사진에 관한 짧은 단상

214. 마이클 프리먼의 사진론

마이클 프리먼(Michael Freeman, http://www.michaelfreemanphoto.com/)은 영국의 작가, 사진가 및 기자이다. 오랫동안 〈스미소니언〉 잡지에서 30년동안 40편 이상의 과제를 수행했으며, ‘타임-라이프’, ‘내셔널 지오그래픽’을 위해서 일했다. 그는 앙코르, 수단, 동남아 소수민족, 셰이커, 일본등 다양한 주제를 다룬 147권의 책도 출간했다. 세계적인 베스트셀러인 《완벽한 사진 노출 Michael Freeman’s Perfect Exposure》 을 비롯한 30여 종이 넘는 사진 서적들을 저술하였다. 그의 책 중에서 네권의 책을 추천하고 싶다. 그중 3권은 번역되어 비즈앤비즈 출판사에 출판되어 있고, 한권은 출판되어 있지는 않다. 여담[餘談]이지만 마이클 프리먼의 책은 스토리라는 책을 번역하다가 책이 출간된 것을 알았다.

1.사진가의 마인드(photographer's mind): 대부분의 사진책들이 기술적인 면들을 소개하거나 너무 철학적인 이야기들을 하다 보면 실제적으로 필요한 부분들을 놓치기 쉽다. 프로와 아마추어들 사이에서 쉽게 설명되어지는 책들이 많지 않은데, 프리먼의 책들은 쉽게 잘 설명되어 있다. 사진가에게 있어서 사진을 찍기 이전에, 단순히 보이는 사물을 대하는 태도에서부터 사진가의 마음과 정신의 의도를 이해하는데 필요한 책이라 여겨진다. 이미지의 표현과 해석을 위해서 기초적인 과정들, 그리고 자신의 스타일을 만들기 위해서 어떤 노력을 해야할지 고민하게 하는 지점이다.

좋은 이미지가 가진 속성의 6가지

1) 일반적으로 만족스러운 것이 무엇인가를 이해해야 한다. 설령 어떤 이미지가 기술적이거나 미학적인 기본 사항들을 무시하고 있다 하더라도 그 이미지는 실제로 이런 기본적인 사항들을 알고 있다는 상황을 전제해야만 한다.

2) 자극하고 도발해야 한다. 어떤 사진이 흥미를 유발시키고 관심을 끌지 못한다면 그것은 단순히 그렇고 그런 사진에 지나지 않는다.

3) 다층적이어야 한다. 표면적으로 회화적이면서 거기에 더 깊은 의미를 가지고 있는 사진처럼 한 가지 차원 이상으로 작용하는 이미지가 더 좋은 효과를 발휘한다. 사진을 보는 사람들이 좀 더 많은 것을 발견하고 싶어지는 사진이다.

4) 문화적 맥락에 적절해야 한다. 사진은 사람들의 시각적 향유에서 큰 부분을 차지하고 있기 때문에 본질적으로 동시대적이어야 한다. 대부분의 사람들은 지금 여기서 벌어지는 일을 다루는 그런 사진을 좋아한다.

5) 아이디어를 가져야 한다. 예술작품은 어떤 것을 막론하고 그 안에 배어 있는 생각의 깊이를 가져야 한다. 이미지는 눈길을 끌고 보는 사람의 상상력을 붙잡아야 한다.

6) 사진이라는 매체에 충실해야 한다. 이것은 예술비평에 오래도록 유지되어온 견해로서 각 매체는 그 매체가 능숙하게 표현할 수 있는 것을 탐구하고, 철저히 이용해야 하며, 적어도 어떤 역설이 없는 한 다른 예술형식을 모방해서는 안 된다.

사진가의 마인드라는 책은 사실 사진가가 가져야할 태도, 윤리, 철학등이 좀 아쉬었지만, 사진가로서 어떤 정신과 의도로 접근해야 하는지를 설명해주고 있다.

2.사진가의 눈(photographer's eye): 이 책은 사진의 구도와 디자인에 대한 이야기를 한다. 사진가가 프레이밍이라는 작업을 할 때, 프레임을 구성하는 디자인적인 요소들을 설명한다. 어떻게 배치되며, 어떻게 관계하는지를 시각적인 원리를 전달한다. 총 10장(프레이밍, 배치, 분할, 그래픽, 시점, 광학, 움직임, 색, 병치, 혼합)으로 구성되어 있다. 자신의 생각과 의도를 프레임에 어떻게 구성할지에 대해서 이미지들을 더 많이 보고, 이해하는 데 도움을 줄 것이다. 사진은 기술적이고, 시각적이고, 개념적인 것이라고 그는 말한다.

3.사진가의 스토리(photographer's story): 사진은 스토리를 담고 있으며, 한 장의 사진에서 스토리텔링으로 확장할 수 있다. 유진 스미드의 포토스토리 작업이 그 단적인 예이다. 잡지 저널리즘에서 포토스토리와 포토에세이의 시각적 구성들에 대한 이야기이다.

다큐멘터리 르포르타주 사진가들 중에, 만일 당신이 충분히 숙련되고 주의 깊다면, 당신은 긴 캡션의 도움 없이, 하나의 싱글 이미지에서 한 스토리를 밝혀낼 수 있어야 한다. 앙리 까르띠에 브레송Henri Cartier-Bresson은, 하나의 훌륭한 이미지를 위해 차선으로 픽쳐 스토리를 보았고, 그것을 이렇게 적었다: “때때로 활력과 풍부함 같은 것을 가지고 있는 구성의 하나의 독특한 사진은 있고, 그 내용은 그것에서 외면을 발산시킨다, 이 싱글 사진은 그자체로 완전한 픽쳐 스토리이다.”

포토 스토리와 포토 에세이의 구성 형태가 신문이나 잡지에서 레이아웃으로 자리잡는 것 이외에도, 슬라이드 쇼나 웹과 새로운 매체로 확대 될 수 있을 것이다.

웹과 새로운 미디어에 관해 그렇게 일찍 많이 예측했던, 마샬 맥루한Marshall McLuhan은, 현대 미디어가 그들 자신의 문화를 만들고 그들의 청중에게 특별한 종류의 경험을 전달할 수 있을 것이다.

4.사진가의 비전(photographer's vision): 디지털과 핸드폰의 도래로 사진은 이제 작가들의 전유물이 아니다. 누구나에게 받아들여지는 사진은 이제 사진가의 비전을 재정립해야 한다고 생각된다. 사진의 역사 이래로 예술의 형태로 어떻게 현재 전시되고, 수집되고, 즐기게 되는 지 고민의 지점이고, 어떠한 예술 형식이 아니라도, “내가 그것을 어떤 주제로 사진을 만들고 즐길수 있는지”에 대한 경향을 설명해주는 책이다.

의도Intent는 사진가가 시작하려는 무엇이고, 스타일Style은 그가 그것을 하기로 결정하는 개개의 방식이고, 프로세스Process는 말하자면 현장에서, 일어나는 그것을 만드는 것이다. 사진을 읽는 것은 이 세 개를 해체하는 것을 의미한다.

Reading a photograph: ten questions to ask yourself

1) 당신의 첫 인상에 유의하라-당신에게 즉시 떠오르는 것? 첫 인상은 때때로 오랜 연구보다 한 이미지와 그 효과를 마음에 더 접근한다. 그러나, 약간의 이미지들은 다른 것들보다 빨리 강한 인상을 준다: 사진은 풍부한 색이 신중하게 보일 필요가 있는 개념적인 예술 이미지보다 강한 첫인상을 필연적으로 만들 것이다.

2) 어떤 사진의 장르가 그것에 속하고 있는가? 이것은 보통 꽤 명백하지만, 항상 그렇지는 않다. 풍경에서 정물을 위한 포츄레이트까지, 일반적으로 인정되었던 장르는, 앞의 38페이지에서, 다음 섹션을 시작하는 주제이다.

3) 의도된 사용은 무엇이었는가? 이것은 항상 명백하지 않고, 고려해야 하는 부당한 질문과 같을지도 모르지만, 동시에 그것은 종종 당신이 더 많이 이해하는 것을 도울 수 있다. 예를 들면, 뉴스 사진은 매우 특정의 약간의 목적들과 함께, 그리고 특별한 환경에서 촬영된다. 도움이 되는 3개의 주요한 그룹은 있다: 편집, 광고/상업, 그리고 예술. 이것들 내에서, 또한 다른 다이내믹한 것들은 있다, 뉴스와 피쳐 사진(편집의) 사이와, 고-노출, 고-프로파일 광고 사진과 기업의 연감 리포트사이에서와 같이.

4) 그 샷이 찍혔던 것에서 즉각적인 상황은 무엇이었는가? 바꾸어 말하면, 무엇이 사진가 주위에 진행되고 있었는가? 이것은 훨씬 관계가 있을 것이다, 말하자면, 스튜디오에서보다 거리 사진, 그러나 그것은 그 차이를 알기 위해 중요하다.

5) 그것은 계획되지 않거나 계획되었던 사진인가? 촬영 관점에서 이것은 모든 것의 가장 큰 차이 중의 하나이다. 진짜의 거리 샷은 완전히 계획되지 않았고, 스튜디오 샷은 모두 계획되지만, 둘 사이에서 거대한 범위는 있다. 그리고 스튜디오 셋업을 하는 동안 항상 그것이 있음직하게 보이는 것이고, 그와 같은 것은 르포르타지를 말했던 것은 아니다. 사진가들은 이미지에 대한 그들의 생각에 의한 작업을 만들려고 보통 노력하고 있고, 그래서 움직이기 위해 사람들에게 묻거나, 이것을 하거나, 그것을 하는 것을 그만두는 것은, 상당히 일반적이다. 그 이미지가 어느 정도 그것이 아니라고 나타내지 않는 한, 아무것도 본래적으로 이것과는 다르지 않다. 때로는, 계획과 조정은 속임수에 아주 가깝다(118 페이지를 보라).

6) 같은 상황에서 사진가로서 생각하는 것, 어떤 기술적인 항목들이 분명한가? 이것은 카메라(대형, 소형) 또는 조리개나 셔터 속도의 형식 같은 항목들이, 그 이미지에 중요한 영향을 끼치는 점에서 중요하다는 것을 주목한다. 예를 들면, 느린 셔터 속도는, 선이 되고 있는 모션을 알리지만, 다른 점에서 그것은 카메라 움직임에 의한 것이다. 그리고 어느 쪽이든 그것은 신중하거나, 정말로 필연적이거나, 심지어 부적당할지도 모른다.

7) 사진가들에 의해 사용된 어떤 명백한 스타일이나 습관이 있는가? 이것은 타이밍의 예상외의 선택에서 빛(182 페이지의 Trent Parke에 의한 이미지를 보라)에 대한 거장들의 취급까지 어떤 것일 수 있다. 약간의 이미지는 다른 것들보다, 말하자면, 많은 스타일을 드러내고 있다. 굴절되지 않는 다양성에서, 약간의 현대 예술 사진은, 이것이 그 자체로 스타일이 된다라고 하는 그런 정도에 명백한 스타일의 기술을 피한다!

8) 기본적인 것에 진지한 관심을 가지고, 그 샷의 목적은 무엇이었는가? 바꾸어 말하면, 사진가의 의도. 약간의 이미지들은 다른 것들보다 그것들 이면에 더 의식적인 목적을 가지고 있고, 그래서 그것은 거기에 있었던 것보다 더 많은 숙고를 믿는 오류를 범하기 쉽다. 그리고 좋은 사진은 지적일 필요는 없다-그것은 더 본능적일 수 있었고, 더 깊이 생각하지 않고, 그리고 그것을 위해 더 좋을 수 있었다.

9) 당신은 당신이 더 잘 이해하고 그 이미지를 감상하는 것을 도울 배경 정보를 빠뜨리고 있는가? 종종, 물론, 당신은 알지 못할지도 모르지만, 당신은 당신 스스로 생각할 때 시간들은 있다, 예를 들면, “만일 그 상황이 내가 그것으로 생각하는 것이었다면, 그것은 그것을 다루는 매우 똑똑한 방법이었다.” 또는 더 노골적으로 말하면, 그러나 불행하게도 더 일반적으로 최근에, 한 샷이 만일 그것이 포토샵하게 되었던 것으로 만들었다면 놀랄만한 가치가 없을 것이다.

10) 결국, 그 이미지를 작업했는가? 그것은 좋은가? 이것은 이전의 9개의 질문에 비추어서 그것을 평가하는 것을 의미한다. 그러나 그것은 또한 때때로 질문 8의 잔인한 판단이다. 당신은 단지 3개의 질문으로 사진의 판단을 추출할 수 있었다: 사진가가 시작하는 것은 무엇인가? 그／그녀는 그것을 어떻게 했는가? 그것은 성공했는가?