물감, 피그먼트의 과학과 역사

내가 알고 있는 색이 맞을까?

Aug 25. 2021

서양에서의 ‘컬러’, 빛의 조각

우리는 흔히 ‘색’과 ‘컬러’를 같은 뜻으로 사용한다. 그러나 서양에서 컬러는 조금 다른 접근을 해왔다.

‘컬러(color)’라는 단어는 ‘덮다, 가리다’라는 고대어에서 비롯되었다. 물체의 본래 색을 숨기고, 빛에 반사되는 색을 드러낸다는 개념이다. 그래서 서양에서는 색소·페인트·염료 산업과 함께 컬러 개념이 발전했고, 세분화된 색조(tint)가 문화 속에 뿌리내렸다.

훗날 모네와 인상파 화가들이 보여준 것처럼, 서양 미술은 색을 단순한 상징으로 보지 않았다. 물감의 질감, 빛의 반사, 색조의 미묘한 차이를 통해 세계를 새롭게 바라보는 방법이었다.

피그먼트, 우리가 알고 있는 색이 맞을까?

어릴 적, 물감을 섞어 놀면서 한 번쯤 이런 생각을 해봤을 것이다.

노랑 + 파랑 = 초록

단순한 공식처럼 보이지만, 색은 겉으로 보기보다 훨씬 복잡하다.

색은 재료, 물성, 배합, 빛이 모두 맞아떨어져야 비로소 우리가 기대하는 결과를 보여준다.

내가 색채학을 공부하며 깨달은 것은, 색을 정의하고 이해하는 일 자체가 하나의 긴 여정이라는 것이다. 그 시작에는 언제나 색소(Pigment)와 제형(Texture), 그리고 발색을 돕는 첨가제가 있다.

선사시대의 안료, 자연을 실험한 최초의 화가들

북부 스페인의 알타미라 동굴에는 약 2만 년 전, 누군가가 벽에 붉은 들소를 그렸다. 사슴, 말, 멧돼지도 그 뒤를 이었다. 단순한 스케치가 아니다. 벽의 요철을 활용한 입체감, 빛의 각도에 따른 명암, 점묘법과 색 대비까지 오늘날 미술 교과서에서 배우는 기법들이 이미 적용되어 있다.

그 시대의 사용한 재료도 놀라웠다.

● 붉은색과 주황 : 산화철, 황토

● 검정 : 목탄, 망간 산화물

● 노랑과 갈색 : 흙과 광물

● 안료 고정 : 화석 호박 가루

붉은색과 주황은 산화철과 황토, 검정은 목탄과 망간 산화물, 노랑과 갈색은 흙과 광물에서 얻었다. 심지어 화석 호박 가루를 결합제로 섞어 안료를 고정하기도 했다. 눈에 보이는 것을 그대로 옮긴 것이 아니라, 실험과 관찰을 거듭하며 자신들만의 컬러 레시피를 만들어낸 것이다.

수만 년이 지난 지금도 그 색이 또렷한 이유는 동굴 덕분이다. 석회암 벽은 외부와 차단되어 온도와 습도가 일정했고, 자연은 그들의 감각을 지우지 않았다. 그래서 우리는 여전히 그 숨결을 마주할 수 있다.

안료와 염료, 색을 만드는 두 가지

인류가 색을 다루는 방법은 크게 두 가지로 나뉜다.

안료(Pigment): 색을 ‘덮어내는’ 방식. 물, 기름, 유기용제 속에 녹지 않고 표면에 분산되어 색을 드러낸다. 립스틱, 파운데이션, 물감 등 발색과 커버력이 중요한 재료가 대표적이다.

염료(Dye): 색을 ‘스며들게’ 하는 방식. 물이나 기름 같은 용매에 녹아 대상에 흡수되며 착색한다. 샴푸, 로션, 아이섀도 등 다양한 화장품과 천연 직물에 쓰인다.

안료, 색을 ‘덮어내는’ 기술

표면 위에서 빛나는 안료, 속으로 스며드는 염료—두 가지 방법으로 색은 우리에게 다가온다.

우리가 아는 물감이 대표적이다. 안료는 물, 기름, 유기용제 등에 녹지 않고 그 안에 분산되어 색을 낸다. 이런 특성 덕분에 립스틱, 파운데이션, 아이섀도처럼 커버력과 발색이 중요한 제품에서 핵심 재료로 쓰인다.

안료는 유기 안료와 무기 안료로 나뉜다. 유기 안료는 색이 선명하고 착색력이 뛰어나지만, 용제에 쉽게 녹거나 지속력이 떨어진다. 반면 무기 안료는 돌, 흙, 광물에서 얻어 색 안정성이 높고, 빛과 열, 세탁에도 강하다. 오래전 선사시대 인류가 동굴 벽화에 사용한 재료도 바로 무기 안료였다.

합성 안료와 현대 컬러의 세계

19세기 화학 기술의 발전은 인류가 색을 다루는 방식을 근본적으로 바꿨다. 천연 안료와 염료의 한계를 넘어 합성 안료와 물감이 등장하며, 색은 대중화되고 예술적 표현도 폭발적으로 확장된다.

대표적인 합성 안료와 색

크로뮴 옐로우(Chromium Yellow): 1809년경 개발, 강렬한 노랑을 안정적으로 구현 가능. 풍경화와 인상파 화가들이 주로 활용했다.

울트라마린 블루(Ultramarine Blue, 합성): 천연 청금석 대비 저렴하고 안정적. 1828년 독일에서 합성법 확립했다.

카민 레드(Carmine Red, 합성): 기존 코치닐 대비 선명하고 다양한 톤 조절 가능했다.

크롬 그린(Chrome Green), 코발트 블루(Cobalt Blue), 푸르시안 블루(Prussian Blue): 명암 대비와 점묘법 실험에서 자주 사용되곤 했다.

합성 안료는 화가들에게 채도와 색 대비, 입체감을 정교하게 다룰 수 있는 새로운 가능성을 열어주었다. 인상파는 자연광 속에서 색의 변화와 반사를, 신인상파와 후기 인상파는 점묘와 구조를 통해 감정과 입체감을 극대화했다. 회화의 확장은 곧 인쇄, 직물, 페인트, 화장품 산업으로 이어졌고, 대중매체와 패션, 광고 속에서도 색은 사회적·문화적 메시지를 전달하는 언어가 되었다. 19세기의 합성 안료 혁신은 단순한 화학 기술을 넘어, 오늘날 우리가 누리는 다채로운 색채 경험의 출발점이 되었다.

염료, 색이 스며드는 기술

염료는 색이 ‘스며드는’ 방식입니다.

물이나 기름 같은 용매 속에서 천천히 대상에 스며들어 착색하며, 직물, 종이, 피부, 머리카락 등 다양한 표면을 물들입니다. 대부분 유기 화합물로 이루어져 있으며, 물에 녹는 수용성 염료와 오일에 녹는 유용성 염료로 나뉩니다. 전자는 샴푸, 로션처럼 워터 베이스 제품에, 후자는 립스틱이나 아이섀도 같은 오일 베이스 화장품에 사용되죠.

염료는 천연과 인공으로 나뉩니다. 인류는 오랜 세월 동안 식물 뿌리, 열매, 동물 분비물에서 색을 얻었습니다. 예를 들어, 붉은색은 꼭두서니 뿌리에서, 청색은 쪽잎에서, 자주색은 패자에서 추출했죠.

현대 대부분의 염료는 합성입니다. 1856년, 영국의 윌리엄 퍼킨이 만든 보라색 ‘모브(mauve)’는 산업, 예술, 미용 분야에 큰 전환점을 만들었습니다. 이후 염료는 직접염료, 산성염료, 반응성염료, 형광염료 등으로 다양해졌고, 각 용도와 재료에 맞게 세분화되었습니다. 특히 형광염료는 소량만으로도 백색을 밝게 만들며 ‘빛의 마법’을 보여줍니다.

조색의 비밀

현대의 물감 조색도 기본 원리는 비슷하다. 같은 조건의 물감, 같은 제형, 같은 비율이 아니면 색이 정확히 나오지 않는다. 어릴 때 알고 있던 생각과 달리, “노랑과 파랑을 섞으면 초록이 되는데.. 왜 내가 만든 색은 이상하게 나오는 걸까?”

직접 실험해본 결과:

노랑 + 파랑 ≠ 초록?

물에 희석된 노랑 색소 입자 + 물에 희석된 파랑 색소 입자 ≠ 물에 희석된 초록 색소 입자

첫 번째 시도는 간단했다. 노랑 2g과 파랑 2g을 똑같이 섞어 보았다. 그런데 화면에 나타난 색은 우리가 알고 있는 초록이 아니라, 회색빛이 도는 미묘한 색이었다. “왜 초록이 안 나오지?” 의문이 꼬리를 물었다.

두 번째 시도에서는 조금 변화를 주었다. 노랑 2g과 파랑 2g에 정제수 1ml를 섞어 물감 입자를 더 잘 풀어보았다. 결과는 약간 파란빛이 도는 색이 나왔다. 여전히 초록은 아니었다. 작은 물방울 하나가 전체 색을 바꿨지만, 완벽한 초록에는 한참 부족했다.

궁금증을 참지 못하고 현미경으로 들여다보았다. 놀랍게도, 노랑 색소 입자가 파랑보다 훨씬 컸다. 눈에 보이지 않던 작은 차이가, 눈으로 보는 색에는 큰 영향을 준 것이다. 입자의 크기 때문에, 색은 서로 섞이지 않고 따로 존재했다.

결국, 원하는 색을 얻지 못하는 이유는 세 가지로 정리된다.

색소 입자의 크기 차이 – 입자가 다르면 섞여도 새로운 색으로 합쳐지지 않는다.

제형의 차이 – 물감이나 페인트의 점도와 성질에 따라 색이 다르게 발현된다.

전색제의 존재 여부 – 채도를 높여주는 성분이 있느냐에 따라 색의 선명도가 달라진다.

여기서 주목할 점은, 색은 단순히 섞는 것만으로 나오지 않는다는 것이다.

재료와 기술, 물리적 성질까지 이해해야 원하는 색을 만들 수 있다.

점묘, 입체감, 그리고 색의 활용

인류가 색을 사용하기 시작한 순간부터, 단순한 그림 그리기는 곧 빛과 감각을 탐구하는 실험이었다.

약 2만 년 전, 알타미라 동굴의 고대 예술가들은 단순히 동물을 묘사하는 데 그치지 않았다. 점묘법과 색 대비, 명암 계산, 그리고 벽의 요철과 굴곡을 활용해, 들소와 말이 마치 지금 막 움직일 듯한 생명력을 얻도록 만들었다. 붉은색과 검은색, 노란색으로 이루어진 점들은 멀리서 보면 한 장면처럼 보이지만, 가까이 다가가면 작은 색점들이 빛과 그림자, 입체감을 만들어내는 세심한 배열임을 알 수 있다.

예를 들어, 알타미라의 들소 그림에서는 몸통과 다리 부분에 검은 점과 붉은 점을 섞어, 단순한 평면 그림이 아니라 동물이 몸을 비비며 움직이는 느낌을 주었다. 사람의 눈은 이 점들을 결합해 입체와 동작을 인식하게 되는데, 고대 예술가들은 이미 인간의 시각과 빛의 상호작용을 직관적으로 이해하고 있었던 것이다.

중세와 근세의 예술가들도 이 점묘의 원리를 응용했다. 천연 염료를 활용해 직물과 장식, 회화 작품에 색을 입히며, 빛과 색의 상호작용, 채도와 명암, 대비를 세심히 계산했다. 점을 반복하고 색을 층층이 겹치며, 평면 위에서 입체와 깊이를 만들어낸 것이다. 예를 들어, 르네상스 화가들은 인물의 피부를 표현할 때, 붉은색과 노란색 점을 섞어 미세한 혈색과 질감을 살렸고, 배경에서는 파란색과 회색 점을 배치해 공간감을 만들었다.

현대에 이르러서는, 무기·유기 안료와 전색제를 활용해 점묘법과 색 대비를 더욱 정교하게 구현할 수 있다. 화장품에서는 피부 톤과 조화를 이루는 맞춤색을 만들고, 회화에서는 수천 가지 색조와 질감, 디지털 환경에서는 빛과 픽셀로 새로운 색 경험을 제공한다. 과거의 점 하나하나가, 오늘날의 색조와 질감, 디지털 표현으로 이어지는 인류의 색 실험과 기술의 흐름인 셈이다.