충북 쉐마 미술관 기탁작품들
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Mar 12. 2025
1. 제목: 본질, 점 시리즈
Size: 137 x 85 cm
제작연도: 1970
켄바스에 유화조영동 화백의 "본질, 점 시리즈"는 1970년대 한국 현대 미술의 실험적이고 전위적인 성격을 잘 보여주는 작품으로, 전통적인 회화의 틀을 벗어나 물성과 형태의 본질을 탐구하는 과정을 독창적으로 표현한 작품입니다. 이 작품은 캔버스 위에 휘발성 물질을 사용하여 색상을 번지게 하고, 기하학적 형태를 통해 본질적인 형태를 탐구하는 방식을 취하고 있습니다. 이러한 기법은 당시로서는 매우 혁신적이며, 회화의 물성과 우연성에 대한 깊은 고민을 반영합니다.
인상 및 느낌
이 작품은 현미경으로 확대한 생물학적 구조물을 연상시키는 동시에, 자연의 미세한 부분을 관찰하는 듯한 느낌을 줍니다. 단색의 사용, 특히 청색은 고려 청자의 청록색과 자연의 이끼를 연상시키며, 관람자로 하여금 자연의 신비로움과 초자연적인 아름다움을 동시에 느끼게 합니다. 작품 속에서 번지는 색상과 형태는 우연과 계산 사이의 미묘한 균형을 보여주며, 이는 작가의 의도된 미학적 선택과 물성의 자연스러운 흐름이 조화를 이루는 결과물입니다. 이러한 요소들은 관람자로 하여금 자연과 예술, 우연과 필연의 경계를 넘나드는 심층적인 사유를 하게 합니다.
미술사적 관점
조영동의 이 작품은 1970년대 한국 현대 미술의 실험적 성향을 대표하는 작품 중 하나로, 당시 미술계에서 활발히 진행되던 단색화 운동(Monochrome Movement)과도 깊은 연관성을 지닙니다. 단색화는 1970년대 한국 미술의 주요 흐름 중 하나로, 단순한 색상과 형태를 통해 본질적인 미학을 탐구하는 경향을 보였습니다. 조영동의 작품은 이러한 단색화의 정신을 공유하면서도, 휘발성 물질을 사용한 독창적인 기법을 통해 전통적인 회화의 한계를 넘어서는 새로운 가능성을 제시했습니다.
이 작품은 또한 **물성(Materiality)**과 **과정(Process)**에 대한 강조를 통해 미니멀리즘(Minimalism)과 개념 미술(Conceptual Art)의 영향을 받은 것으로 해석될 수 있습니다. 작가가 캔버스에 휘발유를 뿌리고 색상을 번지게 하는 과정은 작품의 완성된 형태뿐만 아니라, 그 제작 과정 자체를 중요시하는 개념 미술의 특성을 반영합니다. 이는 작품의 물리적 형태보다는 그背后에 있는 아이디어와 과정을 강조하는 현대 미술의 한 경향을 보여줍니다.
또한, 이 작품은 **추상 표현주의(Abstract Expressionism)**의 영향을 받은 것으로도 볼 수 있습니다. 추상 표현주의는 작가의 내적 감정과 무의식을 자유롭게 표현하는 것을 중시하는데, 조영동의 작품에서도 우연성과 자발성이 강조되는 점에서 이러한 맥락을 읽을 수 있습니다. 그러나 조영동은 이를 단순히 감정의 표현으로만 두지 않고, 본질적인 형태와 물성에 대한 탐구로까지 확장시킵니다.
결론
"본질, 점 시리즈"는 조영동 화백의 독창적인 미학적 탐구를 잘 보여주는 작품으로, 자연의 본질을 탐구하면서도 우연과 계산 사이의 미묘한 균형을 통해 관람자에게 깊은 사유를 유도합니다. 이 작품은 1970년대 한국 현대 미술의 실험적 성향과 단색화 운동의 맥락에서 중요한 위치를 차지하며, 동시에 물성과 과정에 대한 강조를 통해 현대 미술의 다양한 흐름과도 연결됩니다. 조영동의 이 작품은 전통적인 회화의 한계를 넘어서는 새로운 미학적 가능성을 제시하며, 한국 현대 미술사에서 중요한 이정표로 자리 잡고 있습니다.
2. 제목: 본질, 점 시리즈
Size: 146 x 112 cm
제작연도: 1970
켄바스에 유화
조영동 화백의 1970년대 "본질 시리즈" 중 이 작품은 점, 선, 흐름 등에 대한 본질적 탐구를 통해 물체와 인체의 구성 요소를 심층적으로 분석한 작품입니다. 이 작품은 마치 인체의 단면을 그린 듯한 느낌을 주거나, 해부학 책의 세포 사진을 보는 듯한 인상을 줍니다. 이는 관람자로 하여금 본질과 우주의 생성 원리에 대한 깊은 명상에 빠져들게 하며, 작품 속에서 우연과 필연이 조화를 이루는 색채의 조합은 관람자를 화면 너머 다른 차원으로 초대하는 힘을 가지고 있습니다.
1. 본질적 탐구와 우주의 생성 원리
이 작품은 점, 선, 흐름 등 기본적인 형태 요소를 통해 물체와 인체의 본질을 탐구합니다. 작가는 이러한 요소들을 통해 우주의 생성 원리와 생명의 근원을 상징적으로 표현합니다. 마치 인체의 단면을 확대한 듯한 형태는 생명의 미세한 구조를 연상시키며, 이는 작가가 생명의 본질을 탐구하는 과정을 보여줍니다.
작품 속에서 우연한 물감의 번짐과 레이어의 조합은 우연과 필연 사이의 균형을 보여줍니다. 이는 마치 우주의 생성 과정에서 일어나는 무수한 우연과 필연의 조화를 상징적으로 표현한 것으로, 관람자로 하여금 우주의 본질에 대한 깊은 사유를 하게 합니다.
2. 색채의 조합과 차원의 초월
이 작품은 색채의 조합을 통해 화면 너머 다른 차원으로 관람자를 초대하는 힘을 가지고 있습니다. 우연한 물감의 번짐과 레이어의 조합은 마치 우주의 생성 과정을 보는 듯한 느낌을 주며, 이는 작가의 내면적 사유와 우주의 본질을 탐구하는 과정을 상징합니다.
작품은 가까이서 볼 때와 멀리서 볼 때 시선의 집중 부분이 완전히 달라지며, 이는 관람자로 하여금 작품을 다양한 각도에서 바라보고 탐구하게 만듭니다. 시간의 흐름에 따라 발견하는 수없이 많은 부분들은 마치 생명을 탐구하는 과정처럼 끝없는 미지의 세계로 관람자를 인도합니다.
3. 생명의 탐구와 미지의 세계
이 작품은 생명의 본질을 탐구하는 과정을 상징적으로 표현합니다. 마치 해부학 책의 세포 사진을 보는 듯한 형태는 생명의 미세한 구조를 연상시키며, 이는 작가가 생명의 본질을 탐구하는 과정을 보여줍니다. 작품 속에서 발견하는 수없이 많은 부분들은 마치 생명의 신비를 탐구하는 과정처럼 끝없는 미지의 세계로 관람자를 인도합니다.
이러한 탐구 과정은 작가의 내면적 사유와 우주의 본질을 탐구하는 과정을 상징하며, 이는 관람자로 하여금 깊은 사유와 감정적 울림을 경험하게 합니다.
결론
조영동의 이 작품은 1970년대 "본질 시리즈" 중 하나로, 점, 선, 흐름 등 기본적인 형태 요소를 통해 물체와 인체의 본질을 탐구합니다. 이 작품은 마치 인체의 단면을 그린 듯한 느낌을 주거나, 해부학 책의 세포 사진을 보는 듯한 인상을 주며, 이는 관람자로 하여금 본질과 우주의 생성 원리에 대한 깊은 명상에 빠져들게 합니다. 작품 속에서 우연과 필연이 조화를 이루는 색채의 조합은 관람자를 화면 너머 다른 차원으로 초대하는 힘을 가지고 있으며, 이는 작가의 내면적 사유와 우주의 본질을 탐구하는 과정을 상징합니다. 조영동의 독창적인 미학적 탐구는 전통과 현대, 동양과 서양의 경계를 넘나드는 새로운 미학적 가능성을 제시하며, 관람자로 하여금 깊은 사유와 감정적 울림을 경험하게 합니다.
조영동 화백은 대한민국 현대사의 가장 아픈 시기를 관통하며 작품 활동을 이어온 작가입니다. 그의 작품은 단순히 미학적 아름다움을 넘어, 사회적 상처와 인간 본질에 대한 깊은 성찰을 담고 있습니다. 한국전쟁, 산업화, 민주화 운동 등 격변의 시대를 지나며, 그는 사회적 트라우마와 개인의 고통을 예술로 승화시켰습니다. 그의 추상 작품들은 이러한 역사적 경험을 바탕으로 인간 본질과 인간 존중에 대한 철학적 사유를 표현한 결과물입니다.
1. 역사의 아픔과 예술적 승화
조영동은 한국전쟁과 분단, 그리고 급속한 산업화로 인한 사회적 혼란 속에서 성장했습니다. 이러한 역사적 배경은 그의 작품에 깊은 영향을 미쳤습니다. 전쟁과 분단은 개인과 사회에 깊은 상처를 남겼고, 산업화는 전통적인 가치와 인간성의 상실을 초래했습니다. 조영동은 이러한 아픔을 예술로 승화시키며, 작품 속에 인간 본질과 사회적 치유에 대한 메시지를 담아냈습니다.
그의 작품은 마치 상처 입은 사회의 단면을 보는 듯한 느낌을 줍니다. 캔버스 위에 번지는 물감과 긁힌 자국은 사회적 트라우마와 개인의 고통을 상징적으로 표현합니다. 그러나 이러한 상처는 단순히 고통만을 나타내는 것이 아니라, 치유와 회복의 가능성을 암시합니다. 작품 속에서 우연과 필연이 조화를 이루는 과정은 상처를 극복하고 새로운 희망을 찾아가는 인간의 노력을 상징합니다.
2. 인간 본질에 대한 탐구
조영동의 작품은 인간 본질에 대한 깊은 탐구를 보여줍니다. 그는 인간의 내면적 정서와 기억, 그리고 존재의 본질을 추상적인 형태로 표현합니다. 그의 작품 속에서 나타나는 점, 선, 흐름은 인간의 감정과 사유를 상징하며, 이는 인간 본질에 대한 철학적 질문을 던집니다.
특히, 그의 작품은 인간의 존엄성과 존중을 강조합니다. 사회적 아픔과 개인의 고통 속에서도 인간은 자신의 본질을 지키고, 이를 통해 치유와 회복을 이루어낼 수 있다는 메시지를 담고 있습니다. 이는 작가가 역사적 트라우마를 극복하며 인간 본질에 대한 믿음을 잃지 않았음을 보여줍니다.
3. 인간 존중의 철학
조영동의 작품은 인간 존중에 대한 철학적 사유를 담고 있습니다. 그는 사회적 아픔과 개인의 고통 속에서도 인간의 존엄성을 지키는 것이 중요하다고 믿었습니다. 그의 작품은 이러한 믿음을 바탕으로, 인간 본질에 대한 깊은 존중을 표현합니다.
작품 속에서 나타나는 형태와 색채는 인간의 다양성과 개성을 상징합니다. 각각의 형태와 색채는 서로 다르지만, 하나의 작품 속에서 조화를 이루며 공존합니다. 이는 인간 사회의 다양성과 조화를 상징하며, 서로 다른 개인들이 하나의 공동체 속에서 존중받으며 살아가는 이상을 표현합니다.
4. 치유와 희망의 메시지
조영동의 작품은 상처와 고통을 넘어 치유와 희망의 메시지를 전달합니다. 그의 작품 속에서 나타나는 우연과 필연의 조화는 상처를 극복하고 새로운 희망을 찾아가는 과정을 상징합니다. 이는 작가가 역사적 트라우마를 극복하며 인간 본질에 대한 믿음을 잃지 않았음을 보여줍니다.
작품은 관람자로 하여금 자신의 내면적 상처와 고통을 직면하게 하며, 이를 통해 치유와 회복의 가능성을 발견하게 합니다. 이는 예술이 단순히 미학적 아름다움을 넘어, 인간의 내면적 치유와 사회적 회복에 기여할 수 있음을 보여줍니다.
결론
조영동 화백은 대한민국 현대사의 가장 아픈 시기를 관통하며, 사회적 상처와 인간 본질에 대한 깊은 성찰을 작품에 담아냈습니다. 그의 추상 작품들은 역사적 트라우마를 극복하며 인간 본질과 인간 존중에 대한 철학적 사유를 표현한 결과물입니다. 작품 속에서 나타나는 상처와 치유, 고통과 희망은 인간의 존엄성과 존중을 강조하며, 이는 작가가 역사적 아픔을 극복하며 인간 본질에 대한 믿음을 잃지 않았음을 보여줍니다. 조영동의 작품은 예술이 단순히 미학적 아름다움을 넘어, 인간의 내면적 치유와 사회적 회복에 기여할 수 있음을 보여주는 중요한 예시입니다. 그의 철학적 정신은 전통과 현대, 동양과 서양의 경계를 넘나드는 새로운 미학적 가능성을 제시하며, 관람자로 하여금 깊은 사유와 감정적 울림을 경험하게 합니다.
공상 시리즈의 긁기 작업:
조영동 화백이 그림을 여러 방향으로 돌리며 중력을 초월하는 차원을 표현한 것은 그의 작품에서 매우 독창적이고 혁신적인 접근 방식입니다. 이 기법은 전통적인 회화의 한계를 넘어서는 새로운 미학적 가능성을 탐구하며, 작품에 깊이와 역동성을 더합니다.
중력을 초월하는 차원의 표현
조영동은 캔버스를 세로, 가로, 거꾸로 등 다양한 방향으로 돌리며 양손으로 긁기 작업을 수행합니다. 이 과정에서 중력의 영향을 받지 않고, 캔버스의 모든 면을 균등하게 다루는 방식은 작품에 독특한 공간적 깊이와 역동성을 부여합니다. 이는 전통적인 회화에서 일반적으로 캔버스를 한 방향으로 고정시켜 작업하는 방식과는 대조적이며, 작품이 중력에서 벗어난 또 다른 차원의 효과를 만들어냅니다.
미학적 의미
이러한 작업 방식은 작품의 물리적 형태뿐만 아니라, 그 제작 과정 자체를 중요시하는 개념 미술(Conceptual Art)의 특성을 반영합니다. 작가가 캔버스를 돌리며 긁는 과정은 작품의 완성된 형태보다는 그背后에 있는 아이디어와 과정을 강조하는 현대 미술의 한 경향을 보여줍니다. 이는 작품이 단순히 시각적 아름다움을 넘어, 그 제작 과정과 작가의 내면적 고민을 포함하는 다층적인 의미를 지니게 합니다.
관람자와의 상호작용
이 기법은 관람자에게도 독특한 경험을 제공합니다. 빛과 관람자의 각도에 따라 작품의 모습이 달라지며, 이는 작품을 바라보는 경험을 더욱 신비롭고 다층적으로 만듭니다. 관람자는 작품을 다양한 각도에서 바라보며, 그때마다 새로운 시선과 해석을 발견할 수 있습니다. 이는 작품과 관람자 사이의 상호작용을 강화시키며, 작품을 단순히 감상하는 것을 넘어, 적극적으로 탐구하고 사유하게 만듭니다.
결론
조영동의 이러한 작업 방식은 중력을 초월하는 차원을 표현하며, 전통적인 회화의 한계를 넘어서는 새로운 미학적 가능성을 제시합니다. 이는 작품에 깊이와 역동성을 더하며, 관람자로 하여금 작품을 다양한 각도에서 바라보고 탐구하게 만듭니다. 이러한 접근 방식은 현대 미술의 다양한 흐름과 연결되며, 조영동의 독창적인 미학적 탐구를 잘 보여줍니다. 그의 작품은 단순한 시각적 아름다움을 넘어, 그 제작 과정과 작가의 내면적 고민을 포함하는 다층적인 의미를 지니며, 관람자로 하여금 깊은 사유와 감정적 울림을 경험하게 합니다
부분3. 제목: 공상 시리즈
Size: 66 x 48 cm
제작연도: 1985
조영동 화백의 "공상(空-想) 시리즈" 중 하나인 이 작품은 1980년대 한국 현대 미술의 독창적인 실험 정신을 잘 보여주는 작품입니다. 이 시리즈는 캔버스에 레이어를 만들고 나이프나 못, 쇠 등으로 긁어내는 기법을 사용하여, 물성과 표면의 변화를 탐구하는 과정을 중시합니다. 이 작품은 특히 넓은 칼로 캔버스를 긁어 단색의 화면을 분산시키는 방식으로, 마치 꽃잎이 떨어지거나 핏자국이 번지는 듯한 이미지를 연상시킵니다. 이러한 표현 방식은 관람자로 하여금 끝없는 명상에 빠지게 하는 동시에, 작가의 내면적 서정성을 느끼게 합니다.
인상 및 느낌
이 작품은 단순한 색상과 긁힌 자국을 통해 깊은 정서적 울림을 전달합니다. 분홍색의 사용은 작가의 부인이 사랑하던 진달래꽃을 연상시키며, 한국적 정서와 자연에 대한 그리움을 담아내고 있습니다. 긁힌 자국은 마치 시간의 흔적이나 기억의 상처를 보여주는 듯하며, 이는 빠르게 변화하는 도시 속에서 상실된 자연과 인간의 서정적인 면을 상징적으로 표현합니다. 작품은 단순해 보이지만, 그 속에는 깊은 내면적 고민과 정서가 담겨 있습니다.
미술사적 관점
이 작품은 1980년대 한국 현대 미술의 중요한 흐름 중 하나인 **물성 회화(Material Painting)**와 깊은 연관성을 지닙니다. 물성 회화는 재료의 물리적 특성을 강조하고, 회화의 표면을 변형시키는 방식으로 본질적인 미학을 탐구하는 경향을 보입니다. 조영동의 이 작품은 캔버스를 긁어내는 방식을 통해 표면의 질감과 색상의 변화를 탐구하며, 이는 물성 회화의 핵심적인 특징을 잘 보여줍니다.
또한, 이 작품은 **추상 표현주의(Abstract Expressionism)**와도 연결됩니다. 추상 표현주의는 작가의 내적 감정과 무의식을 자유롭게 표현하는 것을 중시하는데, 조영동의 작품에서도 긁힌 자국과 단색의 사용을 통해 작가의 내면적 정서와 기억을 표현하고 있습니다. 특히, 분홍색의 사용은 한국적 정서를 담아내며, 이는 전통적인 한국 미술의 색채 감각과 현대적 추상의 결합을 보여줍니다.
이 작품은 또한 **단색화 운동(Monochrome Movement)**과도 관련이 있습니다. 단색화는 1970년대부터 한국 미술계에서 중요한 흐름으로 자리 잡았으며, 단순한 색상과 형태를 통해 본질적인 미학을 탐구하는 경향을 보입니다. 조영동의 이 작품은 단색의 화면을 긁어내는 방식을 통해 단색화의 정신을 계승하면서도, 독창적인 기법을 통해 새로운 가능성을 제시합니다.
결론
조영동의 이 작품은 1980년대 한국 현대 미술의 실험적 정신을 잘 보여주는 작품으로, 물성과 표면의 변화를 탐구하는 과정을 통해 깊은 내면적 정서를 표현합니다. 분홍색의 사용은 한국적 정서와 자연에 대한 그리움을 담아내며, 긁힌 자국은 시간의 흔적과 기억의 상처를 상징적으로 보여줍니다. 이 작품은 물성 회화, 추상 표현주의, 단색화 운동 등 다양한 미술사적 흐름과 연결되며, 한국 현대 미술사에서 중요한 위치를 차지합니다. 조영동의 독창적인 미학적 탐구는 전통과 현대의 경계를 넘나드는 새로운 미학적 가능성을 제시하며, 관람자로 하여금 깊은 사유와 감정적 울림을 경험하게 합니다.
부분4. 공상 시리즈
Size: 130 x 97 cm
제작연도: 1986
조영동 화백의 "공상(空-想) 시리즈" 중 하나인 이 작품은 1980년대 한국 현대 미술의 실험적이고 철학적인 성격을 잘 보여주는 작품입니다. 이 시리즈는 캔버스에 여러 겹의 물감과 석회 등을 바르고, 나이프나 못, 쇠 등으로 표면을 긁어내는 독특한 기법을 사용하여, 물성과 시간의 흔적을 탐구하는 과정을 중시합니다. 이 작품은 마치 스크린이 종료되고 잔상이 스쳐가는 듯한 이미지를 연상시키며, 작가의 깊은 고민과 성찰, 명상을 담아내고 있습니다.
인상 및 느낌
이 작품은 단순한 색상과 긁힌 자국을 통해 깊은 정서적 울림을 전달합니다. 긁힌 자국은 마치 시간의 흔적이나 기억의 상처를 보여주는 듯하며, 이는 빠르게 변화하는 현대 사회 속에서 상실된 것들에 대한 작가의 성찰을 상징적으로 표현합니다. 작품은 단순해 보이지만, 그 속에는 깊은 내면적 고민과 정서가 담겨 있습니다. 빛과 관람자의 각도에 따라 달라지는 시선의 집중은 작품을 바라보는 경험을 더욱 신비롭고 다층적으로 만듭니다.
미술사적 관점
이 작품은 1980년대 한국 현대 미술의 중요한 흐름 중 하나인 **물성 회화(Material Painting)**와 깊은 연관성을 지닙니다. 물성 회화는 재료의 물리적 특성을 강조하고, 회화의 표면을 변형시키는 방식으로 본질적인 미학을 탐구하는 경향을 보입니다. 조영동의 이 작품은 캔버스를 긁어내는 방식을 통해 표면의 질감과 색상의 변화를 탐구하며, 이는 물성 회화의 핵심적인 특징을 잘 보여줍니다.
또한, 이 작품은 **추상 표현주의(Abstract Expressionism)**와도 연결됩니다. 추상 표현주의는 작가의 내적 감정과 무의식을 자유롭게 표현하는 것을 중시하는데, 조영동의 작품에서도 긁힌 자국과 단색의 사용을 통해 작가의 내면적 정서와 기억을 표현하고 있습니다. 특히, 작품을 그릴 때 캔버스를 여러 방향으로 돌리며 양손으로 긁는 작업은 중력에서 벗어난 또 다른 차원의 효과를 만들어내며, 이는 전통적인 회화의 한계를 넘어서는 새로운 가능성을 제시합니다.
이 작품은 또한 **단색화 운동(Monochrome Movement)**과도 관련이 있습니다. 단색화는 1970년대부터 한국 미술계에서 중요한 흐름으로 자리 잡았으며, 단순한 색상과 형태를 통해 본질적인 미학을 탐구하는 경향을 보입니다. 조영동의 이 작품은 단색의 화면을 긁어내는 방식을 통해 단색화의 정신을 계승하면서도, 독창적인 기법을 통해 새로운 가능성을 제시합니다.
결론
조영동의 이 작품은 1980년대 한국 현대 미술의 실험적 정신을 잘 보여주는 작품으로, 물성과 표면의 변화를 탐구하는 과정을 통해 깊은 내면적 정서를 표현합니다. 긁힌 자국은 시간의 흔적과 기억의 상처를 상징적으로 보여주며, 빛과 관람자의 각도에 따라 달라지는 시선의 집중은 작품을 바라보는 경험을 더욱 신비롭고 다층적으로 만듭니다. 이 작품은 물성 회화, 추상 표현주의, 단색화 운동 등 다양한 미술사적 흐름과 연결되며, 한국 현대 미술사에서 중요한 위치를 차지합니다. 조영동의 독창적인 미학적 탐구는 전통과 현대의 경계를 넘나드는 새로운 미학적 가능성을 제시하며, 관람자로 하여금 깊은 사유와 감정적 울림을 경험하게 합니다
5. 공상 시리즈
Size: 130 x 90 cm
제작연도: 1986
조영동 화백의 "공상(空-想) 시리즈" 중 이 작품은 화면이 나누어지면서 형태를 나타내는 독특한 특징을 지니고 있습니다. 이 작품은 마치 지푸라기의 한 부분이나 흙에서 나오는 모종을 연상시키는 형태를 통해, 추상과 구상의 경계를 넘나드는 시도를 보여줍니다. 이러한 형태의 변형은 작가의 깊은 명상과 기억의 끝자락이 만나는 듯한 느낌을 주며, 관람자로 하여금 작품 속에 담긴 내면적 정서와 철학적 사유를 느끼게 합니다.
인상 및 느낌
이 작품은 화면이 나누어지고 형태가 나타나는 과정을 통해, 추상적 요소와 구체적 형태 사이의 균형을 탐구합니다. 마치 지푸라기나 모종을 연상시키는 형태는 자연의 생명력과 성장을 상징하며, 이는 작가가 그리워하던 자연과 인간의 서정적인 면을 표현한 것으로 해석될 수 있습니다. 작품은 명상의 끝자락과 기억의 끝자락이 만나는 듯한 느낌을 주며, 관람자로 하여금 깊은 사유와 정서적 울림을 경험하게 합니다.
미술사적 관점
이 작품은 1980년대 한국 현대 미술의 중요한 흐름 중 하나인 **물성 회화(Material Painting)**와 깊은 연관성을 지닙니다. 물성 회화는 재료의 물리적 특성을 강조하고, 회화의 표면을 변형시키는 방식으로 본질적인 미학을 탐구하는 경향을 보입니다. 조영동의 이 작품은 캔버스를 긁어내고 형태를 나타내는 방식을 통해 표면의 질감과 색상의 변화를 탐구하며, 이는 물성 회화의 핵심적인 특징을 잘 보여줍니다.
또한, 이 작품은 **추상 표현주의(Abstract Expressionism)**와도 연결됩니다. 추상 표현주의는 작가의 내적 감정과 무의식을 자유롭게 표현하는 것을 중시하는데, 조영동의 작품에서도 긁힌 자국과 형태의 변형을 통해 작가의 내면적 정서와 기억을 표현하고 있습니다. 특히, 화면이 나누어지고 형태가 나타나는 과정은 추상과 구상의 경계를 넘나드는 시도로, 이는 전통적인 회화의 한계를 넘어서는 새로운 가능성을 제시합니다.
이 작품은 또한 **단색화 운동(Monochrome Movement)**과도 관련이 있습니다. 단색화는 1970년대부터 한국 미술계에서 중요한 흐름으로 자리 잡았으며, 단순한 색상과 형태를 통해 본질적인 미학을 탐구하는 경향을 보입니다. 조영동의 이 작품은 단색의 화면을 긁어내고 형태를 나타내는 방식을 통해 단색화의 정신을 계승하면서도, 독창적인 기법을 통해 새로운 가능성을 제시합니다.
결론
조영동의 이 작품은 1980년대 한국 현대 미술의 실험적 정신을 잘 보여주는 작품으로, 물성과 표면의 변화를 탐구하는 과정을 통해 깊은 내면적 정서를 표현합니다. 화면이 나누어지고 형태가 나타나는 과정은 추상과 구상의 경계를 넘나드는 시도로, 이는 전통적인 회화의 한계를 넘어서는 새로운 미학적 가능성을 제시합니다. 이 작품은 물성 회화, 추상 표현주의, 단색화 운동 등 다양한 미술사적 흐름과 연결되며, 한국 현대 미술사에서 중요한 위치를 차지합니다. 조영동의 독창적인 미학적 탐구는 전통과 현대의 경계를 넘나드는 새로운 미학적 가능성을 제시하며, 관람자로 하여금 깊은 사유와 감정적 울림을 경험하게 합니다.
1. 공상(空-想)의 철학적 의미
"공상(空-想)"이라는 제목은 동양 철학, 특히 불교와 도교의 사유에서 큰 영향을 받은 것으로 보입니다. "空(공)"은 불교에서 말하는 '공(空, Śūnyatā)'의 개념과 연결지어 생각할 수 있습니다. 공(空)은 모든 것이 실체가 없고, 무상하며, 상호의존적으로 존재한다는 철학적 사유를 담고 있습니다. 이는 현실의 모든 것이 고정된 실체가 아니라, 끊임없이 변화하고 흐르는 과정임을 의미합니다. 조영동의 작품에서 캔버스를 긁어내고 형태를 번지게 하는 과정은 이러한 '공'의 개념을 시각적으로 표현한 것으로 볼 수 있습니다. 작품 속에서 형태가 나타났다 사라지는 과정은 실체가 없는 세계, 즉 '공'의 세계를 상징적으로 보여줍니다.
"想(상)"은 '생각', '기억', '상상'을 의미합니다. 이는 작가의 내면적 사유와 기억, 그리고 상상력이 작품에 투영된 것을 나타냅니다. 따라서 "공상(空-想)"은 실체가 없는 세계에서 작가의 내면적 사유와 기억이 만나 새로운 형태로 재구성되는 과정을 의미합니다.
2. 명상과 기억의 끝자락
조영동의 작품은 명상적 성격이 강합니다. 명상은 내면으로의 침잠을 통해 사물의 본질을 직관적으로 이해하려는 과정입니다. 작가는 캔버스에 여러 겹의 물감을 바르고, 그것을 긁어내는 반복적인 행위를 통해 명상의 상태에 접어듭니다. 이 과정에서 작가는 자신의 내면적 기억과 감정을 작품에 투영합니다. 긁힌 자국과 번진 형태는 마치 기억의 파편처럼 작품 속에 남아 있습니다.
"기억의 끝자락"이라는 표현은 작가의 과거 경험, 특히 자연과의 교감에서 비롯된 감정과 기억이 작품 속에 스며들어 있음을 의미합니다. 이 기억은 단순히 개인적인 차원을 넘어, 보편적인 인간의 경험과 연결됩니다. 작품 속에서 형태가 흐릿하게 나타났다 사라지는 것은 기억이 시간의 흐름 속에서 점차 희미해지고, 새로운 형태로 재구성되는 과정을 상징적으로 보여줍니다.
3. 자연의 형태로의 변모
조영동의 작품에서 나타나는 형태는 마치 지푸라기, 모종, 또는 자연의 미세한 부분을 확대한 듯한 느낌을 줍니다. 이는 작가가 자연을 단순히 외형적으로 재현한 것이 아니라, 자연의 본질적인 생명력과 성장의 과정을 추상적으로 표현한 것입니다. 자연은 작가에게 단순한 대상이 아니라, 생명의 근원이자 시간의 흐름을 상징하는 존재입니다.
작품 속에서 형태가 나타나는 과정은 자연의 생성과 소멸의 순환을 연상시킵니다. 마치 씨앗이 땅에서 싹을 틔우고, 성장하며, 결국 다시 흙으로 돌아가는 과정처럼, 작품 속 형태는 생성과 소멸의 순환을 반복합니다. 이는 동양 철학에서 말하는 '생생(生生)', 즉 끊임없이 생성하고 변화하는 우주의 원리를 반영합니다.
4. 관념적, 철학적 통합
조영동의 작품은 공상(空-想), 명상, 기억, 그리고 자연의 형태를 하나의 통합된 관념적 체계로 연결시킵니다. 이 과정은 다음과 같이 요약될 수 있습니다:
공상(空-想): 실체가 없는 세계에서 작가의 내면적 사유와 기억이 만나 새로운 형태를 생성합니다.
명상: 작가는 반복적인 작업을 통해 내면으로 침잠하며, 사물의 본질을 직관적으로 이해합니다.
기억의 끝자락: 작가의 과거 경험과 감정이 작품 속에 희미하게 남아, 시간의 흐름 속에서 재구성됩니다.
자연의 형태: 기억과 명상의 결과물은 자연의 생성과 소멸의 순환으로 변모하며, 생명의 근원을 상징합니다.
이러한 과정은 동양 철학의 '공(空)', '무(無)', '생생(生生)'과 같은 개념을 현대 미술의 언어로 재해석한 것으로 볼 수 있습니다. 조영동은 전통적인 동양 철학을 현대적 추상의 형식으로 표현함으로써, 관람자로 하여금 자연과 인간, 시간과 기억의 본질에 대해 깊이 사유하게 합니다.
6. 공상 시리즈
Size: 52 x 50 cm
제작연도: 1986
조영동 화백의 1980년대 "공상(空-想) 시리즈" 중 이 작품은 단색에서 색채를 담아가는 과정을 통해, 이후 1990년대와 2000년대의 "자연 천지창조 토양 시리즈"로 이어지는 중요한 연결고리를 보여줍니다. 이 작품은 단순한 단색의 사용을 넘어, 다양한 색채의 층위를 탐구하며, 자연의 우연성과 유동성을 표현하는 데 초점을 맞추고 있습니다. 이 작품은 작가의 미학적 진화를 보여주는 중요한 이정표로, 자연과 인간, 시간과 기억의 본질을 탐구하는 과정을 담고 있습니다.
1. 색채의 진화와 자연으로의 연결
이 작품은 단색에서 색채를 담아가는 과정을 통해, 이후 작가의 "자연 천지창조 토양 시리즈"로 이어지는 색채의 열쇠를 쥐고 있습니다. 1980년대의 이 작품은 단색의 단순함을 넘어, 다양한 색채의 층위를 탐구하며, 자연의 풍부한 색감을 예비하는 듯한 느낌을 줍니다. 이는 작가가 자연의 본질을 탐구하는 과정에서 색채의 중요성을 점차 깨달아가고 있음을 보여줍니다.
1990년대와 2000년대의 "토양 시리즈"는 이러한 색채의 탐구를 더욱 심화시킨 작품들로, 자연의 토양과 생명력을 다양한 색채로 표현합니다. 이 시리즈는 자연의 생성과 소멸, 그리고 생명의 근원을 탐구하며, 1980년대의 "공상 시리즈"에서 시작된 색채의 실험이 완성된 형태로 나타납니다.
2. 우연과 유동의 느낌
이 작품은 긁힌 선 하나하나가 모두 다른 형태와 색채를 담고 있어, 자연의 우연성과 유동성을 강조합니다. 작가는 겹겹의 색깔 레이어를 입히고, 그 위를 긁어내는 과정에서 각 선이 서로 다른 색채와 형태를 드러내도록 합니다. 이는 마치 자연의 풍경이 시간과 공간에 따라 끊임없이 변화하는 것처럼, 작품 속에서도 색채와 형태가 유동적으로 변화하는 느낌을 줍니다.
이러한 우연성과 유동성은 자연의 본질을 상징적으로 표현합니다. 자연은 고정된 형태가 아니라, 끊임없이 변화하고 흐르는 과정입니다. 작가는 이러한 자연의 특성을 작품 속에 담아내며, 관람자로 하여금 자연의 생명력과 시간의 흐름을 느끼게 합니다.
3. 농부의 호미질 작업과의 유사성
작가는 이 작품의 제작 과정을 농부의 호미질 작업에 비유했습니다. 농부가 땅을 일구고 씨앗을 심는 과정처럼, 작가는 캔버스에 색채의 레이어를 입히고, 그 위를 긁어내는 반복적인 작업을 통해 작품을 완성합니다. 이 과정은 자연의 생성과 소멸, 그리고 생명의 근원을 상징적으로 표현합니다.
농부의 호미질 작업은 자연과 인간의 조화를 상징하며, 이는 작가가 자연의 본질을 탐구하는 과정에서 중요한 영감으로 작용했습니다. 작품 속에서 색채와 형태가 변화하는 과정은 마치 농부가 땅을 일구며 새로운 생명을 탄생시키는 것처럼, 작가가 캔버스 위에 새로운 세계를 창조하는 과정을 보여줍니다.
4. 초자연적 명상의 세계
이 작품은 설치 높이나 조명에 따라 완전히 다른 색감과 볼륨을 나타내며, 이는 초자연적 명상의 세계로 관람자를 인도합니다. 작품을 바라보는 각도와 빛의 조건에 따라 색채와 형태가 변화하는 것은 마치 자연의 풍경이 시간과 공간에 따라 달라지는 것처럼, 작품 속에서도 다양한 해석과 경험이 가능함을 보여줍니다.
이러한 초자연적 명상의 세계는 작가의 내면적 사유와 자연의 본질을 탐구하는 과정을 상징합니다. 작품은 단순히 시각적 아름다움을 넘어, 관람자로 하여금 깊은 사유와 감정적 울림을 경험하게 합니다.
결론
조영동의 이 작품은 1980년대 "공상 시리즈"에서 시작된 색채의 탐구를 통해, 이후 1990년대와 2000년대의 "자연 천지창조 토양 시리즈"로 이어지는 중요한 연결고리를 보여줍니다. 이 작품은 단순한 단색의 사용을 넘어, 다양한 색채의 층위를 탐구하며, 자연의 우연성과 유동성을 표현합니다. 작가는 농부의 호미질 작업을 비유하며, 자연의 생성과 소멸, 그리고 생명의 근원을 상징적으로 표현합니다. 이 작품은 초자연적 명상의 세계로 관람자를 인도하며, 자연과 인간, 시간과 기억의 본질에 대한 깊은 사유를 유도합니다. 조영동의 독창적인 미학적 탐구는 전통과 현대, 동양과 서양의 경계를 넘나드는 새로운 미학적 가능성을 제시하며, 관람자로 하여금 깊은 사유와 감정적 울림을 경험하게 합니다.
7. 공상 시리즈
Size: 66 x 48 cm
제작연도: 1981
조영동 화백의 1980년대 초반 "공상(空-想) 시리즈" 중 이 작품은 당대의 사회적 아픔과 작가의 내면적 고민을 단색으로 압축하여 표현한 작품입니다. 이 시리즈는 흑백에 가까운 단색화로, 역사의 상처와 분열된 시대적 상황을 직관적으로 보여주며, 작가의 침묵과 명상을 통해 시대를 향한 정신적 저항을 담아냈습니다. 이 작품은 단순히 미학적 아름다움을 넘어, 역사적 트라우마와 인간 본질에 대한 깊은 성찰을 담고 있습니다.
1. 역사의 아픔과 사회적 반영
1980년대 초반은 한국 현대사에서 가장 격변의 시기였습니다. 정치적 억압, 경제적 불평등, 사회적 갈등이 극에 달했던 이 시기에 조영동은 역사의 상처를 작품 속에 담아냈습니다. 이 작품은 흰색과 검은색만을 사용하여 단순하면서도 강렬한 메시지를 전달합니다. 흑백의 대비는 분열된 사회와 상처 입은 시대를 상징하며, 이는 작가가 당대의 아픔을 직관적으로 표현한 결과물입니다.
작품 속에서 나타나는 침묵과 명상의 분위기는 작가가 시대를 향해 던지는 정신적 저항을 보여줍니다. 이는 마치 붓으로 시대를 향해 침묵과 명상의 전쟁을 선포한 지성인의 모습을 연상시킵니다. 작가는 역사의 상처를 예술로 승화시키며, 이를 통해 사회적 치유와 인간 본질에 대한 깊은 사유를 작품 속에 담아냈습니다.
2. 단색의 미학과 내면적 고민
이 작품은 흰색과 검은색만을 사용한 단색화로, 단순하면서도 강렬한 미학적 효과를 보여줍니다. 단색의 사용은 작가의 내면적 고민과 아픔을 압축적으로 표현하며, 이는 관람자로 하여금 작품 속에 담긴 깊은 메시지를 직관적으로 느끼게 합니다.
흑백의 대비는 분열된 생각과 상처 입은 시대를 상징하며, 이는 작가가 당대의 아픔을 직관적으로 표현한 결과물입니다. 작품 속에서 나타나는 침묵과 명상의 분위기는 작가가 시대를 향해 던지는 정신적 저항을 보여줍니다. 이는 마치 붓으로 시대를 향해 침묵과 명상의 전쟁을 선포한 지성인의 모습을 연상시킵니다.
3. 침묵과 명상의 정신적 저항
이 작품은 침묵과 명상을 통해 시대를 향한 정신적 저항을 표현합니다. 작가는 역사의 상처를 예술로 승화시키며, 이를 통해 사회적 치유와 인간 본질에 대한 깊은 사유를 작품 속에 담아냈습니다. 이는 작가가 당대의 아픔을 직관적으로 표현한 결과물입니다.
작품 속에서 나타나는 침묵과 명상의 분위기는 작가가 시대를 향해 던지는 정신적 저항을 보여줍니다. 이는 마치 붓으로 시대를 향해 침묵과 명상의 전쟁을 선포한 지성인의 모습을 연상시킵니다. 작가는 역사의 상처를 예술로 승화시키며, 이를 통해 사회적 치유와 인간 본질에 대한 깊은 사유를 작품 속에 담아냈습니다.
4. 국립현대미술관의 소장품
이당시 공상시리즈는 국립현대미술관에 소장되어 있을 만큼, 한국 현대 미술사에서 중요한 위치를 차지합니다. 이는 작가가 당대의 아픔을 직관적으로 표현한 결과물이며, 한국 현대 미술의 중요한 흐름 중 하나인 단색화 운동의 맥락에서도 중요한 의미를 지닙니다.
결론
조영동 화백의 이 작품은 1980년대 초반의 사회적 아픔과 작가의 내면적 고민을 단색으로 압축하여 표현한 작품입니다. 이 작품은 단순히 미학적 아름다움을 넘어, 역사적 트라우마와 인간 본질에 대한 깊은 성찰을 담고 있습니다. 작품 속에서 나타나는 침묵과 명상의 분위기는 작가가 시대를 향해 던지는 정신적 저항을 보여줍니다. 이는 마치 붓으로 시대를 향해 침묵과 명상의 전쟁을 선포한 지성인의 모습을 연상시킵니다. 조영동의 독창적인 미학적 탐구는 전통과 현대, 동양과 서양의 경계를 넘나드는 새로운 미학적 가능성을 제시하며, 관람자로 하여금 깊은 사유와 감정적 울림을 경험하게 합니다.
8. 토양, 율동
Size: 60x60 cm
제작연도: 1992
조영동 화백의 1990년대 "토양, 율동, 천지창조 시리즈" 중 이 작품은 자연의 생성과 역동성을 표현한 독창적인 작품입니다. 이 작품은 작가가 자유로운 명상의 끝자락에서 표현의 확장을 시도하며, 자연의 생명력과 에너지를 캔버스 위에 담아냈습니다. 이 작품은 단순히 시각적 아름다움을 넘어, 자연의 본질과 생성의 힘을 관람자에게 전달하는 힘을 가지고 있습니다.
1. 자연의 생성과 역동성
이 작품은 자연의 생성과 역동성을 강조합니다. 작품 속에서 나타나는 식물의 줄기나 뿌리 같은 형태는 자연의 생명력을 상징하며, 이는 마치 자연이 끊임없이 생성하고 변화하는 과정을 보는 듯한 느낌을 줍니다. 작가는 이러한 형태를 통해 자연의 에너지와 힘을 표현하며, 이는 관람자로 하여금 자연의 본질을 느끼게 합니다.
작품 속에서 나타나는 색채의 진동은 자연의 역동성을 상징합니다. 이는 마치 자연의 환경을 돌파하며 삶을 만들어 나가는 모든 생명체들의 축제를 보는 듯한 느낌을 줍니다. 작품은 이러한 역동성을 통해 관람자에게 끝없는 생성의 힘과 에너지를 전달합니다.
2. 독창적인 기법과 재료의 혼합
이 작품은 석회와 물감 등 다양한 재료를 혼합하여 독창적인 기법을 사용했습니다. 이는 작가가 전통적인 회화 기법을 넘어서는 새로운 표현 방식을 탐구한 결과물입니다. 작품 속에서 나타나는 질감과 색채의 조합은 절대로 모방할 수 없는 독특한 미학적 세계를 구축합니다.
이러한 기법은 작가가 자연의 본질을 탐구하는 과정에서 중요한 도구로 사용되었습니다. 작품 속에서 나타나는 형태와 색채는 자연의 생명력과 에너지를 상징하며, 이는 작가의 내면적 사유와 자연의 본질을 탐구하는 과정을 보여줍니다.
3. 명상과 표현의 확장
이 작품은 작가가 자유로운 명상의 끝자락에서 표현의 확장을 시도한 결과물입니다. 작가는 명상을 통해 내면적 사유를 깊이 탐구하며, 이를 작품 속에 표현합니다. 이 과정에서 작가는 자연의 본질과 생성의 힘을 탐구하며, 이를 캔버스 위에 담아냈습니다.
작품은 이러한 명상과 표현의 확장을 통해 관람자로 하여금 자연의 본질을 느끼게 합니다. 이는 작가가 자연과 인간, 시간과 기억의 본질에 대한 깊은 사유를 작품 속에 담아낸 결과물입니다.
결론
조영동 화백의 이 작품은 1990년대 "토양, 율동, 천지창조 시리즈" 중 하나로, 자연의 생성과 역동성을 표현한 독창적인 작품입니다. 이 작품은 단순히 시각적 아름다움을 넘어, 자연의 본질과 생성의 힘을 관람자에게 전달하는 힘을 가지고 있습니다. 작가는 석회와 물감 등 다양한 재료를 혼합하여 독창적인 기법을 사용하며, 이는 절대로 모방할 수 없는 독특한 미학적 세계를 구축합니다. 이 작품은 작가가 자유로운 명상의 끝자락에서 표현의 확장을 시도하며, 자연의 본질과 생성의 힘을 탐구한 결과물입니다. 조영동의 독창적인 미학적 탐구는 전통과 현대, 동양과 서양의 경계를 넘나드는 새로운 미학적 가능성을 제시하며, 관람자로 하여금 깊은 사유와 감정적 울림을 경험하게 합니다.
9. 토양, 율동
Size: 30 x 97 cm
제작연도: 1997
조영동 화백의 이 작품은 1990년대 그의 가장 활발한 창작 활동 시기를 대표하는 강렬한 에너지와 열정을 담은 작품입니다. 이 작품은 마그마가 바위를 녹이며 새로운 시작을 향해 나아가는 듯한 강렬한 이미지를 통해, 작가의 삶에 대한 열정과 창조적 에너지를 표현합니다. 강한 붉은색과 검은색의 조화는 관람자에게 강렬한 감정적 울림을 전달하며, 이는 작가의 내면적 열정과 새로운 시작에 대한 의지를 상징합니다.
1. 마그마와 새로운 시작의 상징
이 작품은 마그마가 바위를 녹이며 새로운 시작을 향해 나아가는 듯한 강렬한 이미지를 통해, 작가의 삶에 대한 열정과 창조적 에너지를 표현합니다. 마그마는 지구 내부의 뜨거운 에너지를 상징하며, 이는 작가의 내면적 열정과 새로운 시작에 대한 의지를 상징합니다. 작품 속에서 나타나는 강렬한 붉은색은 마그마의 뜨거운 에너지를 상징하며, 이는 작가의 내면적 열정과 창조적 에너지를 표현합니다.
2. 강렬한 색채와 에너지
이 작품은 강렬한 붉은색과 검은색의 조화를 통해 관람자에게 강렬한 감정적 울림을 전달합니다. 붉은색은 열정과 에너지를 상징하며, 검은색은 깊이와 강렬함을 상징합니다. 이 두 색채의 조화는 작품에 강렬한 에너지를 부여하며, 이는 관람자로 하여금 작품 속에 담긴 메시지를 직관적으로 느끼게 합니다.
3. 작은 크기, 강한 존재감
이 작품은 작은 크기이지만 공간을 압도하는 강한 존재감을 가지고 있습니다. 이는 작가의 내면적 열정과 창조적 에너지가 작품 속에 압축적으로 표현된 결과물입니다. 작품은 단순히 시각적 아름다움을 넘어, 관람자로 하여금 깊은 감정적 울림을 경험하게 합니다.
4. 1990년대의 실험적 기법
이 작품은 1990년대 조영동 화백이 색채와 기법을 자유롭게 시도하던 시기를 대표하는 작품입니다. 이 시기는 작가가 다양한 실험적 기법을 통해 자신의 미학적 세계를 확장하던 시기로, 이 작품은 그러한 실험적 정신을 잘 보여줍니다. 작품 속에서 나타나는 색채와 형태의 조화는 작가의 내면적 열정과 창조적 에너지를 표현하며, 이는 관람자로 하여금 작품 속에 담긴 메시지를 직관적으로 느끼게 합니다.
결론
조영동 화백의 이 작품은 1990년대 그의 가장 활발한 창작 활동 시기를 대표하는 강렬한 에너지와 열정을 담은 작품입니다. 이 작품은 마그마가 바위를 녹이며 새로운 시작을 향해 나아가는 듯한 강렬한 이미지를 통해, 작가의 삶에 대한 열정과 창조적 에너지를 표현합니다. 강렬한 붉은색과 검은색의 조화는 관람자에게 강렬한 감정적 울림을 전달하며, 이는 작가의 내면적 열정과 새로운 시작에 대한 의지를 상징합니다. 조영동의 독창적인 미학적 탐구는 전통과 현대, 동양과 서양의 경계를 넘나드는 새로운 미학적 가능성을 제시하며, 관람자로 하여금 깊은 사유와 감정적 울림을 경험하게 합니다.
>> 위에 소개한 9점의 그림은 유족의 뜻에 따라 쉐마 미술관에 기탁되어 그 홍보와 전시 그리고 판매가 이루어 집니다.
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schemaartmuseum.com
