Not To Be A Photojournalist

Hagaman Dianne

How I Learned Not To Be A Photojournalist

Acknowledgments

많은 사람들은 내가 이 책에서 드러냈던 그 작업을 하는 것을 도왔다, 그리고 나는 그들 모두에게 감사하다: 선더 버드 의회Thunderbird House에서 일하는 사무원과 주재사무관들, 특히 Dave Albert and Ernie Turner; 내가 다녔던 전도단과 교회로부터의 사람들, 특히 Dianne Quast, Greg Alex, Fran과 Lee Chase, Linda Larsen, Gracie Brooks, John Nelson, Susan Kresge, Jim Fergin, Gladys Boswell, Orvel Kester, 그리고 Bud Cripes; 시애틀 타임즈Seattle Times에서의 나의 이전의 동료, 특히 Kathy Andrisevic와 Gary Settle, 그리고 헤럴드The Herald지의 Rich Shulman (in Everett, Washington); 워싱턴 대학에서 사진을 가르쳤던 나의 선생님들과 동료 학생들, 특히 Vicki Demetre, Marilyn Evans, Sarah Hart, Ron Carraher, 그리고 Chris Christofides; 그리고 여러 경우에서 원고를 읽고 논평했던 친구들: Mary Jo Neitz, John Hall, Jay Ruby, Harvey Molotch, Doug Harper, Bruce Jackson, Diane Christian, Michael Joyce, 그리고 Howie Becker.

이 책은 워싱턴 대학 사진학과에서 MFA 프로젝트로서 시작되었다. 나는 Paul Berger에게 특별히 감사한다, 그는 내가 그것을 하는 동안 나에게 조언을 했다. 이 책의 초기 버전은 스티븐스Stephens 대학의 Curved Entrance Gallery에서 전시로서 나타났다. 나는 또한 Jan Colbert에게도 특별히 감사한다, 그는 전시와 이 책을 디자인했다.

Photojournalism

1980년대에, 나는 알코올 중독 치료 프로그램에 관한 연구로서 시작했지만 결국 종교에 초점을 맞추었던 사진적인 프로젝트를 시작했다: 특히, 미국 종교 단체를 나타내는 성직자hierarchy와 성차별에 관해. 나는 시애틀에서 신문 포토 저널리스트로서 몇년 동안 일했었다, 거기서 그 프로젝트를 하게 되었다, 그리고 다른 곳에서도. 처음에, 내가 일간지에서 일했던 경험과 지식은 내가 했던 것과 내가 얻었던 결과들에 대한 주요한 영향이었다. 나는 내가 그 때 보았던 것으로서 그 주제에 관해 해야 했던 유일한 학습learning을 생각했다: 알코올 중독 치료. 나는 내가 사진에 관해 당연한 것으로서 알고 있었던 것을 찍었다. 그것은 내가 확신할 수 있었던 어렵게 얻은 기술이었다. 나는 "좋은good" 사진이 무엇인지에 관해 알았다, 그리고 내가 그것을 보았을 때 나는 좋은 작업임을 알고 있었다. 그것은 그 때 나에게 생기지 않았고 상당한 양의 나의 현지 작업은 내가 그 "좋은" 것보다 더 충분히 공부하고 있었던 것의 나의 이해를 전달했던 사진을 만드는 방법의 탐구exploration 일 것이다.

그러나 나의 주제는 전개됐고, 그래서 내가 만들었던 그런 사진도 했다. 그들은 변해야 했다, 왜냐하면, 기본적인 방식에서, 신문 포토저널리즘의 규약들은 내가 보고 있었던 것에 관한 나의 생각에 대해 탐색과정working-through과 표현을 방해했기 때문이다. 내가 종교를 조사했던 것처럼, 나는 신문 스토리로서 부적당했던 아이디어를 발전시키기 시작했다, 비록 그것들이 원근법perspective으로부터의 매우 좋은 생각이긴 하지만, 페미니스트feminist 사회 과학에 대해, 말했다. 나의 직업적인 습관은 비주얼 이미지에서 그 생각을 구체적으로 표현하는 어떤 방법도 나에게 주지 않았다. 신문 포토저널리즘의 제약에서 나 자신을 자유롭게 하는 것에서, 나는 그 제약들이 무엇이었는지에 관해 배웠다. 그것들은 당신이 그것을 할 수 없다라고 이야기하고 있는 편집자만큼 단순하지 않았다. 오히려, 그들은 그 주제의 사진을 찍는 정도와 적당한 주제에 대한 당신의 생각으로 고정시켰다, 그 주제와 정도는 신문에서 필요로 했던 것에서 생기고 있었다.

사진에 관한 나의 생각과 프로젝트동안 전개되는 나의 주제처럼, 그래서 그 프로젝트가 했던 프리젠테이션의 최종적인 형태에 대한 나의 개념을 했다. 내가 시작했을 때, 나는 명백히 그 최종적인 형태가 무엇 일 것인지는 몰랐다, 비록 나는 그 프로젝트가 전통적인 신문 픽쳐 스토리를 위해 상당히 많은 사진을 포함할 것이다라는 것을 알고 있을지라도. 나는 아마 그것이 책이나, 아마도, 시애틀 인디언 알코올중독 프로그램에 관련된 전시에 있을지 모른다고 생각했다. 텍스트는 있을 것이다, 그러나 그것은 알코올 중독에 관한 정보와 아마도 내가 사진을 찍었던 개인들의 구술oral 역사일 것이다.

어떤 주제는 그것에 대해 이야기하기 위해 사용된 형태에 복잡하게 엉클리게 했다. 그 형태는 질문에 답하고 제기할 수 있는 질문의 종류들을 위한 범위를 정한다. 매체는 프리젠테이션의 스타일과 가능한 접근의 수를 확장하거나 제한한다. 쓰여진 텍스트와 사진의 이미지는 무엇인가 얻기 위한 두 가지 방법이다, 그리고 결국 나는 모두를 사용했다 -- 내가 사진적인 책에서 이제까지 상상했던 것보다 확실히 많은 텍스트 -- 내가 말하고 싶었던 것을 얻기 위해.

이 프로젝트를 하는 것은 종교 그룹을 연구하는 과정이었다; 연구하고 있는 사진적인 규칙들의 그리고 그것들이 가능하게 하는 방법(또는, 반대로, 방해하는) 지식을 얻고 그것을 전한다; 그리고 사회적인 세계에 대한 조사자와 사진가로서 나 자신의 개인적인 발전의 과정이었다. 나의 주제는, 결국, 모든 이 과정들의 끈braid이었다. 종교에 관한 생각, 그림 제작에 관한 생각, 그리고 나 자신의 경험의 이야기는 분리하는 것이 불가능했다. 적은 경력은 내가 프로젝트에 이르게 했던 전문적인 기술과 작업 습관을 어떻게 배웠는지에 관해 설명할 것이다. 내가 했던 약간의 다른 것들은 더 개인적이었고 종교에 관해 나의 생각과 관련한 것이었다.

"Out of the darkroom and into the newsroom"

나는 1970년대 중반에 신문사에 근무하고 있기 시작했다, 대학에서-훈련된 신문 사진기자의 첫번째 세대의 한 명이었다. 우리의 후계자가 된 대부분의 사진가들은 제２차 세계 대전의 기간중 군대에서 그들의 기술을 배웠던 사람이었다; 그들은 "신문 사진기자press photographers" 또는 "보도 사진기자news photographers" 로 불리었다. 이 신세대중의 한 명인 나는 새로운 이름으로 불린 우리의 전임자로부터 우리의 차이를 강조했던 것의 일부이었다. 우리는 우리들 스스로 "포토저널리스트photo journalist"라고 불렀다. 1977의 시애틀 타임즈에서의 나의 첫 주동안 언젠가, 3개월 전에 고용된, Kathy Andrisevic는, 나의 명함 위에 인쇄된, "사진가"보다 오히려 "포토저널리스트"를 주장하기 위해 나에게 말했다.

그 구별은 중요했다, 그리고 그것은 비판적이었던 단어 "저널리스트journalist"이었다. 저널리스트는 작가writer, 단어를 사용했던 저널리스트와 같은, 교육받은 "카메라를 가진 리포터reporter"를 의미했다. 그것은 우리가 사진으로 이야기를 말했던 글을 읽고, 생각하는 리포터들이었고 더 이상 "뉴스 편집실에 있는 2등 시민second-class citizens"과 같이 대할 수 없었다고 주장했다. 우리는 고참 선배와 우리들 자신을 비교하려 한다, 신문 사진가들은, 종종 카메라를 가진 하수인baboons처럼 다루었다, 기자로서 무엇의 사진을 찍어야 하는지 그들에게 말했고 그들을 사방으로 취재 보내었다. 진부한 "포토저널리스트"에 대립하는, "신문 사진가press photographer"는, 무례하고, 사회적으로 무감각한 것이었다. 그것들은 종종 고려되었던 "성격"이었다. 그들은 자선charities 단체장에게 점검을 해 주고 있거나("통과passings를 점검한다"고 경멸적으로 불렸다) 획기적인 것groundbreakings을 삽질한다고 생각하고 있는 회사 간부의 포즈를 취한 사진을 만들었다. 그들은 스팟 뉴스의 사진 찍었다: 사고, 화재, 그리고 범죄. 집이 불에 탔을 때, 그들은 뻔뻔스런 태도와 큰 플래시를 가지고 그 지점에 있었다. Kathy Andrisevic는 그 종류의 뉴스 사진가가 작업했던 방법에 관한 출처가 의심스러운 스토리를 말했다: 뉴욕 신문의 한 사진가는 사고를 보았다, 차 창문에 굴러 떨어지고, 외쳤다, "죽었던?" 누군가가 말할 때, "아니, 아무도 죽지 않았다", 그는 창문을 내리고, 차로 달려간다.

신문 포토저널리스트는, 다른 한편으로는, 뉴스 사진의 전문화를 염려했다. "전문화Professionalization"는 동료들에 대한 존경과 작업에서 자율성을 얻기 위한 코드이었다. 우리의 슬로건은, "암실에서 그리고 뉴스룸으로". 만일 우리가 2등 시민보다 더 이상 하려 한다면 우리는 사진가들이 신문에서 사진들의 표현 그리고, 편집, 할당에 대해 조절을 하려 한다고 생각한다. 모든 이 일을 하기 위해, 우리는 암실에서 더 적은 시간을 보내어야 했고 뉴스 편집실에서 우리 자신을 확실히 인식시켜야 한다. 우리는 사진들에 관해 편집자와 기자를 교육해야 했다: 좋은 할당assignment을 만들었던 것과 어떻게 사진이 신문에 사용되는지.

그것은 사회적인 유동성, 순수하고 단순하였다, 그러나 개인적인 것은 아니다. 그것은 우리가 매진했던 일의 총 유동성mobility이었다. 우리는 그룹으로서 뉴스 편집실에서 더 큰 상태를 필요로 하고 있었다. 우리는 얼간이가 아니라, 작가의 지적이고 창조적인 것으로서 인지되고 싶었다. 기자가 "나의 사진가"라는 문구를 사용하는 것을 듣는 것보다 Kathy Andrisevic를 더 화나게 하지 않았다, 그것은 우리가 그들보다 열등한 것을 의미했다. 우리는 말했다, "나는 당신의 사진가가 아니다!" 기자가 임무에 말할 때 마다. 우리는 언제, 어떻게 불평하는지를 논의했다. 우리는 "그 주제" 앞에 반대해야 하는가? 또는 나중에 그 기자와 말하는 것이 더 전문적이었는가?

우리는 정보를 모으기 위해 훈련되었다, 이름을 점검하고, 이야기했던 것을 이해했고, 단어 사람들people과 같이, 그들이 그들 자신을 불렀고 우리가 그들을 불렀던 것처럼. (신문 세계는 단어 사람들과 사진 사람들로 나눠졌다.) 우리는 우리 자신의 스토리 아이디어를 형성하고, 카피copy와 캡션을 쓰고, 디자인 레이아웃을 할 수 있는 것을 자랑했다 -- 모든 일들은 단어 사람들에 의해 일상적으로 불려 졌지만 지금은 포토저널리스트photo journalist의 교육의 중요한 일부라고 간주되었다. 우리는 우리가 그들의 경의를 주기 위해, 그들의 용어에, 단어 사람들과 우리 자신의 것을 주장할 수 있어야 한다고 생각했다.

그 때, 그래픽스Graphics의 보조 편집장의 일은 -- 누군가 신문에 관한 사진 작업과 그래픽 예술을 감독하고 시각적인 자료에서 전문가이다 -- 대부분의 신문에 존재하지 않았다. 그것은 지금 존재한다. 대부분의 사진들은 편집되었고, 어떤 크기로 만들어졌고, "시각적인" 어떤 훈련도 가지지 않았던 단어 사람들에 의해 크롭crop되었다. 비록 그들이 종종 "사진 편집자"로 불렀지만, 대부분의 그들은 사진의 임무와 편집을 취급하는 특성을 나중에 가졌던 카피copy 편집자였다. 가장 높은 지위의 스탭staff 사진가가 이룰 수 있는 것은 사진부장Chief Photographer이었다.

내가 70년대에 거기에서 일했을 때, 시애틀 타임즈의 피쳐feature 섹션의 편집자는, 발렌타인 데이에, 마음을, 원, 오각형으로 사진을 크로핑하는 것, 또는 다른 사진에서 그것들을 삽입하는 것으로 유명했다. 이것은 우리에게 아주 싫은 것이었다. 우리는 순수주의자purists였다 -- 어떤 어리석은 형태도 아니고 어떤 삽입도 아니다.

The Missouri Crusade and the Struggle for Autonomy

이 전문적인 상태를 얻으려고 노력하는 것은 그것의 발단이었다, 어느 정도는, 우리들 중 그들은 일간 신문에서 사진을 찍었다, 미조리Missouri주 대학교의 저널리즘에서, 그곳은 나라에서 가장 유명한 보도 사진photojournalism 프로그램을 가졌다. 그 졸업생들은 훌륭한 직업을 가졌고 존경받았다. 미조리에서의 교수들은 신문 사진의 이 새롭고, 향상된 시선의 주요한 제안자proponents 중에 있었다. 그 학교의 영향은 거기에서 공부했던 사람들을 넘어서 퍼졌다.

나는 Kathy Andrisevic와 내가 시애틀 타임즈에 작은 암실을 공유했던 동안 나는 미조리 오리엔테이션에 대해 알았다. 나중에 그들의 인쇄를 하기 위해 모든 스탭 사진가들이 공유했던 넓고, 공공의 암실이 있는 신문에서 더 일반적이게 되었다, 그러나 타임즈Times에서 70년대 말에 사진가들은 그들 자신의 암실을 가지고 있었다. 돌아다니기에 충분한 공간은 아니었다, 그래서 누군가는 -- 나는 결코 알지 못했다 -- 2명의 여성과 함께 이용하기로 결정했다. (Kathy는 나보다 2살이 많다, 더 경험 풍부한 사진가였고, 미조리 대학의, 더 좋은 저널리즘 스쿨을 졸업했다, 나는 산호세San Jose 주립 대학에서 학위를 받았다.) 우리는 우리의 암실을 없앴다, 찬장과 싱크대에 엉켜붙고 말라붙은 정착액을 제거했다. 우리는 오래된 필름 통들을 던져버렸고 이전의 거주자에 의해 도처에 쌓아올려진 네가티브의 조각들을 난도질했다. Kathy는 새로이 손질한 스탠대 위에 그녀 자신의 라이카Leitz 확대기를 마련했다(그것은 35mm의 네가티브에서 프린트했다, 그것은 내가 나중에 설명할 의미를 가진 것이다). 라이카Leitz 가까이 벽을 따라, Kathy는 Gerald D. Hurley와 Angus McDougall에 의해, Visual Impact in Print의 그녀의 사본을 실었다. McDougall는 미조리에서의 Kathy의 선생님이었다.

이 책은 신문 포토저널리스트들의 나의 세대에 대한 큰 영향을 주었다. 그것은 그 사진들이 결국 페이퍼에서 표현되었던 방법과 할당된 사진 편집자가 바꾸기 위한 프로그램을 개략적으로 설명했다. 그 책은 사진가에게서 만큼 편집자와 디자이너에게서도 이야기했다. 그것은 고참선배들이 차가 파괴되고 리본을 자르는 사진에 익숙해 있는 것과 다른, 새로운 미학을 개략적으로 설명했다. 의미심장하게, 그것은 신문 사진가들의 상태를 바꾸기 위해 프로그램을 개략적으로 설명했다.

그 책은 그들의 "내용content"이 독자들에 의해 "재빨리 이해될 수 있기" 위해 사진들이 "[그것들의] 본질적 사항을 트리밍하고", "의미심장하고 군살이 없게" 크롭되어질 것을 충고한다. 그것은 "요소를 흩뜨리는 것"을 삭제할 것을 권했다("혼란clutter"에 관하여 종종 사진가들이 작업하고 있는 것), 카메라 틸트를 "수정하고", 그리고 " 카메라와 주제의 사이의 명백한 거리를 줄이는 것." 그 작가authors는 그 주제의 일부에 "어떤 포즈를 취하지 않는 것"과 " 어떤 카메라도 의식하지 않는 것"에서 작업의 예를 보여주고 추천한다. 만일 사진이 적절히 배치한다면, 그때 "신뢰성을 경험한다", 게다가 배치되지 않은 사진들이 "신뢰할수believability" 있다. 그들은 "그 장면들 이면"에 가기 위해 그리고 "품질을 포착할수 있는 눈"과 함께 사진들을 만들어 주기 위해 사진가들을 칭찬한다.

그들은 그 "최고의 포토저널리스트"가 "좋은 경험에 행복했고, 별난 행동이나 복장에 의한 핸디캡이 없다"고 사진가들에게 이야기한다, 그리고, 임무를 맡을 때 주제와의 관계에서, 그들은 "은밀히 관계를 확립한다".

편집자들은 그들이 "싱글-사진을 생각하는 것으로부터 졸업해야 한다"라고 말한다, 그것은 "편집자와 사진가들이 임무를 함께 계획해야 한다", 사진가들은 "엄밀한 조사를 하는 시간을 보내어야 한다", 그리고 "사진들은 변화와 충격을 위해 편집되어야 한다". "The Editor" 타이틀의 이 장에서, 그 작가들은 "사진과 글의 교배mating -- 적절한 사진들과 짜맞추고 있는 적절한 글들 -- 좋은 포토저널리즘이 전부인 것이다라고 쓴다. 만일 그 결합이 작업하기 위한 것이라면, 어느 쪽도 다른 한편보다 종속하는 것이어서는 안된다". 디자이너들은 "사진들이 사진으로서가 아니라 장식적인 요소로서 사용된다는"것에서 레이아웃을 억제했고, "최고의 사진-다루는 사람은 순수주의자purists다"라고 말했다. 그들은 "사이즈는 감정적인 충격이 더 큰 사진들에 현명하게 마련해 두고 있다", "글과 사진은 밀접하게 통합하게 되고 항상 신중한 균형에 있다", 그리고 "흘깃 보아 충분히 명백한 의미[있다]"에서 레이아웃을 추천했다.

전문적인 자율과 훌륭함을 위한 다툼은 적어도 20년 동안 계속되었다. 1990년에, 전국 보도 사진가 협회장, John Long은, 협회의 공식 잡지의 칼럼에서 같은 관심을 나타냈다:

우리는 또한 사진가들이 뉴스룸에서 여전히 2등 시민인 것을 기억해야만 한다. 신문과 텔레비전 뉴스 본부는 아주 단순히 기사를 쓰는 사람들word people에 속하고 있다, 그래서 만일 우리가 그들의 영역에서 작업하고 그들의 관심을 얻는다면, 우리는 그들의 언어를 이야기해야 한다. 우리는 현지의 전문가가 될 수 있다, 그러나 만일 우리가 그들의 수준에서 기자reporter와 편집자와 이야기할 수 없다면, 우리는 무식해illiterate 보인다. 기자Reporter는 사진에 대해 잘 알지 못할 수 있다, 그러나 우리는 그 세계에서 중요한 것에 대해 잘 알고 있어야만 한다. 그것은 공평하지 않다, 그러나 어떤 사람도 결코 삶이 공평하다고 말하지 않는다. 우리는 단지 공평한 것이 더 좋아야만 한다 ....

나는 같은 말을 되풀이하는 사람처럼 들리고 싶지 않다, 그러나 당신은 당신의 임무의 성질에 따라 옷을 입어야만 한다. 장례식에서의 반바지는 당신이 사진을 찍고 있는 사람들과 우리의 전체 직업에서 모욕이다. 그러나 이 점은 이전에 만들어졌고 일부 사람들은 단지 듣고 싶어하지 않는다 ....

그것은 단순한 것이다, 그러나 적어도 당신 자신의 신문paper을 읽거나 당신 자신의 뉴스 방송newscast을 본다.

신문 포토저널리스트인 부담의 일부는 당신이 방송했고 신문에 그들의 방식을 바꾸게 했다라고 하는 기대이었다. 시애틀 타임즈와 같은 신문들은 바뀌는 것이 어려운 것으로 간주되었다. 그것들은 더 작은 신문보다 더 크고 더 단단한 조직 구조들을 가지고 있고, 특히, 일의 세분화는 신문 협회Newspaper Guild의 규칙에 의해 실시했다. 취재기자들Writers은 신문(그들이 사무실에서 거의 백마일 떨어진 곳에 임무를 주지 않는 한)을 위해 사진을 만드는 것을 허락하지 않는다; 우리에 있어서 더 중요한 것, 사진가들이 스토리를 쓰거나 레이아웃 하는 것을 허락되지 않았다. 더 작은 신문에서, 그곳의 일들은 그렇게 정밀하게 규정되지 않았다, 사진가는 카피를 쓰고, 디자인을 레이아웃하고, 그리고 심지어, 일부 신문에서, 대지pasteup를 사용했다. 사진가는 그 과정에서 모든 단계를 더 많이 조절할수 있다: 그런 종류의 스토리들을 사진 찍었다, 셀렉을 하고, 크로핑하고, 사진의 사이즈를 조절한다, 그리고 본문과 헤드라인에 관련하여 신문 페이지의 배치. 게다가, 더 작은 신문들은 사진을 나타내는 것에 이용 가능한 더 많은 공간을 보통 가지고 있었다, 당신이 몇 개의 사진을 포함하는 픽쳐 스토리를 만들 때 중요한 고려.

이것들과 다른 이유를 위해, 우리 중의 대부분은 작은 신문사에서 일을 신중히 찾았다. 우리의 생각은, 그것을 바꾸기 위해, 우리가 기본에서 시작해야 했고 작업해야 했다는 것이었다. Kathy Andrisevic가 시애틀 타임즈에서 일하기 위해 오기 전에, 그녀와 Rich Shulman은, 미조리 대학의 포토저널리즘 프로그램의 다른 졸업생, 캔자스, 커피빌Coffeyville에 있는 신문에서 거의 2년을 보내었다. Rich는 그가 커피빌에 있었던 해에 픽쳐Picture 콘테스트에서 신문 픽쳐 편집자Newspaper Picture Editor로 상을 탔다(신문 비즈니스에서 유명한 콘테스트). 더 작은 신문으로부터의 사진가들이 이 콘테스트에서 상을 받기 시작했을 때, 큰 신문에서의 사람들은 무슨 일이 있었는지를 알기 시작했다.

The Switch to 35mm and Its Consequences

우리는 Life와 Look과 같은 잡지를 위한 사진가들의 것에서 우리의 작업의 모델을 만들었다, 그들은 수 십년간 그들 자신을 포토저널리스트photo journalist라고 부르고 있었다. 그들은 35mm 네가티브를 만들었던 소형 카메라를 자주 사용했다, 오래된 학교 신문 사진가들이지만 우리는 플래시 벌브와 4×5 네가티브와 함께 Speed Graflex를 아직도 사용하는 것을 대체하였다. 신문 사진가들과 다르게, 그들은 하루에 3개 또는 4개의 임무assignments를 사진 찍지 않았다. 그들은 한 스토리에 더 오랜 시간 동안 일했다. 그들의 최종 작품은 멀티-픽쳐 스토리였다, 하나의 사진이 아니라. 신문에서 우리의 이상적인 임무, 우리가 원했던 것이지만 좀처럼 되지 않았다, 많은 페이지에 펼쳐진 멀티 사진으로 이루어져 있는 픽쳐 스토리를 가져왔던 것이었다.

4×5 Graflex로부터의 변화 - 그러한 카메라는 당신이 오래된 영화들에서 사용하고 있는 신문 사진가들을 본다 - 일간 신문에서 35mm는 60년대 말에 나타났고 신문 사진가들이 작업했던 방법을 위해 중요한 결과였다. 4×5 필름 홀더에는 단지 2장의 필름이 들어가기 전에, 각 사진은 기준에 맞아야 했다. 모든 노출은 중요했다. 만일 당신이 "그 샷"을 놓쳤다면, 당신은 당신이 원했든 필요로 했던 것이 지나가기 전에 재장전하는 시간을 가지지 못할지도 모른다. 그래서 그것은 놀랄만한 것이 아니다 사진가들, 만일 그들이 할 수 있다면, 그들은 사람들에게 포즈를 취하게 하고 대상을 설정하는 것에 의해 촬영했던 상황을 제어했다. Graflex 필름 홀더가 그 두 번째 시트를 사용하기 위해 방향을 바꿀수 있어야 했을 뿐만 아니라, 플래시 벌브가 각 노출을 위해 바꿀수 있어야 했다, 더 시간이 걸리는 작업은 만들어질 수 있었던 그러한 사진을 더 한층 강요했다.

그에 반해서, 라이카나 니콘과 같은, 35mm 카메라는, 번갈아, 당신에게 36장의 노출을 줬던 롤 필름을 사용했다. 당신이 각 프레임에 투자한 것과 같지 않으므로, 당신은 더 많은 기회를 얻을 수 있다. 카메라는 더 가벼웠고 더 작았다, 그래서 당신은 그들이 그들의 일상적인 활동을 계속 했고 더 "솔직한candid" 사진을 얻는 것처럼 사람들을 따라갈 수 있었다, 그것은 자연스럽고 연출되지 않는 것처럼 보였다, 마치 사진가가 없지만 "남을 몰래 관찰하는 사람"인 것처럼.

Gary Settle은, 1990년대 초의 시애틀 타임즈에 사진 지도자coach인(1970년대에 알려지지 않은 지위), 고참oldtimers 중의 대부분이 마침내 35mm의 카메라와 필름을 사용할 것을 강요했을 때 말했다, 그들은 니콘에 큰 플래시를 사용했다, Graflex와 함께 했던 것처럼, 그리고 불평했다, "무엇을 의미하는가Whadda ya mean, 이 카메라는 조금도 가볍지 않고, 그것은 Graflex만큼 무겁다, 그리고 그 사진들은 입자가 거칠다." 그것들의 일부는 결코 35mm의 카메라로 가능했던 사진을 찍는 다른 방법에 적합하지 않았다. 그들은 그들이 항상 만들었던 같은 종류의 사진을 만들었다, 발매되었던 새로운 장비의 가능성에도 불구하고.

신문이 35mm로 바꿨을 때 Gary는 1966년에 시카고 데일리 뉴스Chicago Daily News에서의 사진가이었다, 그러나 그는 다른 스탭 사진가들보다 행운이 있다고 느꼈다. 왜냐하면 그는 그가 변화하던 지역의 첫번째 신문 중의 하나인, Topeka Capital-Journal에서 있었을 때 1958년에 벌써 바꾸었기 때문이다. 토피카Topeka 전에, 그는 Rollei 2 1/4(4×5와 35mm 사이의 네가티브 사이즈)를 사용하고 있었다, 그러나 스틸still은 까다로운 35mm 카메라로 전환을 발견했다. 더 많이 경험 풍부한 35mm의 사용자들은 그가 했던 것보다 그것과 함께 좋은 사진들을 만들었다, 그리고 그것은 그에게 역설적으로 보였다. 당신이 더 멋진 입자grain와 디테일과 함께 프린트를 할 수 있었던 것으로부터 더 큰 네가티브를 만들었기 때문에 더 큰 형식format은 기술적으로 우수한 것으로 간주되었다. 35mm의 카메라는 어떤 점에서 사용하기에 더 가벼웠고 더 쉬웠다, 그러나 더 작은 형식에서 좋은 네가티브들을 얻기 위해 당신은 사진이 만들어졌을 때 더 엄격한 전문가가 되어야 했다.

나는 35mm 카메라로 사진을 배웠다. 그것은 내가 사용했던 유일한 카메라이었다, 내가 사용하고 싶었던 단 하나였다. 내가 사진 잡지에서 감탄했고 실생활의 솔직한 장면을 위해(항상 정확한 것은 아니다, 내가 이후에 배웠던 것처럼) 믿었던 사진들은 플래시보다 오히려 이용 가능한 빛을 사용하여 종종 만들었다. 나의 동시대의 사람들을 흥분시켰던 그 주제의 문제는 우리가 사회적으로 관련된 것으로 보았던 것이었다, 시각적인 것에서 그것은 길을 끌고 감정적인 사진을 만들었다, Life에서 최고의 픽쳐 스토리처럼, W.Eugene Smith 같은 사진가에 의해 만들어졌다.

우리가 감탄했던 잡지 포토저널리스트들은 "사회문제에 관심이 있는 사진가들concerned photographers"이었다, 그것은 그들이 그것의 대한 특별한 자세뿐만 아니라 특별한 종류의 주제 문제를 가진다는 것을 의미했다. 그들은 그들의 주제에 "관심을 가졌고" "인간답게 만드는 요소"를 찾았다, 은밀한 노력과 고통, 세계의 희생. 그들의 스토리는 비극에도 불구하고 살기 위해, 역경을 극복하는 사람들의 인간성과 능력의 강인함을 "향상시키고", 밝혀낸다. 내가 감탄했던 작업의 약간은, 내가 되돌아보는 것처럼, 감정적이고 진부하게 보였다.

우리는 사진이 가장 잘 했던 것이 감정을 "포착한다capture"라고 생각했다, 그리고 우리는 감상자에게서 강한 감정적인 반응을 초래했던 사진들을 만들고 싶었다. 우리의 이상적인 임무들, 좋은 "시각적인 잠재성"이 있는 스토리들, 그런 사진들을 생성한다. 그것은 우리가 상황을 "개인화하는personalize" 것이 중요하다라고 생각했던 이유이었다. 우리는 약간의 일반적인 상황이나 문제에 대한 구체화로서 사람들을 보았다. 문제를 개인화하는 것은 감정을 생성했다. 우리는 휠체어에 있는 누군가를 사진 찍었다, 그 한 사람이 휠체어에 있는 모두를 대표하게 할 작정이었다. 그런 사진은 충격을 가지고 있었다.

비록 이것이 신문 사진을 하는 "새로운" 방법이었다고 할지라도, 그것은 그것이 바꿨던 것만큼 관례화 되었다. 그것은 신문 사진가의 작업하는 문제를 해결하는 것을 의미하게 되었다(그것은 더 오래되었던 시스템이었다). 일간지는 매일의 제작 과정을 위해 이미지를 만드는 것을 묶는다: 그래서 그 날의 뉴스로서 이미 정해진 그 스토리들을 묘사하기 위한 어떤 날의 많은 사진들. 내가 이 사진을 만들 때에 해결해야 했던 주된 문제는 그 과정에 의해 만들어졌다: 어떻게, 시간의 매우 제한된 양에서, 신문 스토리를 묘사했던 사진들을 만들기 위해, 그리고 그 충격이 사람들에게 본문text을 읽도록 시킬 즉시 이해할 수 있는 사진들을 원했던 편집자에 의해 받아들여질 것이다. 나는 배웠다, 모든 유능한 신문 포토저널리스트처럼, 구성의 장치들과 시각적인 구성 요소의 제한된 수를 사용했던 사진들의 표준 타입의 목록repertoire으로부터 선택하는 것에 의해 문제를 해결하기 위해. 어떤 특별한 사진을 만드는 것은 단지 그 상황의 특성을 위한 표준 형식을 적응시키고 표준 이미지에서 최초의 성격twist을 얻으려고 노력하는 문제이었다.

사진(그 프레임에서 그 그래픽 요소를 구성하는 것)을 구성하는 표준 방법은 그 충격을 강화했다. 나는 배경을 아웃 포커스 하는 것에 의해 그 주제를 분리시키기 위해 망원의 렌즈를 사용하는 것을 배웠다. (우리가 사용했던 용어는 그 주제 "pop"을 만드는 것이었다.) 나는 극단적인 전경에 주제를 배치하기 위해 광각 렌즈를 사용하는 것을 배웠다, 그것이 배경background에 있는 요소보다 매우 큰 것처럼 보일 수 있게. 이 기술은 그 메시지가 쉽게 명백했던 사진을 만드는 것에 공헌했다.

표준 이미지는 내가 사진에서 해야 했던 똑같이 표준화된 스토리들을 묘사했다. 편집자가 "실패했다고 말하는says losing" 스포츠 사진을 요구할때, 경험 풍부한 사진가들은 스포츠 결과에서 나올 것 같은 이 조합들과 어떤 종류의 제스쳐와 구성이 실패했다고 "말하는say"것에 관해 안다. 이기고 실패하는 것의 카테고리들과 분석(이것이 가장 중요한 주제이다)은 이미 결정되었다. 언어, 형태form, 생각ideas은 이미 설정되었고 모든 상황에서 적용되었다.

포옹hug에 주의를 기울인다. 포옹하고 있는 두 사람의 사진은 상황context에 따라, 행복이나 슬픔을 위한 표의 문자, 감정의 표시로서 일반적으로 유용하다. 예를 들면, 당신이 장례식에 임무를 부여받았을 때, 만일 당신이 관의 측면에서 매달리고 있는 사람의 사진을 만든다면 당신은 모두가 신문에서 만족하게 될 것이라는 것을 알고 있다. 만일 당신이 관을 보여준다면, 그 사진은 "장례식"으로서 즉시 읽을 수 있다. 이것은 그것을 좋은 "스토리텔링story-telling 사진"으로 만든다. 관coffin은, 강한 시각적인 요소, 사람들이 그것에 의해 열지어 행진할 곳에 위치했다. 결국, 그들 중의 2명은 그것의 옆에 매달릴 것이다. 그 포옹은 --감정의 명백한 시각적인 속기shorthand-- 반드시 일어날 것이다. 당신이 해야 하는 모든 것은 어떤 산만한 배경 없이 그 프레임에서 함께 그 관과 포옹을 얻는 것이다. 더 성공적으로 당신이 이것을 하면 할수록, 그 사진의 충격은 더 크다. 이 사진은 당신이 이제까지 포함해야 할 모든 장례식을 위해 "작업한다works".

사진가는, 그 때 능률의 문제로서, 암시적인 스크립트script로부터 촬영한다, 표준 화제에 대해 표준적인 것을 말하기 위한 표준 형태를 사용하여. 그 스트립트는 좋은 작업의 표준과 적절한 주제를 규정하는 관습과 전문적인 연습에서 비롯된다. 결국, 이 기술, 그리고 신체의 움직임은 그것들을 이루는데 필요로 했다, 지식을 구체화하게 되었고, 나의 몸은 의식적인 방향 없이 하는 방법을 알고 있었다. 내면화하였고, 그것들은 자연스럽고, 직관적이고, 본능적이게 보였다. 나의 몸은 언제 노출을 줄지, 카메라를 어떻게 잡고 있을지, 어디에 서있어야 할지 알았다.

Religion

내가 아메리카 원주민을 위해 알코올 중독 치료 프로그램의 사진을 찍기 시작했을 때 나는 종교religion를 연구할 작정은 아니었다. 나는 치료에 들어가기 전에 알코올 중독 프로그램에 있는 대부분의 사람들이 이 장소에 종종 갔었고 그 거리에 살았기 때문에 노숙자homeless들을 위한 숙소와 전도에 대한 사진을 찍기 위해 갔다. 나는 그들을 종교에 가입시키기 위해 접속하고 있는 광범위한 네트워크나 숙소 그리고 미션들의 활동에 관해 아무것도 모르고 있었다. 2개의 세계의 연결은, 내가 나중에 배웠던 것처럼, 회비를 내는 지원을 위한 준비arrangement보다 많았다; 많은 교회 회원들은 복음 서비스에 증언하고 식사를 봉사하기 위한 미션에 규칙적으로 갔다. 이것들은 내가 미션과 숙소가 어떻게 운영되는지를 배웠을 때 만 명백하게 되었다. 나중에 아직도, 나는 그들이 어떻게 사건들을 고정하기 위해 해야 하는지와 그 미션들에 관해 보았던 "문제들"의 원인을 평가하고 그들이 어떻게 비난했는지에서 이 그룹들이 그들 자신 중에서 어떻게 달랐는지를 배웠다. 아주 크게, 나는 내가 그것을 회피할 수 없었기 때문에 종교에 흥미를 가지게 되었다. 어떻게 해서든, 그것은 대부분의 거리 사람들의 삶을 좌우했다. 나는 평범했었고 받아들이지 않았지만, 전통적인 카톨릭 종교 교육을 받았었다. 내가 아마 17살이었을 때 나는 교회에 가는 것을 그만뒀다. 내가 아이었을 때 비록 내가 카톨릭 학교에 다니지 않았지만, 나는 토요일 아침 교리 문답catechism에 갔었다. 나는 카톨릭 학교에 다녔던 나의 동시대 사람들(나는 1950년에 태어났다)중의 몇몇에 의해 언급된 불쾌하거나 잊지 못할 경험들을 받아들이지 않았다. 종교는 나의 성인adult의 삶에서 중요하지 않았다.

그러나, 종교는 미션 시스템에 있어서 중요하다. 그것은 그 시스템의 모든 면으로 짜여진 모순contradictions의 원인이다. 만일 당신이 종교를 굉장히 큰 정신적 힘으로 생각한다면, 많은 사람들이 하는 것처럼, 당신은 그 모순에 즉시 직면하고 있다. 미션 시스템 내에서 종교는 매우 불친절한 방식으로 일할 수 있었다. 당신은 종교의 힘과 일부 사람이 다른 사람들을 조절하기 위해 사용했던 방법을 볼 수 있었다. 한 그룹의 사람들은 -- 미션 직원과 교회 봉사자 -- 다른 그룹들을 위한 숙소와 음식을 주지 않거나 공급했다 -- 노숙자와 알코올 중독 환자 -- 그들은 그것을 필요로 했다. 노숙자들과 알코올 중독 환자들은 그들이 종종 하고 싶지 않았던 것, 그것들을 필요로 했던 사람들의 미션을 했다면 단지 그들이 필요로 했던 것을 얻었다.

내가 그 미션이 일했던 방법을 배웠던 것처럼, 나는 통제control의 방법으로서 종교를 바라보기 시작했다. 나중에, 나는 종교가 더 미묘한 경우에서 어떻게 통제의 방법으로서 사용되었는지를 찾았다, 힘의 비율power ratio은 그렇게 한쪽으로 기울어지지 않았다. 사회적인 힘은 중세 교회에서처럼 미션에서 숨겨지지 않는다; 교회의 힘은 삶의 다른 분야에서처럼 희석하거나 숨기지 않는다. 미션 세계에서, 그것은 교회가 제공하는 정신적인 음식이 아니다, 그것은 진실의 물건이다, 그리고 그것은 더 명백한 통제의 의식exercise을 한다. 그 미션 직원과 봉사자들은 때때로 영적인 것에 관련한다, 은유적으로, 영혼을 위한 음식으로서. 그러나 그것은 미션을 위해 오는 사람들을 괴롭히고 있는 영적인 음식의 결핍이 아니다; 그것은 그들의 마음에 있는 삶의 육체적인 음식이다. 영적인 것은 진짜 음식으로서 유력한 제어하고 있는 장치로서가 아니다, 그리고 그것은 그 미션의 영적인 활동에 참여하기 위해 그들을 설득하고 노숙자들을 데리고 들어오는 미션을 사용하는 진짜 음식이다.

천둥새 집Thunderbird House에서, 아메리카 원주민의 알코올 중독 환자를 위한 치료 센터, 나는 Sacred Circle의 사진을 찍었다. 일주일에 한 번 응대했던 카운셀러와 의뢰인은 독수리 깃털과 심한 세이지burning sage를 건네줄 것이다. 의식은 그들이 기독교의 선교사가 도착하기 전에 지켰던, 오래되고, 자연을 따른 인디언의 믿음에 대해 알고 있었던 것에 의거했다. 나는 이 책에서 그 작업을 하기 전 2년 동안 선더버드Thunderbird에서 사진을 찍었다. 종교적 믿음과 관례는 항상 그 주변에 존재했지만, 그 주위에. 대부분의 미션에서 그들은 앞과 중앙에 있었다, 그리고 나는 그 차이를 알아차렸다.

알코올 중독과 아메리카 원주민에 관한 사진의 연구로서 시작되었던 것은 종교와 성직자hierarchy에 관한 연구가 되었다. 전통적인 포토저널리즘에서의 훈련으로서 시작되었던 것은 사회적인 삶의 나의 이해를 시각적으로 표현하는 새로운 방법의 탐구가 되었다. 뒤이어 계속되는 것은 그 변화transformations의 기술이다.