Street Photographer's Manual

David Gibson

FOREWORD

나는 오랫동안 데이비드 깁슨David Gibson을 알고 있었다. 사진에 대한 우리의 공통된 사랑, 특히 거리 사진은, 20년 넘게 우리를 좋은 친구로 지켜왔다. 나는 그에게 이런 말을 한 적이 없지만 데이비드는 나에게 진정으로 영감을 준 최초의 사진가 중 한 사람이었고, 실제로 그는 나에게 이런 종류의 사진촬영이 이루어질 수 있다는 것을 깨닫게 한 최초의 사람이었고, 사실 런던에서 정말 잘 되고 있었다. 그의 작품은 내게는 하나의 계시(啓示)였다.

20년 정도 빠른 미래, 그리고 데이비드와 나는 여전히 친구이다. 비록 우리는 서로 덜 만나지만, 우리 둘 다 시내에 있을 때마다 계속 연락하려고 노력한다. 나는 이제 라이카, 매그넘 포토와 협력하여, 사진을 찍고 있고 전 세계 거리 사진 워크숍을 가르치고 있다. 2014년에 처음 출판된, 거리 사진의 매뉴얼The street photographer’s Manual은, 이제 내가 여행할 때 나를 따라다니는 것 같다-심지어 나는 몇 권의 계약을 맺었고, 왜냐하면 나는 사진가들에서 사진을 게재하기 때문이다. 이 책에는 많은 열성적인 평론가들이 증명하듯이, 시작부터 많은 거리 사진 작가들과 연결되는 다른 무언가가 있다; '그의 직업을 분명히 아는 사람이 잘 썼다' '읽기를 고대했다' ‘거리 사진가의 매뉴얼', 나는 실망하지 않았다: 사실 책을 내려놓는 데 어려움을 겪었다. T이 책은 일종의 의식의 흐름 스타일을 가지고 있는데, 그의 워크숍에 참석하는 것과 매우 흡사할 것이다. 이 스타일은 빨리 읽고, 흥미롭고 지루하지 않게 해준다.

데이비드의 책에 대한 요점은 수용적이어야 한다는 것이다; 당신은 개방적이고 준비가 되어 있어야 한다. 어떤 책이나 워크샵도 완벽하지는 않지만, 거리 사진에 대한 데이비드의 지식과 열정은 누구에게도 뒤지지 않으며, 이 페이지들에서 쏟아져 나온다. 이 새로운 판(版)에는 떠오르는 사진가의 영감을 주는 새로운 프로필, 인스타그램의 추가 정보, 업데이트된 리소스 목록이 있다.

거리 사진가의 매뉴얼은 현재 7개의 다른 언어로 번역되었다. 암스테르담, 북경, 방콕, 파리, 뉴욕에서 본적이 있다... 사진가들이 내 워크숍 중 하나를 복사해 올리면, 기분이 좋아진다. 나는 그들이 배우고 싶어하고, 그들은 진지하며, 우리가 세상 어디에 있든지 간에, 같은 언어를 사용하고 있다는 것을 안다.

Matt Stuart

INTRODUCTION

특별히 아무 것도 염두에 두고 사진을 찍지 않고 방황하는 것은 이상하게 보일지 모르지만, 그 약간의 마법이 일어나면, 그것은 가장 자연스럽고 멋진 일이 된다.

WHAT IS STREET PHOTOGRAPHY?

서점의 사진 코너에서 내게 가장 흥미롭지 않은 책꽂이는 사용법과 기술 서적이 있는 책들이다. 나는 이 책들을 실제적이든 감정적이든 이해할 수 없다. 내가 1980년대 후반에 처음 사진을 공부했을 때, 그 이론은 거의 사진 찍는 것에 대한 의욕을 잃게 했다. 그것은 나의 자신감을 억누르고 이것은 여전히 나에게 깊이 뿌리박고 있다. 나는 멋진 사진들, 특히 거리 사진들을 보는 것에 훨씬 더 관심이 있다. 그것이 내가 사진을 배운 곳이고 나는 그것을 이 책의 톤으로 정하고 싶다. 정말로, 이 책에 실린 사진만으로도 이미 거리 사진에 대해 호기심을 갖고 있을지도 모르는 독자들에게는 영감이 되었으면 한다.

예를 들어, 기술적인 문제에 대한 나의 반감과 같은, 개인적인 의견은 아마도 피할 수 없을 것이라는, 별개의 단서를 두고자 한다. 이 책을 쓰면서, 나는 편협함을 더 많이 알게 되었고 당신의 관점에 있어서 경직되는 것이 얼마나 쉬운지 알게 되었다. 사진의 출처를 포함해, 사진들에 대한 모든 사람들의 의견은 달랐다. 앙리 카르티에-브레송은 일부 사진 촬영에 대해 받아들이지 않았다; 그는 훈련과 높은 미적 기준을 가지고 있었지만, 컬러 사진술을 강하게 불신했다. 그것이 그의 견해였지만, 그가 반드시 옳다고는 할 수 없었다.

이 책은 젊은 내 자신을 겨냥할 만도 하다 - 사진에 평생 관심을 가지기 시작한 천진난만한 사람, 더 많이 이해하고 나 자신의 연습 방향을 찾기를 갈망하는 사람이다. 순수함은 아이와 같은 놀라움의 의미인데, 이것은 반드시 나이가 들면서 의심하게 되고 변화하게 된다. 나는 이 초기의 학습 기간, 이 강박적인 학습 평가를 절실히 알고 있는데, 그것은 내가 결코 완전히 되돌릴 수 없는 것이다. 그러나 거리 사진에 관한 워크숍을 통해, 나는 다른 사람들에서도 비슷한 갈망을 접했다. 다른 사람들의 신선한 열정은 훌륭한 강장제다.

이 책은 거리 사진들이 어떻게 생겨나는 지를 보고 인식하는 것에 관한 것이다. 운을 가르칠 수도 없고, 거리 사진에 대한 열정을 가르칠 수도 없지만, 만약 씨앗이 이미 그곳에 있다면, 이 책은 그 과정을 명확하게 하거나 심지어 가속화 시킬 수도 있다.

안드레아스 파이닝거 (1968)의 '완벽한 사진가'의 책은 그녀의 검은 머리가 붉은 빛에 휩싸이면서 배경에 합쳐지는 동양 여성의 인상적인 표지 사진을 쓰고 있다. 나는 이 책의 독특한 서체로 디자인되어 있다; 그것은 사진의 기술적 측면에 대한 인상적인 단면이며, 수많은 도표, 차트, 방정식을 포함한다. 파이닝거는 훌륭한 사진가였지만 그는 다음과 같이 인정했다:

‘사진은 부분적으로만 가르칠 수 있다 – 특히, 사진 기술을 다루는 부분. 다른 모든 것은 사진가에게서 나와야 한다.’

나는 이 입장 표명이 위안을 준다고 생각하지만, 아이러니하게도 이 책은 훌륭한 사진가의 작품집들 중 하나가 아니라 서점의 '입문서' 섹션으로 끝날 것이다. 사실 이것은 중간적인 책이다; 그것은 거리 사진의 실제적인 것을 다루지만 다른 접근법을 사진가들이 사용할 수 있는 명확한 개념으로 분석하려고 한다. 나는 이런 개념들 중 몇 가지가 명백하지 않을까 하는 두려움이 들었지만, 그때 내가 길거리에서 무엇을 찍어야 할지 고민하는 누군가에게 했던 무심코 던진 충고가 생각났다. 그가 재미있는 것을 보았을 때 버스를 타고, 세상이 지나가는 것을 보고 내리자는 나의 제안은 그에게 하나의 계시가 되었다. 나는 몇 년 동안 이 일을 해왔기 때문에 놀랐다; 그것은 나에게 분명해 보이지만 다른 사람들에게 도움이 될 수 있다.

길거리 사진의 일반적인 역사를 다루면서, 나는 또한 20명의 개별 사진가의 눈과 마음을 고려하는 것이 매혹적이라는 것을 발견했다. 그들을 이 책에 함께 게재했다; 그들은 무엇이 가능한지 그리고 어떻게 사진이 그들의 삶에 더 큰 의미를 부여하는지 보여준다. 전반적으로 전 세계 많은 이들이 공유하고 있는, 거리 사진에 대한 이러한 열정이 빛을 발하길 바란다.

'지속의 순간Ongoing Moment (2005년)'에서 제프 다이어Geoff Dyer는 사진 속 주제와 특성의 의미에 대해 숙고하면서, 흥미로운 질문을 던진다, 도로road와 거리street의 차이점은 무엇인가? 그는 결론을 내린다:

'규모의 문제가 아니다(일부 도시 거리는 시골길보다 넓다). 도로는 시내를 벗어나고, 거리는 그 곳에 머물러 있지만, 시골에서는 도로를 찾을 수 있지만 거리는 찾을 수 없다. 거리가 도로로 이어진다면, 당신은 시내로 향하고 있는 것이다. 도로가 거리가 된다면, 마을로 향하는 것이다. 충분히 오래 계속 보면 결국 도로가 거리로 변하지만 반드시 그 반대는 아니다(거리 자체가 끝이 될 수 있다). 거리가 되려면 거리 양쪽에 집이 있어야 한다. 가장 좋은 거리는 당신이 머물 게 한다; 도로는 떠나야 할 무한한 동기가 된다.'

이것은 유쾌한 예상이지만, 궁극적으로 그것은 말 그대로, 당신이 어디에 있을지 당황스럽게 만든다. 하지만, 중요한 것은 여러분이 도로에서 사진을 찍었는지 거리에서 찍었는지 누가 신경 쓰느냐 하는 것이다. 더군다나, 거리 사진가들은 가끔 도로 여행을 하지만 그들은 도로 사진가가 아니다.

Dyer는 또한 재즈에 관한 매우 감동적인 책인 But Beautiful (1992)을 저술했는데, 이 장르는 거리 사진에 어느 정도 유사하다. 두 가지 형태의 예술은 독불장군들mavericks에 의해 발전되었다. 나는 이 이상하게 보이는 연결을 거리사진이 재즈와 어떻게 관련되고, 멜로디를 어떻게 가지고 노는지를 대체 이름을 제공하기 위한 서론으로 보인다. 무엇보다, 재즈 뮤지션들의 사고방식으로 공감대를 형성한다. 그들은 길을 잃는다; 그들은 어디로 가고 있는지 알고 있고, 통제하고 있지만 그들은 운에 열려있고, 그 순간에 무엇이 옳게 느껴지는지 안다. 거리 사진의 대체 이름은 '잃어버린 사진'일 수도 있다. 거리 사진가들은 길을 잃어야 한다.

많은 거리 사진가들은 입구를 찾거나 지역에 있는 것으로부터- 길을 잃고 있는 이런 정신 상태를 암시한다. 그것은 거의 통과의례, 그 실천 속에서만 경험할 수 있는 비밀 지식이다. 그러한 동기 부여는 우리에게 거리 사진에 대해 더 잘 이해하게 한다. 거리 사진가들의 국제적인 모임인 인-퍼블릭In-Public의 설립자인, 닉 터핀Nick Turpin은 이 과정에 대해 자신만의 경이로움을 표현한다:

'얼마나 많은 다른 형태의 사진들이 본질적으로 그들의 마음에 "경이로움"를 가지고 있는가? 그것이 길거리 사진촬영을 많은 사람들에게 거의 정신적인 과정으로 만드는 것이다. 왜냐하면 그것은 매우 개인적인 것이고 일종의 사진적 깨달음과 비슷하기 때문이다. 거리사진은 내가 사회의 본성과 그 안에 있는 내 위치를 이해하는 데 도움을 준다, 나는 외부 독자를 위해 하는 것보다 나 자신을 위해 하는 것이 더 많고 불자의 깨달음과 같이 나는 그러한 이해를 통해 행복을 얻는다. 나는 확실히 행렬과 같은 폭로의 순간들을 내가 공공장소에서 볼 때 경험했다; 순간들은 내가 그것이 일어나기 위한 적절한 상황에 내 자신을 두었기 때문에 그들 자신을 드러낸다.'

거리사진에 대한 정의를 정신적이고 친숙하게 제시하는 것은, 이 책의 밑바탕에 깔려 있는 주제 중 하나이다. 짧은 묘사는 공공 장소에서 찍은 모든 종류의 사진이다. 그것은 보통 평범한 사람들이 그들의 일상을 돌아다니는 것이다. 거리 사진의 핵심 가치는 절대 설정되지 않는다는 것이다; 거리 사진의 지침은 그것이 진짜라는 것이기 때문에 이러한 측면은 '비협상적'이다.

'거리'라는 단어 자체는 다음과 같은 진위를 암시한다: 그것은 '거리상'이다. 그것은 태도를 가지고 있지만, 마찬가지로, 공공의 공간은 신랄한 인간의 모든 순간을 제공할 수 있다. 거리 사진은 어둡고, 예민하고, 초현실적일 수 있지만, 가볍고, 따뜻하고, 즐거울 수도 있다. 결정적으로, 그것은 반드시 사람을 필요로 하는 것은 아니다 – 사람들의 흔적은 그만큼 타당하다. 모든 것이 순조롭게 진행되며, 이것은 이목을 끄는 20명의 사진가들로부터 분명한데, 이것은 또한 거리 사진을 정의하는 것의 어려움을 강조한다. 프로파일의 선택이 분위기를 띄웠고, 나는 그 과정이 다소 우연히 일어났다는 것을 기꺼이 인정한다; 그것은 조직적으로 성장했고 '유명인들'과 거리 사진의 온라인 성장과 더 관련이 있는 사람들의 혼합물이 되었다.

풍경 사진가 케이트 커크우드Kate Kirkwood의 작품 대부분은 그녀가 살고 있는 영국의 레이크 디스트릭Lake District 농장에서 찍은 것이다. 그녀의 시리즈 ‘척추Spine’는 기본적으로 언덕과 하늘과 어우러진 소의 가죽이다. 컬러 사진들이 놀라운데 아테네의 한 워크숍에서 보여주자, 한 참석자가 '이건 거리 사진이 아니다'라고 외쳤는데, 일리가 있었다. 거리 사진은 당신의 현관 밖에서 찍은 어떤 종류의 사진이지만, 그것이 농장 동물과 풍경까지 확장되는 것인가?

영국의 남해안에 기반을 둔, 폴 러셀Paul Russell은 농업의 쇼를 좋아한다. 이것들은 사람들을 포함하며 놀이에 있어서 영국인들의 기이한 점을 보여준다. 러셀은 자신의 영역이 보통 도시 중심지가 아님에도 불구하고, 기발한 유머 감각을 지닌 전형적인 거리 사진가로 평가받고 있다. 거리 사진의 아이디어는 대도시를 훨씬 뛰어넘을 수 있다.

LOCATION AND COMMUNITIES

위치는 거리 사진 촬영의 한 요소이며, 아마 틀림없이 일부 국가는 다른 나라보다 더 '진전되었다'. 아프리카는 거리 사진 지도에 나와 있지 않은 것처럼 보이지만, 이것은 속좁은 견해일 수 있다. 유감스럽게도 스칸디나비아와 남미와 중미에서 드러난 거리 사진가가 없는 것은 사실이지만, 거리 사진가는 그 지역에서도 확실히 활동하고 있다. 예를 들어, 스톡홀름에는 CUP(Contemporary Urban Photographers)가 이끄는 매우 집중된 커뮤니티가 있는데, 이들은 사진가를 초청하여 워크샵을 진행하고 전시회를 조직하는데, 이 커뮤니티에는 그들 자신의 작품이 포함되어 있다. CUP은 아주 전형적인 거리 사진가 커뮤니티다: 그들은 인터넷에 고무된 지역 마니아들의 작은 핵심이고, 그들은 그들의 고향 도시에서 이 장르를 더 효과적으로 홍보하기 위해 함께 모이기로 결정했다.

나는 의심의 여지가 없고 여러 가지 이유로 몇몇 위대한 거리 사진가를 빠뜨렸다. 나는 아시아의 허브이자 아시아의 사진의 허브인 싱가포르의 IPA(Invisible Photographer Asia)를 잘 알고 있다. 2010년 Kevin WY Lee에 의해 설립된 IPA는, 이미 이 지역에 광범위한 팔로워를 보유하고 있으며 온라인뿐만 아니라 개인적으로도 널리 퍼지고 있다. Lee는 IPA 갤러리 벽에 붙어 있는 실제 프린트를 직접 만져보고, 보고, 공유하며, 사진 도서를 감상하고 제작하는 것, 그리고 워크샵을 기획하는 것 등에 강한 신념을 갖고 있다.

2012년 IPA는 아시아에서 가장 영향력 있는 사진가 20명의 매혹적인 명단을 작성했는데, 이 목록은 각각 다이도 모리야마Daido Moriyama, 노부요시 아라키Nobuyoshi Araki, 라후 라이Raghu Rai를 1, 2, 3위로 선정했다. 또한 이 명단에는 홍콩의 사진가, 배우, 영화 제작자인 판호Fan Ho도 포함되어 있었다. 나와 그 외 많은 사람들에게, 판호가 1950년대부터 홍콩을 훌륭하게 맞춘 흑백사진은 의외의 것이다. 이렇게 아름다운 작품을 가지고 꽤 무명의 사진가를 발견하는 것은 언제나 더 많은 발견이 있다는 믿음을 강화시킨다.

별도지만 관련 포인트는 거리 사진이 상업 화랑에 걸릴 것이라는 전망이다. 이것은 인식된 가치, 과대 광고와 발표, 또는 어쩌면 단순한 운이나 야망에 관한 복잡한 문제다. 사진 시장은 큰 주제다; 나는 단지 거리 사진이 디자인보다는 운을 통해 고가의 갤러리로 귀결된다고 말하고 싶다.

거리 사진의 에너지는 전 세계의 도시마다 다르다. 어떤 이들은 다른 사람들보다 더 두드러지지만 잠재력은 항상 그곳에 있다.

SUBJECTS

가장자리에 있거나 잘 맞지 않을 수 있는 거리 사진의 측면을 가장 잘 설명하는 단어는 무엇인가? 아마도 픽션fiction일 것이다, 비록 그것이 어떤 것을 꾸며낸 것을 암시하지만, 이것은 많은 거리 사진가들에게는 불쾌해할 것이다. 그것은 애매한 지역이다. 그러나, 거리 사진의 중심에서 떨어진 곳에 맵핑mapping이 필요하다. 모든 사람들이 그곳에 가는 것은 아니지만, 다른 문화를 가진 다른 장소들이 존재한다는 것을 인정하는 것이 중요하다.

여러분은 한 지역을 '왜곡'해서 불러올지도 모른다, 눈이 자연스럽게 보는 것에서 멀어지는 어떤 지역이든 말이다. 비록 적어도 이 렌즈가 여전히 현실을 보고 있지만, 극도의 광각과 망원 렌즈가 이 영역 내에 들어온다; 그들은 리얼리티를 셋팅하거나 재배열하고 있지 않다.

몇 년 전, 나는 동료 사진가 매트 스튜어트Matt Stuart와 함께 런던의 거리를 헤매고 있었는데, 그때 우리는 '극한 위험'이라고 쓰여 있는 도로공사 간판을 보았다. 마음이 편한 순간에, 나는 매트에게 다리만 보이도록 표지판 뒤로 머리 위에 서달라고 부탁했다. 그것은 재미있는 사진이지만, 설정했기 때문에 나는 그것을 거의 보여주지 않는다. 나는 이것을 잘 알고 있고, 아마도 그것을 실제 순간으로 표시하는 것은 기만적이기 때문에 담배 한 갑처럼 '이 사진은 설정되었다'라는 큰 글자에 건강 경고문을 써야 한다; 그것은 개인적으로 그리고 거리 사진의 더 넓은 지역사회에서 신뢰를 깨뜨릴 것이다. 이것은 드라마틱하게 들릴지 모르지만 거리 사진 속에는 확실한 행동 강령과 책임감이 있다. 그것은 '무관용 원칙zero tolerance'으로 가장 잘 묘사될 수 있다.

한 유명한 사진가가 자신의 사진을 찾는 것은 '건초더미에서 바늘을 찾는 것과 같지만, 때때로 건초더미에서 바늘을 하나 더 던지는 것이 도움이 된다'고 말한 것으로 전해진다. 이것은 좀 애매하다. 어느 순간의 거리 사진가는 모두 길거리의 정물(still life)에 관한 한 아마 '유혹을 받았을' 것이다. 얼마나 많은 거리 사진가들이 그들이 의도한 프레이밍에서 작은 산만한 요소를 쫓아낸 적이 없다고 솔직하게 말할 수 있을까?

설정된 사진가와 실제 사진가의 차이점을 구별할 줄 아는가.

한 장면을 더하거나, 제대로 만들 수도 있다는 기대도 또한 있다. 한 사진가가 나에게 비둘기 두 마리가 들어 있는 포스터에 대한 그의 매력에 대해 말한 적이 있다. 근처에 비둘기 몇 마리가 있어서 그는 포스터 바로 아래에 약간의 빵을 뿌리고 조심스레 뒤로 물러섰다. 한 마리의 검은 비둘기와 한 마리의 흰 비둘기는, 포스터와 완벽하게 일치하여, 적당하게 보였다. 그 사진가는 원하는 샷을 얻었다. 일부 사진가들이 그러한 행위를 인정하기를 꺼릴 수도 있지만, 이것은 거의 틀림없이 가벼운 참견일 뿐이다.

이것은 매우 민감한 이슈이고 간섭이 특정 지점을 넘어설 때 매우 중요하지만, 본질적으로 정직함을 주제로 행해진다. 위안은 아마 훈련된 눈이 보통 부정직하게 본다는 것-사진에서 부자연스러운 것–이다, 디지털 조작으로 완전히 위조되었을 때, 사진이 설정되거나, 더 나쁜 것이든.

후자는 별개의 문제고 더욱 민감한 문제지만 다시 정직성으로 돌아온다. '디지털 조작'은 불쾌한 말이 아니다. 그것들은 한때 습한 암실이었던 것의 일부였는데, 그것은 또한 ‘남용’에 취약했다. 인쇄업자들은 암실에서, 때로는 너무 많은 것을 만지작거렸다. 그래서, 디지털 조작을 합리적으로 사용하되, '피라미드를 움직이지 말고' 현실 그대로 나타내라. 이것은 절대적으로 명료하다. 엘리엇 어윗은 이 주제에 대해 공통적인 견해를 가지고 있다:

‘나는 그 요소가 거의 폭력적이다 – 전자적인 사진 조작. 나는 그것이 혐오스럽다고 생각한다. 나는 그것을 모두 거절한다. 내 말은, 옥수수 가루나 자동차를 팔거나 엘리자베스 테일러의 얼굴에서 여드름을 빼는 것은 괜찮지만, 그것은 사진 촬영에 관한 것을 약화시킨다, 그것은 관찰에 관한 것이지 이미지 조작에 관한 것이 아니다.'

디지털 시대에는, 예술과 사진이 공존하며, 많은 사진가들에게는 불유쾌한 혼합이다. 이 두 세계는 '사진을 사용하는 예술가'가 두 매체를 가지고 작업을 할 때 때때로 충돌한다. 나는 개인적으로 -합성물이라고 불릴 수 있는- '사진 예술'의 유형을 싫어하지만, 만약 예술가가 그들이 표현하려는 것에 정직하고 그 작품이 절대적으로 괜찮은 '유해 경고'와 함께 나온다면 말이다.

최악의 시나리오는 사진가들이 예술가와 반대로, '속임수cheat'를 쓰는 시나리오다. 바라건대 그런 사진가가 많지 않길 바라지만, 필연적으로 일부 의심스러운 사진가들은 지나치게 움직이거나 무언가를 덧붙일 것이다. 다시 말하지만, 만약 그들이 그들의 방법에 대해 완전히 열려 있다면 그것은 허용될 수 있지만, 그들은 작은 프린트 속에 그러한 방법들을 숨겨서는 안 된다. 단서를 찾는 사람은 보통 형사들-다른 사진가들-밖에 없다.

패션 사진에는 그것의 비평가들이 있다; 예를 들어, 모델들은 디지털로 더 날씬하게 만들어지지만, 일반적으로 그것은 정직하고 당신은 그것을 액면 그대로 받아들인다. 모델들의 옷은 촬영의 목적이고, 당신은 어쨌든 현실이 아닌 거 알고 있다.

이 책의 정수 중 하나는 영감이 많은 다양한 영역에서 찾아올 수 있기 때문에 분류에 저항하는 것이다. 거리 사진은 중요한 사진가의 핵심 목록을 가지고 있지만, 영감은 여백에서 쉽게 나올 수 있다. 이전에 모델이었던 사라 문은 1970년대에 패션 사진 촬영에 눈을 돌렸지만, 심지어 그 호칭조차도 오해의 소지가 있다. 그녀는 피렐리Pirelli 캘린더calendar를 찍은 최초의 여성이었지만, 거리에서 찍은 많은 그녀의 분위기 있는 사진들은, 패션, 영화 누아르, 다큐멘터리의 혼합물이다.

길거리 패션과 거리 사진은 놀랄만한 동료처럼 보일지 모르지만, 이 둘은 사진 속의 끊임없는 교류를 강조할 뿐이다. 데이비드 베일리David Bailey는 영원히 '흔들리는 60년대'의 일인자로 브랜드가 붙어있지만, 어떤 사진 라벨을 붙이겠는가? 물론 포츄레이트와 패션은 물론 다큐멘터리 작품도 했고, 앙리 카르티에-브레송과 피카소의 팬이기도 했다. 거리의 패션 사진은 분명히 모델과 사진가의 합작품이지만, 그 정신은 '적당한' 거리 사진의 범위 안에 있다. 윌리엄 클라인, 데이비드 베일리, 테렌스 도노반Terence Donovan, 페르디난도 시아나Ferdinando Scianna는 이러한 자유롭고 실제적인 촬영 패션 방식을 주도하거나 이에 반응한 사진가들 중 몇 명이다.

STREET PORTRAITS

아마 틀림없이 거리 사진의 여백에 할당하는 사진의 한 장르는 거리 포츄레이트인데, 여기서 주제는 사진을 찍는 것에 동의한다. 그것은 사진 찍히는 것을 인정하고 승인하고 심지어 사진을 찍기 위해 포즈를 취할 수도 있는 그들의 주제와 상호작용을 할 때에도 거리 사진을 연습하고 있다고 믿는 사진가들에게, 거리 사진에 대한 가장 흔한 오해들 중 하나이다. 이것은 거리 사진이 아니다; 그것은 연출된 사진을 찍고 있다. 불행히도, 거리 포츄레이트는 거리 사진 블로그나 웹페이지에 어디에나 존재하는데, 이것은 오해의 소지가 있고 다소 거짓이다.

거리 사진가들은 가끔 있는 거리 포츄레이트를 그들의 일탈에 포함할 수 있다. 예를 들어 샌프란시스코의 잭 사이먼Jack Simon은, 때때로 누군가의 포츄레이트를 촬영하는 것을 허용한다. 어떤 거리 사진가들은 매우 사교적이고 거리에서 가끔 포츄레이트를 찍기 위해 자연스럽게 다가오지만, 그들은 대개 그것이 별도의 훈련이라는 것을 알고 있다. 까르띠에 브레송은 포츄레이트를 찍었지만 거리 포츄레이트는 아니었다; 그는 그 주제와 상호작용을 하고 있었고 꽤 종종 그것은 위탁 촬영이었다.

엉덩이에서 촬영하는 것은 무작위적이고 우연한 일이지만, 거리 사진에 대한 너무나 불손한 접근법이기 때문에 그것을 완전히 여백까지 밀어붙이는 것을 다소 꺼린다. 고정돼 있지 않고 무작위적이며 그 장르의 참된 정신에 부합하지만, 그것이 많은 훌륭한 이미지로 귀결되는가? 거의 틀림없이, 거리 사진은 최소한 기회를 주기 위해 눈에 카메라를 대고 운을 조절한다. 번화가에서 엉덩이에서 총을 쏘는 것은 재미있지만, 궁극적으로 명중보다 빗나가는 것이 훨씬 더 많다.

알리아스 조니 스틸레토Alias Johnny Stiletto의 시선, 엉덩이로부터 촬영: 카메라를 통해 보는 또 다른 방법Shots from the Hip: Another Way of Looking Through the Camera (1992년)은, 특이하고 전염성이 있으며, 사진을 찍는 방법에 대해 확실히 의문을 제기한다. 그는 '규칙'을 깬다. 그의 테크닉은 논쟁의 여지가 있는 '노파인더 촬영firing blind'였지만, 이 책은 가식 없이 사진에 대해 묘하게 매우 현명하다. 때때로 당신은 무엇이 중심에 있는지 더 잘 이해하기 위해 가장자리에 있는 것을 고려해야 한다.

나는 이 책에 판 호Fan Ho의 작품을 더 많이 포함시키고 독일의 에르윈 피거Erwin Fieger의 컬러 사진에도 인식을 확장하고 싶었다. 이 두 사진가는 유명인사가 아니며 그들은 매우 대조적인 스타일을 가지고 있다. 판 호의 사진은 그래픽적이고 서정적이며, 2013년 사망한 피거Fieger는 희귀한 색상 팔레트를 가지고 있으며, 망원 렌즈를 창의적으로 많이 사용했다. 나는 거리 사진 촬영에 망원 렌즈를 사용하는 것에 대해 착잡한 심정을 가지고 있다. 나는 보통 꼼짝할 수 없지만-게으르고 사진들이 뭉쳐 있는 것처럼 보이지만- Erwin Fieger와 함께 있으면 갑자기 호기심이 생기고 영감을 얻는다.

내가 가장 아끼는 책 중 하나는 수년 전 중고서점에서 얻은 피거Fieger의 런던: 꿈의 도시London: City of any Dream(1962년)이다. 이 책은 또 다른 런던에 관한 아름답고 놀라운 책인데, 그 대부분은 망원렌즈로 촬영되었다. 내가 이 책에서 빼먹은 프로젝트 중 하나는 망원 렌즈를 사용한 것이다. 피거가 그의 책에서 한 말이 자극했다.

‘망원 렌즈는 나의 특별한 작업 방식에 매우 유용하다는 것을 증명했다. 왜냐하면 그것은 중요한 디테일들을 혼란스러울 정도로 많은 것들로부터 분리할 수 있게 해주었기 때문이다.'

콜린 오브라이언Colin O’Brien은 1950년대 후반으로 거슬러 올라가는 강박관념의 또 다른 런던 사진가다. 상기된 제목의 사진인, '카우보이와 그의 여자친구'는, 아이들이 길거리에서 카우보이와 인디언 놀이를 하던 때를 포착하고 있다.

나는 거리에서 사진 찍는 것을 반대해 본 적이 있느냐는 질문을 자주 받는다. 이것은 유도적인 질문이며, 그 질문은 바로 사진 촬영에 대해 불안해하는 사람에게서 나온 것이라고 내게 말해준다. 내 본능은 질문을 회피하는 것이다. 왜냐하면 만약 당신이 그런 질문을 한다면 당신의 접근방식은 이미 정해져 있기 때문이다. 이 사고방식은 완전히 끝나지 않았다, 만약 그렇지 않으면 당신은 거리 사진을 제대로 찍을 수 없을 것이다.

만약 당신이 사람들의 반응에 대해 걱정한다면 거리 사진촬영을 할 수 없다.

이것은 가혹하게 들릴지 모르지만 거리 사진 촬영에는 두 가지 접근법이 있다. 즉, 거리 사진을 하고 싶은 욕망과 거리 사진에 대한 마음이 내키지 않는 관심이 그것이다. 물론, 이 중 일부는 거리 사진을 찍는데 법적인 문제나 실제적인 제약이 있을 수 있다는 인식이다. 사생활과 사진의 법적 측면으로 책을 채울 수 있는데, 결정적으로, 전세계에 걸쳐 다양하지만, 그것은 이 책이 아니다. 그 문제에 대한 나의 유일한 견해는 상식이 항상 우세해야 한다는 것이다.

MOBILE PHONES

나에게 가장 매력적이고 가끔 문제가 되는 문제 중 하나는 휴대폰 카메라를 어떻게 다루느냐 하는 것이었다; 그것들을 그저 다른 카메라로 취급할 것인지 아니면 다른 태도를 가진 강력한 새로운 움직임으로 취급할 것인지. 사진은 항상 격변의 가장자리에 놓여있었고, 휴대폰 사진은 평행우주parallel universe를 찾는 것에 비유될 수 있다. 간단히 말해서, 다른 가치관을 가진 또 다른 관객들이 최근에 사진촬영 해왔다. 이것은 단순히 인터넷의 세계가 아니라, 어떤 흥미로운 변화들을 통해 사진을 끌어낼 수 있는 방대한 '휴대폰' 청중들이다.

가장 중요한 문제는 휴대폰 카메라가 새로운 창조적 에너지를 방출할 것인가, 아니면 많은 진지한 사진가들에게 소중한 전통을 죽이거나 무시할 것인가 하는 것이다. 앙리 까르띠에-브레송은 휴대폰 카메라를 어떻게 생각할 것인가, 더 정확히 말하면, 그것을 사용하는 사람들을 어떻게 생각할 것인가? 그의 세계는 당시 이용 가능한 기술에 의해 형성되었다. 그는 2008년이 아닌, 1908년에 태어났다. 깊은 희망은 휴대폰 카메라가 리얼리티에서 단지 또 다른 도구로, 오른손으로, 전통을 계승하고, 다른 스타일과 태도로 그것을 자극하지만 기본적으로 미학을 지속하는 것이어야 한다. '오른손right hands' 모티브는 확실히 항상 중요한 것은 생산된 이미지이기 때문에 모든 카메라에 적용된다. 그 믿음이 이 책을 뒷받침한다; 기술이 미적인 것을 바꾸기 때문에 순진한 쪽으로 약간 기울어질 수도 있지만, 사진가들은 항상 그들이 사용하는 장비보다 더 흥미롭게 남아 있기를 바란다.

CATEGORISATION

소개된 사진가들 중 일부는 '적절한' 거리 사진가들인데, 거리 사진의 꼬리표를 달고 편안히 앉아 있는 것도, 그들이 분명 그 커뮤니티의 일부라는 이유 때문이기도 하다. 다른 사진가의 경우 라벨은 덜 확실하게 적용되며, 몇몇 사진가는 심지어 그들이 생각하기에 쉽거나 잘 맞지 않는 분류에 저항할 수도 있다. 나는 몇 년 전 거리 사진 축제에서 매그넘 사진가의 강연을 들었던 기억이 난다; 그는 포함되서 행복했지만 또한 거리 사진가로 여겨지는 것에 약간 어리둥절했다. 이 책에는 여러 명의 매그넘 사진가가 있다 – 사진 분야에서 최고라고 생각한다면, 이 전설적인 에이전시를 고려해야 한다. 궁극적으로, 최고의 사진가들은 라벨labels을 무의미하게 만든다.

다큐멘터리 사진이나 그 반대편 사진에서 벗어나 거리 사진을 자랑하려고 배회하기 쉽다. 무익한 훈련이지만, 최근 온라인에서 거리 사진의 유행이 이 책을 견인하고 있음을 인정해야 한다. 인터넷의 진보는 현재와 미래를 모두 인정하면서도 과거의 위대한 사진가를 모두 포용하는 거리사진에 새로운 에너지와 커뮤니티를 만들어냈다.

이 책에서 20개의 프로젝트를 고른 것은 거리 사진의 '어떻게 찍을지'를 해체하는 것의 어려움을 더욱 강조한다. 역설이 항상 존재한다 – 운이 따르고 종잡을 수 없지만, 또한 무척 재미있고 그 과정을 의식적으로 인지하고 있다. 어떤 의미에서, 거리 사진은 항상 –노래를 하는 것을 배우는 것과 같은- 가능한 것을 이해하는 것이지만, 배운 화음으로, 자신만의 노래를 만들어 내는 것이다. 거리 사진은 정확한 과학이 아니라는 것을 기억해야 한다. 그래서 아마도 이 책은 몇 곡의 추천곡과 함께 다른 기타 화음들과 튜닝들을 선별한 것일 것이다.

COLOUR VS BLACK AND WHITE

내가 초기에 다루어야 할 문제는 색상이나 흑백의 사용인데, 특히 그것들이 근접해서 나타날 때이다; 이 책에서는 둘 다 평가하지만, 나는 그것이 단지 항상 좋게 보이지는 않는다는 것을 알기 때문에 그것들을 섞는 것을 경계했다는 것을 고백한다. 매체들이 충돌하며 혼란스러운 메시지를 내보낸다. 이것은 절대적인 것이 아니며 어떤 종류의 역사나 교육서적도 아마도 이러한 미학을 용서할 수 있지만, 일부는 규칙이라고 부를 수 있는, 이러한 고려는 중요하다.

그래서 어느 정도 나는 이 문제를 피했고, 내가 언급하는 사진 책들은 사실상 컬러나 단색이라는 것만을 덧붙이겠다. 왜냐하면 그것은 한 명의 사진가가 한 장소에서 기분 좋게 두 개를 섞는 드문 능력이기 때문이다.

OBSESSION

영국의 다큐멘터리 사진가 마틴 파Martin Parr가 공을 가지고 있다고 주장할 수 있다(25페이지 참조). 그는 가까이 다가갔다. 하지만 모두를 위한 것은 아니다. 그러나, 집착은 필요조건이다; 어떤 것도 어중간한 마음에서 오는 것은 없으며 최고의 사진가들이 초기의 강렬한 학습을 한 것은 흔한 일이다. 이 ‘견습 기간apprenticeship’은 몇 년이 될 수 있다. 내셔널 지오그래픽의 베테랑 사진가 윌리엄 앨버트 앨러드William Albert Allard는 '거기까지' 가는데 대략 7년이 걸린다고 생각했다. 지름길은 없지만, 무언가에 푹 빠지면 집착은 시간에 대한 배려가 거의 없다.

‘집착과 헌신과 용기가 필요하다. 아직 할 수 있을 때 나가라.’ MARTIN PARR

사진가의 의욕적인 마음을 파고들어 그 집착을 맛보고 싶다면, 호주 사진가 트렌트 파크Trent Parke (130~131쪽)보다 더 잘할 수 없다. 파크는 끊임없이 스스로 많은 것을 요구한다:

‘지난 작업에 대해 말하는 것은 항상 어렵다. 나는 지금 이 순간, 바로 지금 이 순간에 살고 있는데, 한 달 전에 내가 만든 작업에 대해 말하려고 하는 것은 어렵다. 내가 새로운 스토리를 작업하는 바로 그 순간, 내 주변의 모든 것이 중요하다는 사실로 귀결된다. 일단 내가 어떤 것의 영역에 있게 되면, 매일 일어나는 모든 일상의 영향력은 결과에 매우 중요할 수 있다. 한 가지 일이 다음 일로 이어진다. 그리고 마침내 답을 찾으면, 다음 단계로 넘어가서 다시 시작한다...’

파크는 자신이 가장 중요한 이야기꾼이라고 생각하는데, 여기서 한 장의 사진이 일시적인 가치를 지니고 있다:

‘요즘은 사진 한 장으로는 흥미를 끌 수 없다. 거리 사진에는 엄청난 도전이 있다. - 잠깐의 순간을 포착하는 데 - 그리고 나는 수년 동안 이것을 했다. 나는 이 멋진 단일한 이미지를 만드는 데 걸리는 시간과 기술을 전적으로 존중하지만, 그 독립된 사진들은 내러티브로 작업하기 어렵다. 물론 그것들은 중요한 장소나 도시의 사진 모음집이 된다. 그러나 나는 감정에 관심이 있다. 서로 실질적인 관계는 없지만 특정한 방식으로 배열된 40장의 사진의 맥락을 어떻게 바꿀 수 있는가 하는 것은 매우 다른 이야기를 할 수 있다. 나에게는 이것이 가장 큰 도전이다. 그 책이 바로 그 작품이다. 나는 항상 배우고 있다. 이것이 나를 앞으로 나아가게 하는 것이다. 새로운 발견을 하는 것. 나는 항상 카메라를 내 주변의 세계를 탐험하고 모든 것에 의문을 제기하는 방법으로 사용해 왔다. 그리고 나는 여전히 나의 기술을 배우고 있다. 내가 모든 것을 아는 날은 사진이 나를 위해 죽는 날이다. 우연, 기회, 실수, 행운은 내가 하는 일에 큰 역할을 한다.’

파크는 2003년 유진 스미스 메모리얼 어워드(W.Eugene Smith Memorial Award)의 수혜자였고, 그것은 제2차 세계대전 사진으로 유명한 미국의 사진기자 스미스가 집념[執念]론자였기 때문에, 전적으로 적절한 상이다. 그는 흔히 포토에세이라고 부르는 형식으로 이야기를 추구했는데, 그 결과 일본 미나마타에서, ‘그녀의 욕조Her Bath’의 우에무라 도모코와 같이 독특한 상징적인 이미지(1971)가 나타나기도 했다.

집념은 조금 재미없게 들릴 수 있지만, 몇 년 전 빌 제이Bill Jay가 쓴 <오컴의 면도날Occam’s Razor>(1992)라는 책을 우연히 발견했는데, 이 주제에 대해 언급했다. 제이는 위대한 바이올리니스트와의 텔레비전 인터뷰를 떠올렸고, 그 바이올리니스트는 그 날의 전형적인 모습을 다음과 같이 묘사했다:

‘이 음악가는 아침식사를 하면서 악보를 읽고 나서, 아침에 작곡을 하고, 산책 중에 음악에 대해 생각하고, 오후에 바이올린을 연습하고, 저녁에 콘서트를 하고, 함께 연주할 음악가 친구들을 만나고, 바이올린을 꿈꾸며 잠자리에 들었다고 말했다. 이것이 좁은 삶처럼 보였느냐는 질문에, 바이올리니스트는, "네, 처음에는 초점이 점점 좁아지고 있었는데 그때 특이한 일이 일어났다. 그것은 마치 내 음악이 한 시간짜리 유리의 작은 구멍을 통과해서 점점 더 넓어지고 있는 것 같다. 이제 내 음악은 삶의 모든 측면과 연결되고 있다“.’

INSPIRATION

영감은 모든 예술적 노력에서 가장 중요한 요소다; 그것은 반드시 에너지의 폭발이 아니라, 무언가를 성취하기 위한 더 조정된 결정이다. 사진은 많은 예술분야에서 영감을 얻을 수 있다; 어떤 예술가의 투쟁이나 업적이든 위안을 줄 수 있고 신선한 자극을 줄 수 있다. 사진에 대한 영감은 또한 특정한 것일 수 있다. 왜냐하면 어떤 진정한 시작은 방향을 필요로 하기 때문이고 사진가들이 미래의 길에 불을 붙인 특정한 불꽃을 떠올리는 것은 드문 일이 아니기 때문이다. 무언가가 존재한다는 것을 감지한다면, 그것을 보다 의식적으로 찾기 시작하므로, 이 잠재적인 '유레카eureka' 순간을 인식하는 것이 중요하다.

사진책은 어떤 진지한 사진가의 활력의 근원이고, 책은 어떤 진지한 사진가의 원동력이고, 당신은 온라인에서 사진을 보는 것에 대해 쉽게 언급할 수 있다. 왜냐하면 많은 영감을 주는 웹사이트들이 있기 때문이다. 매그넘 웹사이트는 항상 북마크되어야 하지만, 매그넘 사진가들이 책 제작에 매진하는 것은 그들의 작업에 가장 만족스러운 프레젠테이션이기 때문이다. 전시회, 아름다운 잡지, 웹사이트, 앱 등이 있지만, 책이 더 실체적이다. 만약 당신이 영감을 주는 전시회를 본다면, 당신의 생각은 항상 그 책을 사는 것이 될 것이다.

이것은 전통적인 견해일 수도 있지만, 컴퓨터 화면의 산만함에서 벗어나 인쇄된 페이지의 사진을 보는 것을 능가할 수는 없다. 사진 도서는 그 작품이 완전히 마음을 뺏을 수 있도록 특별히 제작된다. 그것은 또한 사진가의 작품에 흥미를 끄는 가장 존경스럽고 개인적인 방법이다. 책도 카메라처럼 아름다운 대상이 될 수 있다. 사람들은 때때로 사진 장비에 많은 돈을 쓰지만 사진 책에는 그 중 상당 부분을 쓸 생각은 전혀 하지 않는다. 카메라는 도구지만, 사진책의 작은 도서관은 의미 있는 사진을 찍는다는 목표에 훨씬 더 기여한다. 그것은 끊임없이 언급될 수 있고 영감의 훌륭한 원천으로서 작용한다.

오래전에 출판된 사진 책들에는 로버트 프랭크의 미국인들The Americans(1958)이 포함되어야 하는가? 답은 분명히 '그렇다', 또한 쉽게 구할 수 있고 좋은 가치가 있기 때문이기도 하다. 오래 전에 나에게 추천된 책은 빌 제이, 데이비드 허른David Hurn의 "사진가가 되기 위해On Being a Photographer"(2001)이다; 그것은 여전히 사진가가 되기 위해 요구되는 것에 대해 가장 명확한 견해 중 하나이지만, 그 너머로는, 기술적인 조언과 마찬가지로, 나는 구체적인 추천에는 망설여진다.

몇몇 다른 사진 책들이 본문 전반에 걸쳐 참조되고 있으며 186페이지에서 포괄적인 참고 문헌을 찾을 수 있다.

거리 사진은 따로 할 수 없으며, 항상 방향이나 확신이 필요하다. 무엇보다도, 당신은 영감이 필요하고, 책은 그것을 제공한다.

ONLINE COLLECTIVES

로버트 아담스는 그의 책에서 왜 사람들은 사진을 찍는가Why People Photograph라고 썼다.: ‘자신의 사진만으로는 결코 충분하지 않다. 계속된 모든 사진가들은 다른 사람들의 사진에도 의존해 왔다 – 사진들은 공적이거나 사적인 것일 수도 있고, 심각하거나 웃길 수도 있지만, 커뮤니티를 상기시켜준다.‘

이것은 인터넷이 사람들의 삶을 처음으로 사로잡기 훨씬 전인 1994년에 쓰여졌지만, '커뮤니티'라는 단어는, 더더욱 관련이 있다. 항상 단순한 친구일 수도 있는 사진가 그룹이 있었지만, 때로는 그 이상이 되기도 한다. 숫자에 강점이 있고 집단이 지지를 제공하지만, 결정적으로 그들은 중심이 되거나 심지어 움직임이 된다. 요컨대 그들은 반드시 본래의 의도가 아니라, 알려지는 대로 사진의 그룹과 학교들이 중요해지고, 이제 온라인에서 수집하고, 의견을 명확히 하고, 효과를 변화시킨다.

런던의 성공적인 광고 및 편집 사진가인 닉 터핀Nick Turpin은, 2000년 같은 생각을 가진 사진가를 한 자리에 모이려는 열망으로 인-퍼블릭In-Public을 결성했다. 인-퍼블릭은 '거리 사진의 본고장'이라고 광고되었고, 런던, 뉴욕과 호주에 헌신적인 거리 사진가들의 핵심들을 재빨리 모았다. 풋내기 집단은 생기가 돌았지만, 그 운명은 정말로 인터넷에 묶여 있었다; 새로운 매체가 모든 사람들의 삶에 들어오기 시작하자, 인-퍼블릭은 전 세계의 더 많은 사진가들에게 손을 내밀었다. 그것은 기준점이자 영감의 원천이 되었다. 그 종류 중 첫 번째로, 그것은 필연적으로 비슷한 정신으로 모방자들을 낳았다. 무언가에 있어서 1등이 되는 것이 반드시 최고가 되는 것을 의미하지는 않지만, 인-퍼블릭은 의심할 여지없이 매우 재능 있고 오래 지속되는 사진가의 핵심을 가지고 있다. 이 그룹은 계속해서 활동할 수 있는 광대한 영향을 끼쳤으며, 터핀Turpin은 거리 사진 촬영을 위한 중요한 플랫폼과 갤러리를 창설한 공로를 인정받을 만하다.

인퍼블릭은 현재 전 세계적으로 22명의 회원을 두고 있지만, 신규 회원을 모집하기 위해 세심하게 심사숙고하는 시스템을 갖추지 못하고 있다. 그 과정은 항상 우연히 유기적이었으며, 이것은 거리 사진의 성격을 반영하고 있다. 확실히 후천적인 책임은 그들의 어깨에 있지만, 그들은 마음속으로는 자신들이 하는 일이 엄청난 인기를 끌고 있는 것을 목격한 같은 생각을 가진 거리 사진가 집단으로 남아 있다. 왼쪽의 리처드 브램Richard Bram은 앤디 몰리 홀Andy Morley-Hall의 작품과 같이, 31페이지에 수록된, 그런 멤버 중 한 명이다. 몰리 홀의 포착은 그의 가장 오래 지속되는 것 중 하나이다: 런던의 버클리 광장에 있는 공군 사관학교 생도들은 매우 초현실적인 광경을 보여준다. 무슨 일이 일어났는가; 누군가 책임을 져야 하는가? 인-퍼블릭 집단의 오랜 회원인, 몰리 홀은 현재 뉴질랜드에 있다.

거리 사진가들은 특히 페이스북에서, 이미 많은 팔로워를 가지고 있는 또 다른 최근의 집단이다. 그들은 현재 21명의 회원을 가지고 있는데, 이것은 아마도 그 집단이 도달해야 하는 자연적인 숫자에 대한 힌트일 것이다. 집단이 너무 커지면, 걷잡을 수 없게 되어 원래의 목적이 끊길 위험에 처하게 되고, 더 중요한 것은, 표준 규약을 놓치게 된다는 것이다. 거리 사진가들은 매우 높은 수준을 유지하고 있으며 잘 설계된 웹사이트에 다음과 같은 간단한 선언문을 밝히고 있다:

‘거리 사진가들은 회원들이 거리 사진의 전통을 이어가는 국제적인 사진가 집단이다. 그들은 노출되지 않은 순간들을 포착하고, 주변의 삶을 해석하고, 세상에 대한 우리의 인식에 도전한다. 이 단체는 또한 거리 사진의 감상을 많은 독자들에게 알리는 것을 목표로 하고 있다. 그것은 공개 포럼, 전시, 출판 등을 통해서 한다. 거리 사진가들은 그들의 노력이 이 장르에 대한 증가하는 관심을 불러일으키고 신진 사진가의 발전을 촉진할 수 있다고 믿는다.’

온라인 집단 세계의 공통적인 목표는, 항상 책과 워크샵과 전시회를 통해 그것의 에너지를 실체적인 형태로 옮기는 것이다. 워크샵은 집단들의 현재성과 발언이 될 수 있지만 그들은 평판에 매우 의존한다. 그 잣대는 아마도 매그넘Magnum일 것이고, 매그넘의 사진가들은 정기적으로 전세계에서 워크샵을 진행한다.

가장 흥미로운 집단 중 하나는 노출되지 않았고, 왜냐하면 그것은 전적으로 폴란드 사진가들로 이루어져 있기 때문이다. 2011년에 세워진, 이 10명의 사진가들은 모두 폴란드에 기반을 둔 것은 아니다-예를 들어, 데미안 크뢰박Damian Chrobak은 런던에 있다- 그러나 단일화된 정신은 훌륭할 정도로 폴란드적이다. 인도 집단 That's Life는, 작지만, 같은 맥락이다. 이 접근법에는 순수한 데가 있다; 특히, That’s Life는, 왜냐하면 단지 인도를 해석하는 그 사진가들이 인도에서 찍은 사진들을 전시한다면, 그것은 아마도 정체성을 잃을 것이기 때문이다.

온라인 집단들은 사진가들이 다른 비슷한 생각을 가진 사진가와 함께 모일 본능적 욕구의 최신판이다.

이 모든 집단들은 지난 5년여 동안 시작되었으며 템즈 & 허드슨의 스트리트 포토그래피 나우Street Photography Now 책(2011년)과 그에 따른 온라인의 힘 덕분일 것이다. 번 마이 아이Burn My Eye도, 거리 사진가처럼, 그리스인-세명의 사진가들은 그리스인-의 존재감이 강하지만, 그 이후 널리 모집하여 한 세대에 얽매이지 않고 있다. 최근 1950년생인, 미국의 돈 허드슨Don Hudson이 추가되면서, 1970년대 촬영된 작업으로 집단적으로 접근할 수 있게 됐다. 번 마이 아이(Burn My Eye)는 분명 상상력이 풍부하고, 그들이 그들의 일에 누구를 더하는지에 대해 조심스러워하고 있다.

멤버들의 빡빡한 편집을 유지하는 것은 빡빡하게 편집되는 것만큼이나 중요하다. 한때 매그넘 사진가가 새 멤버 모집의 어려움에 대한 질문을 받았던 기억이 난다. 그 대답은 '진짜 문제가 회원들을 없애고 있다'는 것이었다. 나는 그가 반농담에 불과했다고 느꼈다.

거리 사진 집단의 단체 세계는 자연스럽게 블로그와 필연적으로 페이스북으로 확장된다. 모든 집단들은 페이스북 페이지를 가지고 있지만, 거의 1인 집단 역할을 하는 중요한 개인들도 있고, 에릭 김Eric Kim은 거리 사진 세계에서, 그의 소셜 미디어 기술 때문에 인정을 받을 만하다. 그의 페이스북 페이지는 정보의 허브이며 수천 명의 사람들이 팔로우하고 있다. 미국에 기반을 둔 김씨는 거리 사진 촬영에 전념하고 박식한 팬인데, 그는 또한 전세계에서 하는 워크샵으로도 잘 알려져 있으며, 종종 다른 사람들과 협력하기도 한다. 그의 에너지와 관대함의 협력적인 요소가 그를 돋보이게 했다. 그는 소위 선진 사진가라고 할 수 없지만, 확실히 거리 사진의 기치를 높였고, 거리 사진에 많은 사람들을 끌어들였다.

만약 새로운 거리 사진 집단이 형성된다면, 당신은 김씨가 아마도 일찍부터 그것에 대해 알게 될 것이라고 장담할 수 있다. 그의 블로그에 갑자기 회원과의 인터뷰가 나타나는데, 이 블로그는 그가 거리 사진과 관련된 모든 것에 대한 목록을 수집하는 것을 즐기고, 페이스북 페이지에 포석을 깔 것이다. 일반적으로 '페이스북 사진'은 잡다한 승인이라고 볼 수 있다. 그것은 해보다 훨씬 더 득이 되지만, 당황스러울 정도로 무작위적이고 품질관리가 부족하다. 피드백을 위한 포럼과 공유를 위한 플랫폼을 제공한다는 점에서 플리커Flickr와 필적할 만하지만, 얼마나 많은 사진가들이 그들의 사진보다 페이스북 페이지에서 '작업'하기를 원하는가?

아래의 인용은, 김씨의 작품 '거리 사진에 대해 내가 배운 103가지 것들'에서 따온 것으로, 김씨의 기질을 살리고 그의 보다 유용한 지혜의 말을 예시한다.

조엘 메이어로위츠Joel Meyerowitz는 김씨와 마찬가지로, 사람들에게 다가갈 수 있는 페이스북의 잠재력을 이해하는 긍정적인 예다. 그것은 홍보 수단이지만 성실하게 하면, 누구에게나 보람이 있다. 메이어로위츠의 페이지를 보십시오-사람들은 그가 상징하는 것을 존중하기 때문에 그의 사진 일기를 팔로우한다.

파리에 기반을 둔 사진기자 겸 자칭 거리 사진가도 이와 유사하다. 피터 턴리Peter Turnley는, 정기적으로 그의 페이지를 사진과 논평으로 업데이트한다. 페이스북이 반드시 젊은 세대에 속하는 것은 아니며, 명확히 표현된 사진가가 자신의 사진적인 삶을 다른 사람들과 공유하는 것을 보는 것은 고무적이다. 메이어로위츠처럼, 턴리는 그의 아카이브에 기록한다; 모든 것이 지난주의 것은 아니다. 이 두 사진가는 -실제로 그들의 페이지 이면에 있는- 깊이를 가지고 있고, 그들은 페이스북의 사진 페이지에 대한 기준을 높인다.

반면 작품성이 정반대인 칠레 사진가 세르지오 라레인Sergio Larrain은, 영적인 은둔을 택한 그의 말년에 스포트라이트를 피했다. 페이스북이나 텀블러Tumblr는 그에게 잘못된 커뮤니티였을 것이다; 라레인은 이메일이 아니라 편지를 쓴 사람이었다. 역설적이게도, 그의 사진들은 이제 온라인 독자들에게 다가온다. 분명히 모든 종류의 커뮤니티들은 시대를 통해 예술가들에게 상호 작용과 위안을 제공해왔다.

ERIC KIM’S ADVICE FOR STREET PHOTOGRAPHERS

■ 소셜 미디어의 양이 중요한 것이 아니라, 당신이 가진 팔로워의 질이 중요하다.

■ 장비가 아니라, 책을 사라.

■ 돈이 사진 촬영에 있어서 당신을 행복하게 할 수 있는 유일한 방법은 당신이 물질적인 것(카메라, 렌즈, 일반적으로 장비...)이 아닌 경험(여행, 워크숍, 선생님들)에 투자하는 것이다.

■ 대부분의 유명한 사진가들은 죽은 후에 가장 인기 있는 두 세 개의 이미지로만 알려져 있다. 만약 당신이 이것을 성취한다면 당신은 사진가로서 당신의 기여를 한 것이다.

■ 광고판 옆을 그냥 지나치는 사람들의 거리 사진은 지루하다.

■ 아무리 후처리해도 평범한 사진을 좋은 사진으로 변형시킬 수는 없다.

■ 온라인 거리 사진의 워터마크는 독자의 관람 경험을 방해한다.

■ 99%의 시간을 당신의 사진을 편집(최고의 이미지를 선택)하는 데 사용하고, 처리 후 I%의 시간만 사용하십시오.

■ 노숙자나 길거리 공연자들을 포착하는 쉬운 유혹은 피하라. 그들의 이국적인 정서에도 불구하고, 다른 주제와 마찬가지로, 그들은 좋은 사진으로 거의 찍지 않는다.

■ 다른 사진가의 포트폴리오를 보지 않은 이상 다른 사진가의 비평을 존중하지 마십시오.

■ 인터넷의 99퍼센트의 사람들은 거리 사진이 무엇인지 모른다. 소셜 미디어 사이트에서 인터넷에서 얻을 수 있는 댓글, 좋아하는 것, 마음에 드는 것을 항상 신뢰하지 마십시오. 오히려, 공적인 거리 사진 비평 그룹(또는 사적인 단체)에 머물러라.

■ 만약 여러분이 프로젝트를 하고 있다면 사진가들이 '그것은 전에 한 적이 있다'고 말함으로써, 여러분의 용기를 꺾어놓는다, 그것들을 무시하라. 전에 너처럼 해본 사람은 아무도 없다.

CAMERAS

사진의 기술적 측면은 그들이 찍은 사진보다 카메라를 더 즐길 수 있는 몇몇 사람들에게 매우 중요하다. 나는 가끔 내가 진행하는 워크샵에서 이 사람들을 마주하고 우리가 걷고 이야기할 때 나는 가능한 사진들이 함께 올 수 있다는 것을 알고 있다. 나는 그들의 말을 듣고 있지만, 거리는 나를 혼란스럽게 한다. 그것은 거리 사진, 방황하고 잠재적인 사진들에 정신이 팔려 있다는 생각이 아닐까?

그들이 장비를 즐기기 때문에 카메라는 사진가를 흥분시키지만, 또한 그들의 사진에 자극을 주기 때문이다. 모든 것을 신선하고 잠재력이 넘치는 것처럼 보이게 하기 위해 새로운 카메라를 갖는 것만큼 좋은 것은 없다. 항상 최신의 '필수' 카메라는 존재하지만, 사진가들이 실제 사용한 카메라가 그들이 찍은 이미지보다 책의 표지에 나타난다면 흥미로울까?

나는 특히 카메라 설정에 관한 한, 기술적인 조언을 하는 것을, 기본을 제외하고는 항상 꺼려한다. 역설적이게도, 최근 나에게 주어진 몇 가지 건전한 조언은 '기술적인 전문용어를 의견으로부터 멀리하라'는 것이었는데, 이것은 나에게 바로 이 개인적인 사진의 측면에 들어가는 유혹을 명확히 해 주었다. 수년간의 경험은, 말하자면, 당신이 편안하고 이해할 수 있는 카메라를 찾는 것을 제외하고는, 때때로 거의 가치가 없다. 당신은 여러 대의 카메라를 가지고 있을 수 있고, 옳고 그른 종류나 제작은 없다. 너무 많은 기술적 조언은 그들이 어떤 음식을 좋아해야 하는지 누군가에게 말하는 것과 같다.

하지만 몇 가지 공통점이 있다. 내 테크닉은 사진을 찍을 수 있도록 그 테크닉을 없애주는 것이다.

진정으로 사진을 찍기 시작했을 때, 나는 수동 니콘 FM2 카메라로 흑백으로만 촬영했다. 나는 항상 1/60 또는 1/125초의 셔터 속도를 가졌고 거의 항상 노란색 필터를 사용했고 그것이 전부였다. 덧붙이자면, 나는 세 개의 렌즈를 사용했고, 35, 50 그리고 때때로 85mm 렌즈를 사용했었다. 85mm는 약간 단독 렌즈로 확실히 극단적이지는 않지만, 좀 더 가까이 다가가는 것이 고마운 경우가 많았다. 이런 종류의 렌즈는 꽤 흔했고 디지털 카메라로 바뀌게 되었다. 간단한 필름 카메라를 고려하기 시작한다면, 디지털 카메라가 사진을 얼마나 복잡하게 만들어 왔는지 깨닫게 된다. 그것들은 많은 장점을 가지고 있지만, 더 나은 사진을 찍지는 못한다. 나는 디지털 카메라에 의해 흥미를 잃었다는 것을 인정하며 때때로 내가 필름으로부터 전환되는 과정에서 무언가를 잃어버렸을 수도 있다는 것을 느꼈다. 프레임 하나하나가 소중하기 때문에 필름은 좋은 습관이다. 당신은 36장의 필름을 한 통만 가지고 있을지도 모르는데, 그것은 당신이 이제 일반적인 메모리 카드가 일상적으로 적어도 그 숫자의 10배를 가지고 있다고 생각할 때 우스꽝스럽게 보인다.

나의 초기 흑백 작업에 대한 온라인 토론에서 나는 내 이미지가 선명한 초점이 맞춰지는 것에 대해 그다지 신경 쓰지 않았다. 나는 이 논평에 약간 놀랐지만, 이것이 타당한 지적이라는 것에 동의한다. 나는 절대적으로 선명한 이미지를 찍는 것에 관심이 없었고, 부분적으로는 낮은 조명 조건에서의 필름 감도가 셔터 속도를 느리게 하기 때문이기도 하지만, 주로 내 관심은 단지 사진을 찍는 것이었기 때문이다. 내 사진은 진화하고 디지털 카메라는 저조도 조건에서 촬영하는 것을 훨씬 쉽게 만들어 주었는데, 이것은 큰 차이점이다. 결과적으로, 내 이미지가 더 선명해졌지만 반드시 더 좋아진 것은 아니다.

나는 요즘 표준 팬케이크pancake 렌즈가 달린 캐논 5D를 주로 사용한다. 나는 보통 카메라가 'P'(프로그래밍 모드) 설정–카메라가 '결정'하는 것을 허락하는-에서 할 수 있지만, 때때로 셔터 속도 우선(또는 캐논의 'Tv' 모드)를 사용하여 사진을 찍을 것이다. 예를 들어, 나는 'tv'를 1/250초 또는 1/500초로 설정할 것이다. 그래서 나의 테크닉은 'P'나 'tv'이고 나는 카메라의 자동 포커스를 사용한다.

그러나 이러한 고려사항들은 모두 본질적으로 내가 사진을 찍을 수 있도록 해주는 습관들-내가 편하게 느끼는 것-이다. 많은 사진가들이 조리개 설정을 조정함으로써 피사계심도를 훨씬 더 고려한다는 것을 알고 있지만, 그것은 나의 습관이 아니다. 길거리 사진촬영을 막 시작한 사람들, 특히 흑백 촬영을 결심하고, 암실 프린트를 결심하는 사람들 때문에 나는 종종 놀란다. 그들은 전통을 느끼고, 만약 내가 진지한 초보자에게 어떤 충고를 한다면, 어느 순간 그들은 흑백 필름으로 찍고 그 필름의 여정을 따라갈 것을 제안하고 싶다. 필름을 제작하고 프린트하는 것은 매우 사려 깊은 경험이다 – 모든 것이 느려지고 더욱 높이 평가된다. 예전에는 많은 사진가들에게 필수적이었지만, 물에 젖은 암실을 잠깐이라도 경험하는 것은, 단도직입적으로, 사진이 진짜 무엇인지 당신을 연결시켜준다.

암실의 작업에 몰두한 많은 사진가들은 포토샵이나 라이트룸과 같은, 데스크톱 편집 셋팅을 습관적으로 사용한다. 그러나 사진은 인화다-우리는 그것을 절대 잊어서는 안 된다. 우리는 항상 사진들을 보지만 좀처럼 그것들을 기억하고 있지 않는다. 책은 소중할 수 있지만 사진 프린트보다 더 좋은 것은 없다.

나는 장비와 기술에만 관한 것이 아니라 내 개인적인 취향의 일부를 여기에 스며들게 했다. 공통점이 있지만 사진가마다 다르다.

이것은 인퍼블릭In-Public 멤버인 폴 러셀Paul Russell의 후기 아날로그 사진의 생활이다:

'디지털이 등장했을 때, 그것은 사진에 대한 나의 관심을 다시 자극했다-LCD로부터의 즉각적인 피드백과 비용에 대한 걱정 없이 엄청난 양의 사진을 찍을 수 있는 능력을 가진 것이 나를 자극했다... 디지털 니콘 D70은 2004년 18~70mm 키트 렌즈와 함께 출시될 때 구매했는데, 지금도 그 렌즈를 사용하고 있다. 나는 또한 디지털이 등장하면서 주로 흑백에서 컬러로 전환했다.

컴팩트compact로 나는 많은 사진을 찍게 되는데, 그 중 아주 적은 퍼센트의 사진을 찍게 되는 반면, SLR은 카메라의 크기 때문에 사진을 거의 찍지 않지만 "관리자keepers"의 비율이 훨씬 더 높다. 완전히 무능한 아마추어처럼 보이고 싶은 상황들이 있고, 컴팩트가 그것에 좋다.

컴팩트 디지털에 대해 고려해야 할 또 다른 점은 디지털 SLR(35mm 필름)의 3:2 비율 대신 보통 4:3의 가로 세로 비율을 준다는 것이다. 이러한 이미지 형상의 차이는 일관된 사진 컬렉션을 만들 때 두통을 일으킬 수 있다.

현재 나는 나의 오래된 키트 줌과 수동 초점 20mm 보이그랜더Voigtlander 렌즈와 함께 값싼 니콘 디지털 SLR을 사용하고 있다. 나는 또한 28mm 렌즈에 내 "크롭crop" SLR을 많이 사용했다. 풀프레임 카메라의 42mm에 해당하는 것으로, 눈이 보는 것과 뷰가 일치하는 렌즈로 가장 가까운 것이다(43mm는 풀프레임의 '표준' 렌즈 또는 35mm 필름 카메라).

APS –C SLR- 풀프레임 모델은 내 취향에 너무 크다. 나는 항상 ISO와 셔터 속도를 주시하면서, 조리개 우선 모드로 촬영한다.'

'조리개, 셔터 속도, ISO 및 노출 보정을 정말로 이해한다면, 당신은 잘못될 수 없다.' PAUL RUSSELL

또 다른 인퍼블릭 사진가, 닐스 조겐센Nils Jorgensen도 비슷한 점을 말했다:

'지금까지 만들어진 거의 모든 카메라와 렌즈를 사용한 수년간의 시행착오 끝에, 나는 내 꿈의 거리 키트를 찾았다. 나는 현재 28~300mm 줌 렌즈가 달린 DSLR을 사용하고 있다. 대부분 나는 카메라를 "P"(물론 "Professional"의 경우) 모드로 했다.'

내 생각엔, 조겐센은 기술적인 관심들을 멀리하고 사진만 찍고 싶어할 것 같다. 모든 사진가들이 줌 렌즈에 익숙하지는 않지만 많은 사진가들이 카메라의 'P'모드에 만족한다.

PREPARING YOUR PHOTOS FOR INSTAGRAM

어떤 카메라, 포스트 프로덕션, 소프트웨어 또는 앱을 사용하는 것이 가장 좋은가? 인스타그램의 이런 창의적인 사진가들은 몇 가지 단서를 제공한다.

SO ASA ｜so.asa

·iPhone. ·Snapseed: 콘트라스트 및 화이트 밸런스, iPone 또는 iPad의 선택적 편집 도구로 약간의 조정.

MELISSA BREYER ｜melbreyer

·Fujifilm X-Pro1. ·Photoshop: 이미지에 따라 자동 톤, 탈색(색상용) 또는 흑백 변환, 커브와 때때로 스트럭쳐로 조정, 닷징/버닝.

DAVID GABERLE ｜davidgaberle

·Fujifilm GFX 50R. ·Lightroom; 크롭 및 때로는 원근감perspective을 수정하고, 올바른 색 프로파일을 선택하며, 노출 조정, 밝기/채도(색상), 이미지에서 개별 색상으로 조정하고, 닷징/버닝과 적절한 화이트 밸런스를 확인하면서 마무리한다. ·Photo app: 폰phone 화면에 대한 최종 조정을 한다.

JESSE MARLOW ｜jessemarlow

·Leica Q2. ·Lightroom: 필요한 경우, 노출, 백색, 흑색, 콘트라스트 및 경미한 크로핑에 대한 기본 조정

GUSTAVO MINAS ｜gustavominas

·Fujifilm X-T2, Fujinon 27mm f2.8 or 18-55mm f2.8-4. ·Lightroom: 클래식한 크롬 프로파일 및 개인 사전 설정 - 노출 및 콘트라스트 조정, RGB 곡선, HSL 패널에서 각 색상을 개별적으로 조정, 크롭 및 원근감 보정, 노이즈 감소, 분할 토닝 및/또는 화이트 밸런스, 그림자 및 하이라이트 톤의 정확한 톤으로 조정, 일부 국부적 조정, 주로 노출 조정을 위한 마스크 사용. ·Instagram's Lux slider; 최종 조정용.

SHIN NOGUCHI ｜shinnochiphotos

·Leica MP ·코닥 공식 연구소에서 개발한 네거티브 필름. ·사전설정된 색상 및 톤 조절이 되는 Mac 스캐너 소프트웨어를 사용하는 니콘 CoolScan 5000ED로 스캐닝. ·Low-res jpg 크기 조정 및 ImageOptimate에 기록된 Exif 날짜 삭제. Send Anywhere 파일 공유 서비스를 통해 iPhone으로 보낸다. ·Mac Simplenote에 제목, 캡션, 해시태그 쓰기. ·아이폰용 Simplenote로 인스타그램에 문자와 함께 게시한다.

RAMMY NURALA ｜rammynarula

·Leica Q and iPhone X. ·Lightroom for Q ·아이폰용 기본 카메라 앱 - 나는 더 높은 콘트라스트와 어두운 그림자를 선호하기 때문에, 더 많은 팝pop을 위해 슬라이더와 선명도와 채도를 사용한다. 노출, 닷징과 버닝은 사진에 달려 있다.

VINEET VOHRA ｜vineet_vohra

·Leica M10, 28mm Summaron, mostly between f11-f16. ·Photoshop CS8: 인스타그램에 포스팅할 때 선명도와 채도를 더하면 된다.

ROZA VULF ｜rozavulf

·Leica M240 with 35mm Summicron or Fujifilm X100S. ·Lightroom: 노출 및 화이트 밸런스 확인, 크로핑 및 원근감 보정(필요한 경우), 콘트라스트 및 곡선 조정 추가(특히 블랙 포인트)

·Whitagram: 때때로 테두리선을 위해 사용된다.

CRAIG WHITEHEAD ｜sixstreetunder

·Fujifilm X-Pro2. ·Lightroom: 노출/화이트 밸런스 등, 곡선 조정 및 HSL 패널, 비틀기tweaks - 때로는 다른 컬러 비틀기에 대응하고 자연스러운 외관을 유지하기 위해 하이라이트 또는 그림자를 위한 소량의 분할 토닝.

·Snapseed: 테두리를 더한다.

THE WIDER CONTEXT

내가 처음 사진에 대해 진지해졌을 때, 내가 관련된 분류는 '인문학적 사진'이었다. 나에게 영감을 준 것은 매그넘 사진가였고 1980년대 후반 '거리 사진'이라는 용어가 유행하지 않았던 것이 기억난다. 이제 막 모든 역사를 따라잡기 시작했으므로, 나의 시각은 조금 좁을 수 있지만, '거리 사진'이라는 용어가 침체되어 있었던 것은 아닐까 하는 생각이 든다.

인퍼블릭의 닉 터핀Nick Turpin은 거리 사진은 사진 그 자체라며 매체의 다른 한 가닥은 거리 사진 주변에 조정해야 한다고 주장한다. 그는 단언한다:

'이제 나는 "거리 사진"은 단순한 형태의 "사진"일 뿐이고, 그것은 매체 자체일 뿐이며, 실제로 정의를 내릴 필요가 있는 또 다른 모든 형태의 사진이다: 풍경, 패션, 포츄레이트, 리포르타주, 예술, 광고... 이것들은 모두 사진 매체에 복잡하게 추가되고, 그것들은 "거리 사진"의 매체로 정의되고, 제한되고, 구분되어야 하는 영역이다.'

어떤 면에서 사진의 역사는 거리 사진에서 불공평했다. 버몬트 뉴홀, 헬무트와 앨리슨 젠스하임, 이언 제프리 등이 매체에 쓴 중요한 역사 중 세 가지를 본다면, 어느 것도 '거리 사진'이라는 용어를 쓰지 않았다. 독서 목록에 관한 확실한 책인, 수전 손택의 사진에 관하여On Photography(1978년)에도 나오는 것은 아니지만, 이것은 약간 현학적인 것이다.

물론, 거리 사진은 거기에 있다; 길거리에서 사진을 찍는 사진가들보다 더 무시하는 경향이 있는, 더 큰 역사에서 그것을 추출하기만 하면 된다.

왜 그렇게 강한 정신력을 가지고 있고 추종하는 거리 사진은, 사진의 일반적인 역사에 묻혀져야 하는가?

거리사진은 어디에 갖다 놓아야 할지, 어떤 목적을 붙여야 할지 모르기 때문에 역사학자들이 뒤숭숭했을 가능성이 높다. 거리 사진은 너무 오랫동안 숨겨져 기능해왔지만, 논란의 여지없이 인터넷에 의해 쓰여진 새로운 역사가 있고, 이것은 그것을 일반 대중과 더 명확하게 구분한다.

거리 사진은 경량 35mm 카메라와 특히 1920년대 중반에 처음 등장한, 오리지널 라이카 카메라의 등장으로 시작되었다. 헝가리 태생인 안드레 케르테즈Andre Kertesz는 그 잠재력을 깨달은 최초의 사진가 중 한 명이었다. 거추장스러운 대형 카메라가 1950년대에 유행했지만, 그때쯤에는 남은 공룡과 같았다. 1960년대까지, 35mm 카메라는 스튜디오 밖 대부분의 사진기자들에게 표준이 되었다. 신기술은 종종 그렇듯이 새로운 태도를 만들어 냈고, 이것은 다른 세대의 사진가들에 의해 받아들여졌다. 매그넘의 멤버 레너드 프리드Leonard Freed가 마주한 사진은 그 새로운 자유를 완벽하게 요약해 준다.

중요한 영향을 포함하는 이러한 역사의 어떤 것이 불가피하게 여기 제시된 프로젝트들, 특히 프로파일에서 나타난다. 같은 이름을 붙이는 소문의 증언이 있는데, 사진가들이 항상 그들을 움직인 사진가들에게 대해 진실한 것이기 때문에 일치될 수는 없다. 그러므로 나는 이 책의 많은 부분을 앙리 카르티에-브레송에 대한 언급으로 강조한 것에 대해 양해를 부탁한다.

하지만, 나는 실제로 대안적인 관점에 만족하고, 예를 들어 스웨덴 사진가 크리스터 스트롬홀름Christer Stromholm에 의해 행해진 사진 수업에 대해 읽으면서, 나는 그가 카르티에-브레송에 대해 취한 입장에 놀랐다. 스트롬홀름의 수업은 1950년대 후반에 시작되었는데-모두 시작되었을 때, 완벽한 시기였다-, 그들은 로버트 프랭크의 '미국 사회의 연구', 에두아르 부바트Edouard Boubat의 '민감하고, 시적인 이미지', 그리고 로버트 드와노의 '매력적이지만 정돈된 사진들'을 다루었다. 유진 스미스는 '도덕주의와 관여'로 높은 순위를 차지했으며, 그들은 스트롬홀름이 '훌륭하지만 절제된' 것으로 여겼던, 케르테즈Kertesz와 카르티에-브레송의 작품에 감탄했다. 이것은 카르띠에-브레송의 작품에 대한 신선하고 완벽하게 타당한 평가다. 그러나 스트롬홀름의 수업은 거리 사진에 대한 것이 아니라, 다큐멘터리와 예술 사진에도 강한 언급이 있는 사진의 감성에 대한 몰입이었다. Once again, the extraction process applies.

풋내기 사진가로서는 1950년대의 세계를 상상하기 어렵다; 역사와 영감을 이용할 수 있는 구글처럼, 공상과학소설 같은 것은 말할 것도 없고, 사진 코너가 잘 갖춰진 책방은 사실상 없었다. 엄격한 유럽 1950년대에는, 암실을 포함한 모든 사진들이 촉각적이었고, '공유' 사진들은 실체적인 경험이었다. 사진 책들은 카메라 클럽에서 공유되었고 1952년에 출판된 까르띠에-브레송의 <결정적인 순간>과 같은 중추적인 책들은 흔치 않은 선물이 되었을 것이다. 나는 영국 사진가 로저 메인Roger Mayne이 카르티에-브레송에 관한 심포지엄에서 사진 역사에서 이 순간을 이야기한 것을 들었는데, 당신은 그 만남이 그와 다른 당시 사람들에게 얼마나 소중한지 느낄 수 있을 것이다. 메인(정반대의)은 이후 1950년대 후반에 장기간에 걸쳐 런던의 노팅힐에서 가까운 한 거리를 촬영했다.

일반적으로 인정받고 있는 역사는 1958년 <결정적 순간>과 로버트 프랭크의 <미국인>이 새로운 종류의 사진에서 촉매제였다는 것이다. 프랭크의 비스듬하고 헐렁한 사진들은 새로운 시도이었고 실제로 그들의 명성을 얻기까지는 몇 년이 걸렸다. 그러나 거리 사진의 역사는 그 두 사진책에 지나치게 집착할 수는 없다. 우리가 오늘날 알고 있는 바와 같이, 거리 사진은 형식적인 것에서 비공식적인 것으로, 변화하는 사회에서 간단히 등장했을 가능성이 있다. 그 유사한 것은 말 그대로 스튜디오를 벗어나 거리에서 사진을 찍는 자유일 것이다. 경량 카메라는 더 빠른 필름 감도와 함께 사용할 수 있었지만, 또한 덜 형식을 차리는 덜 경건한 사회도 있었다. 거리 사진은 여러 면에서 사회적 태도의 변화에 반응했다.

1960년대는 특히 변화의 시기였고, 가장 영향력 있는 거리의 사진가들이 등장한 것은 이 10년 동안이었다. 까르띠에-브레송의 영향력은 결코 흔들리지 않았다; 그의 정확한 기하학과 깜짝 놀랄만한 반향은 계속해서 기준을 세웠지만, 거리 사진을 주류에서 더 고정시킨 것은 카르티에-브레송과 케르테즈로부터 영감을 받은 또 다른 세대였다.

콜린 웨스터벡Colin Westerbeck과 조엘 메이어로위츠Joel Meyerowitz의 ‘구경꾼: 거리 사진의 역사Bystander: A History of Street Photography’는 거리 사진의 상승을 부지런히 기록하고 있으며, 그것은 매우 즐겁고 신뢰할 수 있는 자료다. 그러나 2001년판 페이퍼백paperback 판은 거리사진과 같은 현상으로는 시대에 뒤떨어진 것 같다. 이 책은 모든 것을 변혁하기 직전의 인터넷과 함께 시험적으로 끝난다. 구경꾼의 한 후기는, '이 책에 묘사된 역사를 통틀어, 거리 사진가 집단이 그들의 작품, 그들의 아이디어, 그리고 어떤 경우에는 사회적 목적의식을 공유하기 위해 모인 중요한 시기들이 있었다'라고 말한다. 이것이 얼마나 사실인가, 그러나 똑같이 미래를 가리키는 것일 수도 있다.