 대한 빛의 효과를 포착하려는 목적에 충실한 그룹의 주요 이론가로 나타났습니다. 그러나 1880년까지 그룹은 자신의 길을 갔습니다.
인상주의는 이전의 것을 기반으로 만들어졌으며 주로 붓질을 느슨하게 하고 형식적인 직선적 관점을 버리고 예술적 실험을 이끌었던 인상주의에 많은 빚을 진 이후의 예술 운동으로 첫 근대 예술 운동으로 환영 받습니다. 1880년대부터 인상주의자들의 공간과 색상에 대한 강조에 더욱 혁명을 일으켰지만 또한 나중에 표현주의에 기여한 그들만의 매우 개인적인 스타일을 숙독한 후기 인상주의자들의 출현을 보았습니다. 빈센트 반 고흐는 별이 빛나는 밤에 밤하늘을 보는 그의 시각을 묘사하는 데 사용된 강렬한 색상에서 예술을 통해 색상과 개인적인 표현에 대한 매력을 보여주었습니다. 조르주 쇠라와 폴 시냐크는 빛이 스펙트럼의 다양한 입자로 만들어졌다는 현대 빛 이론에 대한 믿음으로 인해 그들의 캔버스를 작은 점의 페인트로 채우는 "점묘법"으로 알려진 새로운 기술을 개발했습니다.
지그문트 프로이트의 탐구나 상징주의의 잠재의식과 성장에 관심이 있었기 때문인지 오딜론 레돈 화가는 꿈 같은 이상한 캔버스를 이미지로 그렸습니다. 폴 세잔은 여러 평면에서 동시에 풍경과 정물을 탐구했습니다.
사람, 장소, 사물이 왜곡되거나 과장되기도 합니다. 심지어 자연이 왜곡되기도 합니다. 그 장면들은 적대적이고 소외된 현대 세계를 보여줍니다. 공격적이고 원색적인 붓질에 의해 불길한 느낌이 증폭됩니다.
빈센트 반 고흐에 의해 탈인상주의에서 내면을 표현하는 화풍이 열리는 시대가 되었습니다.
5. 상징주의: (1860년대-1880년대) 인상주의와 동시대에 1920-30년대에 문학 모더니즘의 전성기가 열렸음에도 불구하고 상징주의에 의해 촉발된 문학 모더니즘의 성장을 보았다. 스테판 말라르메, 샤를 보들레르, 아서 랭보 및 폴 베를렌과 같은 프랑스 시인들에 의해 주로 표현된 상징주의는 미묘하고 암시적이며 매우 상징적인 언어를 통해 개인의 감정적 경험을 표현하려고 했고, 따라서 이성을 강조하는 계몽주의 전통과 결별했습니다. 따라서 어떤 의미에서 그들은 개인주의와 감정적 표현의 초기 낭만주의 목표를 공유했지만 인상주의가 예술에서 그랬던 것처럼 그러한 표현의 새로운 스타일을 시작했습니다.
흥미롭게도 현실주의 작가 구스타브 플로베르는 직접적인 현실주의 스타일에 반대하면서 상징주의 성향을 처음으로 보여준 사람이었습니다. 그는 두 가지 수준에서 반대했습니다 - 첫째, 간통과 낭비가 그녀를 자살로 이끄는 불행한 가정부에 대한 이야기인 그의 소설 '보바리 부인'에서 주제 면에서. 플로베르가 도덕적인 이유로 보바리 부인을 비난하지 않았기 때문에 그의 작품은 도덕적 모호성으로 인해 비난을 받았습니다. 둘째로 그는 다양한 수준에서 작동하는 새로운 양식의 글쓰기를 개발함으로써 반대했습니다 - 때때로 그가 주인공 엠마의 눈에서 그리고 나서 갑자기 화자의 눈에서 글을 쓰는 것처럼.
샤를 보들레르는 상징주의의 탄생에 있어서 또 다른 영향력 있는 인물이었습니다. 그는 한 번의 감각적인 경험으로 인해 또 다른 감각을 만들어낼 수 있는 (예를 들어, 음악을 듣는 것이 촉각적인 인상을/색을 만들어낼 수 있는) 공감각 현상의 상징주의적인 개념을 발전시켰습니다. 말의 시에서 그의 시는 이것들이 그의 의식에 미치는 영향을 묘사하기 위해 신비한 강박적인 사적 상징 (예를 들어, 연인의 머리카락)을 사용함으로써 낭만주의 스타일과 결별했습니다. 그는 또한 산문과 시 사이의 전통적인 구별을 파괴했고 산문 시를 소개했습니다.
아서 랭보는 매우 창의적이지만 격동적이고 짧은 삶을 가졌던 또 다른 상징주의 시인이었습니다. 그는 순수한 것을 창조하기 위해 시인이 "선지자"임에 틀림없다고 느꼈습니다. 선지자가 되기 위해서는 시인이 익숙한 자신에게서 벗어날 수 있도록 극단적인 경험을 해야 합니다. 그는 또한 시인이 언어를 조종하여 일상적인 경계를 허물어야 한다고 주장했습니다. 이것은 다다이즘과 같은 후기 모더니즘에 큰 영향을 미쳤기 때문에 중요했습니다. 흥미롭게도 대부분의 상징주의 시인들은 한계를 밀어붙이는 것에 매료되었기 때문에 파란만장한 삶을 살았던 것으로 보입니다. 보들레르는 와인, 하시시, 아편을 과도하게 사용했습니다. 랭보가 시인 폴 베를렌(상징주의자이기도 한)과 파란만장한 성관계를 시작하는 동안, 한 때 권총으로 랭보에게 상처를 입히기도 했습니다.
스테판 말라르메는 또 다른 주요 상징주의 작가였습니다.
그는 부르주아의 기대에 부응하지 않는 글을 생산하고 그의 작품을 이해하는 "행복한 소수"에 만족함으로써 부르주아에 대한 경멸을 표현하여 예술가의 고립감을 극적으로 묘사한 것으로 인정받고 있습니다. 그와 그의 동시대 사람들이 개발한 상징주의적 글쓰기는 극도로 복잡하고, 작가가 경험한 상태를 표현하고 작가의 정신을 반영하는 상징들로 가득 차 있었습니다. 말라르메는 시에 관한 시를 쓰면서 전통으로부터 반대했습니다. 그는 또한 그의 시 "주사위 한 바퀴"에서 글자들을 직선으로 쓰는 대신 새로운 타이포그래피로 실험했습니다. 제임스 윈더스 상징주의 작가들은 예술이 세속적인 구원을 제공하고 일상 생활에서 벗어날 수 있다고 느꼈습니다.
· 20세기 미술사조 흐름
· Fauvism 야수파 (1905-1908)
· Expressionism 표현주의 (~1905-1920)
· Cubism 입체파 (1907-1914)
· Futurism 미래주의 (1909-1914)
· Dadaism 다다이즘 (1915-1924)
· Surrealism 초현실주의 (1924-1966)
· Abstract Expressionism추상표현주의 (1943-1965)
· Pop Art 팝 아트 (1950s-70s)
· Minimalism미니멀리즘 (1960s-70s)
· Postmodernism 포스트모더니즘 (1980s-current)
6. 입체파: 인상주의와 상징주의는 19세기 후반까지 예술과 문학에서 많은 아방가르드 운동의 시작을 20세기 초에 절정에 달했습니다. 입체파 (1906-1914)는 세잔과 같은 후기 인상주의자들로부터 차용하여 발전했습니다. 주로 파리에 근거지를 둔 스페인인 파블로 피카소와 프랑스인 조르주 브라크와 관련하여 입체파는 색상보다는 주로 형태의 구조에 관심이 있었습니다. 그들은 자연, 색상, 형태 및 질감을 정확하게 포착하려는 현실주의적이고 어느 정도 인상주의적인 목표를 거부했습니다. 대신 한 번에 여러 평면/물체의 조망을 묘사하는 것을 옹호했습니다. 그들은 선형 원근법과 3D 모델링의 전통적인 르네상스 기술에 대한 인상주의적 거부를 다음 수준으로 끌어올렸습니다. 색상은 구조/형태에 주의를 돌리지 않기 위해 뒷자리에 앉았습니다. 그들은 조각나고 평평해 보이는 단색의 고도로 서로 단절된 기하학적 그림을 그렸습니다. 피카소의 작품 아비뇽의 여인들 (1907)은 골절상을 입은 5명의 여성 누드를 묘사하는 스타일의 탄생을 기념했습니다. 입체파는 또한 새로운 기술을 개발했습니다. 초기 예술가들이 모두 신문, 담배 포장지 등을 사용해야 했기 때문에 유화 물감만을 사용하는 것을 거부했습니다. 그래서 그들은 "혼합 매체"의 사용을 개척했고 이후 움직임에 영향을 미칠 예술에서의 콜라주 기술을 개발했습니다. 문학의 입체파와 관련하여 시인 막스 제이콥과 G. 아폴리나이어는 문학 입체파에 해당하는 기이한 타이포그래피를 사용하는 것을 보았습니다.
7. 미래주의: 이탈리아에서 동시에 미래주의자들이라고 불리는 집단이 출현하는 것을 목격했는데, 그들은 입체파와 많은 친밀감을 공유했지만 더 "모더니즘"이었습니다. 1909년 미래주의는 그 집단의 주요 이론가인 필리포 마리네티가 파리의 신문인 "르 피가로"에 그의 성명서를 발표하면서 나타났습니다. 그는 '미래주의'라는 용어를 만들고 초기 예술을 버리고 기술 혁신을 축하한다고 불렀습니다. 과학적인 도약에 영감을 받은 그는 기술, 특히 기계와 자동차를 그것들의 속도와 아름다움에 감탄하게 미화했습니다. 예술에서 이것은 움베르토 보치오니, 자코모 발라 및 카로 카라와 같은 예술가 집단이 움직임, 속도 및 변화에 대한 인식을 시각적으로 묘사하도록 영감을 주었습니다.
19세기 유럽의 아트(미술)계와 문학계의 혁명적인 흐름을 이해하기 위해서 순수한 탐구정신을 <인문학 자기계발 카페>에서 나누고 있습니다.
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